viernes, 6 de marzo de 2009

EL CARTEL: WATCHMEN * * * *

Dramatismo y un admirable trabajo digital-fotográfico en el manierista cartel de "Watchmen".


Labor difícil será la de hacer la crítica del cartel de la semana. De todos los estrenos, Watchmen es el que tiene el mejor y más interesante trabajo de imagen promocional. Hay una gran cantidad de carteles a nuestra disposición. Incluso, tenemos dos series dedicadas nada más a cada uno de los personajes. Diseñados por el despacho BLT & Associates (responsables de los carteles de 300, también de Zack Snyder), hay muchos carteles que me parecen muy inspirados en los de “The Dark Night”. Pero también hay unos carteles “grupales”, y de esta serie he escogido el mejor, al menos para mi gusto.

El único punto en contra de este cartel, es que, como decía, sigue el estilo de los carteles de “The Dark Night”, como aquel de The Joker caminando de espaldas, en medio de la calle. En el cartel de Watchmen, el acomodo de los personajes (numerosos, por cierto) es logrado, debido al reducido espacio de la calle. La ubicación indica la jerarquía de cada personaje, en un fotomontaje notable. Esto incluye el cómo están integrados a la fotografía de la calle, con un efecto de gran angular para darle a los edificios una sensación claustrofóbica. Lo mejor de este escenario, es la iluminación nocturna (rótulos de los locales, ventanas, lámparas, etc.), realzada digitalmente para lograr ese ambiente “vital” que transmite la imagen.

Lo que llama la atención también, es que la iluminación de cada personaje está perfectamente integrada a la de la calle, tomando en cuenta que cada uno fue fotografiado por separado. Otro aspecto admirable, es el tipográfico. No se percibe como un elemento simplemente “encimado” sobre las fotografías, sino que realmente está integrado a todo el conjunto. La línea superior, “From the Visionary Director of 300”, si observamos, está en la misma perspectiva de los edificios, siendo su sostén visual el edificio izquierdo. Vayamos con el logotipo, del cual me ha encantado el amarillo empleado, un color presente incluso en algunas de las vestimentas de los personajes. El logotipo forma un “juego” visual de perspectivas con la línea superior y dan la idea de distancia, entre la lejana ubicación de la primera y el logotipo en primer plano.

El logotipo parece servir de soporte a la mano del personaje en primer plano, y además, le proyecta un poco de iluminación. Este es un gran trabajo de retoque digital, al haberlos integrado no nada más a través de la iluminación, sino por ese apoyo que da a la mano. Este personaje es el que más llama la atención por su actitud amenazante.

Me parece un cartel dramático, en especial por su melancólico y, a la vez, tétrico efecto de lluvia sobre los personajes; por ese cielo nublado que se extiende hasta el fondo y cubre a los edificios más lejanos. Está de más decir la buena legibilidad de los créditos, ubicados debajo del logotipo, y de un tamaño adecuado. En resumen, un cartel estupendo por su inteligente composición, su gran trabajo fotográfico, su acentuado efecto manierista en las trayectorias de la lluvia y los formas de los edificios, así como por ese juego de miradas de los personajes. Nos sentimos con ellos en esa misma calle.



Por cierto, no hay ningún reclamo ahora para el cartel español, el cual es otra buena versión “grupal” (no tan buena para mi gusto como la de arriba), y que también se usará en Francia.















Quisiera comentar brevemente uno de los carteles de “personajes”. Los más atractivos son los de la serie que simula la portada de un cómic (o novela gráfica en este caso), debido al grueso marco negro. El que más me ha gustado es el del personaje de Laurie Jupiter, no nada más por su belleza, sino por el trabajo fotográfico en conjunto. La constante de todos los carteles es el tagline “Who Watches the Watchmen” (Quién vigila a los vigilantes). Aquí, los espejos logran un juego de miradas estupendo, que empieza con la cabeza en perfil, sigue en su reflejo en el espejo izquierdo, continúa con su rostro en el espejo de en medio, y termina con esa fotografía que se ve colgada en la pared. Integra dos escenarios sin problema, el de la habitación (reflejada en los espejos) y el de la ciudad en la ventana. El maniquí sin cabeza con el vestido, da un efecto muy surrealista, uno que nos habla del pasado “muerto” del personaje por su realidad de “súper heroína”. Es interesante también el juego visual de circunferencias entre los espejos y la luna llena, a donde somos llevados por la punta del edificio Chrysler. Magnífico trabajo, incluyendo el del resto de los carteles de esta serie.





