viernes, 5 de octubre de 2007

DVD: THE LOST CITY * * * 1/2

El debut en el largometraje de ficción del actor de origen cubano Andy García, The Lost City (E.U., 2005), es una bienintencionada aunque dispareja película, filmada con suma convicción y decentemente producida. Haciendo un balance general, podría verse como una suerte de melancólica declaración de amor a la patria de García, a su historia reciente, a sus tristes acontecimientos políticos de mitad de siglo XX, un homenaje al exilio cubano, que tuvo que salir de la isla al darse cuenta que el triunfo de Castro sobre la dictadura de Fulgencio Batista, no era más que volver al mismo régimen opresor.

Escrita por los guionistas Guillermo Cabrera Infante y el yugoslavo Daniel Vujic, en The Lost City es obvio, desde el inicio, que tendremos a un Andy García que no pudo evitar autoidealizarse, interpretando al intachable Fico Fellove, dueño de un popular centro nocturno a finales de los 1950, miembro de una acaudalada familia que se verá a sí misma, poco a poco, desmembrarse con la llegada de la revolución cubana. Fico es un hombre apolítico, soltero, preocupado porque su negocio marche sobre ruedas, pero pronto verá que la sombra de esa política que aborrece, acabará persiguiéndolo más de lo que hubiera imaginado.

The Lost City arranca como una especie de The Godfather instalada en la Cuba prerrevolucionaria, cosa nada rara si recordamos que Andy García protagonizó la última parte de aquella trilogía, dirigida por Francis Ford Copolla, al que se nota le tomó prestada su manera de construir la trama y dirigir a sus actores. La película, de hecho, es toda la épica familiar de los Fellove, de su ascenso y caída gradual, iniciada cuando Fico descubre que uno de sus hermanos menores, Luis (Nestor Carbonell), es el principal líder de una célula revolucionaria, que pretende llevar a cabo el derrocamiento y asesinato de Batista.

Los futuros acontecimientos, enfrentamientos, luchas y persecuciones, irán manchando de sangre a la familia, sin que Fico, con todo su influyente poder económico y social, pueda hacer algo para frenarlo, ni que su hermano menor, Ricardo (Enrique Murciano), el más desapegado y al que Fico intenta enseñar una lección sobre el honor que se le debe a la familia en una escena clave, caiga y se involucre en una lucha revolucionaria de la cual parecía estar aparte.

La película tiene momentos rescatables. Andy García muestra mucha habilidad y eficacia para dirigir y montar las escenas de acción, de balaceras y persecuciones, consiguiendo así un buen filme de suspenso político, así como sacarle a todo su reparto buenas actuaciones, incluyendo a Bill Murray, interpretando con su natural y eficaz comicidad a un escritor amigo de Fico, y Dustin Hoffman, en una pequeña participación como el mafioso Meyer Lansky, quien pasó por Cuba para hacer negocios.

Lo malo de todo, es que a ratos la película, además de tener una duración algo excesiva, cae en el romanticismo meloso, con unas escenas en las que parece que Andy quiso probarse a sí mismo como director de videoclips musicales, en ese romance que Fico va construyendo con su cuñada (Inés Sastre). Va por buen camino si alguna vez desea dirigir un vídeo musical, y es que el mismo Andy García escribió la banda sonora (al final incluso recita el extracto de un poema de Neruda). Aunque creo es evidente que se quedó con las ganas de haber hecho un musical de toda esta historia. Para la próxima Andy.

++ La película puede encontrarse en España en dos ediciones, una con 2 discos y otra con 4, llenos de extras especiales.

CINE ANIMADO: BROTHER BEAR * * * *

Da gusto ver que entre los varios tropiezos que la Disney ha tenido recientemente, como con Home on the Range (2004), o Atlantis, The Lost Empire (2001), películas que hacen una combinación de la técnica de animación tradicional (dibujada y cuadro por cuadro) con tecnología digital, haya alguna que valga la pena como Brother Bear (E.U., 2003), poco valorado filme animado, que de hecho, fue una de los últimos que la Disney produjo usando la animación tradicional, aspecto que fue juzgado por muchos críticos.

