BULLET TRAIN

 

A TODA...BALA.             Brian Tyree Henry y Brad Pitt.

 

 

A pesar de estar basada en un best seller escrito por Kotaro Isaka, Bullet Train luce como un filme con un guión que fue rechazado por Guy Ritchie. Podría jugar con varias teorías del rechazo: porque su trama está confinada a desarrollarse dentro de un tren bala japonés, o por que simplemente las grandes velocidades no son lo suyo. No sé, estoy nada más jugando un poco. Sin embargo, en manos de David Leitch, el material encuentra su camino en la forma de un hiperactivo, hiperveloz, y muy parlanchín thriller para matar una tarde dominguera.

También la influencia de Tarantino es bastante palpable, especialmente en tener algunos personajes que pasan un considerable tiempo teniendo largas conversaciones sobre cualquier tonteria. Me refiero a los personajes de Tangerine (Aaron Taylor Johnson) y Lemon (Brian Tyree Henry, con un excelente acento cockney), hermanos de hecho. Entre sus temas de conversación se encuentran pláticas profundas y filosóficas sobre Tomás la locomotora (estrella de un programa infantil), por ejemplo, y cómo cada persona puede ser definida según el carácter del trenecito en cuestión. Incluso, Lemon, fan del trenecito, usa una hoja de estampas del personaje para ilustrar su teoría.

Luego de leer lo anterior, quien se anime a ver el filme puede empezar a hacerse una idea del nivel del guión de Bullet Train, en cuya autoría el mismo Isaka estuvo involucrado junto a Zak Olkewicz. No quiero decir que la película sea para niños, sino que estamos ante una historia que no presume tener un IQ elevado, ni un nivel intelectual para romperse el coco. Lo cierto, es que tenemos un filme para palomear por poco más de dos horas, ensuciarse los dedos con queso de nachos, y reir por momentos durante poco más de dos horas.

Bullet Train (por cierto, desde hace poco disponible en HBO Max también), me pareció más Guy Ritchie que Tarantino, con el nivel de entretenimiento del primero, pero sin mucho de la inteligencia y audacia de un filme escrito por el segundo. Para que se hagan una idea más clara, es como si ambos la hubieran dirigido, sólo que sin ponerse de acuerdo en varias cosas, cada uno insertando aquí y allá cosas sin mucho sentido. Por ejemplo, esa historia de fondo en la que se cuenta la historia de Lobo (interpretado sin problemas por Bad Bunny, ya que nada más dice una o dos líneas), un narco mexicano y pasajero del tren por motivos que serán revelados más adelante en la trama. Dicha secuencia termina siendo demasiado larga, y como ésta hay otros largos flash backs explicando, en la forma de mini relatos, contando historias de mafiosos rusos, yakuzas, y samurais.

Brad Pitt es quien abre el filme, caminando por las calles de Tokio, y escuchando por algún dispositivo una voz femenina (Sandra Bullock, más en voz que en cuerpo y alma), dirigiendo la operación para recuperar un portafolio en poder de Tangerine y Lemon, quienes a su vez, se encuentran escoltando al hijo de un poderoso mafioso ruso, conocido como la Muerte Blanca, teniendo que asegurarse de que llegue sano y salvo a cierto punto en Rusia. El hijo es interpretado por Logan Lerman, quien por cierto apareció junto a Pitt en Fury. ¿Coincidencia? No creo, por que luego también aparecerá Channing Tatum, quien -¡oh sorpresa!- apareció recientemente junto a Sandra bullock en Lost City. Por eso, Bullet Train es como una fiesta a donde los amigos de los amigos asistieron para hacer cameos extendidos.

La otra historia que empieza a mover las cosas dentro del tren es la de Kimura (Andrew Koji), un hombre buscando cobrar venganza contra la Muerte Blanca, por un ajuste de cuentas del pasado. Su problema, es que Prince (Joey King), una chica viajando en primera clase, no tan inocente como parece, complicará los planes de aquel.

Todo lo anterior es acelerado por un ritmo en crescendo, en donde la acción sube a un paso algo irregular debido a largos flashbacks. Una serpiente suelta ataca a algunos pasajeros desprevenidos, mientras que el portafolio termina siendo un macguffin que desatará, en resumen, el Big Bang dentro del tren. Si hay algo que distingue al filme, es el ser gráficamente violento, chuzco, y con mucho humor negro. Algo chusco, por ejemplo, es un melenudo Michael Shannon como la Muerte Blanca, apenas creíble como mafioso ruso. A pesar de todo este hiperveloz caos, con peligro de descarrilarnos y perdernos en algún enredijo del guión, es que termina siendo entretenido, bizarro por completo en su final.
En HBOMax y a la renta.

LUCK

Un gato negro...de la suerte.

 

https://www.imdb.com/title/tt7214954/ Me costó algo de trabajo conectar con el universo presentado en el filme, uno en donde las dos fuerzas dominantes son la buena y la mala suerte, está poblado por leprechauns, gatos, dragones, unicornios y, eso sí, mucho mucho verde. Sin embargo, sus personajes principales, una chica con toda la mala suerte del mundo y un gato negro, tuvieron al final química y emotividad suficientes para atraparme. Además, su animación es increíble. 

En Apple TV Plus

THE BULLET TRAIN

A TODA... BALA

   

: https://boxd.it/qW26 Me pareció más Guy Ritchie que Tarantino, y aunque el guión no tiene mucho del ingenio e inteligencia de este último, sí tiene la cualidad de entretenimiento palomero del primero. Al final, lo que salva a este tren de descarrilarse, es que, a pesar de sentirse como una fiesta, a donde los amigos de los amigos están invitados (si sale Brad Pitt, es seguro que veamos a Sandra Bullock), la película, con todo y lo saturada e hiperviolenta que es, me entretuvo las dos veces que la vi. A la renta.

RRR

Ram Charan y N.T. Rama Rao Jr.

 

RRR recaudó nada más en la India la nada despreciable cantidad de 72 millones de rupias en el momento de su estreno (la cifra ha crecido hasta alcanzar, aproximadamente, las 3,500,000,000 de rupias en su totalidad), y no es de extrañarse. La película es una épica de 3 horas de duración, y no pertenece a Bollywood, sino a Tollywood, aquel que está producido en lengua Telugu. RRR está completamente hablado en lengua telugu, sólo que la versión estrenada en Netflix (al menos en México) sólo puede verse doblada al hindi. Sin embargo, dicho aspecto no va en detrimento del verdadero espectáculo que termina siendo RRR, que significa "Rise, Roar, Revolt", aunque según avanza la historia dichas letras van tomando otros significados.

