viernes, 28 de agosto de 2009

EL CARTEL...CLÁSICO

El cartel de Mon Oncle (1958), clásico de la cinematografía francesa, es una estilizada y conmovedora ilustración, que sugiere eficazmente la personalidad silente de Jacques Tati.


Si hay un cartel de una película de Jacques Tati que me guste más, es el de Mon Oncle, una comedia en la que Monsieur Hulot, personaje emblemático de Tati, padecía con los lujos tecnológicos de la vida moderna y acomodada de finales de los 1950. Lo que llama la atención, es que nada de eso está reflejado en el cartel, sino una estilizada y conmovedora ilustración, que transmite eficazmente la relación entre el tío del título y su sobrino.

El cartel recuerda mucho a la portada de algún libro infantil. Su ilustración tiene ese diseño que abundaba en los libros escolares de aquella época. Su idea es, precisamente, la de anunciar una película familiar. Su economía de líneas y su trazado firme, lo hacen un cartel agradable de ver, fácil de leer y, lo principal, atrayente incluso para los niños. Esto último gracias al dominante color rojo del fondo. He podido ver varias muestras de este mismo cartel, en donde este color de fondo llega a verse naranja. Pero hojeando un libro de carteles de cine, pude comprobar que el cartel que presento aquí, tiene el color más cercano al original. Gracias a este color rojo, el cartel se queda en tu memoria sin muchos problemas.

La delicadeza y minimalismo en el trazado de sus figuras principales, se extiende también a su propuesta cromática. Apenas y unos sombras sugeridas dentro de los personajes, toques de verde en los calcetines del tío Hulot y en la maleta del niño, hacen que el conjunto se vea equilibrado al ser colores complementarios. Lo mejor de su concepto, es el simbolismo de unión que denotan las dos figuras. Ambas figuras parecen unidas y formar un solo conjunto, lo que sugiere la relación que tienen en la película. Esa sombra negra que delinea a los personajes, sirve también para enfatizar esa unión familiar. El perro, ubicado del lado derecho, curiosamente, no es color blanco sino negro.

Es un cartel económico también en su tipografía e información escrita. Ese aire infantil se extiende a la tipografía del título, que parece como escrita a mano, que refleja una sensación visualmente accesible al espectador. Es un cartel con un aire “silente”, tal y como lo es Monsieur Hulot. Los créditos quedan abajo, del lado del perro, en color negro, legibles y de un tamaño adecuado, que no roba protagonismo al resto de los elementos.

jueves, 27 de agosto de 2009

QUOTES

"Chicos, la Rowling no lo sabe, pero tengo unos enanitos escondidos detrás de los arbustos, listos para salir a mi señal."





"Dillinger vivió en un infierno durante prisión, alejado del mundo cromático. Tuvo que aprender sobre su mundo contemporáneo a través de las películas. Usaba esas líneas, a veces cursis, que aprendía de las películas. Rodamos en el lugar real donde Dillinger cayó muerto, afuera del cine. De hecho, Johnny Depp mira hacia el muro de ladrillos que Dillinger también observó."
Michael Mann, sobre Public Enemies.

"Sí, enanitos, sólo cómo extras. Los quería agregar en una escena del Gran Salón. Estarían tocando un gran órgano y saltando en el teclado. J.K. Rowling me lo negó, porque decía que los enanitos no existían en este universo. Ella es tan elocuente sobre su universo, que te llegas a sentir realmente estúpido." Alfonso Cuarón, sobre la realización de Harry Potter and the Prisoner of Azkaban.

"Todos saben que Luis Buñuel existió, pero saben poca cosa. La gente conoce sus películas, pero no lo conocen a él." Juan Luis Buñuel, sobre su padre, Luis Buñuel.

"Una película puede ser buena o mala, pero nunca la puedes hacer si va en contra de tu consciencia", Luis Buñuel, en una entrevista que se puede ver en el documental "El Último Guión".

"¿Qué es lo que más odio de este negocio?...¡Esto!" Paul Newman, durante una conferencia de prensa.

miércoles, 26 de agosto de 2009

Y...¿CÓMO LE PONEMOS?