El cartel de Smother (otro estreno de la semana) es una simpática pieza de inspiración retro. Lo mejor, es que debido a su agradable trabajo de ilustración (inspirado en carteles de comedias de los 1950-1960), no sabemos a qué época pertenece el filme. Todos los elementos gráficos están centrados, y son en extremo estilizados. Aún así, podemos reconocer a los actores. Los brazos de Diane Keaton descansan en los nombres de los actores, y lo más atractivo es el logotipo, en forma de una sombrilla que cubre a Liv Tyler y a Dax Shepard. Todo parece recortado en papel (de tres colores: blanco, negro y gris), y pegado en una gran superficie amarilla. La lluvia de corazones nos ayuda en la lectura visual, de arriba a abajo, hasta llegar al tagline “Everyone Wants to be Loved. Just not this much”. No es del todo grave, pero cuesta algo de trabajo leer los créditos en blanco, debido al amarillo encendido del fondo.

QUOTES

"Bueno Kathie,... por Hollywood y sus películas".






"¿La Epoca Dorada de Hollywood? Mierda, …si estábamos todos borrachos.”
Spencer Tracy, citado a su vez por David Carradine en una entrevista para la revista Premiere.

"Es un gran soundtrack... Tarantino sabe bien lo que hace cuando selecciona la música para sus películas y según lo que he leído, por aquí y por allá, la búsqueda es una ardua tarea. Girl, You’ll be a Woman Soon tiene el sonido perfecto para una película como Pulp Fiction." Mijel GLLV, músico y lector de este blog.

“¿Trabajar con Meryl Streep? Fue una gran responsabilidad. ¡Ella se compromete al 100 por ciento! Simplemente, no puedes fallar." Viola Davis, protagonista de "Doubt".

“Me gusta más escribir en el coche. También en un café o cuando estoy haciendo ejercicio en el parque. No me gusta hacerlo en la oficina” Claude Lelouch, director de “Un homme et une femme”.

"Kusturica en estado puro, una especie de conjunción de todo su universo, siendo fiel a un estilo que él ha creado. Con sus influencias, pero ¿quien no las tiene? Y por ello, precisamente, se le critica. […] No está a la altura de Underground, evidentemente, pero está al nivel de Gato blanco, gato negro o El tiempo de los gitanos." Eloy, sobre "La Vida es un Milagro".

jueves, 5 de marzo de 2009

EL CARTEL...CLÁSICO

El juego de poderes, la elegancia y "pulcritud" del complejo mundo de la mafia representados en el minimalista cartel de "The Godfather" (1972).


A mi entender, uno de los carteles más intrigantes en la historia del cine es el de The Godfather (1972), la obra maestra de Francis Ford Coppolla sobre la mafia italiana en Norteamérica. Es un cartel que, en primera instancia, no tiene una sola imagen ni fotografía. Es un trabajo 100 por ciento tipográfico. De ahí radica también su valentía, ya que la mayoría de las veces los distribuidores y productores muestran un miedo garrafal a dejar un cartel sin fotos, metiendo, al menos, una fotografía en donde quepa. (Tal fue el caso de un cartel de Vertigo, que comentaré la próxima semana).

Mucha de su valentía radica también en el extremo minimalismo de la propuesta cromática, reducida a un simple blanco y negro, que lo hace incluso elegante. Son colores que denotan el simbolismo entre lo “positivo“ y lo “negativo”, claro, pero que también tienen claras connotaciones respecto a la mafia. Es decir, son colores que nos vienen a la mente al pensar en los mafiosos de los años 1920, 1930 y 1940, esta última década es en la que se ambienta la película. El blanco y negro identifican la elegancia de los capos de la mafia, vestidos siempre impecablemente de smoking.

