viernes, 1 de mayo de 2009

EL CARTEL (FESTIVALES)

Ante la crítica falta de buenos carteles de estrenos que valga la pena reseñar esta semana, se me ha ocurrido hacer una reseña de carteles de festivales recientes, donde si bien no hay piezas destacables, sí lo suficientemente interesantes como para dedicarles una pequeña reseña.


Festival de Cannes * * 1/2

Me adelantaré a comentar el cartel de la 62° edición del Festival de Cannes, a celebrarse a mediados de mayo. No me convence mucho un cartel cuando depende casi en su totalidad de una fotografía, y este es el caso del cartel del Festival de Cannes, diseñado por Annick Durban. El fotograma que Durban decidió colocar en el cartel, proviene de la película L’avventura (1960), de Michelangelo Antonioni, con la actriz Monica Vitti dándonos la espalda mientras observa un paisaje. La imagen es bella y poética, además de que se encuentra bien integrada con el resto de los elementos gráficos, en específico, el fondo negro que predomina. Me hubiera gustado que la imagen se hubiera trabajado digitalmente, para así obtener efectos gráficos más interesantes y atrayentes. Debajo tenemos una barra de colores, que de derecha a izquierda empieza con negro, y luego un rojo que se extiende hasta el final. Encima, vemos los tres colores primarios para una impresión: cian, magenta y amarillo. La información que da se reduce a la fecha del festival y el título, con una tipografía de diseño sencillo. El resultado es agradable, aunque nada que roce lo extraordinario, para ser el cartel de uno de los festivales más importantes del mundo. Para una propuesta minimalista como esta, hay que ser más creativo para obtener un resultado memorable.




Barcelona Asian Film Festival * * *

El mejor festival en España dedicado al cine asiático tiene lugar en Barcelona. Su cartel de este año es 100 por ciento tipográfico. Si bien me hubiera gustado más una propuesta que hiciera alusión a la cinematografía asiática, trabajada con originalidad gráfica, el diseño tipográfico es extraordinario. Las iniciales parecen estar hechas de vidrio, de tonalidades verdosas, incluyendo volumen y profundidad. No encuentro mucha justificación a esas flores que simulan crecer y enredarse por todas las letras, más que el verse bonitas. Me declaro ignorante en materia de flores, por lo que supongo que debe ser alguna especie de flor asiática. Nuevamente, tenemos un cartel que nos proporciona la información esencial, en la fecha y el nombre del festival. Esto nos da una lectura básica y sencilla, de arriba a abajo. Un buen trabajo que se salva de caer en la sobriedad gracias a ese diseño tipográfico, que hubiera podido servir como logotipo si se sintetizara todavía más.





Festival Internacional de Cinema de Tarragona * * * 1/2

De entre los mejores carteles que he podido ver de un festival hasta ahora, es el del REC09, que llega a su fin este 2 de mayo. Su formato es más rectangular, y me agradó mucho su buena combinación tipográfica y de montaje de imágenes, todo sobre un fondo azul. El cartel habla de un festival que quiere mantener un corte más cultural que comercial, al no recurrir a imágenes fotográficas. Es austero en su concepto gráfico, aunque esto no debe de confundirse con minimalismo. Ese par de manos, con seguridad, se tomaron de un stock de imágenes, incluyendo la cámara cinematográfica, pero su atractivo y encanto residen en la manera de integrarlos y combinarlos. Logra una idea simbólica sobre la cinematografía como arte y técnica unidos. La gran cantidad de información está bien acomodada, sin que se note saturado el cartel, aunque me parece repetitivo volver a poner el nombre del festival en la esquina inferior derecha, cuando ya se encuentra de mayor tamaño en la parte superior. Con sus pocos peros, acaba siendo un buen cartel.

SABIAS QUE...

"¡¡Ya me dijeron que tú empezaste a decirme 'demonio' Herzog!!"






Por sus arranques de ira con casi todo el staff de filmación de Fitzcarraldo (1982), de Werner Herzog, su protagonista, Klaus Kinski, fue considerado por los nativos del Amazonas como una especie de demonio.

