viernes, 21 de agosto de 2009

PEANUTS, EL CINE Y LOS MEDIOS


(Publicada originalmente el 22 de agosto de 1962)

Sally es la hermana menor de Charlie Brown. Esta tira forma parte de una pequeña historia, en la que Sally tiene miedo de ir al kinder por primera vez. Se le ocurrirán un sin fin de cosas para evitar la escuela, y aquí le pide a Charlie Brown una carta, en la que da un buen pretexto para quedarse en casa. Lo mejor: el discurso de Charlie Brown.

MIAMI VICE * * * 1/2

Michael Mann adapta al cine Miami Vice, en una versión más obscura, violenta y subida de tono, de la famosa serie de los 1980.






Siguiendo la moda de adaptar al cine antiguas series televisivas, toca el turno a una de las teleseries policiacas emblemáticas de los 1980, Miami Vice. El proyecto no pudo haber caído en mejores manos que en las de Michael Mann, quien fuera productor ejecutivo del programa (creado por Anthony Yercovich), transmitido de 1984 a 1989 y con cerca de 5 temporadas al aire.

Michael Mann dirige esta primera adaptación cinematográfica de Miami Vice (2006), un obscuro resurgimiento y reinvención del concepto. Mann consigue un film noir thrilleresco, género en el que demostrado ser todo un especialista, con muestras notables como The Thies (1981), Heat (1995), y ese visualmente experimental thriller, Collateral (2004), su anterior película, filmada totalmente con cámaras digitales de alta resolución.

Para Miami Vice, Michael Mann recurre nuevamente al formato del vídeo digital. Para los papeles principales (que en la serie fueron interpretados por Don Johnson y Philip Michael Thomas), los detectives James “Sonny” Crockett y Ricardo “Rico” Tubbs, ha recurrido a Colin Farrell y Jamie Foxx (protagonista en Collateral). Sonny y Tubbs impusieron en su momento la moda “cool” del traje sport y playera, y escenarios paradisiacos, que aquí han quedado en el baúl de la nostalgia. Farrell luce una melena teñida y barba de cinco días, mientras Foxx, tiene barba y cabello corto, más cercanos a modelos tipo GQ, paseando en Ferraris último modelo por Miami en las noches.

La trama no está muy lejos de cualquier capítulo de la serie. Sonny y Rico tendrán que infiltrarse dentro de una compleja red de tráfico de drogas, que opera desde Colombia. La escena que abre la película dentro de una discoteca, está filmada casi toda con cámaras portátiles, lo cual imprime un tono realista a la historia. De hecho, es el oscareado cinefotógrafo Dion Beebe (Memoirs of a Geisha) el responsable de la fotografía, quien fotografió también Collateral. En el aspecto fotográfico, Collateral y Miami Vice lucen muy parecidas.

Sonny y Rico buscan compradores para un botín de droga interceptado por la policia, que le quitaron al zar Jesús Montoya (Luis Tosar, en su debut internacional) y a su banquera y amante (Gong Li).

En su aspecto visual, Miami Vice luce irregular, ya que, insisto, el formato digital, a pesar de lucir impresionante en escenas de día, sigue teniendo sus limitaciones en escenas de noche. Y es una pena, porque las escenas nocturnas eran, en el pasado, lo mejor del cine de Michael Mann. La noche es el tiempo y ambiente en el que más gusta filmar, algo que sigue demostrando en esa magnífica escena climática en la última parte, un absobente tiroteo en un terreno.

Sin embargo, Michael Mann se preocupa aquí por sus personajes. Aunque argumentalmente convencional, como un capítulo televisivo más largo y subido de tono, el punto fuerte de Miami Vice se encuentra en esa nueva dimensión que explora en los personajes. Como thriller tiene un guión elemental, básico (escrito por el mismo Michael Mann), su resolución no es la mejor, pero a los seguidores de la teleserie les dejará un buen sabor este regreso de Sonny y Rico.

++ Disponible en blu-ray, Hd-DVD y una edición de coleccionista en estuche metálico. Este último contiene de extras "Miami y más allá", "El rodaje sobre el terreno", vídeo musical de Nonpoint, etcétera.

jueves, 20 de agosto de 2009

EL CARTEL...CLÁSICO

El cartel de Dillinger (1945), es un sencillo trabajo de ilustración, caracterizado por su agresiva propuesta cromática y un buen ojo del artista para la composición y el diseño tipográfico.