Ahora, vayamos con el logotipo. Es un trabajo que ha sido objeto de parodias, que se ha trasladado incluso a las portadas de la novela original, escrita por Mario Puzo, e incluso, servido de inspiración para logos de teleseries sobre mafias, como “The Sopranos” (este con un revolver en el lugar de la “r”). El logotipo es un elaborado y complejo trabajo, que simbólicamente juega con el vocablo “Godfather” (padrino en inglés), ubicado sobre el fondo negro en la parte superior del cartel. Primero, la palabra “God” está unificada por la letra “G” y la “d” final, dejando prácticamente cubierta a la “o” intermedia. Esto tiene connotaciones simbólicas, que van con el concepto de “God” (Dios), como protección, defensa, cuidado, etc. El diseño y trazo de la letra “G” son magníficos, de una continuidad que casi se une con la “d”. La “G” está inspirada en la figura de un revolver, que aquí tiene dos “cañones”, el que se junta con la “d” y el de la curva inferior de la “G” (ver la imagen inferior).


Versión "negativa" e invertida del logotipo de "The Godfather", donde se aprecia el "revolver" en la letra "G".


Pero lo más interesante del logotipo, es el trabajo en la palabra “father” (padre), que parece sostenida por unas cuerdas de marioneta. Si observamos bien, sobran dos cuerdas, las de la “h” y la primera en la “e”, que parecen salir de los dedos y no de la cruz. Las otras cuatro cuerdas son para la “f”, la “t”, una más para la “e” y la última para la “r”. Esto no es un error ni es gratuito. La cruz hace referencia al símbolo del Cristianismo, y lo intrigante es saber con exactitud a quién, qué o quiénes hace referencia simbólica esa mano, que mueve la cruz y las cuerdas. ¿Es Dios? (Don Corleone se rige por valores morales y familiares muy rígidos, y la mano parece salir de la nada), o... ¿es la mano de la Iglesia Católica?. La posición superior de la mano y la cruz sobre la palabra “father” (Don Corleone es el patriarca de una enorme familia), indica un lugar prestigiado en la escala de poderes a los que hace referencia la película, lo que invita a recordar una de las premisas, no nada más de la primera película, sino de la trilogía completa “¿Qué poderes se encontraban arriba de la mafia italiana?”

En cuanto a la parte inferior del cartel, no tenemos más que un meticuloso, sesudo e ingenioso acomodo de todos los créditos, sobre un fondo blanco. Nos recuerda una especie de “escala de poderes” en un grupo mafioso. En primer lugar, está el nombre del “padrino”, Marlon Brando, centrado, y abajo, un bloque con el resto de los “miembros” del grupo. Empieza por Al Pacino, quien interpreta a “Michael”, el favorito para ser el sucesor; después James Caan, quien interpreta a “Sonny Corleone”, el principal candidato hasta que es “borrado del mapa”. Luego, el actor Richard Castellano, quien interpreta a otra figura decisiva, “Clemenza”, quien tiene el mismo destino que Sonny, y el siguiente es Robert Duvall, quien interpreta a “Tom Hagen”, brazo derecho de Don Vito Corleone, el padrino. La lista termina con Diane Keaton, quien interpreta a la esposa de Michael. Todos están encerrados en un delgado marco negro.

Finalmente, no podrían faltar los créditos de la producción, en una tipografía delgada y alargada, muy similar a la de un titular de periódico, y cada nombre está alineado a la derecha. Todo el cartel está enmarcado por un fino, sencillo y elegante marco. Un gran cartel, para una de las más grandes obras del cine.

Y... ¿CÓMO LE PONEMOS?