El título tal vez suena demasiado simple para el calibre del filme, dirigido por S.S. Rajamouli (guionista de Baahubali, otra super épica de gran presupuesto), el cual mezcla ficción y realidad de una forma fantástica. RRR te engancha a tu asiento desde los primeros minutos, justo cuando su ritmo frenético se empieza a establecer. Son los años 1920, durante el colonialismo inglés en la India. Frente a un cuartel militar se encuentra un grupo de gente protestando, cuando uno de los manifestantes arroja una piedra a los militares y huye despavorido. Uno de los generales se ofrece a perseguirlo y atraparlo, pero uno piensa "imposible, no lo logrará, hay demasiada gente". No arruinaré la sorpresa para quienes no hayan visto el filme, tan sólo diré que es una de las mejores presentaciones de un personaje que jamás haya visto antes, impresionante y sorprendente.

Alluri Sitarama Raju (Ram Charan), es nuestro general en cuestión, pero entre los manifestantes se encuentra Komaram Bheem (N.T. Rama Rao Jr.), quien mira atónito la manera en que el primero se dispone a atrapar al agresor. Sólo que en la mirada de Komaram hay cierto reconocimiento en lo que observa.

Estamos ante uno de los filmes más espectaculares del año. Con todo y no ser 100 por ciento Bollywood, RRR tiene todo lo que puede esperarse en una producción del mainstream hindú, empezando por unos números musicales intensos, con coreografías y bailes que te quitan el aliento. Y lo mismo puede decirse de sus escenas de acción, las cuales, desde el arranque de la historia, con el encuentro de Alluri y Komaram, dos viejos y entrañables amigos, pero pertenecientes a mundos opuestos por completo, no obstruyen el desarrollo de la trama. Y esta última, considerando la duración del filme, no deja un cabo suelto.

Mientras Komaram es un humilde aldeano que habita en la jungla, y es capaz de pelear, cual Tarzán hindú, con enormes tigres, Alluri pertenece a la milicia británica y es visto como un traidor por la gente del pueblo al que alguna vez perteneció. En el mundo real, ambos personajes fueron figuras revolucionarias, pero nunca se conocieron. En el universo presentado en RRR ambos además tienen una fuerza y habilidades sobrehumanas.

La historia no tarda en convertirse en una de venganza, justo cuando Komaram, luego de un trágico incidente al inicio del filme, se da a la misión de rescatar a una niña que fue capturada de su aldea. Pero no lo tendrá fácil, ya que además de haber encontrado al objeto de su afecto en una guapa mujer británica, Jennifer (Olivia Morris), Alluri se encuentra investigando como infiltrado una revuelta, en donde se planea una conspiración en contra del ejercito británico, para derrocar a su principal jefe, Scott Buxton (Ray Stevenson).

Mientras todo esto que describo suena a una película tradicional de venganzas y rebeliones envuelta en la forma de un musical, RRR es un filme inclasificable. Hay una escena de acción que parece una mezcla de Jumanji con alguna otra como sacada de Avengers. Aunque suene ridículo, la secuencia es vibrante, emocionante, y espectacular, y sobre todo, muy cinética. Como todo el filme lo es en sí, el cual, dentro de su larga duración, contiene algo cercano a dos películas más, una de ellas una pequeña precuela sobre los orígenes de uno de nuestros héroes. Esta parte, que trata sobre la niñez de Alluri, ayuda a entenderlo como personaje y sus motivaciones, y a ver que tal vez no sea del todo el traidor que podríamos imaginar.

Y antes de que haya alguno que empiece a criticar al filme como una versión hindú de 300, con todo y peleas coreografiadas estilo Zack Snyder, donde cada golpe o espadazo es ralentizado para poder apreciarlo con lujo de detalle, S.S. Rajamouli ya nos ha enganchado con una historia mucho más interesante que la contada en 300. No trata únicamente sobre el significado de la amistad y lo que significa pertenecer a un pueblo, sino por sus revelaciones y vueltas de tuerca en su tercer acto, así como por el cierre del filme y su secuencia de créditos, formado por un número musical magnífico incluso en su diseño de arte.

⭐️⭐️⭐️⭐️⭐️
En Netflix

MALVERDE: EL SANTO PATRÓN

Pedro Fernández como Malverde.

  

 https://www.imdb.com/title/tt11874906/

Lo que pensé sería una serie histórica, terminó siendo más una telenovela que otra cosa. Estrenada recientemente en Netflix, y conformada por 80 episodios (voy en el 20), Malverde está instalada durante la época previa a la Revolución Mexicana, e intenta meter en el contexto la figura "ficticia" (¿o semi-ficticia?) de Jesús "Malverde" (Pedro Fernández), cuya existencia no está del todo comprobada. Malverde, cual Robin Hood mexicano, oculto en la campiña sinaloense con su banda de ladrones, se dedica a robar a los ricos para dar a los pobres. Por ello, es visto como un "santo patrono", misterioso, y al cual el presidente Diaz puso precio a su cabeza por sus actos casi "terroristas" en un pueblito del estado. Malverde es, incluso, un "amo del disfraz", capaz de pasar desapercibido entre los pobladores (¿En donde consigue sus disfraces y bigotes postizos? No está claro todavía)

Si bien su diseño de producción es, aunque televisivo, bueno y aceptable, la serie termina siendo toda una telenovela sin mucho de "histórica", con todo y que aparecen Pancho Villa y Emiliano Zapata. Además, es la típica producción en donde los morenos son los malos, aquí un villano más malo que el COVID y la influenza juntos, muy malo "ñaca-ñaca" (Luis Felipe Tovar), y los blancos son los buenos. Otros detalles también cuestionables, es el hecho de que, estando ambientada en Sinaloa, ningún personaje habla con el acento regional (ni siquiera nuestro héroe), quedando evidente que ni los directores ni los actores se tomaron mucho la molestia de intentar, al menos, imitarlo. Ni los indígenas yoremes en el programa hablan con algún acento. Es más, nuestro héroe, quien admite ser mitad indígena yoreme, mitad "blanco", tiene algún rasgo indígena o mestizo. ¿Llegaré al episodio 80? Quién sabe, los mantendré informados.

En Netflix.

ESTRENO THIS MUCH I KNOW TO BE TRUE.

 

 https://boxd.it/yVwU
Si bien me gusta el tema musical que escribió para Peaky Blinders, no soy exactamente un fan de Nick Cave. Sin embargo, reconozco que su música puede ser hipnotizante, con un toque meditativo, y unas letras interesantes. Aunque esperaba ver en este documental-musical un poco más de su faceta como escultor, para los verdaderos fans de Cave el filme será un deleite.
En Mubi desde el viernes 8 de julio.