Aquellas críticas me mantuvieron escéptico por algún tiempo respecto a esta película, dirigida por Aaron Blaise (colaborador en películas como Mulan, The Lion King y Pocahontas) y Robert Walker (ambos en su debut como directores), pero al verla me tope con un entrañable y emocionante relato con tintes de leyenda indo-americana, musicalizado con magníficas canciones de Phil Collins (bien producidas en su versión al español para el mercado latinoamericano) y producido con una impecable manufactura, buenos efectos visuales y notable técnica de animación.

En alguna región de la fría Norteamérica, justo al finalizar la era del hielo, tres hermanos viven felizmente de la pesca, hacer travesuras, discutir y llevar una existencia tranquila. La víspera de una festividad religiosa, el menor de ellos, Kenai (voz de Joaquin Phoenix), recibirá como tótem protector la figura de un oso. Sin embargo, Kenai, no muy satisfecho con su tótem, por un descuido provoca que la pesca del día sea robada por un enorme oso grizzly. En su enfrentamiento con el oso, al tratar de recuperar el pescado, el mayor de los hermanos muere trágicamente. Kenai cobrará venganza matando al oso, aunque por obra de la justicia divina y de los espíritus del bosque, acabará convertido en oso. Denahi (voz de Jason Raize), el hermano mediano, creyendo que el chico murió atacado por el oso, irá en búsqueda de la bestia por toda la región, sin saber que a quien persigue es a su propio hermano hechizado.

La película, con todo y su obvio mensaje ecologista (los osos grizzly son los más cazados en Norteamérica), se irá convirtiendo en una conmovedora y emocionante historia en partes iguales (las persecuciones al oso y su pelea con los hermanos están muy logradas), a partir de que Kenai forje un lazo de amistad con un simpático osito, Koda (voz de Jeremy Suarez), quien lo guiará hasta el risco en donde fue transformado en oso, y así tratar de volver a la normalidad. Su giro argumental, si bien se irá telegrafiando desde la mitad de la historia, no deja de sorprender por su resolución, convirtiendo a la historia en una fantástica alegoría sobre la amistad y el sacrificio fraternal.

Claro, no todo es perfecto. Habrá algunos peros en la película, escrita por Tab Murphy Lorne Cameron, a partir de una historia ideada por Broose Johnson, y es que los realizadores no pudieron (o quisieron) resistirse a los convencionalismos de la Disney, en ese par de alces inútiles, no muy graciosos y que no sirven para casi nada en la trama. Los alces serán la típica pareja “cómica”, pero en este caso no lo es tanto. Ojalá y la Disney siga por este camino, donde la historia y los personajes son tan importantes como el acabado visual de la película.

++Brother Bear tiene una secuela, Brother Bear 2, que nada más ha sido estrenada en DVD.

jueves, 4 de octubre de 2007

SITGES 2007: STARDUST * * * 1/2

Celebro siempre que aparezca en el panorama fílmico actual una película del género fantástico como Stardust (Reino Unido-E.U., 2007), del realizador Matthew Vaughn (responsable del estupendo thriller gangsteril Layer Cake/2004). Me declaro aficionado al género, en especial el que se desarrolló en los 1980, y marcó mi infancia de manera especial. Por ejemplo, me encantó The Adventures of Baron Munchausen (1988), del ex Monthy Pithon Terry Gilliam (quien tuvo un flojo regreso con The Brothers Grimm/2005 y al parecer también con Tideland/2005). Si hubo alguien a quien Vaughn quiso emular en Stardust, evidentemente ha sido a Gilliam, en esa mezcla de fantasía y comedia que el director y animador estadounidense ha sabido desarrollar a lo largo de su filmografía.

Por supuesto, Vaughn está muy lejos de alcanzar los niveles de Gilliam, y aunque consigue en Stardust una película disfrutable y graciosa a ratos, con aceptables efectos especiales, la película también corre a veces el peligro de ponerse aburrida, divagante, además de sentirse saturada de personajes. Basada en la novela escrita por Neil Gaiman y Charles Vess, la historia narra cómo cierta noche Tristan (Charlie Cox), joven aldeano del siglo XIX, se atreve a cruzar la frontera que conduce a una región amurallada y mágica, habitada por brujas, gitanas y fantasmas, (cosa que también hizo su padre en su niñez), luego de ver a una estrella fugaz caer del cielo. La estrella es una guapa chica, Yvaine (Claire Daines), quien empezará a ser perseguida por una bruja (estupenda Michelle Pfeiffer) y un futuro príncipe (Mark Strong), para apoderarse de una joya que lleva consigo.

