PEANUTS, EL CINE Y LOS MEDIOS.

(Publicada originalmente el 10 de febrero de 1963)

Ya es conocida de otras tiras (no todas publicadas aquí, por supuesto) la famosa crueldad de Lucy hacia Charlie Brown. El método de Lucy es muy simple: hacerlo sentir en verdad importante para luego, a sangre fría, hundirlo moral y físicamente. Este último caso se ejemplifica claramente cuando sostiene el balón de futbol, haciendo creer a Charlie Brown que no lo quitará cuando intente patearlo. En esta tira, la ilusión de Charlie Brown de convertirse en un famoso artista se verá destruída gracias a Lucy. Y lo más doloroso, es ver lo lejos que lleva su broma. Esperemos que Charlie no se corte una oreja después.

PREMIOS GOYA 2010

Alberto Amman (Goya a Mejor Actor Revelación), Daniel Monzón (Goya a Mejor Director), Marta Etura (Goya a Mejor Actriz de Reparto) y Luis Tosar (Goya a Mejor Actor) posan con sus respectivos premios al final de la ceremonia de la entrega de los Goya 2010.

Los premios Goya a lo mejor del cine español en el 2009, se han entregado este pasado domingo 14 de febrero, en una noche llena de sorpresas. En la ceremonia, conducida por el actor y comediante catalán Andreu Buenafuente, quien (como casi siempre) se ha robado la noche fue Pedro Almodóvar. Almodóvar entregó el premio a "Mejor Director", con un humorístico comentario al presidente de la Academia de Cine Española "El presidente de la Academia ha estado muy pesado, insistiendo en que viniera a entregar un premio [...] Cuando le he dicho que no, me dice 'Claro, pero en 3 semanas sí te vas a Hollywood a entregar el Oscar a Mejor Película Extranjera'. Ahí, ya no he sabido qué contestar". La gran ganadora de la noche ha sido Celda 211, del realizador Daniel Monzón, que se ha llevado 8 premios Goya, incluyendo el de Mejor Director y el de Mejor Actor para Luis Tosar.

A continuación, la lista de los principales ganadores:

Mejor Película: Celda 211

Mejor Director: Daniel Monzón, por Celda 211

Mejor Actor: Luis Tosar, por Celda 211

Mejor Actriz: Lola Dueñas, por Yo, también.

Mejor Guión: Mateo Gil y Alejandro Amenábar por Agora.

Mejor Película Animada: Planet 51.

Para consultar la lista completa de ganadores, consultar la página especial de los Goya en Fotogramas.

THE WOLFMAN * * * 1/2



Más sangrienta y obscura. Benicio del Toro es el nuevo hombre lobo.



Es una tarea tentadora revivir clásicos del cine de horror de la Universal en la era digital. Ha habido muchas versiones de la historia del “licántropo”, mejor conocido como "hombre lobo". La propia versión de la casa británica Hammer estaba ambientada en España. The Wolf Man (1941), la versión de la Universal, dirigida por George Waggner, es la madre de todas las demás películas sobre hombres lobo. Muchas cosas han mejorado en el remake, The Wolfman (2010), dirigida por Joe Johnston. Para empezar, es una visión gótica, obscura hasta más no poder. La historia está corregida y aumentada, instalándose más atrás, en 1891, entre Londres y la campiña británica.

 

La trama está construida por una serie de complejas relaciones y decesos familiares; traiciones, traumas del pasado y deseos de venganza. El protagonista tiene un nombre, Lawrence Talbot (Benicio del Toro, físicamente inmejorable para el papel), un actor shakespeareano residente en Nueva York. De gira en Inglaterra, Lawrence recibe la noticia de que su hermano ha sido asesinado por una bestia diabólica, por lo que decide quedarse a investigar quién -o qué- mató a su hermano. Su cuñada, Gwen (Emily Blunt), se encuentra en duelo, acompañando a su solitario suegro (Sir Anthony Hopkins). Sin embargo, una noche, tratando de enfrentar a la bestia, Talbot encontrará su trágico destino  en la “maldición” gitana del hombre lobo.