"¡Soy su madre y me gusta Star Trek, lo juro! "





Empezamos con el estreno fuerte de esta semana junto a Gran Torino, es decir, Watchmen, la esperadísima adaptación al cine del cómic de Alan Moore y Dave Gibbons (dibujante). Tenemos el clásico tropezón que se comete en la península, de dejar el título en inglés y sin traducción, pensando así que se escuchará más comercial, atractivo y sofisticado. Aunque es verdad también que es así como más se conoce el cómic a nivel mundial (no estoy seguro si exista una edición en español de la novela gráfica). En ese sentido, se puede tolerar que dejen el título así, pero hay que pensar en la gente que no tiene idea de comics ni novelas gráficas, aquellos que vayan a conocer a los personajes por primera vez en la película. En México pecaron de precavidos, y la dejaron como “Watchmen-Los Vigilantes”, para dejar contentos a ambos bandos. La traducción es buena de todas formas. En Venezuela y Perú la película también se titulará así. Veamos los títulos en otros países:

Cel ce vegheaza-Rumania
Cuvar- Croacia
Les Gardiens-Canadá (bien por ellos)
Hraniteli-Rusia
Strázci-Watchmen-República Checa
Strazcovia-Eslovaquia
Varuhi-Eslovenia
Watchmen-Japón (mismo caso de España)
Watchmen - Die Wächter-Alemania
Watchmen - O Filme-Brasil (¿Por qué no siguieron el ejemplo de Portugal)
Watchmen - Os Guardiões-Portugal

Y ya que estamos puestos con los tropiezos, el siguiente es el de The Code. El asunto con el título de esta película es un desastre, ya que su título original es Thick as Thieves. La producción es entre Estados Unidos y Alemania, y en España han elegido dejar el “título internacional”. Como sea, el motivo de esta decisión lo sabrán los distribuidores, pero el caso es que, además de que se dejó sin traducción, el título es demasiado simple: “El Código”. El título original es más complejo de traducir, debido a los múltiples significados de la palabra “Thick”. El más cercano, a mí parecer es algo como: “Siempre juntos” o “Siempre en problemas” (como dirian en México, amigos que son como "uña y mugre"). La historia trata sobre un veterano ladrón, que forma equipo con un novato para llevar a cabo un gran robo. Otro problema es que un título como “The Code” se refiere más a un thriller, mientras que el otro es más de una especie de “buddy movie” cómica, o sea, historias de “parejas disparejas”.

Con "Más allá de los Sueños", el título elegido para Bedtime Stories, reciente producción de la Disney protagonizada por Adam Sandler, no me parece un título malo. Sin embargo, siento que sugiere más un filme de tono amable, de un cuento de hadas para niños. Aunque no he visto la película, tengo entendido que, si bien la principal material del filme son los cuentos de hadas, el tono es más cómico-paródico. Pero bueno, con este título se quiere vender más como una comedia familiar en la península. Nunca escuché buenos comentarios de la película al fin y al cabo. Aquí hay más ejemplos, algunos pésimos:

Cuentos que no son cuentos-Argentina / Venezuela (pésimo título, no me convence)
Сказки на ночь-Rusia
Cuentos que no son cuento-Perú
Esti mesék-Hungría
Um Faz de Conta Que Acontece-Brasil
Gerçek masallar-Turquía
Histórias para Adormecer-Portugal (traducción literal, no se escucha mal)
Histoires enchantées-Francia (me gusta mucho más que el de España)
Iltasatuja-Finlandia
Istories gia kalinyhta-Grecia
Opowiesci na dobranoc-Polonia
Pohádky na dobrou noc-República Checa
Povesti de adormit copiii-Rumania
Price za laku noc-Croacia
Racconti incantati-Italia (similar al de Francia, buena idea también)

El primer acierto, es para la película alemana Kirschblüten – Hanami, cuyo título internacional en inglés quedó como Cherry Blossoms. En España se titula “Cerezos en Flor”, no está mal. Suena más poético que la traducción exacta “Flores de Cerezo”, y va con la temática de la película. Ahora, en el título original viene incluido el vocablo japonés “Hanami”, nombre con el que se conoce en Japón al periodo en que florecen los cerezos. Bueno, le da más énfasis al título original. Bien por la distribuidora.

Otra película alemana a estrenarse es “Wolke Neun”, que traducido quedaría como “Nube Nueve”. El juego de palabras suena agradable en un título metafórico, tomando en cuenta la trama sobre una mujer madura que inicia una relación con un hombre de 76 años, aquella con un matrimonio de 30 años con otro hombre. En España la han titulado “En el Séptimo Cielo”, y aunque no es del todo fallido, quisieron hacerlo sonar como una especie de película de Ingmar Bergman. La trama es muy de Bergman, es cierto. Como sea, el título español no es muy original de todas formas.