Tristan e Yvaine emprenderán la huida y vivirán un sin fin de aventuras, por tierra y aire, encontrándose con personajes que, desafortunadamente, se van perdiendo en el camino o no aportan gran cosa a la historia, siendo algunos detalles que impiden a la película de Vaughn rozar la genialidad, imaginación e ingenio del Terry Gilliam del Baron Munchausen, Jabberwocky (1977) o Time Bandits (1981).

Pero bueno, tal vez sea demasiado exigirle a Vaughn, en apenas su segundo largometraje. Al final, la película es para pasar una tarde agradable de fin de semana, y si hay dos cosas por las cuales vale la pena revisar esta película, esas son la muy graciosa participación de Robert De Niro, como el capitán de un barco pirata con un lado afeminado, reprimido y oculto (la escena del baile del “Can Can” es bastante cómica y rescatable), así como la magnífica actuación de Michelle Pfeiffer como la bruja malvada del cuento, bellísima y monstruosa por igual. Vale mencionar también el buen clímax que consigue el realizador al final, tal vez la única parte por la que vale la entrada al cine.


Stardust se presenta hoy 4 de octubre, a las 12:30 PM, en el Auditori Melià. Consulte la cartelera para otros horarios en http://www.cinemasitges.com/

Estreno comercial en España, 26 de octubre.

martes, 2 de octubre de 2007

DVD: TODAS LAS AZAFATAS VAN AL CIELO * * 1/2

En Todas las Azafatas van al Cielo (España-Argentina-Italia, 2002), dirigida por el argentino Daniel Burman (Garage Olimpo/1999), se narra la historia de una, Teresa (la española Ingrid Rubio), quien lleva una vida rutinaria entre un punto geográfico y otro de Argentina, tal y como lo muestran las "coreografías" demostrativas de seguridad, que debe realizar antes de cada vuelo. En uno de esos vuelos va Julián (Alfredo Casero), un oftalmólogo que lleva las cenizas de su fallecida esposa, (en vida también una azafata), a la ciudad de Ushuaia, para arrojarlas al mar. En ese vuelo queda prendado de Teresa, la cual lleva a cuestas la soledad al haber sido abandonada por su novio, quien la ha dejado embarazada.

Los destinos de Teresa y Julián quedarán, a partir de ese vuelo, enlazados por sus trágicos destinos, cuando tengan su primer encuentro cara a cara, al intentar ambos, de una manera inocente, quitarse la vida. Los típicos elementos de un drama de Almodóvar se ven reelaborados aquí de una forma más inocente. Es decir, En "Todas las Azafatas..." tenemos a la mujer sufriendo por causa de un hombre, al elemento materno (Norma Leandro, algo deslucida) como punto de equilibrio y apoyo; a la parte infantil (la hija de un antigüo aviador), el lado masculino torpe e irresponsable (no Julián, sino los pilotos ebrios) y una prostituta con doble vida (y una hija de por medio). Todo acentuado por un diseño de arte como extraído de las películas del director manchego, aunque más ligero. Para muestra, véanse las escenas de los bailes en el bar.

A pesar de una buena dirección fotográfica, en manos de Ramiro Civita (unos paisajes bien compuestos), un buen diseño de arte y una banda sonora agradable, el punto débil es la floja dirección. Burman no logra extraerle a sus actores la calidez y sentimiento necesarios, al grado de sentir a los histriones fríos, secos y sin poder transmitir emoción alguna a través de sus personajes. Incluso, los diálogos suenan tan poco cuidados y dichos a prisa.

La resolución del filme no ha sido la mejor (guión escrito por el mismo Daniel Burman y Emiliano Torres). Después de haber iniciado con un tema interesante, la película cae al abismo con un facilón happy end. Pone a pensar en el objeto de haber construido una trama en torno a las dificultades de una mujer sola e independiente, con un trabajo complicado y difícil de sobrellevar, para llevarlo por el camino más cómodo: la renuncia a su trabajo y al esfuerzo por haberlo sacado adelante. Una película floja e irregular, que se nos “cae del cielo”.