Me ha gustado esta nueva visión. Se encuentra entre lo que parece la adaptación de una novela gráfica y una novela gótica de horror victoriana. Además, el monstruo ahora sí parece un lobo, y no la especie de cruza entre jabalí y felino de la película original. No nada más anda en dos piernas, sino que, de vez en cuando -y desafiando las leyes de la motricidad- también anda a cuatro patas. Esto gracias al increíble trabajo de maquillaje del maestro Rick Baker (ganador del Oscar a "Mejor Maquillaje" este año). No puedo dejar de mencionar el impresionante tratamiento gore. Johnston no duda en poner en primer plano descabezamientos, mutilaciones, destripamientos, etc. En una escena (de las mejores), Talbot está amarrado a una silla dentro de un hospital psiquiátrico, advirtiéndoles a todos que huyan o los matará. La luna llena está en el cielo y lo que verán no les va a gustar mucho. Tenemos una auténtica película de terror gore que no se anda con pequeñeces.

Hay muchos elementos de la película original que se conservaron, como el personaje de la gitana (Geraldine Chaplin). Aunque Sir. John Talbot tiene aquí un aire más desaliñado y trágico a cargo de Anthony Hopkins, la carga emocional que lleva es casi la misma del refinado y culto Talbot interpretado por Claude Reins, en la película original. Me olvidaba mencionar que se agrega el personaje de un detective, interrpetado por Hugo Weaving.

The Wolfman no pretende ser más que una película de terror palomera. Si bien no tiene grandes actuaciones (incluso Anthony Hopkins no está a su máxima capacidad), el reparto cumple en su justa medida. Si hay una queja de mi parte, es que he echado de menos el romance y el humor involuntario de la película original. Acaba pesando un aura demasiado sombría en todos y cada uno de los personajes.

PEANUTS, EL CINE Y LOS MEDIOS.

(Publicada originalmente el 24 de enero de 1963)

Creo que todo niño ha soñado alguna vez con trabajar en alguna profesión imaginaria. He sabido de muchas de estas profesiones, pero es la primera vez que escucho de algo como un "deletreador". Linus es bueno deletreando, y quiere ser de mayor un "deletreador". Así de sencillo. Uno nunca sabe. Quizás algún día, en un futuro no muy lejano, se requieran de "deletreadores" profesionales. A veces, los que nos dedicamos a escribir los necesitamos. Y usted, estimado lector, ¿con qué soñaba ser de mayor?

EL CARTEL

PRECIOUS * * * *

Para Precious se produjo una pequeña serie de 4 carteles. Todos y cada uno de ellos me han gustado. El mejor, para mi gusto, es el que se ha utilizado para el estreno, una sencilla pintura que resume, en unas cuantas pinceladas, la esencia del personaje principal, interpretada por la actriz Gabourey Sidibe. Una cosa en común que tienen éste y los demás carteles, es que uno de sus temas visuales es la obesidad de la actriz. Lo interesante, es ver cómo lo han sabido manejar los diseñadores sin que resulte exageradamente obvio. En el caso de esta pintura (por cierto, muy expresionista), a través de pinceladas gruesas, bruscas en su trazo, se ha sabido hacer una especie de retrato de la actriz sugiriendo su obesidad sutilmente. Llama la atención el hecho de que no tiene rostro, lo que, irónicamente, hace todavía más atractiva la pintura. Simbólicamente, nos habla de un personaje en búsqueda de su identidad, pero también de una decisión estética del artista para crear en nosotros una empatía más profunda con Precious, nombre del personaje. Al ver el cartel queremos saber más de ella. Apenas 3 colores se han utilizado, y me ha gustado también la idea de poner el título de la película colgado en el collar. El resto de la tipografía es más que simple y de tamaño discreto, tan sólo para los nombres de los actores y los créditos. Por otro lado, también me ha gustado un cartel que ha recurrido a la ilustración como técnica principal, con un fondo naranja y el personaje de Precious en el centro, simbólicamente fragmentado por una mano, perfilada por los mismos trozos de la figura. Un cartel rico en significados y en texturas al mismo tiempo. Difícil decisión decantarse por uno u otro, ya que ambos son magníficos. Es una lástima que en España no hayan utilizado ni uno ni otro. Ha sucedido lo mismo que con Noise: se ha utilizado un cartel en extremo convencional y que parece extraído directo de la caja del DVD.