Para terminar, Smother ha quedado con el título de “La Madre de él”, el peor título de la semana. La palabra “smother” tiene muchos significados, y el más cercano a lo que refiere la trama, es el de “sofocar”, no dejarle “espacio” a uno para "respirar". La película cuenta la historia de un tipo que se queda sin trabajo, y para colmo su esposa y madre (Diane Keaton) lo presionan para tener un hijo, esta última yéndose incluso a vivir con ellos. El título español es confuso, no tiene mucho sentido, y retoma el cliché de usar la palabra “madre” en los títulos hispanos para las comedias, donde este personaje tiene un peso decisivo.

miércoles, 4 de marzo de 2009

SABIAS QUE...

"Vamos, dime ya dónde está el baño."






El presentador de televisión estadounidense Jerry Springer, de hecho, nació en Londres en 1944, dentro de una estación del metro, que servía como refugio para los bombardeos en la Segunda Guerra Mundial. De ascendencia judía, Springer perdió a 23 familiares durante el Holocausto. Y ya puestos en el tema, para él su programa más “raro” ha sido “Me casé con mi Caballo”. Se cree que el caballo dejó al dueño más tarde.

Durante una presentación del musical "Beauty and the Beast" en Londres, el actor Hugh Jackman, sorprendente presentador de los Oscares este año... se orinó en los pantalones. ¿Accidente o una urgencia no atendida a tiempo?

El número de placa de policia de Harry Callahan era 2211.

Las orejas de Mickey Mouse siempre están dobladas hacia enfrente, no importa para donde esté apuntando su cabeza.

El nombre para el mago de Oz, en la novela de homónima de Frank Baum, fue creado luego de que su autor vio las letras "O" y "Z" en la segunda sección de su enciclopedia.

martes, 3 de marzo de 2009

LA SECUENCIA DE CRÉDITOS



Llegó la hora de hablar de una de mis secuencias de créditos predilecta, la de Vértigo (1958), de Alfred Hitchcock, creada por el famoso y prolífico diseñador de secuencias de créditos Saul Bass (1920-1996). Bass trabajó hasta prácticamente el último año de su vida, y colaboró con Hitchcock diseñando las secuencias de otros de sus filmes, como North by Northwest (1958) y Psycho (1960), así como en otras películas populares de aquella época, como West Side Story.

La secuencia tiene una duración de 2 minutos con 40 segundos. Abre con varios acercamientos al rostro de una mujer, obsesión de nuestro personaje principal, Scottie Ferguson (James Stewart), un detective de policia que se retira debido al vértigo que padece, y que ha causado la muerte accidental de un oficial de policia. Mientras escuchamos de fondo el inquietante tema musical de Bernard Herrman, hay tres acercamientos a varias partes del rostro: uno a la boca, donde se sitúa el nombre de “James Stewart”, el siguiente a los ojos, en donde se sitúa el nombre de la actriz principal, “Kim Novak”, y el último al ojo derecho, en donde se sitúa el nombre de “Alfred Hitchcock”. Esta lectura visual tiene una carga erótica, que a lo largo de la película hará evidente Scottie por su objeto de deseo, Madeleine (Novak), la esposa de un buen amigo de aquel. Este amigo le encargará a Scottie que la siga, debido al extraño comportamiento de ella.

El tema visual, no nada más de la secuencia sino del cartel, es una espiral. Además de ser un símbolo místico, que representa la renovación cíclica, es una representación del vértigo de Scottie. Es una figura que estará presente en toda la película también, desde el peinado de Madeleine (el cual mira fijamente Scottie en aquella escena del museo), hasta en los recorridos que hace por toda la ciudad de San Francisco, siguiéndola en auto. Del ojo de la mujer en la secuencia, comenzarán a salir una variedad de espirales. Mientras, la cámara nos introduce en el ojo. Este órgano estará al principio y al final de la secuencia, y es una representación de la obsesión de Scottie, cuando, en el tercer acto, intente reconstruir con exactitud a Madeleine en una chica que conoce, muy parecida a ella. Es la obsesión de verla nuevamente y de reconstruirla, en ese recuerdo que vive en su memoria.