NOTICIAS: PREMIACIONES DONOSTIA-SAN SEBASTIÁN 2007


Algunos miembros del jurado (de izquierda a derecha) Paul Auster, presidente del jurado, la actriz sueca Pernilla August, el realizador iraní Bahman Ghobadi, el actor Eduardo Noriega, el realizador británico Peter Webber.

El 55° Festival de Cine Donostia- San Sebastián concluyó el pasado 29 de septiembre. Estas fueron las principales premiaciones de la "Sección Oficial"

PREMIO DEL JURADO AL MEJOR GUIÓN a GRACIA QUEREJETA y DAVID PLANELL por “ Siete mesas de billar francés“ (España) Ex-aequo JOHN SAYLES por “ Honeydripper“ (EE.UU)

PREMIO DEL JURADO A LA MEJOR FOTOGRAFÍA a CHARLIE LAM por “ Ceot oi kap gei / Exodus” (Hong-Kong)
CONCHA DE PLATA AL MEJOR ACTOR a HENRY O. por “A Thousand Years of Good Prayers (Mil años de oración)” (EE.UU)

CONCHA DE PLATA A LA MEJOR ACTRIZ a BLANCA PORTILLO por “ Siete mesas de billar francés” (España)

CONCHA DE PLATA AL MEJOR DIRECTOR a NICK BROOMFIELD por “Battle for Haditha” (Gran Bretaña)


MAKHMALBAF (Irán-Francia) El Premio Especial del Jurado es para la película Buda az sharm foru rikht / Buddha Collapsed Out of Shame (Buda explotó por vergüenza), dirigida por HANA MAKHMALBAF.

CONCHA DE ORO A LA MEJOR PELÍCULA “ A Thousand Years of Good Prayers (Mil años de oración)” de WAYNE WANG (EE.UU)










NOTICIAS: RUTGER HAUER Y GEORGE A. ROMERO EN SITGES 2007

SITGES 07 APUESTA POR LAS ÓPERAS PRIMAS EN SECCIÓN OFICIAL

George A. Romero y Rutger Hauer, figuran entre los invitados destacados del festival.


El Festival Internacional de Cinema de Catalunya inaugurará su 40ª edición el día 4 de octubre, con una de las óperas primas más esperadas de la temporada, El Orfanato, de J.A. Bayona (fuera de competición), que dará paso a la Sección Oficial Fantàstic con destacada presencia de debutantes: Los Cronocrímenes, de Nacho Vigalondo; El Rey de la Montaña, de Gonzalo López-Gallego; El Último Justo, de Manuel Carballo; À l'intèrieur, de Julien Maury y Alexandre Bustillo; Danniponjin, de Hitoshi Matsumoto; First Snow, de Mark Fergus; Frontière(s), de Xavier Gens; La habitación de Fermat, de Luis Piedrahita y Rodrigo Sopeña; Joshua (El hijo del mal), de George Ratliff; The Nines, de John August; The Signal, de David Bruckner, Dan Bush, Jacob Gentry; Teeth, de Mitchell Lichtenstein y Tres Minutos, de Diego Lublinski, componen más de la mitad de la competición.


Una de las líneas que marcan la Sección Oficial de esta edición, es la recuperación del cine de producción catalana y española, que denota el buen momento que vive el género fantástico en nuestro país, revivido gracias al éxito de títulos como El Laberinto del Fauno, de Guillermo del Toro. El Festival quiere destacar la orientación de su programa hacia el cine de género fantástico más puro, con más terror que ciencia ficción, y un acercamiento a los miedos cotidianos, las invasiones, el terror post 11-S y sobre todo, una gran participación de las películas de zombies.

Otra de las características de los títulos que se podrán ver en Sitges 07, es el reflejo del miedo a través de la cámara, la metalinguística del terror reflejada en largometrajes como Rec, Diary of the Dead, Redacted o American Zombie, entre otras. La programación contará con propuestas independientes que vienen de otros festivales, como Sundance o Tribeca, cine de autor con fondo fantástico y nuevos lenguajes (The Nines, First Snow, Joshua - El hijo del mal).Las noches de cine se mantendrán como siempre, hasta altas horas de la madrugada, con sesiones donde destacarán la proyección de la copia digital de Blade Runner: The Final Cut o la versión íntegra de Grindhouse (que contará con la presencia de dos de sus protagonistas, Zöe Bell y Sydney Tamiia Poitier).