Tomó a 1,175 animadores trabajar en los estudios Disney de Burbank California, en Orlando Florida y en Paris, para completar la versión animada de Tarzan (1999). Debido a las diferencias de horario, la producción tuvo lugar las 24 horas del día sin interrumpciones, durante más de 3 años.

El nombre del perro en How The Grinch Stole Christmas (2000) es Max.

La palabra “nerd” fue inventada por el Dr. Seuss en su libro “If I ran the Zoo”.

En el clásico animado de Disney, Fantasia (1940), el nombre del mago es “Yensid”, es decir, "Disney" al revés.

jueves, 30 de abril de 2009

EL CARTEL...CLÁSICO

La informalidad en su tipografía y el juego simbólico de tamaños en los personajes, en el cartel de One Hundred and One Dalmatians (1961)

En México se celebra este 30 de abril el "Día del niño". En España se celebró el pasado 15 de abril, por lo que me pareció una buena idea dedicar la reseña de esta semana al cartel de alguna película de la Disney. Observando los carteles de muchas películas antiguas de Walt Disney, el de One Hundred and One Dalmatians (1961), fue de los pocos que rompen con la trillada composición en “S”. Por más que quise incluir algún cartel de Fantasia (1940), ninguno me pareció tan bueno en comparación con la gran obra de animación que es, lo mismo que los carteles de Snow White and the Seven Dwarfs (1937). En deuda con la celebración del "Día del niño" de hace 15 días en la península, y hoy con México, dedico la sección a todos los niños quienes, con seguridad, no están leyendo esto.

Los carteles de la Disney, en general, se caracterizaban por un diseño en extremo sencillo, para ser más accesibles a su público principal, los niños. No contenían demasiada información, eran sencillos de leer visualmente, y una constante en ellos era poner la mayor cantidad de personajes posibles, como sucede en el cartel de One Hundred and… El diseñador del cartel hizo muchos esfuerzos para que no pareciera saturado. En la parte de abajo, acomodó lo mejor que pudo al resto de personajes secundarios, los animales de la granja en la parte derecha y a los villanos en la parte izquierda, incluyendo a la famosa Cruella De Vil.



La lograda versión horizontal se basa en una interesante composición circular y más información escrita.

Lo que sorprende es que, con todo y la numerosa cantidad de elementos (hay una lograda versión horizontal que tiene mucho más), su composición se siente muy relajada. La pareja de dálmatas, formada por Pongo y Perdita, ocupan el primer lugar en la composición triangular, rodeados por los cachorros, que se aproximan corriendo desde el enorme tagline superior “One Great Big Onederful Motion Picture”. Entre Pongo y Perdita se encuentran sus dueños, de menor tamaño, simbólicamente atados por las correas de los perros, quienes a su vez, se encuentran también atados por las correas. Hace alusión a la cómica escena del parque en donde se conocen los perros y, junto a sus dueños, acaban enamorados. Esta idea de las correas atadas me parece muy buena, y además permite al diseñador jugar con los tamaños de los personajes en la composición.

Algo que se desaprovechó, fue la oportunidad de utilizar como tema visual el pelaje moteado de los dálmatas, cosa que en carteles más recientes, como en los relanzamientos en DVD y la adaptación al cine, sí se hizo. Aquí se apostó más por una combinación cromática sencilla y efectiva de los 3 colores primarios, tomando el amarillo como color de fondo, mientras el rojo y el azul sirven para colorear las tipografías. Por su parte, el diseño de las tipografías es igualmente relajado y divertido, su trazado es a mano y la trayectoria que siguen sus letras es inestable.

DETRÁS DE LAS CÁMARAS

Daniel Calparsoro en rodaje.





"Después de Guerreros, tenía ganas de hacer algo más pequeño y controlable. Me plantée la idea de trabajar en un thriller psicológico sin grandes elementos en los que apoyar el suspense. El tratamiento lo hice con Elio Quiroga, y el guión con Ray Loriga. Lo más complicado, ha sido crear la tensión, porque la trama no tiene demasiados elementos, así que esta la mantienen los actores. En especial, Ariadna. La película está vista a través de sus ojos, está escondida en su mirada".