La tipografía de los títulos, es de un contorno grueso, las principales son transparentes por dentro, y recuerdan el estilo tipográfico de una novela. Las espirales van desfilando en movimientos giratorios, pasando por colores como azul, violeta, verde, naranja, etc. Luego de las primeras dos figuras, tienen lugar un par de animaciones: dos figuras geométricas, del tipo de patrones secuenciales (como los mandalas tibetanos), que sugieren varias cosas. La principal, es una pupila que se dilata, una nueva referencia erótica al ojo, con la reacción que tiene ante un estímulo visual, pero también ante el efecto de un mareo o vértigo, a un estado de inconsciencia.

Estos patrones geométricos también hacen referencia a los troncos partidos de un árbol secoya, como los que Madeleine y Scottie observan en la escena del bosque, o a las flores, presentes en buena parte del filme, como las que Madeleine deposita regularmente en la tumba de esa mujer del siglo XIX, de quien cree es su reencarnación.

El desfile de espirales cierra con tres de ellas, la primera y segunda son de color verde y naranja, y se juntan para formar un ojo, insistiendo en el tema simbólico de la mirada, del ojo como órgano no nada más sensual, sino sensorial. La cámara sale del ojo de la mujer, para que nuevamente un crédito a Hitchcock aparezca debajo. La imagen se disuelve en negro, y pasamos a la secuencia de la persecución de un ladrón por Scottie y un policia. En otra ocasión, comentaré la secuencia (en parte de animación) de la pesadilla de Scottie, creada por John Ferrer.

PEANUTS, EL CINE Y LOS MEDIOS



En esta ocasión, comprobamos como, en ocasiones, la prensa puede estar de lado de los perros. Y Snoopy ha sabido aquí cómo sacar provecho de la situación. De hecho,... siempre sabe cómo hacerlo.

lunes, 2 de marzo de 2009

ZIVOT JE CUDO * * * 1/2

Una cama volando por los aires con sus dos enamorados ocupantes encima (a manera de fantasía escapista), gente festejando, embriagada y despreocupada, al acalorado ritmo de la música gitana; animales con un protagonismo fuerte en la mayoría de las escenas, un gato acechando a una moribunda paloma y… música, música, música. No cabría duda si apostáramos a que se trata de una película del multifacético realizador bosnio Emir Kusturica.

La Vida es Un Milagro (Zivot Je Cudo, 2004), es quizás ver a un Kusturica estancado y algo repetitivo, sin mucho de nuevo que aportar. No puede negarse que Kusturica sigue con una dirección tan vital como siempre. Es capaz de ver en las situaciones más dramáticas lo humorístico, lo festivo. Continúa juntando en una escena todos esos elementos fellinianos que tanto le gustan: música, mujeres que gustan divertirse hasta morir, hombres conquistadores, militares cómicos, etc. Si hay alguien que mejor sepa imitar a Fellini, es el “hombre orquesta” Kusturica.

La carrera fílmica de Kusturica no es muy prolífica (apenas y filma cada dos o tres años), dándose el lujo también de tener pequeñas participaciones como actor en uno que otro filme. La Vida es Un Milagro, es una suerte de obra suma de Kusturica, una recopilación de elementos ya vistos en muchos de sus anteriores filmes, como Underground (1995), este uno de los mejores que he visto de su filmografía.

Las 2 horas y media de metraje se hacen digeribles gracias a la comicidad de muchas escenas, especialmente por ese burro que está presente siempre obstruyendo la vía de un tren, o lo carismático que termina siendo Velfo (Aleksandar Bercek) con su inquieto caballo. También resulta sumamente agradable y lograda la banda sonora, a cargo de Dejan Sparavalo y la famosa “No Smoking Orchestra”, de la que Kusturica es director y guitarrista principal.