"¡Woooowwww! Apuesto a que Richard Gere no tuvo esta clase de privilegios."






Empezamos esta semana con un caso bizarro, que no por ello deja de ser interesante: una comedia norteamericana, a la que se le ha puesto no un título en español, sino en inglés. Se trata de Spread, protagonizada por Ashton Kutcher, a la que se le ha puesto el título (nada original por cierto), de "American Playboy". La película trata de un tipo que busca acostarse con adineradas mujeres maduras, para así llevar una vida llena de lujos. El “muy inspirado” título español, con seguridad ha tomado como principal referencia American Gigolo, de Paul Schrader. Spread, como palabra, podría tener muchos sentidos, por ejemplo, la manera en cómo su personaje principal, Nikki, va “expandiendo” su lista de conquistas, hasta formar una “bola de nieve” incontenible, que pronto le dará un golpe emocional. También, como su cartel lo sugiere, puede dar a entender, físicamente, la posición extendida, cómoda y relajada del tipo, de una vida sin preocupaciones y lujos. Es un título interesante, de esos que invita un poco a la reflexión. En muchos países de Europa se tituló "L.A. Gigolo", mientra"s que en Francia creo que tenemos el peor título, "Toy Boy".

Seguimos con otra comedia, He’s just not that into you, protagonizada por un ecléctico reparto, que incluye a la bellísima Jennifer Connelly y a otra Jennifer, no menos guapa, de apellido Aniston. En España se ha titulado fallída y confúsamente “Qué les pasa a los hombres”. ¿Es una pregunta? ¿Una afirmación? Quiero imaginar que es una pregunta, pero la verdad, no está bien definido. La traducción exacta suena mucho mejor como título, “No le gustas tanto” o “A él no le gustas tanto” (de hecho, este fue el titulo usado en México). Es verdad que eso de “Qué les pasa a los hombres”, es el dilema de la protagonista, quien busca a su hombre perfecto, pero yo me quedo con una traducción más directa. Suena más simpático. Si los distribuidores realmente quisieron usar un título así, yo lo hubiera usado de otra forma, como “Lo que sucede con los hombres” o algo así. A continuación, algunos ejemplos de otros títulos:

Simplemente no te quiere - Argentina y Perú
Aplos den se goustarei – Grecia
Az tak moc te nezere – República Checa
Ce que pensent les hommes - Francia
Despre barbati si nu numai - Rumania
Dumpa honom! – Suecia
Ele Não Está Assim Tão Interessado - Portugal
Ele Não Esta Tão a Fim De Você - Brasil
Er steht einfach nicht auf Dich! – Alemania
Erkekler Ne Söyler Kadinlar Ne Anlar – Turquía
Han er bare ikke vild med dig – Dinamarca
Han er faktisk ikke interessert – Noruega
Jätä se! - Finlandia
Kobiety pragna bardziej - Polonia
La verità è che non gli piaci abbastanza - Italia
Laisse tomber, il te mérite pas! - Canadá
Nem kellesz eléggé - Hungría
Njemu bas i nije stalo – Croacia
Ta pole sinust eriti huvitatud - Estonia

Vamos con otra comedia, en este caso infantil y de corte fantástica, Shorts, la más reciente y, aparentemente, fallida película de Robert Rodríguez. En España se titulará “Shorts-La Piedra Mágica”. Aunque está de más el "Shorts", no está del todo mal el título en español. Comprensiblemente, es mucho más comercial que titularla “Cortos”, como sería la traducción del título original. Muchos países, como México, optaron por titularla también “La Piedra Mágica”. Su título original se refiere, precisamente, a que la película está estructurada en forma de relatos “cortos”, que tienen en común a la famosa “piedra mágica”. Aunque, buscando otros sentidos al título, también puede referirse a los niños “bajitos”, que sufren los maltratos y abusos de chicos mayores, como sucede con el personaje principal de la película.