Sobre Ariadna Gil y Jordi Mollà, los "sufridores": "Los elegí porque me parecen dos intérpretes muy potentes, y quería actores jóvenes pero con mucha experiencia".

Extractos de una entrevista a Daniel Calparsoro, hecha por la revista "Fotogramas", con motivo del estreno de "Ausentes". Ver también mi reseña de la película.

CARS * * * *

En Cars (2006) entramos en un mundo habitado por automóviles vivos parlantes. En este largometraje animado de la Pixar, coproducida junto a la Disney, tendremos modelos de coches de todas las épocas, incluso un modelo de los años 1920-1930, que será una especie de ancianita, un topolino clásico de los 1960, que será como un apasionado “sastre” que admira a los Ferrari, y el personaje principal, Lightning McQueen (voz de Owen Wilson), un auto rojo de carreras presumido y que vive cegado por la fama.

La historia de Cars puede verse como el relato de un deportista, que vive más preocupado por su imagen ante los medios, por firmar contratos millonarios con marcas poderosas y, en resumen, por vivir una vida llena de lujos. Esa es la historia de Lightning McQueen, cuya última gran carrera la ha ganado apenas por “una lengua”. Antes, vemos una escena que simboliza magníficamente como McQueen (atención al apellido, en referencia al actor Steve McQueen), mientras vuela por los aires en cámara lenta recibiendo flashazos y gritos de sus fans, pierde cada vez más el “suelo”, es decir, la realidad de su vida profesional.

La película, dirigida por John Lasseter (Toy Story y secuela) junto a John Raft, es una aventura automovilística en toda la extensión de la palabra, llena de asfalto, llantas y carrocerías de todos tamaños y colores. McQueen es un auto que debe poner de nuevo los “pies en la tierra”, o mejor dicho, las “llantas en el asfalto”. Debido a un descuido mientras viaja por carretera hacia la gran carrera en California, McQueen acabará en un pueblo triste y aburrido, “Radiator Springs”, donde el tiempo parece haberse detenido.

Radiator Springs está lleno de los estereotipos más variados que uno pueda imaginar. El más simpático de todos, será el del hillbilly Mater (voz de Larry the Cable Guy), una oxidada, dientona y vieja grúa, que se convertirá en el mejor amigo de McQueen y sueña con algún día viajar en helicóptero. El mejor pasatiempo que puede tener Mater, es asustar “vacas”, o más bien, tractores. Otros habitantes serán un jeep militar que tiene que convivir con una combi hippie de los 1960; el topolino que mencioné antes, un enorme auto modelo 1970 que será el latino especialista en poner “tatuajes”, o lo que para un coche serían pinturas y estampados impresionantes.

Arrestado por el sheriff, McQueen no podrá irse hasta que arregle la carretera y los destrozos que ocasionó por ir a gran velocidad, una de tantas pruebas que lo harán madurar, enfrentarse con la realidad, ensuciarse, espinarse y golpearse. En esta historia edificante, quizás la más convencional que haya producido la Pixar hasta ahora, la experiencia servirá a McQueen para revivir la antigua “gloria” del viejo pueblo, borrado del mapa desde que se construyeron las carreteras estatales. La historia es una mirada nostálgica y romántica al pasado, a cómo es difícil enfrentarse a los cambios provocados por la modernidad, algo que los habitantes de Radiator Springs deberán enfrentar y asimilar.

El fallecido Paul Newman dio voz a un personaje, el juez Doc. Hudson, otra referencia a un actor veterano aficionado a los autos y las carreras. Su papel será el del viejo y sabio maestro, que tiene muchos secretos que enseñar a McQueen, quien descubre que las mejores carreras se viven fuera de la pista, en un terreno desértico lleno de obstáculos, zanjas y… cactus. McQueen tendrá verdaderos amigos por primera vez, y tal vez encuentre el amor en una guapa Porsche color azul (voz de Bonnie Hunt), de bonito diseño y líneas.