La trama se ambienta en Bosnia Herzegovina, en 1992, época de la invasión serbia. Luka (Slavko Stimac) es músico de la banda del pueblo de Golobuci, y también está a cargo del titánico proyecto de construir una vía de ferrocarril. Jadranka (Vesna Trivalic), esposa de Luka, es la estridente cantante de dicha banda, quien sufre de crisis nerviosas que sólo pueden ser atendidas en el hospital local. El drama de Luka comenzará cuando a su hijo, Milos (Vuk Kostic), jugador profesional de fútbol, lo llamen para ingresar al ejército, ante la inminente invasión de las fuerzas serbias en el país. Para Luka será difícil cuando tenga que decidir intercambiar a Milos, hecho prisionero, por Sabaha (Natasa Solak), una guapa enfermera musulmana.

Entre los “peros” de la película, está el inicio, demasiado largo, con una serie de escenas cómicas donde los animales roban el protagonismo a los personajes. Además, se presentan personajes que tendrán poca o nada de relevancia en la historia, tardando mucho el guión en ir al grano, estancándose hasta que inicia el drama de Luka y su soledad. Quizás el filme termine siendo demasiado largo y su final es algo incoherente, pero es innegable que Kusturica… sigue fascinando.

++ El DVD incluye tráiler, rueda de prensa con Emir Kusturica, ficha artística, ficha técnica, filmografías destacadas, premios y nominaciones.

(H)OJEANDO REVISTAS


Brad Pitt fotografiado por Chuck Close, en el número de febrero de la revista W.

No hace mucho, en una de las primeras entradas de la sección "El Cartel", hablada de retratos más logrados técnicamente de Brad Pitt que el visto en el cartel de "The Curious Case of Benjamin Button", a pesar de la ya cansina costumbre de ver su rostro por todos lados. Se encuentra todavía disponible el número de febrero de la revista "W", especializada en temas tanto de espectáculos como de cultura y arte. Pues bien, en este número se ofrece una serie de retratos de Brad Pitt en un impecable blanco y negro, técnicamente muy logrados e interesantes. Lo que sorprende, es que si bien vemos al actor con su "look" que usa en la próxima película de Tarantino, "Inglourious Basterds", son de ese tipo de retratos "desmitificadores". Lo mejor, es que aquí Brad aparece luciendo todas las imperfecciones -casi microscópicas- que hasta la persona más atractiva puede tener: poros abiertos, arrugas profundas en la frente, una que otra cicatriz, etc., sin retoques digitales de por medio.

Son retratos en los que Brad no tiene miedo de mostrar algunos signos de su edad, unas fotografías tomadas con un gran angular y algunos efectos de desenfoque en la lente. La serie completa puede verse en la página de la revista.


Febrero ha sido el mes de Kate Winslet, y marzo parece que también. A la bella Kate la podemos ver en casi todas las portadas de las revistas, tanto de corte femenino, como políticas y de interés general. Lo mejor que he podido ver hasta ahora, es el reportaje que ha publicado la revista TIME, cuya portada tiene como títular: "Best Actress". Este número se publicó dias antes de la entrega de los Oscares, y en este titular los editores de la revista británica ya apostaban por Kate para llevarse el Oscar a Mejor Actriz. El reportaje está escrito por el crítico de cine Mark Harris, en el que además hace un recuento de las 10 mejores actuaciones de Kate. El reportaje se puede leer en la página web de la revista. El retrato que ha elegido TIME para esta portada es de los mejores que he visto de Kate. Todavía puede encontrarse este número de la revista en algunos establecimientos.

domingo, 1 de marzo de 2009

THE UPSIDE OF ANGER * * * 1/2

A pesar de no ser mas que un melodrama femenino palomero, resulta interesante la experiencia de ver The Upside of Anger (2005), del realizador y guionista Mike Binder. Binder participa con un papel pequeño, en una película con agradables toques de comedia, que además sorprende con una moraleja sobre cómo la ira afecta a las personas.

El reparto femenino resulta sólido, encabezado por Joan Allen en el papel de Terry, mujer madura que entra en un estado de depresión y alcoholismo, debido a que su esposo la dejó sin carta de por medio. Terry es madre de cuatro chicas guapas, y la película abre con el entierro de alguien que parece ser importante en la vida de todas ellas. La hija más joven, Lavender (Evan Rachel Woods), narra en off la historia de lo que pasó antes.