LUNA CALIENTE * * * *

El cartel de Luna Caliente, la nueva película de Vicente Aranda, es un trabajo tan retro que, al verlo por primera vez, parece de una película de los 1970-1980. Es un cartel con cierta carga erótica, y es notable cómo el tema del beso pasional ha sido plasmado con una técnica, más bien, bidimensional. Si acaso, nada más hay algo de volumen en los labios del rostro superior. Cromáticamente es de una paleta neutra, y como es de esperarse en un cartel de temática romántico-erótica, el rojo está muy presente. Por otro lado, es un cartel de una evidente ambigüedad. La boca gris sugiere una boca femenina, pero también podría ser masculina. El color gris le da una ausencia de identidad. De esta boca gris escurre sangre, con implicaciones simbólicas sobre el dolor físico del amor, pero también del sufrimiento anímico. En resumen, un cartel que apuesta por el minimalismo, en un tema que puede llegar a ser tan complicado visualmente como el del amor erótico, sugerido aquí simbólicamente por unas cuantas líneas curvas.

EN EL MUSEO

Todavía quedan unos días para visitar la exposición "Alfonso Reyes y los territorios del arte", en el Museo Nacional de Arte, en la Ciudad de México. Dedicada al escritor y promotor cultural mexicano Alfonso Reyes, quien es considerado como uno de los pioneros de la crítica de cine en este país latinoamericano, la exposición tiene una parte dedicada al cine. Lo curioso, es que Reyes empezó publicando sus primeras críticas de cine no en México, sino en España, en la "Revista Española", de 1915 a 1918, bajo el pseudónimo de "Fósforo". Durante este autoexilio en la península, la crítica de cine escrita por Reyes destacaba por hacer incapié en aspectos técnicos y experimentales, en el que admiró el trabajo de Chaplin, y dedicó reseñas a películas como Cristóbal Colón (1904) de Vincent Lorant-Heilbron, así como a otras películas del cine italiano silente. Alfonso Reyes fue de los pocos críticos que, en la primera etapa del cine, lo vislumbró como"una nueva forma de arte".

La exposición estará abierta hasta el próximo 14 de febrero. Por otro lado, puede admirarse una pequeña serie de grabados de Goya, así como su cuadro (en pequeño formato) "Estudio de la Duquesa de Alba", de 1796. Junto a la exposición, se presenta un ciclo de cine titulado "El cine que vió Fósforo", en el que se podrán apreciar varios cortos de Chaplin, como The Fireman (1916). Si se anima, todavía puede alcanzar a ver, a partir del próximo viernes 12 de febrero, la serie "Fantomas" (1913), de Louis Feuillade, y más cortos de Chaplin, como A Burlesque on Carmen (1915) y The Floorwalker (1916).

Para más información, visitar la página web del museo.

Y...¿CÓMO LE PONEMOS?

Pero qué importa si soy rana o sapo. ¡Sólo bésame preciosa!

Damos inicio a esta sección con una película animada. Se trata de The Princess and the Frog, una producción animada enteramente producida por la Disney (entiéndase, sin estar asociada con la Pixar), realizada con animación bidimensional. La película ha sido bien recibida por la crítica y se encuentra nominada a "Mejor Película Animada" en la entrega de los Oscares el próximo 7 de marzo. Es una muestra de que todavía la animación bidimensional se encuentra vigente, a pesar de que la mayoría de las películas animadas ya son realizadas con animación tridimensional. En España ha quedado con el aceptable título de "Tiana y el Sapo". Lo que no he podido entender, es por qué se ha traducido en toda Latinoamérica y España como "sapo" en lugar de "rana", como dice el título original. ¿Será porque en los cuentos clásicos de hadas en estos países, siempre se ha optado por que el príncipe encantado haya sido convertido en sapo y no en rana? ¿Será para que suene en español más "armónico"? ¿Suena mejor “La Princesa y el Sapo” en lugar de “La Princesa y la Rana”? En lo personal, suena bien y sin problemas la segunda opción. Por otro lado, tampoco le hace mucho daño a la película que haya quedado como "sapo". Extraña decisión de la Disney en países de habla hispana. Como sea, aquí van títulos de otros países. Llama la atención cómo algunos se apegaron al título original, como Italia, con el título "La principessa e il ranocchio."