No será la mejor película de la Pixar si se le compara con Toy Story, The Incredibles o Finding Nemo, pero visualmente el resultado es, como de costumbre, impresionante. Lo mejor es cómo se ha reproducido con precisión milimétrica la experiencia automovilística de viajar por carretera, de observar los paisajes a través de la ventana, la velocidad exacta a la que avanza el camino con respecto al movimiento de los autos, las carreras son de lo mejor también, etc. No soy un aficionado a los coches, no se prácticamente nada sobre la materia, pero la película me divirtió lo suficiente sin necesidad de saber mucho al respecto.

++ Ya se encuentra en preproducción la secuela, Cars 2, a estrenarse tentativamente el 2011.

Y... ¿CÓMO LE PONEMOS?

"Veamos de qué estás hecho huroncito".







X-Men Origins
: Wolverine es el estreno más esperado de esta semana, en la que, debido al día festivo de este viernes, se adelantan los estrenos para el 30 de abril. Es una lástima la manera en la que la han titulado en España. ¿Quién habrá tenido la gran ocurrencia de llamar “Lobezno” a “Wolverine”? Seguramente, alguien que no estaba en sus cabales. Esa persona no sabía que “lobezno” es el nombre con el que se le conoce al cachorro de un lobo. No entiendo que tiene que ver “lobezno” con "wolverine", palabra anglosajona que sí tiene traducción al español, y es el nombre de una especie de tejón o hurón carnívoro de Norteamérica. Aquel que tuvo la gran idea de llamarle “lobezno” a Wolverine, lo hizo pensando en la primera cosa que le vino a la cabeza, creyendo que “wolverine” era algo relacionado con lobo. Además, no le veo caso el haberlo traducido, el nombre en español se escucha ridículo. Como breviario cultural, “lobezno” en inglés es “wolf cub”, y la palabra para hacer referencia a algo que tenga que ver con los lobos es “wolfish”. El título en España quedó como “X-Men Orígenes: Lobezno”. ¡Fatal! España ha sido el único país en traducir “Wolverine”. Veamos algunos títulos en otros paises:

Wolverine: X-Men Zero - Japón (¿zero?)
X-Men - I arhi: Wolverine - Grecia
X-Men Orígenes: Wolverine - Perú
X-Men le origini – Wolverine - Italia
X-Men orígenes – Wolverine - Venezuela
X-men Origens: Wolverine - Brasil

Vamos ahora con la película que se ha quedado sin título en español. Se trata de Sicko, documental de Michael Moore, que llega con 2 años de retraso a las salas españolas. La traducción de sicko en español es para calificar a alguien pervertido, psicótico o enfermizamente obseso. En pocas palabras, alguien mentalmente inestable. ¿Acaso no había tela de dónde cortar para pensar en un buen título en español? Claro que lo había, pero la distribuidora optó por dejarlo así. ¿Tendrá problemas la gente en pronunciarlo correctamente a la hora de pedir en taquilla sus entradas? En muchos países se dejó también el título en inglés, incluyendo México. Sólo en Turquía le pusieron “Hasta”, acertado ya que su traducción al español es “enfermo”.

Finalizamos con las películas que no nos ofrecen conflicto en cuanto a sus títulos se refiere. La alemana Keinohrhasen, que también llega con retraso, ya que para este año se ha programado el estreno de su secuela, Zweiohrküken, ha quedado como “Un conejo sin orejas”, una traducción casi exacta del original; a la producción británica The Young Victoria se le ha puesto como título “La Reina Victoria”, título con algo de licencias ya que la película hace más referencia a la etapa juvenil de la Reina Victoria y, finalmente, la comedieta hollywoodense 17 again ha quedado bien como “17 otra vez”.

miércoles, 29 de abril de 2009

EL ESPACIO "FRIKI": STAR TREK FRAGANCES.

"Star Trek Red Shirt Cologne", porque eres "trekie" y deseas oler bien.







El estreno de la nueva película de Star Trek, dirigida por J. J. Abrams está casi a la vuelta de la esquina. Mientras llega, y si eres "trekie" de corazón, puedes ir adquiriendo las fragancias exclusivas de "Star Trek". Se pueden encontrar como "Star Trek Tiberious Fragance" y "Star Trek Red Shirt Cologne", a $29.99 dlls. cada una. Si siempre te has preguntado cómo sería oler como el capitán Kirk o el Dr. Spock, puedes adquirir estas fragancias a un precio razonable. El slogan de "Red Shirt Cologne" es lo mejor "Because tomorrow may never come".