Esta semana es de comedias, y seguimos con una titulada pésimamente, Motherhood, protagonizada por Uma Thurman. Por lo visto, tenemos aquí otra película perteneciente al subgénero de las comedias “de apuros”, porque en España, en un “derroche” de originalidad y creatividad, su distribuidora decidió titularla “Una Mamá en Apuros”. Con esto, puedo concluir que al mencionado subgénero de la comedia “de apuros”, debe modificársele el nombre a comedias “de mujeres en apuros”. ¿Por qué las mujeres están más en “apuros” que los hombres? ¿Son más graciosas las mujeres en apuros? Entiendo que es un riesgo comercial titularla “Maternidad”, pero yo lo tomaría, ya que si bien suena muy serio el término, seria interesante ver el contraste entre un título así y una trama cómica en países de habla hispana. En Italia se tituló “Il bello di essere mamma”, es decir, “Lo bello de ser mamá”. Podría funcionar, al menos es mejor que “Mamá en apuros”.

Terminamos con los títulos menos conflictivos de esta semana, que, por increíble que parezca, los hay. La nueva película de la directora catalana Isabel Coixet, Map of the Sounds of Tokio, ha quedado como “Mapa de los Sonidos de Tokio”, mientras Case 39, se ha titulado aceptablemente “Expediente 39”. La comedia Year One, con Jack Black, ha quedado titulada “Año Uno”, en tanto, la nueva película de Takeshi Kitano, Kantoku-Banzai!, ha quedado con el título internacional en inglés, “Glory to the Filmmaker!”. Es verdad que pudo haber quedado como “¡Gloria al Director!”, pero créame, pudo haber sido peor.

martes, 25 de agosto de 2009

G.I. JOE: THE RISE OF COBRA * *

Una ruidosa pirotecnia visual, mediocres efectos especiales y un guión basado en monótonos flashbacks, son algunas de las características de "G.I. Joe: The Rise of Cobra".

Nunca tuve un juguete o algún muñeco de G.I. Joe. Nunca llamaron mi atención. Lo que sí pude ver algunas veces, fueron algunos episodios de la serie animada en los 1980, y debo confesar que era algo entretenida. Apenas y puedo recordar que el nombre del villano era Cobra y nada más. Viendo ahora la primera adaptación al cine de esta línea de juguetes, creada por Hasbro en los 1960, debo confesar que lo único que consiguió esta pésima película, fue hacerme recordar lo mejor que era la serie animada.

Aunque me declaro un ignorante del universo G.I. Joe, creo que estos juguetes merecían una mejor adaptación al cine. Una adaptación con efectos especiales más creíbles y mejor acabado, y lo principal, un guión que no pareciera la fantasia mariguana de un adolescente fanático de los juguetes.

Sinceramente, G.I. Joe no es una decepción del calibre de The Spirit. Después de todo, uno entra al cine sabiendo a lo que se enfrenta: una estúpida película veraniega, plagada de situaciones inverosímiles, ruidosas escenas de acción donde todo acaba destruido y casi todos muertos (la larga secuencia de persecución en París, por ejemplo), y con un reparto femenino despampanante, físicamente hablando.

Estamos en un universo con mujeres militares hermosas, en el que incluso la rubia y escotada secretaria de un comandante (Dennis Quaid), luce más como una top model que otra cosa. O también, en el que la más bella de todas (al menos para mi gusto), Rachel Nichols, en un momento muy crítico durante el clímax del filme, de pronto saca a relucir un poco creíble conocimiento de la lengua gaélica. Además, Stephen Sommers, realizador de la película, quien ha metido a la mitad del reparto principal de The Mummy (que también dirigió) en forma de cameos inútiles de Brendan Fraser y Arnold Vosloo, nos querrá hacer creer el forzoso y predecible enamoramiento de Shana Scarlett (Rachel Nichols) con el personaje que interpreta Marlon Wayans.

Apenas y vale la pena hablar de la trama, tan esquemática como sus mismos personajes. Ya mencioné a Cobra (Grégory Fitoussi), el villano en cuestión, que tiene intención de apoderarse del mundo. Su plan es hacer uso de la nanotecnología, desarrollada por un escocés (Christoher ”Doctor Who” Eccleston), que consiste en millones y millones de micro robots, altamente destructivos, capaces incluso de viajar por el torrente sanguíneo. Incluso, esta tecnología hará que caiga un icono arquitectónico, pero no será esta vez de Estados Unidos.