A Princesa e o Sapo - Brasil y Portugal
Принцесса и лягушка - Rusia
De prinses en de kikker - Holanda
I prigipissa kai o vatrahos - Grecia
Küss den Frosch - Alemania
Ksiezniczka i zaba – Polonia
La princesse et la grenouille - Francia
Prenses ve Kurbaga - Turquía
Princesa in zabec - Eslovenia
Prinsessa ja sammakko - Finlandia
Prinsessan och grodan – Suecia
Prinsessen og frøen - Dinamarca
Prinsessen og frosken - Noruega

Vamos ahora con una película que, si bien no he visto, sí he escuchado que es un soberano churro. Me refiero a All About Steve, protagonizada por Sandra Bullock, y que en España ha sido titulada con un título tan cliché como suele suceder en estos casos, "Loca Obsesión." Entiendo que hay de obsesiones a obsesiones, pero creo que, por lo regular, todas ellas son algo locas. Por lo tanto, el título en español es algo redundante. No sé cuantas películas en el pasado han llevado un título exactamente igual. Por lo regular, una obsesión en un título puede er “mortal”, “dulce”, “letal”, “divina”, “peligrosa”, “asesina” y, como en este caso, “loca”. En México no han sido más ingeniosos, con el maravilloso título “Alocada obsesión”. Ahora, seamos honestos, tampoco el título original es muy ingenioso que digamos. Apenas me alcanzaría el espacio para hacer una lista con títulos en inglés que lleven la frase “All About…”.

Terminamos con los buenos títulos de la semana. Precious: Based on the Novel Push by Sapphire, una de las favoritas para llevarse el Oscar a "Mejor Película" este año, ha quedado acortado como “Precious”, que es el nombre de su personaje principal, aunque esconde muchos significados si se tradujera. The Road, protagonizada por Viggo Mortensen, ha quedado en segundo plano (y entre paréntesis) como "La Carretera";mientras que The Stepfather se ha titulado sin problemas como “El Padrastro”. Una franquicia que desconozco, OSS 17: Rio ne répond plus, sobre un detective francés (parodia de James Bond) ha quedado aceptablemente como “OSS 17: Perdido en Rio”.

QUOTES

Jaaames, ¿en verdad crees que llevar todo esto encima mejora nuestro trabajo?

"No me gusta ensayar mucho. Le digo a mis actores que pueden improvisar o usar mis diálogos. Todos dicen a veces ¡Wow! Qué genial director soy, o con estilo. Honestamente, no es más que flojera, falta de profesionalismo e impaciencia." Woody Allen.

"Esta tecnología (el motion capture) no pretende substituir a los actores, sino mejorar su trabajo" James Cameron sobre Avatar, su reciente y multinominada película en la próxima entrega de los Oscares.

"Veo que es fácil conseguir un asiento en el bar durante los eventos para compradores de películas. En el reciente American Film Market en los Angeles, fue realmente fácil. Así que, 2010 va a ser un año duro; creo que la financiación para películas independientes bajará, por lo menos, un 50%." Arianna Bocco, vice presidenta de adquisiciones en IFC Films.

"¡Excellent movie! It's fun, it has zombie survival tips, zombie culture facts. Plus, this is another reminder that zombies have evolved. They are not the slow brain-eaters anymore. They run fast, they are angry, and like "28 Days Later" set it up, they are on rage!" Pandy, lectora de este blog, sobre Zombieland.

"Yo creo que es, precisamente, la fantasía tan increíble que tiene la historia (tan solo hay que pensar en lo absurdo que es llevarse la casa "a cuestas"), lo que hace que la historia sea más creíble y, por ello, más humana. Pienso que es la película más humana que han hecho los de Pixar." Jaume, lector de este blog, sobre Up.