BELFAST

 https://www.imdb.com/title/tt12789558/
¿Se habrá inspirado Kenneth Branagh en Roma, de Alfonso Cuarón, para realizar Belfast? Es posible, ambos filmes comparten muchas similitudes, una de ellas es su bella dirección de fotografía en blanco y negro. Belfast tiene una historia conmovedora sin caer tanto en lo sentimental, con algunos brochazos de humor, y un guión magnífico.
A la renta y en HBOMax

JURASSIC WORLD: DOMINION

Laura Dern regresa como la Dra. Elie Adler.

 

En Jurassic World: Dominion ocurre lo que esperábamos desde hace años, si no, décadas: tener a todos los personajes de la saga original juntos nuevamente, quienes no coincidian desde Jurassic Park (1993), el primer filme. Sin embargo, a los productores de pronto se les prendió el foco, y dijeron "pongamos también a los personajes de la nueva saga y veamos qué ocurre". La verdad, no mucho, y es que para quienes vimos el primer filme en el cine, en el verano de 1993, (y quedamos boquiabiertos, al ver por primera vez en una película dinosaurios hiperrealistas) será un deleite ver nuevamente reunidos a Sam Neill, Laura Dern, y a Jeff Goldblum, y tratar de reactivar la misma química que tuvieron hace casi 30 años, no lo será tanto ver al cuadro de personajes nuevos, conformados por Bryce Dallas Howard y Chris Pratt, este último de regreso como el entrenador de velociraptores, quien con sólo levantar una mano conjura su magia hipnótica con estos depredadores.

Mientras veía Dominion, dirigida por Colin Trevorrow, no encontré manera de que compitieran los personajes jóvenes con los veteranos, en cuestión de carisma y presencia en pantalla. No es que Dominion no sea entretenida, palomera, y que sea ideal para pasar -un largo- rato. En ese sentido, cumple con creces, con todo y lo saturado que se sienta, poniendo en escena algunos dinosaurios nuevos, los cuales, la verdad sea dicha, ya lucen como sacados de la imaginación de los realizadores que de un libro especializado en el tema. Uno de ellos parece una cruza entre el Godzilla japonés y el nuevo Godzilla de Hollywood.

El problema principal de Dominion, es que tiene a los dos grupos de personajes separados por cerca de 2 horas... ¡de las 2 horas y media que dura el filme! Por un lado, Claire (Bryce Dallas Howard) y Owen (Chris Pratt), están en una búsqueda frenética por Malta, tratando de rescatar a su hija adoptiva (Maisie Lockwood), quien ha sido secuestrada por unos malosos bajo las órdenes del villano en turno (Campbell Scott, haciendo su papel de malo de una forma impresionantemente natural y simple). El motivo: la chica es producto de un valioso experimento de clonación humana.

Agotado el tema de la clonación de dinosaurios, ahora Dominion trata sobre las posibilidades de la clonación humana, aspecto que juega un poco en contra de una franquicia que, originalmente, era fascinante por sus historias sobre cómo poder resucitar dinosaurios, usando sangre consumida por un mosquito fosilizado, así como la responsabilidad de llevarlo a cabo. Esto le roba mucho de su magia a los filmes tanto de la saga "Park" como de la saga "World" (por cierto, Jeff Goldblum tiene su momento, bueno, "Goldblum", con la línea "¿¿Jurassic World?? No soy fan".), haciendo que sintamos a Dominion como perteneciente a otro universo.

Los dinosaurios terminan robándose el filme, incluyendo ahora velociraptores todavía más inteligentes que nada más les falta hablar. Por su parte, el Dr. Grant (Neill), la Dra. Adler (Dern) y Malcolm (Goldblum) tratarán de resolver el problema de una plaga de langostas gigantes y modificadas genéticamente, que se encuentran aterrorizando unas granjas en E.U.

Al final, cuando todos nuestros "invitados" llegan a la fiesta, la sensación es, los primeros minutos, como de "increíble, por fin se ven las caras, se conocen y coinciden. ¡Fenomenal!" El momento es adrenalínico y emocionante. Luego empezamos a tener la sensación de que muchas cosas ya las hemos visto antes en Jurassic Park et all. Vemos pequeñas rutinas vistas en Jurassic Park, con alguna escena recreada pero de distinta forma, con guiños incluídos a aquella película. Lástima que Sam Neill luzca medio serio y enojón la mayor parte del tiempo.

Otra cara conocida es la de BD Wong (¡el tipo luce igual!), quien regresa como el científico estrella del primer filme (creo que es el único personaje que ha estado en todas las películas, tanto de Park como de World), ahora con un tratamiento más humano como personaje. Considerando que Steven Spielberg estuvo detrás del proyecto como productor ejecutivo, uno espera mucho más, pero mientras vemos si este será el último filme de la franquicia, Dominion resulta un entretenimiento efectivo de fin de semana.

A la renta

C'MON C'MON

 

Joaquin Phoenix y Woody Norman

C'mon C'mon representa un giro de más de 180 grados para Joaquín Phoenix, después de haber interpretado a un psicópata como el Guasón en Joker (2019). Su siguiente movimiento ha sido interpretar a un extremadamente paciente documentalista, dedicado al 100 por ciento a su trabajo. Sin embargo, podría llegar a pensarse que no es del todo accidental el que un niño llegue a su vida para mover un poco su tapete emocional, sacarlo de su nicho y rutina profesional.

Johnny, el personaje de Phoenix, se encuentra trabajando en un documental para radio (quizás un podcast), en donde la idea es entrevistar a niños de varios estados para preguntarles, en resumen ¿qué esperan del mañana y del futuro? Por eso, la llegada a su vida de su sobrino, Jesse (Woody Norman), de aproximadamente 10 u 11 años, no podría ocurrir en mejor momento. La experiencia le servirá a Johnny para nutrir más su trabajo en el documental, para ofrecerle diferentes perspectivas, y llenar algún vacío que pueda tener en su vida. La aparición de Jesse ocurre luego de que su mamá, Viv (Gaby Hoffman), hermana mayor de Johnny, le pida de favor a éste que cuide al chico por un tiempo mientras su marido (Scott McNairy), quien sufre de trastorno bipolar, se somete a un tratamiento médico.

Dirigida por Mike Mills (Thumbsucker, Beginners), el título del filme proviene de un famoso cuento infantil, que en algún momento del filme Johnny leerá al chico. Es de esos filmes de autor de bajo presupuesto, filmado con una fantástica dirección de fotografía en blanco y negro, que alimenta el tono bucólico y nostálgico de su historia, lleno de flashbacks en donde vemos como la vida del chico era más feliz y cálida en su hogar, junto a sus padres bohemios, y disfrutando de música clásica mientras juega con su mamá. El filme es bello de ver en ese sentido, tanto que hay momentos en que su dirección de fotografía nos distrae un poco del hilo de la historia, viendo como los dos personajes poco a poco van formando un lazo emocional. Mientras uno vive en los Angeles y el otro en Nueva York, de costa a costa, dicha distancia se va borrando gradualmente.