Se acaba de estrenar Public Enemies hace unos días, la más reciente adaptación de las aventuras y desventuras del asaltabancos más famoso, John Dillinger. Vayamos atrás en el tiempo, y revisemos el cartel de la que fuera la primera película sobre este personaje, Dillinger, dirigida en 1945 por Max Nosseck.

El cartel es una ilustración decentemente realizada, sin rozar lo extraordinario. El impacto del cartel radica en su propuesta cromática, extremadamente encendida al combinar tonos naranjas y amarillos. Tenemos el caso de un cartel realizado por un artista cuyo fuerte es más la ilustración que el diseño gráfico. A pesar de todo, el diseñador muestra un buen ojo para la composición y cierta inclinación por una propuesta gráfica atractiva, en las tipografias de la parte superior.


Cartel de otra adaptación fílmica del personaje, Dillinger (1973), un magnífico collage de ilustraciones notablemente realizadas, y que destaca también por su creativo diseño del título.


Su diseño tipográfico podrá ser muy rudimentario, pero el trazo es ágil, con fuerza expresiva. Intenta reflejar (como en muchos carteles de films noirs y de gangsters), la acción y el ritmo trepidante de sus tramas. Esas pequeñas lineas expresivas en los bordes de las letras del título, no nada más es una buena idea para darle profundidad, sino sugerir expresividad y movimiento a las tipografías del título. El tagline es muy bueno, en la descripción que intenta hacer del personaje y en el juego de palabras que empiezan nada más con “b”: “His story is written in bullets, blood and blondes!”.

El siguiente punto a observar en el cartel, es el retrato de Dillinger, que atrae la atención casi de inmediato. La idea de hacer un contraste cromático simbólico, entre los colores encendidos que dominan el cartel y las tonalidades verdosas elegidas para colorear el rostro, es interesante. No hace más que denotar el destino de Dillinger, así como su vida criminal, caracterizada por sus constantes fugaz de prisión. Con seguridad, ese hombre muerto que vemos debajo del retrato es el mismo Dillinger, al caer abatido por la policia al salir del cine.

miércoles, 19 de agosto de 2009

Y...¿CÓMO LE PONEMOS?

¡De la barba no maldito, de la barba noooo!






Esta semana tenemos nuevamente escasos 4 estrenos, y además, increíblemente, todos ellos no tienen un solo pero en sus títulos en español. Antichrist, de Lars Von Trier, se titulará "Anticristo", Land of the Lost ha quedado como "La Tierra de los Perdidos", mientras que The Life Before her Eyes, se titulará "La vida ante sus ojos". Ong Bak 2, la secuela de aquella película homónima tailandesa de artes marciales, con trepidante acción y buenas escenas de peleas, se amplió con el segundo título de “La Leyenda del Rey Elefante”. No tiene mucho sentido, ya que la película es más popular por su título original sin traducción, pero de todas maneras no está mal. Suena a una película que promete aventuras y peleas de proporciones épicas, en comparación con otros títulos pésimos con los que tenemos que lidiar algunas semanas.

¿Y como le pusieron?

Aprovechemos para comentar algunos títulos de películas españolas en el extranjero. La Comunidad (recientemente reseñada en este blog), fue titulada en Inglaterra “Common Wealth”. Suena algo "político" un título así, ya que "common wealth" es más usado para designar países unidos o aliados con algún fin. Me hubiera gustado algo más simple, como “The Community”, porque está más enfocado a la clase de “comunidad” mostrada en la película: una comunidad de personas que reside en un mismo sitio o una misma localidad. En Francia fue titulada decentemente “Mes chers voisins” ("Mis queridos vecinos"), mientras que en Italia se tituló “La Comunidad: Intrigo all’ultimo piano” ("Intriga en la azotea”). Me quedo con el título francés.