La película estará llena de esta clase de gadgets, por demás inverosímiles, como unos trajes sofisticados que convierten a los G.I. Joe en una suerte de máquinas, capaces de correr a gran velocidad y saltar grandes distancias, como se puede ver en la persecución de París, la única secuencia por la que vale la pena la entrada.

Hay una secuencia al inicio que parece no tener nada que ver con la trama, que nos remonta al siglo XVI en Escocia, donde un personaje es torturado al colocarle una máscara ardiendo. En realidad, sí tiene que ver con algo, y es con el hecho de que al final tendremos material para una secuela. No creo que esta primera película, armada como un melodrama predecible a base de flashbacks, de aquellos en donde un triángulo emocional está involucrado, sea un buen comienzo.

++Lo mejor: su bello reparto femenino, Christopher Eccleston (a pesar de su criticado acento escocés), ah, y Snake Eyes, el personaje enmascarado (afortunadamente no dice nada en toda la película).

++Lo peor: Los efectos especiales (el avión de los G.I. Joe parecía de videojuego) y que el final anuncia una secuela.

lunes, 24 de agosto de 2009

SABIAS QUE...


(Esta semana, dedico el "Sabias que..." a una de mis series animadas preferidas, "The Simpsons".)

La sala donde se reúnen los guionistas (20 en total) para planear nuevos argumentos y discutir ideas para la serie, simplemente se conoce como "The Room".

Cada episodio tarda aproximadamente 9 meses en producirse, desde la escritura del guión hasta la animación final. El costo de cada episodio es de cerca de 2 millones de dólares.
Matt Groening, creador de los personajes, los dibujó, en 1986, en un pedazo de papel 15 minutos antes de proponer la idea al productor James L. Brooks. Sin saber que era tan sólo un boceto, productores y animadores se quedaron con las imperfecciones en los dibujos. La serie empezó en forma de cortos que se emitían en el programa "The Tracy Ullman Show".

Los nombres de los miembros de la familia son los mismos de la familia de Matt Groening: su padre se llama Homer, su madre Marge y sus hermanas Lisa y Maggie. El nombre de Bart, se le ocurrió cambiando el orden de las letras de "brat", que en español significa niño "malcriado" o "travieso".

La animación final de la serie se hace en Corea del Sur, debido a que así se reducen costos de producción.

Técnicamente (y en lenguaje de artista o diseñador gráfico), los personajes no son color amarillo sino...Pantone 116, RGB/255/216/55. Esta "sutileza" cromática se especifica incluso en los storyboards enviados a Corea.

La única celebridad que ha rehusado a participar en la serie hasta la fecha es el músico y cantante Bruce Springsteen.

Cada episodio está formado por entre 20,000 y 30,000 dibujos.

A Groening se le ocurrió el nombre de Springfield para la ciudad donde viven los Simpson, porque, según él, hay como 121 ciudades en E.U. con ese nombre. Para él, es una buena forma de hacer a los Simpson una familia estadounidense "promedio".

La queja más dura que ha recibido el programa por sus ácidas críticas, vino del presidente de Brasil Fernando Enrique Cardoso, por la mala imagen que se hizo del país en el episodio "Blame it on Lisa", cuando la familia completa viaja a Río de Janeiro.

El actor Carlos Revilla (fallecido en el año 2000), fue el director de doblaje de la serie en España, y quien dió voz a Homer. De hecho, Revilla inventó palabras propias de Homer en la versión española como "multiplícate x 0" o "mosquis". La actriz Sara Vivas, es quien da voz a Bart.