A pesar de que el chico es tranquilo, bien portado para su edad, habrá momentos en que para Johnny será un reto el vivir con él. Especialmente, lo vemos en las escenas de la calle, donde parece que de un momento a otro Johnny tirará la toalla y mandará a su sobrino de vuelta a su casa (esa escena en el baño del restaurante, con el taxi esperando afuera, ambos teniendo que llegar al aeropuerto).

Al leer esto, parecerá que nos enfrentamos a una comedia, pero nada más lejos de ser así. No es que no haya momentos con cierto humor, pero Mills mantiene todo dentro de un tono cercano al melodrama familiar lejos de lo lacrimógeno, sin repuntes melodramáticos ni mucho menos; todo está dentro de un tono tranquilo, un ritmo que tal vez muchos espectadores encontrarán lento si lo suyo no es mucho el drama con tintes poéticos (hay muchos diálogos en off por parte de Johnny citando extractos de novelas). Además, cabe en la mezcla un poco de documental, ya que es obvio que las entrevistas a los niños son reales, lo cual es interesante y al mismo tiempo entretenido, el verlos y escuchar sus respuestas. De lo mejor del 2021.

En #PrimeVideo y a la renta.

HUSTLE

Coach Sandler y su futura estrella.

Cuando Adam Sandler se pone en plan serio, puede ser un buen actor. Y aquí lo vuelve a demostrar. Tal vez el filme sea más para fans del basketball, pero es también para los que disfrutan una clásica historia del triunfo contra la adversidad, con todo y un toque a la Rocky. Sinceramente, está mejor de lo que esperaba.

En Netflix.

PLEASURE

VIDEO KILL...THE PORNSTAR.

 

Con todo y ser uno de esos filmes sobre la industria del cine porno que resultan bastante difíciles de ver, no se siente como una película hecha expresamente para incomodar audiencias. Y si bien su final no me pareció del todo bueno, no hay duda que su historia, sobre una chica sueca que decide viajar a Los Ángeles para convertirse en la próxima estrella de cine pornográfico, te termina involucrando emocionalmente.

En MUBI

EL AMARRE

UN TOTAL...DESAMARRE             Vadhir Derbez

Creo que Vadhir Derbez me dio más miedo en Tres Idiotas y en El Mesero (te dan escalofrios de lo pésimas que son) que en esta ridícula y aburrida película, supuestamente, de horror. En serio, Vadhir Derbez en ningún momento te espanta ni se ve amenazante como pretende en la segunda mitad de un filme flojamente dirigido y actuado. La verdad, el pobre tipo nunca luce convincente en ninguna película.

En PrimeVideo.

UNDINE

Undine, una guía en el Museo Histórico de Berlín, conoce a un misterioso joven quien, a primera vista, se ha obsesionado con ella. Sin embargo, su encuentro en un restaurante (en donde hay una pecera enorme) no podría ser más accidentado, detonando así una historia romántica que podría describirse, digamos, como poco convencional.

Lo interesante del filme, el más reciente de Christian Petzold, es que, poco a poco, su historia de amor te va atrapando. Es cierto que, al inicio, luce convencional, pero con el tiempo se va volviendo cada vez más inquietante, extraña, y con un giro final inesperado. #Undine #FICUNAM2021

⭐️⭐️⭐️ 1/2

PETITE MAMAN

Grabrielle y Joséphine Sanz.

Las películas sobre viajes en el tiempo regularmente pertenecen al género de ciencia ficción, aunque puede haber excepciones. Petite Maman es un ejemplo, uno muy especial diría yo. Como sucedía en el filme animado japonés Your Name (2016), que también trata sobre viajes en el tiempo, la trama de Petite Maman no entra precisamente dentro de la ciencia ficción, ya que aquí los viajes en el tiempo ocurren debido a una especie de magia invisible, con la velocidad de un parpadeo, incluso sin alguna razón aparente.

La querida abuela de Nelly (Joséphine Sanz) ha fallecido, así que, junto a sus padres, se encuentra recogiendo sus cosas del asilo en donde residía. Inmediatamente, emprenden un viaje al bosque a la casa de la abuela, para continuar con el proceso de limpiar y recolectar sus pertenencias. La situación, inevitablemente, trae recuerdos a la mente de la mamá de Nelly (Nina Meurisse) sobre su infancia, al ver su antigua habitación, sus viejos libros escolares, y la cama en la que no podía dormir durante las noches, debido a las sombras que se proyectaban en la pared.

Durante todas estas acciones, no hay lágrimas ni melodramas, sólo una serenidad y calma impresionantes, que terminan por reflejarse también en el papá (Stéphane Varupenne), con quien Nelly lleva una buena relación. Sin embargo, a la mañana siguiente, la mamá de Nelly se va sin explicación aparente, dejando a ésta y a su papá continuar con la limpieza.

Dirigida por Céline Sciamma, la narración avanza tranquilamente, sin giros abruptos, siendo lo más interesante el comprobar que, luego de un filme como Portrait of a Lady on Fire (su anterior película), con una historia más adulta en comparación, la realizadora es una gran narradora de historias protagonizadas por niños. Sciamma es una observadora del alma infantil, dirigiendo historias que te atrapan por su inteligencia, madurez, y una dosis de inocencia. Esto no es de sorprender, ya que en Ma vie de Courgette (2016), magnífico filme de animación en stop motion dirigido por Claude Barras, Sciamma, como autora del guión, ya había dado muestras de lo anterior con una historia infantil sumamente sensible y divertida.

La tranquilidad de Nelly toma un giro cuando, paseando por el bosque, conoce a Marion (Gabrielle Sanz, de hecho, hermana gemela de Joséphine Sanz), una niña de su edad, curiosamente muy parecida a ella. Marion se encuentra construyendo una casa con ramas, y lo más extraño será que cuando Marion invite a Nelly a su casa, ésta se de cuenta que la casa también es muy parecida a la suya.

A partir de este punto, Sciamma deja que su historia fluya con mucha naturalidad. No hay muchas preguntas entre las niñas sobre la excesiva familiaridad entre sus hogares y sus vidas, dejando que todo se desarrolle como una entrañable amistad entre dos seres que parecen conocerse de años. Las sorpresas irán siendo reveladas poco a poco. Lo impactante, es ver cómo ambas niñas asumen su situación y relación con la mayor naturalidad y madurez, sin efectismos dramáticos, sin quebrar la sencillez de la historia (la cual dura poco menos de hora y media), sin invertir tiempo en complejas explicaciones sobre cómo es que ambas están experimentando todo esto. A ratos, Nelly y Marion son como dos mujeres adultas hablando sobre su pasado y su presente, sus emociones y miedos; a ratos son como dos niñas comunes y corrientes jugando y haciendo tonterías.