Siguiendo con Alex de la Iglesia, otra película suya que gozó estreno internacional fue Crimen Ferpecto, que tuvo el título internacional en inglés de “Ferpect Crime”. En Francia también supieron captar el juego de letras con el título “Le crime farpait”. Sin embargo, en Italia arruinaron todo, titulando el DVD “Crimen Perfecto”. Si le interesa cómo fue titulada en Serbia, aquí va: “Ferpektni zlocin”.

Por último, otra película de de la Iglesia, “800 Balas”, su homenaje al “spaghetti western”. Fue titulada en inglés “800 Bullets”. En Francia, como en varios paises, se apegaron al título original y la titularon “800 balles”. ¿Le interesan los títulos en Hungría y Serbia? Aquí van de todas formas: “800 golyó“ y “800 metaka”, respectivamente.

martes, 18 de agosto de 2009

LA COMUNIDAD * * * 1/2

Alex de la Iglesia tiene en "La Comunidad", una sencilla historia de suspenso, plagada de personajes freaks, horror, un poco de Hitchcock y surrealismo.






No hay película con más inspiración hitchcockiana en la filmografía de Alex de la Iglesia que La Comunidad (2000). Casi toda su trama tiene lugar dentro de un edificio en el centro de Madrid, pero basta este escenario para que desarrolle una historia de suspenso, surrealista y cómica en partes iguales. No es que La Comunidad alcance los niveles de mejores películas de Alex de la Iglesia, como El Día de la Bestia, o Perdita Durango, pero gracias a un ritmo estable y, en especial, al siempre magnífico trabajo de Carmen Maura, la película resulta atractiva y entretenida.

La materia prima de Alex de la Iglesia, quien hace mancuerna con su guionista de cabecera Jorge Gerricaechevarría, son, como siempre, personajes freaks y marginados. Uno de ellos será el héroe, un nerd fanático de Star Wars y aficionado a espiar con sus binoculares por la ventana. El edificio se encuentra poblado de estos personajes, donde uno de sus pisos es mostrado a posibles clientes por Julia (Carmen Maura), una trabajadora de bienes raíces con muchas ambiciones. El apartamento lo ocupa clandestinamente junto a su marido (Eduardo Antuña), empleado en un casino.

El problema, es que todos los vecinos creen que Julia y su marido realmente viven ahí. Y no nada más será ese el problema, sino el hallazgo del cadáver de uno de los vecinos, y cuando Julia se encuentre 300 millones de pesetas en el lugar de los hechos. En la muerte del vecino y el hallazgo del dinero, toda la “comunidad” de vecinos podría estar involucrada, y querrán recuperar el dinero a como de lugar.

El fuerte de la película está en el buen suspenso, que se va construyendo en los enredos e intentos fallidos de escapar de Julia. El humor negro sigue siendo el fuerte en de la Iglesia, y junto a la construcción del suspenso, dosifica el asunto con algo de horror gráfico, como en esa escena del vecino atrapado en el elevador (Enrique Villén, actor fetiche de Alex de la Iglesia), o esa secuencia en la que Julia queda encerrada y a merced de un vecino psicópata. Incluso, hay alguna escena surrealista, como esa plaga de cucarachas escapando de una grieta en el techo, o un muerto resucitando, como si se tratara de una pesadilla, la pesadilla en la que Julia se encuentra atrapada.

La banda sonora se nota muy inspirada en la música que Danny Elfman escribió para Beetle Juice. Pero, a mi parecer, lo mejor en La Comunidad es que Alex de la Iglesia supo construir personajes que van exhibiendo una locura incontenible, que dejan escapar en el magnífico clímax final, que tiene lugar en el techo del edificio (a grandes alturas, como en los clímax de las películas de Alfred Hitchcock). A estas alturas, dramáticamente hablando todo corre el peligro de salirse de control, la resolución tal vez no haya sido la mejor, pero la capacidad de de la Iglesia de seguir fiel a sus temas, a ese “friquismo” característico en sus relatos y personajes, sigue presente, sabiendo cómo combinar referencias y géneros de manera genial.

lunes, 17 de agosto de 2009

THE ADVENTURER * * * 1/2

En The Adventurer, Chaplin consiguió uno de los cortos más logrados de su primera época, una simple pero divertida trama de persecución policiaca y romance.