Pero eso no es todo. Aquellos aficionados a la teleserie original de los 1960 que recuerden a esos alienígenas de peluche llamados "tribbles", también pueden adquirir sus réplicas. Se encuentran disponibles en 3 colores, con los movimientos y sonidos que viste y escuchaste en el programa. Por sólo $67.58 dlls. puedes comprar un paquete de tres "tribbles" de distintos colores.










Paquete de 3 réplicas de los peludos "tribbles". Recuerda: no los alimentes o se multiplicarán por montones.

martes, 28 de abril de 2009

TSOTSI * * * *

Durante todo el tiempo que dura Tsotsi (2005), su protagonista principal, el Tsotsi del título (Presley Chweneyagae), nunca esbozará una sonrisa o gesto amable. Tsotsi, sobrenombre con el que lo conocen sus compañeros, quiere decir “gangster” o “ladronzuelo” en afrikaneer. Su verdadero nombre nadie lo sabe más que él. Es el rostro de piedra de un joven que no tendrá piedad con quien obstruya su camino, ni siquiera con un indigente inválido o un miembro de su pandilla.

Dirigida por el sudafricano Gavin Good, y adaptación de la novela de Athol Fugard, desde el principio de Tsotsi parecerá que nos movemos por los terrenos de Ciudad de Dios (2002). No nada más nos recuerda a la película de Fernando Meirelles en el aspecto visual, sino que, de no ser por los dialectos zúlu y afrikaneer, será como si estuviéramos en alguna favela de Río de Janeiro, cuando en realidad la historia se ambienta en los barrios pobres y marginales de Johannesburgo, Sudáfrica.

A diferencia de aquella violenta y ágil obrita maestra brasileña, la historia contada en Tsotsi es de un optimismo esperanzador, conmovedora y de una ternura inesperada. Hay violencia, ambientes crudos y asfixiantes, es verdad, pero lo que sorprende en esta sencilla historia de redención, es cómo el director se las arregla para hacer un hueco a un poco de humanidad, que ilumina el relato de este eternamente enfadado y duro personaje.

Nada ni nadie será capaz de cambiar a Tsotsi, hasta esa vuelta de tuerca, muy de Chaplin (The Kid, para ser exactos), cuando luego de robar un auto en un lujoso barrio y herir de gravedad a su conductora, Tsotsi descubra que dentro lleva a un bebé, al que decide llevarse a su casa de lámina hasta que sepa qué hacer con él.

Poco a poco iremos entendiendo el porqué de tanta amargura en Tsotsi. Lo importante en el filme es el drástico cambio en su vida provocado por el bebé, que lo llevará a reencontrarse con su lado humano, con su pasado traumático y con una joven madre soltera (Terry Pheto), la única persona que en muchísimo tiempo le ha tenido confianza, demostrado simpatía y apoyo.

Tsotsi está lejos de arrojar moralinas gratuitas. No hay necesidad de ello, como tampoco de hacer un profundo estudio social sobre la miseria y el vandalismo. Desde el inicio estamos directamente involucrados en la aventura de Tsotsi, acompañándolo a cada momento en su experiencia de “padre postizo”, hasta verlo tomar, en la parte final, la más difícil y madura decisión de su vida. Incluso ahí estamos a su lado.

++Disponible en una edición austera y otra especial, esta última incluye extras como 2 clips de la película, el "Cómo se hizo", escenas eliminadas, ficha artística, ficha técnica, ficha de doblaje, tráiler y filmografías.

PEANUTS, EL CINE Y LOS MEDIOS


(Publicada originalmente el 30 de abril de 1962)

Escuché que el pasado domingo 26 de abril fue el "día del periodista". No estaba enterado de ello, pero felicidades a todos los colegas de profesión. Aquí, Lucy trata de sacar provecho de la "Semana del Cómic del Periódico Internacional", pero Charlie Brown (en una de esas raras ocasiones) le hace ver la realidad.

lunes, 27 de abril de 2009

EL SOUNDTRACK: AMERICAN SPLENDOR * * * * *

El soundtrack de American Splendor es uno de mis predilectos en mi colección. Recuerdo también que esta fue una de las mejores películas que pude ver el año 2003, que nos adentró en la inestable pero creativa mente del creador de cómics Harvey Pekar, interpretado magistralmente por Paul Giamatti. Pekar es un confesado amante del jazz, por lo que en American Splendor parecerá que nos enfrentamos (o al menos, que escuchamos) una película de Woody Allen. American Splendor está plagado de jazz clásico de principio a fin.