PEANUTS, EL CINE Y LOS MEDIOS

(Originalmente publicada el 23 de diciembre de 1962)

Es típico que siempre en un salón de clase haya alguien que quiera sobresalir. Linus está decidido, muy humildemente, a destacar en el "muestra y platica", llevando unas transcripciones que hizo de los rollos del Mar Muerto. No hay nada de malo en esto, digo, si no quieres que te odie medio salón de clase o... bajarle un poco la moral a tu mejor amigo. Si yo fuera Charlie Brown, hubiera llevado a Snoopy, como "el único perro que duerme en el techo de su casa".

EL CARTEL

INVICTUS * * * 1/2

Diseñado por el despacho The Cimarron Group, el cartel de Invictus es, en general, un fotomontaje muy básico. Su composición es uno de los puntos fuertes, cuyo atractivo radica en las miradas de Nelson Mandela (Morgan Freeman) y Francois Pienaar (Matt Damon). El primero parece mirar desde el cielo, como "ángel guardián", al triunfante Pienaar en los juegos de rugby. Ese fondo blanco, de una luz incandescente, le da un aura de divinidad a Nelson Mandela. Para no “contaminar” o invadir este fondo blanco, la opción ha sido colocar el retrato de Damon dentro de la espalda de Morgan Freeman. Esto logra, a su vez, una contraposición de miradas interesante. No es del todo gratuito que Mandela nos de la espalda y que se oculte parcialmente su rostro. Esto le da un aire más inalcanzable, de misterio y algo de anonimato. Es lo que le da más atractivo al cartel: el ocultar la identidad del personaje más importante de la historia. Por otro lado, el efecto de disolvencia de la imagen de Francois Pienaar, le da una característica simbólica a toda la imagen. Parece que Mandela está pensando en el equipo de rugby, incluso cuidándolo y resguardándolo. En cuanto a la tipografía, el cartel es limpio. El diseño tipográfico del título es más que sencillo, con una tipografía rígida, al igual que el de los nombres de los actores, cuyos apellidos están resaltados en rojo. El tagline es bueno: "His people needed a leader. He gave them a champion" (Su pueblo necesitaba un lider. Él les dio un campeón), y traduce la idea mesiánica, de divinidad, para Mandela en el cartel.

THE HURT LOCKER * * * 1/2

El cartel de estreno de The Hurt Locker me ha llamado la atención por la idea "documental" que maneja. Es un cartel 100 por ciento fotográfico, y de verlo nos pone en un doble dilema si no hemos visto la película: ¿Se trata de un documental sobre la guerra? ¿Es una historia de ficción sobre un soldado encargado de buscar bombas y desactivarlas? Yo no he visto la película, y el cartel me invita más a pensar en lo primero. En realidad, la película (con excelentes críticas hasta el momento) es una historia ficticia ambientada en la guerra de Irak. La fotografía me parece adecuada para el cartel, en especial, por el punto de vista cenital, que nos muestra mucho mejor la actividad que está realizando el miembro del escuadrón de bombas. Este punto de vista nos lo muestra en una situación delicada y peligrosa: rodeado de las bombas, sosteniéndolas con aparente poco cuidado. El diseño tipográfico del título es magnífico. Maneja distintos puntajes en cada palabra, una encima de otra y en distintas posiciones. Su color rojo remite al color de los cables de las bombas, y me ha gustado mucho la textura desgastada. El tagline es sarcástico y humorístico al mismo tiempo: "You don’t have to be a hero to do this job. But it helps.” Es una lástima verlo tan saturado de quotes en la parte superior. En el diseño del título en el cartel español se ha invertido la posición de las palabras.

MY SISTER'S KEEPER * * * *

"My Sister's Keeper" es un difícil melodrama sobre una madre que luchará porque su hija done un riñón a su hermana enferma de leucemia.

Toda su vida Anna (Abigail Breslin, cada vez mejor como joven actriz) ha sido como un conejillo de indias para su familia. Y como dice al principio de My Sister’s Keeper (2009), durante su atractiva secuencia de créditos, hay varias formas de ser concebido: por amor, por accidente o, como en su caso, de manera “artificial”. Anna ha sido “diseñada” o “construída” para ser, genéticamente, compatible con su hermana mayor, quien padece leucemia. Anna ha donado desde siempre médula ósea, sangre, y todo lo que necesitara su hermana mayor en su tratamiento.