Es en sus diálogos en donde el filme termina teniendo su propia magia, sin necesidad de efectos visuales. Es tal la similitud entre los dos universos de las niñas, que ambos se fusionan de manera impresionante. ¿Es todo producto de la imaginación de Nelly? ¿Está viviendo un sueño que se siente sumamente real? Son preguntas sin respuesta que forman parte de la magia propia del filme. De lo mejor del año.

⭐️⭐️⭐️1/2
A la renta y en #PrimeVideo

SUMMER OF SOUL

Verano del amor... con sabor funk.

Tardíamente, pero el pasado junio se estrenó en cines Summer of Soul, y aunque ya puede verse desde el año pasado en Star Plus, este documental es toda una experiencia que tiene que vivirse en pantalla grande. Es lo más cercano a experimentar lo que debió de haber sido estar físicamente en el Festival Cultural de Harlem, en 1969, que muchos han calificado también como el "Woodstock de la música negra".

Y para quienes amen esta música la película no podría ser una mejor opción para ver de primera mano actuaciones de figuras legendarias desfilar en el escenario, todo gracias a la iniciativa de su director, Questlove, quien -según tengo entendido- se topó casi por accidente con todo este material grabado (la mayoría realizado con cámaras de televisión), lo rescató, y el resultado es un documental espectacular, vibrante, que duele y te emociona al mismo tiempo. El filme combina a la perfección el documental político con el concierto filmado, con testimonios emotivos de una que otra persona que estuvo ahí para compartir sus experiencias, así como algunos artistas sobrevivientes. Además, alternando, el director presenta un panorama político y cultural como trasfondo, por ejemplo, fotos y material de archivo sobre la lucha por los derechos civiles, la llegada del hombre a la Luna, el movimiento de los Panteras Negras, etc.

Entre las leyendas musicales que pueden verse están un juvenil Stevie Wonder, BB King, Nina Simone, y varios más, todo dentro de lo que termina siendo una verdadera rareza fílmica nunca vista antes. Imperdible para los amantes del soul, funk, blues, y el jazz.
⭐⭐⭐⭐⭐
En cines desde hoy.
#StarPlus #guanajuatofilmfestival2021

SPIDER-MAN: NO WAY HOME

 

Tom Holland vuelve como Spidey,... y también Maguire y Garfield.

Si ya es un poco confuso el hecho de que casi cada diez años tengamos un nuevo Batman, la cosa no lo es menos en el universo Marvel con Spiderman. Luego, si tenemos además el asunto de los multiversos gracias a Spiderman: Into the Spiderverse, película animada que aventuraba la teoría de que no nada más existía un Spidey, sino muchos más dentro de universos paralelos, la cosa se pone todavía más confusa. En Spider-Man: No Way Home los multiversos están de vuelta, aunque el asunto es menos complicado que en el filme animado.

Aquí se cristaliza el sueño nerd que seguramente en muchas cabezas se estaba cocinando: ver a todos los Hombres Araña juntos en una sola película. Todos menos Nicholas Hammond, el "abuelito" de todos los Hombres Araña, protagonista de la serie de televisión de 1977. Contentémonos por ahora con Tobey Maguire, Andrew Garfield, y Tom Holland, este último estrella de la saga "Home". Todos ellos tienen trilogías en su haber, excepto Garfield, el menos afortunado, con tan sólo dos películas como Spiderman.

Aunque todo puede sonar a que será un desastre lleno de confusión, la verdad es que la idea funciona bastante bien, sin que Jon Watts (Cop Car), director de las 3 películas "Home", complique demasiado la historia. ¿El secreto? Tal vez sea el hecho de que cuando llega el momento del encuentro, entre meta y nostálgico, los tres Hombres Araña aceptan la situación sin muchas preguntas ni problemas. Para ellos es algo natural el hecho de que, de pronto, se abran portales para saltar entre un universo y otro (o digamos, entre una franquicia y otra).

Y lo mismo sucede para los villanos. Debido a un truco no bien ejecutado por el Dr. Strange (Benedict Cumberbatch), los malos de las anteriores películas están de vuelta aquí, o más bien, resucitados. En efecto, vía la magia multiversal, todos ellos están de regreso, desde el Doc. Ock (Alfred Molina) y el Duende Verde (Willem Dafoe), quienes no se verán exactamente como hace 20 años, pero todavía lucen pasables como para repetir sus papeles, hasta Electro (Jamie Foxx) y el Dr. Curt Connors (Rhys Ifans, o más bien, su voz). La historia parte exactamente de donde el filme anterior, Far from Home (2019), terminó, con medio mundo creyendo que Peter Parker es el malo de la historia, responsable de los incidentes en Londres. Pero lo extraño, es que los villanos pertenecientes a la franquicia "Home" no aparecen aquí, me refiero a Michael Keaton como el Buitre, y al del segundo filme, el cual no puedo revelar quién es.

La premisa de No Way Home pone a Peter en el mayor dilema de su vida ¿Debe aceptar la ayuda de Strange y de su magia para hacer que todo mundo se olvide de él y de que es Spiderman, incluyendo sus mejores amigos y a su muy joven y guapa tía May (Marisa Tomei)? Mientras se decide, y aprovechando que los malos están de regreso, Peter tratará de ayudarlos para que no se conviertan en los villanos que terminaron siendo, y devolverlos a sus correspondientes universos.

Muchos (incluyéndome) sintieron en el primer filme que tal vez Tom Holland se veía muy aniñado para el papel. Pero luego de ver este tercer filme (¿será el último?) me retracto. Holland ya está lejos de lucir como el joven imberbe y cari-niño de hace 4 años, ya ha hecho suyo el papel. Aunque tengo a Maguire como mi Spiderman favorito, creo que Holland me gusta más en el papel que Andrew Garfield, con todo y que este último hizo un buen trabajo en sus dos películas. Además, Holland luce más como el adolescente que Peter Parker realmente es en los cómics originales, y desde el segundo filme ha sabido acentuar todavía más esa cualidad fresca y juvenil, vivaz y carismática, al personaje.

Si hay una escena memorable en No Way Home, es aquella en la que Holland, justo cuando sus otros alter egos arácnidos le confiesan, en medio de una pelea con los villanos, que no saben cómo trabajar en equipo. A lo que Holland les responde "no hay problema, es cosa de organizarnos, yo les enseño, estuve con los Avengers". No revelaré la respuesta de los otros dos.