La secuencia inicial de créditos tiene de fondo una interesante pieza de free jazz, "Paniots Nine", del saxofonista Joe Maneri, una grabación original de 1963. La selección de este tema no podía haber sido mejor, ya que, por alguna extraña razón, funciona a la perfección como una suerte de tema musical principal. Parece que Maneri compuso este tema específicamente para la película, a pesar de haber sido grabado 40 años atrás. La atormentada personalidad de Pekar se siente contenida en Paniots Nine.

Entre los temas clásicos que contiene el CD, se encuentran varios ejecutados por el grupo “Robert Crumb and His Cheap Suit Serenaders”. Como su nombre lo indica, este grupo fue formado por el dibujante de cómics Robert Crumb, creador de Fritz the Cat. Su música es del género bluegrass, y en el disco tienen solamente dos participaciones, pero no por ello dejan de tener su particular fuerza musical. “Chasin Rainbows”, con toques hillbilly, es simpático y agradable como el mejor bluegrass, en el que sobresale la guitarra y el banjo. “Hula Medley” es un guitarrístico tema que en tiene algunos toques hawaianos. Contrario a "Chasin Rainbows", las melancólicas letras de "Hula Medley" mantienen su espíritu bluegrass la mayor parte de la canción. Es una pieza más tranquila, pero magnífica de todas maneras.

Marvin Gaye aparece con su famosa interpretación de "Ain’t that Peculiar", un clásico del Motown de los 1960, con todo el poder rítmico que Gaye sabía dotar a sus canciones. Por cierto, el soundtrack contiene otra moderna versión a cargo de Chocolate Genious, más electrónica y lenta, pero sin duda interesante.

Entre los jazzistas clásicos que aparecen se encuentra el trompetista Dizzy Gillespie, con un tema antiguo, “Oh, Lady Be Good”, de aproximadamente finales de los 1950 -si no me equivoco-. Le acompaña cantando Joe Carroll combinando un poco de scat, no tan marcado, en el juego que ocasionalmente hace con ciertas palabras. Otro tema a cargo de Gillespie es “Stardust”, indispensable del catálogo jazzístico norteamericano, una verdadera rareza en la que es acompañado al piano y al violín, con una interpretación pausada y tranquila.

Lester Young es otro artista indispensable en un disco de este tipo, que aquí aparece con tan sólo un tema, “On the Sunny Side of the Street”, que incluso Randy Newman ha interpretado en años recientes. La pieza está notablemente remasterizada, en una versión suave y ligera, en la que acompañan al saxo de Young piano, batería y contrabajo. Otro de los indispensables es el también saxofonista John Coltrane, con su clásico tema “My Favorite Things”, un tema ligero pero, al mismo tiempo, con mucho poder, en especial por la extraordinaria batería y piano. Ambos instrumentos parecen competir con el saxo de Coltrane, pero no hacen más que, de principio a fin, complementar esta bella pieza musical, que no deja de evolucionar en sus improvisaciones y variaciones durante sus 13 minutos de duración.

Entre las curiosidades que contiene el soundtrack, y que valen mucho la pena, son “Blue Devil Jump”, simpático tema bebop a cargo del veterano jazzista Jay McShann, alegre y vibrante, sobre todo por su buen acompañamiento de metales. Mark Suozzo compuso la banda sonora original (igualmente jazzística, por supuesto), y deja dos temas cortos pero atractivos: “Longing Suite: The Shortest Weekend/After Alice (So Sweet So Sad)", y "Time Passes Strangely" poseen matices variados, instrumentales y melancólicos, ejecutados brillantemente. El toque blues lo pone “T’Ain’t nobody’s bizness (If I do)”, interpretado con brío y mucho “dolor” nuevamente por Jay McShann.