En medio del ecléctico reparto femenino, estará la desaliñada presencia de Kevin Costner, interpretando a Denny, el mejor amigo del esposo de Terry, en una actuación que le dará al filme escasos toques de machismo, cinismo y comicidad. Denny es un ex jugador de baseball retirado de las grandes ligas, convertido en locutor de un programa deportivo. Es el prototipo del hombre medianero norteamericano: amante de la cerveza y la televisión. Denny sirve de apoyo moral a Terry, mientras va surgiendo entre ellos una atracción (¿alguien apuesta lo contrario?), y fungirá como una figura paterna para las chicas.

Binder presume aquí una buena y pareja dirección de sus actrices. Cada una de las chicas dotará a sus personajes de una particular fuerza y presencia en pantalla, siendo solidarias con su madre ante la soledad y lamentable vicio por el alcohol. Andy (Erika Christensen) desea convertirse en reportera y no pisar la universidad; Emily (la bella Kery Russell) sueña con ser una bailarina de ballet, y Hadley (Alicia Witt, quien pasaría fácilmente como hermana menor de Julianne Moore) terminará de una manera más conservadora, casándose con un amigo de la universidad. Lavender será la chica más inteligente, aunque propensa a caer en los peligros de la adolescencia, como las drogas. A Lavender le corresponderá decir en su narración las premisas sobre las cuales se sostiene la película, vía una especie de documental sobre la ira y el enojo, que se encuentra realizando en su ordenador portátil. Ahí registra el difícil proceso en el que se encuentra su madre.

“La irá te puede detener a medio camino, cambiarte en lo que no eres”, será una de las sabias afirmaciones de Lavender, en una película con pocas pretensiones. Es un melodrama familiar que parece hecho para el mejor horario del canal Hallmark, aunque dignamente levantado por la excelente actuación de Joan Allen. Mientras, Kevin Costner lleva bien su papel, sin mayores complicaciones. La trama ofrece reflexiones interesantes sin ser sesudas, que por fortuna la dejan por encima de cualquier producto televisivo. Ah, y su giro final es de esos que CUIDADO, no se pueden contar.

++ El DVD incluye el "Cómo se creó", escenas eliminadas y documental "Así se hizo: “Más Allá del Odio" (el título en español).

FICCO 2008 (Y EN EL MUSEO).

Fotograma de "El Cant dels Ocells", de Albert Serra.


Este domingo finalizó el 6° Festival Internacional de Cine Contemporáneo de la Ciudad de México (FICCO), que tuvo lugar del 17 de febrero al 1 de marzo, uno de los más prestigiosos en este país. A pesar de que ha pasado por un momento de cambios y transiciones en su administración y organización, el evento se desarrolló con la normalidad de anteriores años.

España tuvo, como siempre, una participación discreta, regresando el realizador catalán Albert Serra, quien visitó el país en 2007 para presentar personalmente Honor de Cavalleria (proyección a la que tuve suerte de asistir para felicitarlo por su trabajo), ahora con su más reciente película, "El Cant dels Ocells", sobre la travesía de los Reyes Magos a Belén, y que participó en la Selección Oficial de Ficción. Por otro lado, dentro de la Selección Oficial de Documental se presentó "Picnic" (2007), de Eloy Enciso Cachafeiro, que trata sobre la agitada vida veraniega en las playas de Benidorm. Además, se exhibieron los cortos Sintonia (2005), de Jose Mari Goenaga, y el trabajo de animación "Sr. Trapo", de Raúl Diez.


++
Como nota aparte, mencionar que en la Casa del Lago del famoso Bosque de Chapultepec, se exhiben los carteles que participaron en el concurso para seleccionar el cartel oficial del festival. Si bien nunca me han parecido extraordinarios los carteles del FICCO, son visibles y agradables. El ganador de este año fue un simpático trabajo tipográfico (sin mucha lógica, por el considerable peso visual y tamaño del "6", debería de estar más abajo) en combinación con elementos alusivos al cine, todo sobre un fondo amarillo (color oficial del festival este año) con una sombra del famoso "Ángel de la Independencia", monumento emblemático de la Ciudad de México. Es un símbolo cliché de esta enorme metrópoli, pero bueno, al menos está empleado con algo de originalidad.

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