En la primera mini reseña que publiqué aquí, comenté que no sabía si este es el mejor filme de Spiderman al momento. Dije que lo pensaría. Es uno de los mejores filmes del 2021, y confieso que todas las películas de la saga Home me han gustado, pero No Way Home no es el mejor filme de Spiderman. Mis pelis favoritas de Spiderman son todos los de la primera trilogía dirigida por Sam Raimi. Sin embargo, reconozco que No way Home es tremendamente entretenida, sin que nunca baje su ritmo ni su guardia palomera, además de que, para mí, es el mejor de la trilogía "Home".

Jacob Batalon, quien interpreta a Ned, el mejor amigo de Peter, sigue cómico sin caer en lo irritante. Zendaya está lejos de ser mi Mary Jane favorita, pero hace un buen trabajo. En ese sentido, durante la primera mitad del filme, los tres forman una muy buena química. Jon Favreau, quien adoptó el papel de tutor de Peter, sigue siendo un buen secundario en la historia, sin interferir demasiado. ¿Se seguirá explotando el "metaverso" con una cuarta película Home? Está por verse.

⭐️⭐️⭐️⭐️

Disponible a la renta.

UN RESCATE DE HUEVITOS

¿Son huevos o M&M's?

¿Soy yo, o los huevos de estas películas cada vez parecen más M&M's? Como sea, nunca he entendido mucho su universo. Es decir, si no me falla la memoria, desde "Un Gallo con Muchos Huevos" (o quizás desde "Una Película de Huevos", no recuerdo bien) ya aparecían pollos y gallos en las historias, conviviendo a la vez con huevos parlantes. Esto despierta muchas preguntas, como ¿Estos huevos algún día empollarán y romperán, o serán así para siempre? ¿Los pollos y gallos que vemos fueron alguna vez como estos huevos, que lucen piernas, brazos, ojos, y bocas? Y la pregunta es más intrigante en "Un Rescate de Huevitos", debido a que la pareja protagonista, un gallo de pelea de color amarillo y su esposa, una gallina blanca, han tenido dos huevitos ¡dorados!, los cuales han sido secuestrados por una coleccionista y sus secuaces, nada menos que ¡rusos!

Y otra cosa que sigo sin entender, luego de ver este último filme animado de los "Huevo Cartoon", es el hecho de que si son, supuestamente, filmes "familiares", dirigidos a niños creo yo ¿por qué la mitad de estas películas están llenas de chistes de doble sentido, por el hecho, precisamente, de estar protagonizados por huevos?

Nunca me han gustado mucho los filmes, ya que, a pesar de tener contadas cosas chistosas, en general no son verdaderamente graciosos. "Un Rescate de Huevitos" no es la excepción. Es verdad, visualmente la animación ha mejorado, el reparto de voces se desempeña bien, pero en resumen--- es un churro hecho y derecho, el cual niños y niñas deberían de evitar.

Disponible en PrimeVideo

OPERACIÓN FELIZ NAVIDAD

 

Te dejará sin espíritu navideño.

Si estás teniendo una pésima Navidad, de esas en donde nada sale bien y como lo habías planeado, es mejor evitar este churro-bodrio. En serio, empeorará más las cosas y pondrá tu ánimo por los suelos. Y la película es nada menos que del director de "Sexo Pudor y Lágrimas 2" (ese gran "éxito" de crítica), Alonso Iñiguez, por lo que quienes ya hayan esta última, podrán hacerse una idea de cómo está la cosa con "Operación Feliz Navidad". Su más grave problema (de tantos que tiene), es que empieza como una heist movie, en donde un trío de idiotas (exacto, los que se pueden apreciar en el póster), interpretados por Diana Bovio, Ricardo Polanco, y Paco Rueda (este último sale también en Sexo Pudor y Lágrimas 2), planean unos robos en diferentes residencias, mientras trabajan disfrazados como elfos en una muy reconocida tienda departamental. Luego, el asunto termina como la más ridícula película navideña, vacía de magia y encanto. En serio, y yo pensaba que había visto películas navideñas malas en el canal Lifetime, pero esta definitivamente se lleva la palma. La historia es muy simplona y superficial, empezando con un tono a lo "Bad Santa" (o algo parecido). Pero cuando empieza el asunto de la planeación de los robos, una de las cosas más interesantes en heist movies (o películas de grandes robos), la historia empieza a caer en picada por completo. Para empezar, no hay nada interesante en los planes, porque, simplemente, estos tres personajes no tienen absolutamente nada de interesante. Luego, por una u otra razón, estos tendrán que llevar a cabo más adelante una misión, conseguir tres objetos: un huevo de avestruz, la capa de un luchador, y una muñeca embarazada (en serio, leyeron bien). Más ridícula no podría sonar la premisa. Quienes ya se hayan arriesgado a ver la película, me podrán decir que el giro final, es decir, el verdadero propósito de los objetos, cambia completamente el panorama de todo. Pero el caso es que, sin revelar mucho del final, además de que la premisa es muy estúpida, dicho panorama no me pareció de lo más creíble (me refiero al lugar de destino de las tres cosas), ni en lo mínimo convincente. Y menos convincente es la verdadera identidad de cierto personaje en la escena final. "¡Por favor! ¡Qué diablos es esto!", dirán muchos al terminar de ver la película Y es que, esta película es terrible, nada graciosa, no es suficientemente navideña, su guión es penoso, y lo peor es que hundirá tu espíritu navideño. 1/2 estrella En #HBOMax, pero conviene evitarla.

PARTY POSTER

 

Corto documental el cual, más que tener como tema un festival de lavanderos (bajo la bendición del dios Gamesh) en la India, trata sobre los horribles carteles y pósters que se diseñan con motivo del mismo. Muestran la contaminación visual que provocan los pósters, la vanidad de algunos sujetos que aparecen en estos (uno de ellos, que aparece con lentes de sol, pide que, usando Photoshop, se obscurezcan todavía más). Al final, estos pósters o acaban en la basura, o reciclados por algunos habitantes de un barrio paupérrimo, para usarlos como techos improvisados durante la época de lluvias. Interesante, sin ser nada extraordinario. ⭐️⭐️⭐️ #fribourginternationalfilmfestival2022

407 DAYS

 

Lo que hace este corto bastante original, no es únicamente el hecho de que su historia está contada usando marionetas, sino que la historia misma te atrapa. Su historia es sobre el creador de las marionetas, el haitiano Paul Junior Casimir, también conocido como Lintho, quien nos cuenta cómo fue puesto en prisión injustamente durante, precisamente, 407 días. Muy bueno. ⭐️⭐️⭐️1/2 #fribourginternationalfilmfestival2022

SIN SEÑAS PARTICULARES

Mercedes Hernández como una madre en búsqueda de su hijo.