Dirigido por Charles Chaplin, el corto The Adventurer (1917), es uno de los más famosos del cineasta y actor. El corto pertenece a la época en la que Chaplin trabajaba para la Mutual Comedy Company, visto por primera vez el 23 de octubre de 1917. Para empezar, en el corto se nota una destacada evolución en técnica y estilo de Chaplin, a comparación de sus primeros trabajos de 1914. Una narración lograda (sin los tropiezos en el montaje de antes), dirección de actores sorprendente y un buen timing cómico, son los aspectos que caracterizan este trabajo, en donde Chaplin interpreta a un convicto recién fugado de la cárcel. La comicidad del corto empezaba desde que Chaplin, literalmente, emergía de la arena en la playa donde se ocultaba, justo detrás de uno de los policías que se encuentra buscándolo.

Si bien la historia es la acostumbrada trama de persecución policíaca, muy utilizada en aquellos tiempos, el magistral escape del convicto Charlot tiene lugar al sumergirse en el mar y llegar a un muelle, donde rescata a una madre y a su hija de ahogarse. La policía todavía lo busca, pero entre toda la confusión consigue burlar a la autoridad. En tanto, Charlot complica todavía más el rescate, arrojando al agua al novio de la chica, un grotesco y barbudo Don Juan (Eric Campbell), quien también empieza a ahogarse (luego de rescatarlo, Charlot vuelve a dejar caer al pobre tipo de la camilla de los paramédicos al mar).

Para agradecerle el rescate, las mujeres invitan a Charlie a una fiesta, prestándole incluso un smoking. Esta última parte es magnífica, bien editada, manejando bien el cambio de escenarios (entre exteriores y interiores), con un sinnúmero de gags, ante el peligro de Charlie de verse descubierto por el barbudo novio, cuando este descubre una foto del fugitivo en el periódico. Entre varias patadas, golpes y caídas, Charlie, como siempre, poco a poco iba conquistando a la chica rescatada (Edna Purviance). No hay propiamente un happy end, y si hay un pero en The Adventurer, es lo apresurado del final.

domingo, 16 de agosto de 2009

SABIAS QUE...

"¡Mierda! Traje el martillo y el IPod en lugar de la antorcha".




El famoso letrero gigante de "Hollywood", que se encuentra actualmente en una de las colinas más altas de Los Angeles, fue colocado en 1978. Este letrero reemplazó al original, más largo, que solía decir "Hollywoodland" hasta 1949, año en que fue acortado. El letrero de "Hollywoodland" fue colocado en 1923, que de hecho era el nombre de un conjunto habitacional que iba a ser construído en dicha colina, proyecto que al final no se concretó. Recientemente, han surgido protestas para que se conserve el letrero, debido a que... ¡unos empresarios han comprado el sitio y se está desarrollando un nuevo proyecto habitacional para ese lugar!

El comercial más caro jamás hecho, es también uno de los más famosos. El comercial de Apple Macintosh, de 1984, titulado "Introducing Macintosh to the World", sólo se mostró una vez durante el Super Bowl de aquel año. Fue dirigido por Ridley Scott y costó cerca de 1 millón de dólares su producción. El comercial muestra cientos de personas con el mismo vestuario, yendo por pasillos obscuros, hasta que llegaban a una enorme pantalla representando al "Gran Hermano" de la novela "1984", de George Orwell. Luego, una mujer con un colorido vestuario (representando la creatividad de Macintosh), corría por el pasillo, perseguida por la policia del "pensamiento", y arrojaba un martillo a la pantalla y esta explotaba.

Las películas más populares del realizador John Hughes, llevan títulos de canciones famosas del repertorio clásico estadounidense, como Sixteen Candles, Pretty in Pink o She’s Having a Baby. Además, Hughes era fan de The Beatles, y sus personajes a menudo aparecían cantando canciones del cuarteto de Liverpool.

Hero Fiennes-Tiffin, quien interpreta al niño Tom Riddle en Harry Potter and the Half-Blood Prince, es sobrino del actor Ralph Fiennes, quien interpreta a Lord Voldemort en la misma serie de películas.

Heat (1995), película de Michael Mann, inspiró un gran robo en Los Ángeles dos años después del estreno de la película.

Vistas de página en total