My Sister’s Keeper es una película conmovedora y, en muchos momentos, difícil de ver. Narrativamente es desafiante. Lo más interesante del asunto, es que a pesar de tener una historia que sigue los convencionalismos de un telefilme, su forma de ser contada es a través de largos flashbacks. Los flashbacks nos van mostrando cómo la vida de los Fitzgerald de ser idílicamente feliz, se fue ensombreciendo a raíz de la enfermedad de Kate, interpretada soberbiamente por Sofia Vassilieva. Es una actuación que te duele, te impresiona y te deja, hasta el final, con un nudo en la garganta. Kate ha recibido todas las atenciones posibles de su padre (Jason Patric) y su madre (Cameron Diaz). Anna, cansada de ser tratada como una rata de laboratorio, como un objeto relegado, demandará a su madre para obtener “emancipación médica” y librarse de tener que donar un riñón que podría salvar a Kate. Algo que, supongo yo, nada más puede pasar en Estados Unidos.

Lo que al principio nos puede parecer una cosa risible, empezando por el abogado al que recurre Anne (interpretado por Alec Baldwin), que se anuncia en televisión, tiene pésima fama y acude a la corte acompañado por su perro, a lo largo de la película acaba por tener sentido. Vemos morir lentamente a Kate, ser consumida por las quimioterapias, vivir rápidamente el amor con otro chico igualmente padeciendo de cáncer. Mientras, vemos por igual la lucha de la madre, también abogada, para obligar a su hija de once años a donar su riñón.

Un realizador tan eficiente para el melodrama como Nick Cassavetes, sabe cómo hacer la historia no nada más visible, sacando de todo su reparto magníficas actuaciones (Cameron Diaz se rasuró la cabeza para una secuencia), sino hacer creíble el drama que presenta y mostrarlo con escenas de belleza lírica (el dibujo hecho pedazos que es llevado por el aire). Cassavetes no quiere que My Sister’s Keeper sea un melodrama lacrimógeno, ni un tedioso filme de juzgado. Le interesa mostrarnos más la evolución en la relación entre las hermanas, el estoico proceso de aceptación de la muerte en una chica de 15 años, al igual que el universo interior de padres que han perdido un hijo o hija en el camino (la juez interpretada por Joan Cusak), o aquellos que, comprensiblemente, se niegan a aceptar una posible futura pérdida.

ESTRENO: INVICTUS * * * 1/2

Morgan Freeman por fín encarna a Nelson Mandela en "Invictus" (2009), una gran actuación en la que es ya su tercera colaboración con Clint Eastwood.

El más reciente filme de Clint Eastwood puede crear falsas expectativas. Se puede llegar a pensar que es un filme de temática deportiva, es decir, sobre el rugby, un deporte que tan sólo es popular en algunos países anglosajones (se parece al fútbol americano, sólo que los jugadores están sin casco y sin protección alguna). O, se puede pensar también que estamos ante un melodrama político, que habla sobre la llegada del carismático líder Nelson Mandela al poder en 1994. De hecho, uno no se equivocaría si cree una cosa u otra, aunque en realidad, Invictus (2009) es las dos cosas a la vez.

En su tercera colaboración con Eastwood, Morgan Freeman finalmente encarna a Nelson Mandela, con la maestría y naturalidad que siempre lo han caracterizado. A diferencia de los papeles secundarios que hizo en Unforgiven o Million Dollar Baby, aquí Freeman brilla de principio a fin, con su Mandela de mirada cansada pero espíritu inquebrantable. La actuación de Morgan Freeman es lo mejor en la película, con todo y que no me ha entusiasmado tanto como yo esperaba; tanto como lo hizo en su momento Gran Torino o el díptico de Eastwood sobre la guerra en la isla de Iwo Jima. Pero me ha gustado, y no nada más Freeman luce soberbio, sino que Matt Damon interpreta, con una efectividad pocas veces vista en él, al capitán del equipo sudafricano de rugby, Francois Pienaar.