El 25 aniversario de Blade Runner se celebrará en Sitges, con la presencia de Syd Mead (diseño de producción), Douglas Trumbull (efectos digitales) y Rutger Hauer, quien recibirá el premio la Máquina del Tiempo. Otros invitados que recibirán este premio serán William Friedkin, Syd Mead, Robert Englund, Alex Proyas y Jesús Franco. El Gran Premio del Festival será para George A. Romero, mientras el director Larry Fessenden recibirá la María Honorífica. El Jurado Oficial Fantàstic, estará formado por Zöe Bell (actriz, Grindhouse); Mirito Torreiro (crítico cinematográfico); Martin Weisz (director), Rugero Deodato (director) y Michael Rooker (actor).

Durante el Festival se celebrarán varios encuentros entre público e invitados, a través de clases magistrales y Q&A (coloquios), que se realizarán tras las proyecciones.

Más información y materiales en http://www.cinemasitges.com/
Tel: 0034 93 894 99 90



CINESPAÑA: TIEMPOS DE AZÚCAR * * 1/2

La historia romántica narrada en Tiempos de Azúcar (España, 2001), del realizador y guionista valenciano Juan Luis Iborra (en su haber tiene guiones para varias premiaciones de los Goya), es de lo más predecible desde los primeros minutos, en los que sin remedio quedamos enganchados gracias a la conmovedora relación entre un maduro y trabajador niño y su madre, ambos tratando de sacar adelante una humilde panadería, ambos tratando de sacar adelante una humilde panadería, en un pueblo de la costa mediterránea de Valencia, por ahí de finales de los 1950.

Para Miguel (de niño interpretado por Antoni Galera) y su madre (Verónica Forqué) las cosas van bien en el negocio, son felices haciendo lo que hacen, se divierten preparando pan, pasteles y toda clase de repostería, hasta que la rutina de Miguel se verá alterada con la llegada de Angela (la niña Andre Andreu), una pequeña niña que se volverá en su amiga inseparable. Lo difícil para Miguel vendrá con el fallecimiento de su madre, situación que no le dejará tiempo para estar deprimido, ya que decidirá seguir llevando el negocio él sólo, sea por los recuerdos, por el amor a su madre o por el gusto de un oficio que será casi esclavizante.

Tiempos de Azúcar, con un guión escrito por el mismo Iborra en el que plasmó aspectos biográficos (él mismo confiesa haber trabajado en una panadería familiar que sigue funcionando a la fecha), en colaboración con Susana Prieto, será la odisea a través del tiempo sobre el crecimiento y maduración de Miguel, quien a sus veintitantos años (interpretado por Carlos Fuentes), todavía sigue trabajando en los hornos, moldeando masa y preparando pasteles, frente a la mirada incrédula de sus vecinos y de la guapa Angela (María Adánez), convertida en una chica con aspiraciones y deseos de estudiar Derecho en la universidad, salir del pueblo rumbo a Madrid, conocer gente nueva, al contrario del más tranquilo y fijo Miguel, el cual prefiere seguir enganchado al negocio y que, además, empieza a ver con otros ojos a su amiga de la infancia.

La película no tiene mayor complicación, ni en su historia, ni en su producción (una ambientación más o menos aceptable), sin mucha preocupación ni riesgo por hacer más complejos los conflictos de los personajes. Tiempos de Azúcar es la clásica mirada nostálgica a la España de los 1960 con tratamiento de telefilme, en exceso cautelosa en la relación de su pareja protagónica, en la que prima una gran inocencia: apenas una mirada tímida o un leve roce accidental de los brazos, serán suficientes para que entendamos que en Miguel está creciendo un amor por su amiga, mientras que, con el pasar de los años, para Angela será el mismo gran amigo de siempre.

La única escena de amor “fuerte” en la cinta, será tratada con el mismo cuidado casi temeroso de Ibarra, siendo Tiempos de Azúcar el filme perfecto para verse una tarde familiar de fin de semana, que nos de por estar sentimentales y algo cursis. Creo incluso que Tiempos de Azúcar, dado su extenso guión en cuanto al tiempo en años que abarca su historia, funcionaría mucho mejor como teleserie y fuerte competidora de “Cuéntame cómo Pasó”.

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