++ El CD también contiene material interactivo extra, como 3 screensavers, algunas páginas de los cómics de Harvey Pekar para imprimirse, íconos, links para páginas web, portadas de 3 cómics de Pekar y el booklet digitalizado para verse en pantalla. El booklet es un mini cómic escrito por el mismo Harvey Pekar y dibujado por Gary Dumm, donde el primero retoma su antiguo trabajo de crítico de jazz y nos cuenta la historia detrás del soundtrack y de varios temas musicales.

THE ROARING TWENTIES * * * *


No creo exagerar si afirmo que en The Roaring Twenties (1939) James Cagney interpreta uno de los mejores gangsters de su filmografía, como el malogrado jefe mafioso Eddie Barttlet. Cagney se comía al resto del reparto, que incluía a un joven Humphrey Bogart, antes de que se consolidara como actor en The Maltese Falcon (1941) y Casablanca (1942).

Esta película, que gozaba de un frenético ritmo para su época, estaba dirigida por Raoul Walsh, especialista en filmes de acción, tanto en la época del cine mudo como en el sonoro. The Roaring Twenties estaba basada en una historia concebida originalmente por el periodista Mark Hellinger y, ambiciosamente, pretendía hacer un recuento cronológico de la historia estadounidense desde finales de la Primera Guerra Mundial hasta la época de Roosevelt, en de los años 1930.

La estructura narrativa combina pequeños boletines noticiosos (como los que se pasaban en el cine antes de la proyección de una película), usando tanto imágenes de archivo como otras dramatizadas. Mientras, seguimos los pasos Eddie, ex combatiente en la Primera Guerra Mundial, que había compartido trinchera con dos grandes amigos, George Hally (Bogart) y Lloyd Hart (Jeffrey Lynn), este un poco más joven. Todos desean que la guerra termine, y hacen planes para cuando eso ocurra. Eddie desea volver a su trabajo en un taller de taxis, Lloyd anhela convertirse en abogado, y George desea ganarse la vida usando medios poco escrupulosos.

Pero Eddie se enfrenta a una dura realidad cuando finaliza la guerra. Su puesto en el taller ha sido dado a otro, y no logra encontrar trabajo por ningún lado debido a la gran crisis de 1929. Luego de intentar ganarse la vida como taxista, es arrestado por entregar licor en un club nocturno sin saberlo, por engaño de un pasajero. A partir de este hecho, Eddie entrará a los bajos mundos del tráfico de licor al asociarse con Panamá (Gladys George, espléndida), y administrará un club en el que venden además alcohol adulterado.

Walsh consiguió un filme entretenido, climático, narrado con un buen ritmo. Se acoplan a la perfección esos interludios documentales con la historia mafiosa de Eddie, soberbiamente interpretado por Cagney, quien se nota estudió minuciosamente a su personaje para darle el peso adecuado a cada gesto, sonrisa, mirada y pose; una actuación de primer nivel. El trabajo de Cagney fue ignorado en la entrega de los oscares de 1939, y únicamente fue reconocida por el National Board of Review.

Si bien el filme puede llegar a ser crudo y violento, también tiene momentos relajados, como esos números musicales conformados por canciones que la actriz Jean Sherman interpreta, en su papel de Priscilla, cantante en el club de Eddie y de la que está enamorado.

The Roaring Twenties intenta ser muchas cosas a la vez: una crónica, de precisión casi documental, de la crisis norteamericana de los años 1920 y 1930, que sirve como marco para la historia ficticia. Es también una magnífica película de gangsters, que presume dos escenas bien dirigidas: la del robo del cargamento de licor al almacén, y aquel enfrentamiento a tiros en el restaurante italiano, contra el mayor enemigo de Eddie, Nick Brown (Paul Kelly). Incluso, hay buenos temas musicales, como “My Melancholy Baby”, “Sweet Georgia Brown” e “It Had to Be You”.

Como agregado, la película también es un tour de force histriónico entre James Cagney y Humphrey Bogart, interpretando a dos entrañables amigos que acaban mal por culpa de la ambición por el poder, el dinero y el amor.

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