El Nelson Mandela de Invictus, título de un poema victoriano escrito por William Ernest Henley, que sirvió a Mandela de inspiración en sus momentos más difíciles en prisión, es un hombre que busca, ante todo, la paz y unión entre los afrikaners (los ciudadanos blancos) y el pueblo negro. Eastwood logra transmitirlo, de manera simple y simbólica, en ese equipo de guardaespaldas, encabezado por un disciplinado hombre negro, que no ve con buenos ojos que el presidente los haga formar equipo con un grupo de afrikaners. ¿Qué es lo que los hará confraternizar y unirse? Nada menos que el fervor del rugby. Mandela verá en Pienaar y en el equipo de rugby, a unos íconos más que viables para transmitir sus ideas de fraternidad y fuerza nacional, en una época (año 1995) en la que el mundo veía a esta pequeña nación fragmentada con mucha desconfianza.

No hay por qué asustarse, no hace falta ser un aficionado al rugby para disfrutar de la película. Los partidos de rugby están filmados extraordinariamente, y yo, que no se nada de este deporte, disfrute viéndolos, gracias a unas tomas que te colocan en medio de la acción misma. Lo interesante, es ver cómo hay momentos en que Clint parece jugar con nuestras expectativas en la trama. Me refiero a esos instantes en que parece que va a suceder algo grande, algo verdaderamente trágico, como para transformar al relato en un thriller político (¿Los conductores de esa vagoneta atentarán contra Mandela? ¿Ese niño estará a punto de cometer un atentado? ¿El avión ira a estrellarse en el estadio de rugby?), y pasa algo completamente diferente a lo que esperábamos.

Invictus es una historia con final feliz, y hasta ese momento mantiene su tono de melodrama amable y optimista. No hay mucha política y sí mucho rugby. Vamos, que el Mandela que Clint retrata en Invictus, es el de un aficionado al rugby que prefería dejar una reunión con altos políticos de Taiwan, para enterarse del marcador de un partido contra Australia.

++ Lo mejor: La actuación de Morgan Freeman y la escena de la visita a la celda que ocupó el verdadero Nelson Mandela.
++ Lo peor: Que la historia a veces cae en cierto letargo.

HOLLYWOOD ENDING * * * 1/2

En Hollywood Ending, Woody Allen plantea una metafórica y, a la vez, cómica premisa, sobre un director de cine con cegera psicosomática.

No es la película más popular de Woody Allen, tal vez casi nadie la recuerde, pero Hollywood Ending (2002) tiene una idea argumental atractiva: un realizador de cine que sufre de ceguera psicosomática. Ese realizador no es más que el mismo Woody, que protagoniza también la película, configurando una caricatura de sí mismo, graciosa y lastimosa al mismo tiempo. Woody da vida al hipocondríaco realizador de cine Val, atravesando una mala racha dirigiendo comerciales. Su gran oportunidad de regresar como un respetable director, será dirigiendo un melodrama romántico de época. No será fácil, ya que el productor que lo ha contratado es la actual pareja de su ex esposa (Tea Leoni), también productora, quien ha depositado una fe “ciega” en él para el proyecto.

De alguna manera, Hollywood Ending está hermanada con Bullets Over Broadway (1994), esa obrita maestra de Allen, sobre el gángster que dirige la obra teatral escrita por otro. Por supuesto, Hollywood Ending no llega a las alturas de Bullets. En el experimento del “cine dentro del cine” de Woody, llevado a un territorio cómico, hay una ligera crítica al star system, al estilo de producir de Hollywood, así como también una burla sutil al cine independiente y a los realizadores con desplantes creativos extravagantes. La insistencia de Val por contratar a un fotógrafo chino nada más por esas “magníficas texturas que logra un realizador extranjero”, da a la película momentos graciosos a través de la presencia del traductor, que tendrá un doble trabajo en el rodaje. Val dirigirá la película estando ciego, algo que se antoja imposible y descabellado (nadie en el set se da cuenta de su ceguera), tomando decisiones cruciales para el diseño de producción y la dirección de actores, sin ver siquiera los objetos que elige para cada escena, los lugares donde sitúa la cámara, o los movimientos de los actores.