Junto a Noche de Fuego, Sin Señas Particulares era otra fuerte candidata a participar, por parte de México, en las nominaciones al Oscar para "Mejor Película Extranjera". En contraste, Sin Señas Particulares, dirigida por Fernanda Valadez, es un filme de un tono más tranquilo, cuya fuerza reside más en las imágenes que en las palabras. Sus diálogos son más dosificados, sus personajes más reducidos en número, y su historia, aunque más sencilla, no por ello es menos poderosa. La película de Valadez trata un tema social distinto, pero igual de contundente, la migración forzada a E.U., en donde algunas personas llegan a su destino, y otras no. La historia está dedicada a estas últimas. Lo más interesante del filme, es que desde su primer acto, ya tenemos tensión en ebullición, con los angustiantes minutos en que una madre, Magdalena (Mercedes Hernández, bastante bien), tiene que identificar en la morgue el que podría ser el cuerpo de su hijo. Tiempo atrás, vemos cómo su hijo decide irse a Oregon, en E.U., en una escena de una sensación onírica, como si Mercedes lo estuviera soñando o explorando en su memoria. Sin embargo, el chico al parecer no llegó al otro lado de la frontera, y ha estado desaparecido desde entonces. Luego de examinar el cuerpo, empieza para Mercedes un proceso burocrático, enfrentando un dilema complicado, aceptar o no que ese cuerpo, "sin señas particulares", es el de su hijo desaparecido. "No deje que la fuercen a decir que ése es su hijo, y que dejen de buscarlo", le aconseja una mujer en las mismas circunstancias. El decir que no, sin estar plenamente segura, significaría que se lleven el cuerpo a una fosa común como no identificado. Mercedes decide que el cuerpo no es el de su hijo, confiando en una corazonada de que aquel sigue vivo, para luego emprender una aventura sumamente complicada y buscarlo por su cuenta. Como decía, sin necesidad de muchos diálogos, el filme consigue transmitir la esperanza inquebrantable de la madre protagonista, la cual sabe de alguna forma que el chico sigue vivo en algún lado. Mercedes parte desde Guanajuato, y decide llegar hasta el norte y averiguar cuál fue el destino de su hijo, qué fue de él, y en dónde se encuentra. Si bien durante el duro viaje que Mercedes emprende nosotros decimos "Si su hijo estuviera vivo, ya hubiera recibido noticias de él, una llamada, o una carta". Pero es tal la empatía que la historia consigue construir, debido a la gran humildad y vulnerabilidad del personaje, que terminamos igualmente esperanzados como ella, por encima de toda duda. Esperanza que no cae, a pesar de escuchar el testimonio de un anciano en dialecto indígena, testigo de lo que pasó dentro del camión en donde el chico viajaba, y que concluye diciendo "el diablo está detrás de todo esto". Y al llegar al tercer acto, en esa secuencia obscura dentro de un maizal, en donde no vemos casi nada, ni rostros visibles, sólo gritos y profanaciones de fondo, nos cae de golpe contundente una vuelta de tuerca sorpresiva. De las mejores películas mexicanas del año pasado. ⭐️⭐️⭐️1/2 En #PrimeVideo y a la renta.

ROCK DOG 2: ROCK AROUND THE PARK

 

Bodi con look a la James Brown.

Desafortunadamente, ya no tiene en su reparto las voces de Luke Wilson, J.K. Simmons, y Eddie Izzard como en la primer película. Sin embargo, las nuevas voces lo hacen bien, y aunque creo que es un poco mejor la anterior película, el relato de Bodi, el perrito rockero originario del Tibet, sigue avanzando en su carrera buscando el estrellato en esta secuela. Con más toques fantásticos en comparación, el asunto es que sus personajes siguen sosteniendo el interés del anterior filme (eso sí, extrañé un poco a Angus Scattergood, el gato productor musical) en una funcional y pasable película animada.

A la renta.

LA MANO DE DIOS

 

 Paolo Sorrentino se inspira en los recuerdos de su juventud en este filme.

Definitivamente, prefiero mucho más La Grande Bellezza (ganadora del Oscar a Mejor Película Extranjera en 2014) que La Mano de Dios, también dirigida por Paolo Sorrentino. Basado en sus experiencias de adolescente, sus padres son retratados como unos bromistas, con un desbordante sentido del humor. El realizador cuenta también qué lo llevó a tomar la decisión de convertirse en director de cine, luego de un evento trágico en su vida. El problema es que, si bien se nota su inspiración en Fellini (en donde no deja de referenciarlo y mencionarlo), la película tiende a lo caótico en su narración y su historia no es muy sólida. El título hace referencia a Maradona (de quien sus familiares fueron grandes aficionados) y su ingreso al équipo del Nápoles. En lo personal, no merecía mucho una nominación al Oscar. Pasable, aunque algo larga. En #netflix

THREE SONGS FOR BENAZIR

Un chico con alma musical pero que quiere ser soldado.

Era muy poco probable que se llevara el Oscar, pero su nominación fue merecida. Una pregunta no me dejó tranquilo al terminar de ver este corto: ¿Cómo es que Shaista, el protagonista, teniendo talento para cantar, puede desear fervientemente enrolarse en el ejército para pelear por su país? Y mientras éste le canta a la Benazir del título, su esposa, con quien vive en una pequeña aldea, muy pobre, un dron (seguramente del ejército estadounidense) con forma de Zepellin sobrevuela el área en constante vigilancia. Aunque su historia es sencilla, el filme ofrece un retrato del Afganistán más pobre y vulnerable, todavía bajo el control de E.U., pero que sin duda se beneficia del carisma e inocencia de Shaista. En #Netflix

LEAD ME HOME

Corto que captura con sensibilidad la precaria situación de
la gente sin hogar en Los Ángeles.

 

Las imágenes que abren este corto, de inmediato te llevan a creer que estamos recorriendo las calles de un país pobre, subdesarrollado, pero nada más lejos de ser así. Se trata de las calles de Los Ángeles, en E.U., pobladas de gente sin hogar, viviendo en las calles, en tiendas, o en coches. Y en este corto documental, nominado al Oscar, vemos tan sólo algunos de esos casos, con gente dando testimoniales sobre sus vidas antes de vivir en las calles, así como qué los llevó a terminar en tal situación. Desde abusos familiares, hasta adicciones, cada historia es un caso diferente, un microuniverso. Algunos, simplemente, no pudieron seguir pagando la renta. Al final, un filme que no te deja indiferente, que te termina tocando de una forma u otra, y que es impactante.

En #Netflix

MADRES PARALELAS

Penélope Cruz en una de sus mejores actuaciones.