El debut de The Simpsons en cine fue el año 2007 con "The Simpsons Movie", en donde se combinaron técnicas digitales con la animación tradicional en 2D.

domingo, 23 de agosto de 2009

EL CARTEL (VARIOS)

PUBLIC ENEMIES * * *
Luego de revisar algunos de las carteles más famosos de películas sobre John Dillinger, llega el momento de reseñar brevemente el más reciente, Public Enemies. Me limitaré a revisar el que se usó para el estreno, diseñado por el despacho Cold Open, una neutra y fría propuesta cromática que muestra a Johnny Depp como John Dillinger en primer plano. El retrato está montado sobre una fotografía que muestra una calle, algunos coches y edificios. La idea es hacer una equiparación entre la verticalidad de los edificios y la figura de Dillinger, y darle a este último la misma monumentalidad. El efecto está conseguido, a pesar de no ser un cartel que roce lo magnífico. Lo que me gusta del cartel, es que intenta sostenerse sobre una idea de elegancia y urbanidad, no nada más en este cartel, sino en los de personajes. Curiosamente, los diseñadores se decantaron por una propuesta estática, que no transmite tanto el sentido de urgencia que caracteriza al personaje, a pesar de que la metralleta a la izquierda lo hace ver en estado de alerta. Otro de los aspectos que llama la atención, es el diseño y composición de la tipografía, siguiendo la posición de las piernas de Depp. Me gustó la textura metálica en la tipografía del título, como una referencia simbólica a la personalidad del personaje.


LAND OF THE LOST * * *
Otro cartel con una propuesta sencilla es el de Land of the Lost, con cierta gracia y originalidad, que no se popularizó mucho. El cartel muestra a un tiranosaurio rex simulando que atravieza el papel, y abajo, a Will Ferrel corriendo. Por supuesto, esto no tiene otro propósito que dejar un poco en suspenso al espectador con lo que verá en la película, contrario al cartel teaser, que muestra a Ferrel navegando por un río en una balsa, de nuevo siendo perseguido por el tiranosaurio. Me inclino más por el primer cartel y su estrategia comercial de mostrar a medias al dinosaurio, con el fondo blanco sugiriendo el misterio de lo que contiene la película. A pesar de todo, me agrada también el cartel teaser. Su fotomontaje está estupendamente realizado, y lo mejor es su escenario fantástico, atractivo para un potencial espectador, con esas tres lunas, pterodáctilos volando y mucha neblina. Por último, mencionar el toque retro del diseño tipográfico, similar al de los antiguos carteles de películas de dinosaurios, en la línea de The Mysterious Island y similares.



THE LIFE BEFORE HER EYES * * * 1/2
Lo atractivo del cartel de The Life Before her Eyes, es cierto toque fantástico y delirante que contiene. Su efecto psicológico también tiene un peso importante. La idea principal, es contrastar dos figuras, la de Uma Thurman y la de Evan Rachel Wood, a través de un reflejo en el agua, que las hace ver muy similares. El cartel no deja de transmitir también un aura de misterio, gracias al fondo negro. En ese sentido, también son interesantes los efectos cromáticos en el area de la superficie del agua. A pesar del fondo negro, el agua refleja una cantidad considerable luz. Justo en la parte del título en color azul (The Life), el agua precisamente refleja un color azul, mientras que en la parte blanca (before her eyes), el agua refleja una serie de tonalidades blancas interesante, que se funde con el reflejo del vestido. El fondo negro permite una buena legibilidad en la información, incluyendo los créditos. Me gusta el tagline “Your life can change in an instant, that instant can last forever”.



ONG BAK 2 * * *
Hay varios carteles producidos para Ong Bak 2, y todos ellos están caracterizados por imágenes espectaculares. El cartel más popular es el que muestra al protagonista montado sobre la trompa de un elefante, enfrentándose con un guerrero, vestido de negro y montado en la cabeza del elefante. La composición de la fotografía hace sentir al espectador a la altura de la acción mostrada en el cartel, que tiene lugar en un escenario nocturno y con una batalla en el fondo, que se alcanza a ver en la parte de abajo. El cartel tiene un aire épico discreto, pero impactante. No siempre se muestra en un cartel de cine un punto de vista como este. Lo interesante, además de las elaboradas poses de los personajes, es también cómo el elefante pelea protagonismo visual con estos, todos iluminados por un destello de luz blanca en los bordes. Quizás lo más convencional es su diseño tipográfico, muy estilo Lord of the Rings.

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