Desde el inicio ya sabemos que el resultado del trabajo de Val será desastroso. Durante el par de veces que he visto la película, he gozado viendo el ambiente de locura que logra Woody en el set de filmación, que, irónicamente, está bella y suavemente iluminada por el fotógrafo Wedigo von Schultzendorff. En general, es el Woody Allen interpretando al mismo personaje neurótico, nervioso y al borde de la locura; también es predecible cuál será el final de su aventura cinematográfica al lado de su ex esposa. Sin embargo, Hollywood Ending es una muestra más de la capacidad de Woody Allen para burlarse del mundo del cine, junto a la magistral The Purple Rose of Cairo, un mundo que conoce más que bien.

+El DVD contiene de extras: ficha técnica, ficha artística, ficha de doblaje, trailers, "Woody Allen: Entrevista en Cannes" y un juego puzzle.

EL CARTEL

NOISE * * * *

El cartel de Noise es de lo mejor esta semana, protagonizada por Tim Robbins y que se estrena tardíamente en España (¡Es del 2007! ¿Qué caso tenía?). La película trata sobre un tipo neurótico e intolerante, interpretado magníficamente por Robbins, que pretende acabar con el problema de las alarmas ruidosas de los coches…destruyéndolos. El cartel logra reflejar de una manera genial la psicosis del personaje de Robbins, de una forma gráficamente atractiva, moderna y minimalista al mismo tiempo. La idea visual se basa simplemente en un altísimo contraste del retrato de Robbins, colocando simbólicamente encima de su cabeza toda una serie de elementos fácilmente reconocibles, referentes al tema del sonido: una serie de rayas altas y bajas que miden frecuencias de sonido y los edificios están representados como barras de ecualizador. Todo está fusionado con el título. Si hay un pero que le pongo al cartel, es ese cielo detrás del título. Sale sobrando y desarmoniza al cartel. Con todo, es un gran cartel, con mucha fuerza, en especial, por la intrigante expresión de Robbins. El tagline es irónico: “The difference is I do something about it”. El cartel utilizado en España es, por el contrario, un trabajo de lo más simple y sin pizca de creatividad. Su única idea es poner una capa translúcida encima del retrato de Robbins, con una serie de registros de sonido en blanco y negro. Apenas y como portada del DVD funcionaría. Ah y por cierto, este no es el espacio para esto pero...¡qué pésimo título en español!

NINE * * * * (y * * * 1/2 para el cartel "teatral")

Hubo dos carteles de Nine que llamaron mi atención. Uno de ellos -el mejor para mi gusto-, es el que muestra un enorme poster pegado en un muro, con los retratos de las cuatro actrices principales, y con Daniel Day Lewis caminando junto a un coche. Lo que me gusta es que es uno de esos carteles que juegan con la idea del cartel dentro del cartel, además de hacer una combinación de elementos de diferentes escalas y tamaños. El fotomontaje luce bien y consigue un efecto armónico. El poster del muro se aprovecha para colocar el nombre de todas las actrices, el nombre del realizador, Rob Marshall, y además, el título del filme, con cada letra encima de una fotografía. Es impresionante la cantidad de información que se pudo colocar en este cartel sin que luzca saturado. Otro mérito es que todo el cartel te transmite una atmósfera muy “italiana”, en referencia al tagline “This holiday season be Italian”. El segundo cartel, es uno que maneja un concepto más teatral. De hecho, funcionaría de maravilla como cartel de la versión teatral. Su idea efectista me ha gustado, con ese gran destello de luz proveniente del fondo, detrás de toda la escenografía. Es un cartel fotográfico, es verdad, pero su fotografía está bien ejecutada. El blanco y negro le viene bien para todo el juego de luces y sombras que presenta. Ver a Daniel Day Lewis caminando sobre el borde del sofá, le da cierta atmósfera mágica a todo el cartel en conjunto.

PEANUTS, EL CINE Y LOS MEDIOS

(Publicada el 18 de diciembre de 1962)

De nuevo, las estadísticas están en contra de Snoopy. Al menos, no le están dejando disfrutar su situación como perro privilegiado con casa. Tiene su lugar dentro de la sociedad, y aún así, ya se siente culpable. En el caso de Snoopy, se puede aplicar muy literalmente el hecho de que tiene un "techo para dormir". Y vaya que sabe usar el techo para dormir.