 

Aunque no se llevó el Oscar a Mejor Actriz, creo que esta es una de las mejores actuaciones de Penélope Cruz en una peli de Almodóvar desde "Volver". Llega un momento en que su actuación realmente te duele, su dolor y amor de madre son convincentes. Es verdad, su personaje es ya algo mayor para convertirse en madre, pero las pelis de Almodóvar nunca se han caracterizado por ser 100 por ciento creíbles, y esta no es la excepción. Además de que, casi al terminar su primer acto, empieza a ponerse muy predecible. Pero lo más interesante del filme, es la parte relacionada con la Guerra Civil, sus desaparecidos, y las víctimas sobrevivientes (historia que creo conecta con aquella narrada por un personaje en "La Piel que Habito"). Todavía me estoy rascando la cabeza con el final, sin duda, delirante.

En #Netflix

AUDIBLE

 

Jugadores de futbol americano sordomudos protagonizan el corto.

Considerando que CODA fue la ganadora, resulta extraño que este corto no haya ganado el Oscar a Mejor Corto, ya que su tema es muy similar: personajes que sufren de sordera luchando por salir adelante en un panorama adverso. En este caso, es un equipo de fútbol americano, formado por estudiantes sordomudos de preparatoria. Su reto, demostrar que pueden vencer a un equipo de jóvenes que no padecen sordera. El corto es original, interesante, y no hay duda que sus protagonistas transmiten fortaleza y voluntad. Uno de ellos, quien a raíz de una meningitis de niño quedó sordo -y quien lleva el mayor protagonismo en el corto- es el caso más inspirador. Según dice, su sordera le dará la fortaleza necesaria para salir adelante en la vida. Bastante bueno y recomendable.

En #Netflix

THE WINDSHIELD WIPER

 

Ganador del Oscar a Mejor Corto Animado.

Debido a mi predilección por el stop motion, mi corto favorito para ganar el Oscar era "Robin Robin". Pero también tengo un gusto especial por la animación rotoscópica, como la usada en "The Windshield Wiper", el cual resultó ganador. Su tono más filosófico (casi silente en comparación al filme de Ardman), está dirigido a un público más adulto, en donde, a través de mini historias, y teniendo como eje un hombre sentado en un café, se intenta responder ¿Qué es el amor? Cuestión demasiado ambiciosa para un corto de cerca de 20 minutos de duración, y aunque se aventura al final una respuesta, lo mejor es cómo a través de música y sonido, sin muchos diálogos, las historias se hilvanan de forma sutil una con otra. El resultado es visualmente impresionante, casi realista. Bien merecido el premio.

ROBIN ROBIN

La maestria de Ardman en un nuevo corto.

 Un mirlo criado por una familia de ratones, trata con mucho esfuerzo ser como uno de ellos (incluso usa orejas falsas de ratón). Producido por la casa Ardman, este corto, además de presumir su acostumbrada e impecable técnica de animación en stopmotion, cuenta su historia en la forma de un sencillo musical. El resultado es tan entretenido como aleccionador, además, claro, bello de ver en su infinidad de detalles.

1/2

En #Netflix

THE ELECTRICAL LIFE OF LOUIS WAIN

Benedict Cumberbatch y Claire Foy.

 

La multinominada al Oscar El Poder del Perro me gustó, me pareció muy buena película. Pero si por alguna película Benedict "Dr. Strange" Cumberbatch debió de haber sido nominado al Oscar a Mejor Actor, es por The Electrical Life of Louis Wain. En su interpretación del Louis Wain del título, Cumberbatch está magnífico, en una actuación redonda y contenida. Wain fue un artista e ilustrador de inicios del siglo XX del cual no tenía el más mínimo conocimiento hasta que vi el filme. Su tema favorito: los gatos, a quienes dio un lugar especial en la iconografía de los 1910s y 1920s.

Gracias a una cálida narración de Olivia Colman, así como a un tono de fábula que está entre la excentricidad de Tim Burton y lo alucinante del cine de Terry Gilliam, la película no tarda en atraparte. De inmediato sientes que estás a punto de adentrarte en el universo extravagante de un personaje excéntrico. De no ser por que Wain dejó como legado sus dibujos y pinturas, jurarías que estás frente a un personaje ficticio. Wain empezó haciendo dibujos de animales (aparentemente, nunca plasmó en papel o lienzo una figura humana), y de ahí pasó a ser el favorito de familias pudientes, quienes le encargaban los retratos de sus gatos durante la época Victoriana.

De cabellos rojos y ensortijados, y un bigote que usaba para ocultar su labio leporino, la película, dirigida por Will Sharpe, empieza por contar la historia del artista como un tipo de apariencia extraña, delgado, dedicado a mantener a su madre y a sus siete hermanas, todas bajo el escandaloso control de la hermana mayor (Andrea Riseborough, magnífica). Dicha hermana decide contratar a una institutriz, Emily Richardson (Claire Foy, igualmente estupenda) para educar y dar clases privadas a la hermana menor.

Emily y Louis no tardarán en empezar una relación, la cual llevará al pobre a ganarse el rencor y encono de su controladora hermana, quien teme que la reputación de la familia esté en juego al ver que su hermano se ha comprometido con una mujer ya demasiado mayor para casarse, así como por un incidente en un teatro, el cual causará no menos escandalo en la sociedad.

El elenco también está formado por Toby Jones, interpretando a Sir. William Ingram, el editor de Wain para el diario en donde empezó a publicar sus primeras ilustraciones de gatos, personaje a quien tal vez deba buena parte de su fama. Ingram dió a Wain oportunidades que seguramente en otro diario no hubiera encontrado, colocándolo en el gusto de los amantes de los gatos, quienes empezaron a comprar postales, tarjetas, y toda clase de memorabilia en donde se publicaban las ilustraciones.

Para muchos, la película quizás sea otra historia más del artista atormentado y lleno de traumas, afectado por una enfermedad mental. Waine sufría de ataques de pánico debido a pesadillas que tuvo desde niño, así como probablemente (según psicólogos que han analizado su obra) de esquizofrenia, como la padeció una de sus hermanas. Lo cierto, es que la manera de contar la historia es muy original, como una historia romántica entre Wain y Emily con desenlace dramático. La película recuerda la reciente The Personal History of David Copperfield, de Armando Ianucci, o incluso Big Eyes del mismo Tim Burton, mientras que Wain puede verse también como la contraparte masculina de Beatrix Potter (interpretada por Renée Zellweger en Miss Potter), artista y escritora dedicada a escribir historias protagonizadas por conejos.

Al final, lo mejor de filme, además de sus actuaciones, es la excelente ambientación, fotografía, y diseño de arte. Sharpe trata de adentrarnos en la mente de Wain con una propuesta visual algo psicodélica, tal y como lo fueron los últimos trabajos del artista hacia el final de su vida. Es una lástima que la Academia de Hollywood haya pasado por alto esta gran actuación de Benedict Cumberbatch.

⭐️⭐️⭐️1/2 A la renta.