EL SOUNDTRACK: PULP FICTION * * * * *

Después de tanto titubear, me he decidido a inaugurar una sección dedicada a los soundtracks. Aunque la música es una de mis pasiones, no me considero un experto en la materia (ni pretendo serlo algún día). Por lo tanto, semanalmente intentaré dar mi más humilde opinión respecto a soundtracks que me hayan parecido interesantes, buenos, y claro, malos también, así como otros tantos que formen parte de mi colección. Varios los he adquirido independientemente de que la película me haya gustado o no. Empezaré con el soundtrack de Pulp Fiction (1994), de Quentin Tarantino.

Me dio algo de rabia enterarme, hace unos años, que salió reeditado con unas cuantas canciones extras*, en una “edición para coleccionistas”. Ni hablar, a la larga seguro lo compraré, dejándome llevar por la corriente de la mercadotecnia. Además, en el 2004 lo editaron también en acetato, quizás para que fuera más acorde con el aire retro de la música. La que tengo es la edición tradicional, que salió a la venta junto al estreno de la película, en 1994. Entre canción y canción lleva fragmentos de algunos diálogos de la película. Los mejores son el primero, con Tim Roth y Amanda Plummer gritando “¡Everybody cool this is a robery!”, antes de asaltar el restaurante, para dar paso al hipnotizante solo de guitarra de Dick Dale y sus Del-Tones, “Misirlou”. Samuel L. Jackson cierra el CD, gritando el versículo de Ezequiel 25:17 y luego… varios disparos.

El soundtrack es la clásica banda sonora ecléctica y nostálgica, plena de “oldies”, con las que Tarantino gusta tanto musicalizar sus películas. Lo mejor, es que con la mayoría de las canciones no te dejan de venir a la mente escenas de antología, como aquel baile de John Travolta y Uma Thurman (¡bellísima de morena!), en un restaurante de temática de los 1950. Teniendo como maestro de ceremonias a Ed Sullivan (bueno, un actor imitándolo), bailan el tema “You Never Can Tell”, de Chuck Berry, en un extraño y versátil baile, donde hay desde twist hasta unos pasos muy “a go-go”.

Los temas que más disfruto, además de “Girl, You’ll be a Woman Soon” de Neil Diamond, (más que adecuado para la escena de Uma Thurman inhalando cocaína), “Son of a Preacher Man”, de John Hurley e interpretado por Dusty Springfield, así como el simpático tema “Flowers on the Wall”, de Lew DeWitt, e interpretado por The Statler Brothers (en el que destaca un alegre banjo), son los temas de música “surf”. Dan un aire muy atemporal a la película con esos solos de guitarra eléctrica, como el ya mencionado “Misirlou” o “Surf Rider”, ejecutado por The Lively Ones. No podría dejar de mencionar la balada romántica (que no cursi, atención) “Lonesome Town”, de Ricky Nelson.

Un soundtrack destinado a convertirse en un clásico. Ya volveré con otros soundtracks de Tarantino, como el del díptico “Kill Bill” o “Jackie Brown”, todos ellos indispensables.

*Los temas "extra" que incluye la edición de colección son:

-Since I First Met You, de The Robins
-Rumble, de Lin Wray y sus "Ray Men"
-Strawberry Letter number 23, de Brothers Johnson
-Out of Limits, de The Marketts

Además, incluye un segundo disco, con una entrevista a Quentin Tarantino.

EL CARTEL: GRAN TORINO * * * 1/2

La mente convulsa de un personaje xenófobo e intolerante, simbolizada en el lúgubre cartel de "Gran Torino".

Esta semana no ha sido una de carteles notables, pero, afortunadamente, se pueden rescatar unas piezas interesantes. La primera, es el cartel de Gran Torino, la más reciente película de Clint Eastwood. He escuchado que en la película Eastwood se autoparodia a sí mismo, con su personaje de veterano de guerra, en una suerte de versión avejentada de su famoso detective Harry Calahan. Del cartel se puede decir algo parecido, diseñado por el despacho The Cimarron Group, que anteriormente se hizo cargo de carteles de algunas películas de Clint Eastwood, como Flag of Our Fathers, Letters from Iwo Jim, Blood Work y Changeling.

Hay dos carteles de Gran Torino, y el que me parece mejor es el que muestra a Clint Eastwood con rifle en mano, y su coche Gran Torino detrás. Lo que nos viene primero a la mente, es algún cartel de los filmes de Harry Calahan. Es un cartel de aire lúgubre, por su casi total obscuridad. En su mayor parte, es un trabajo fotográfico y de montaje, limpio debido a su mínima cantidad de elementos. Destaca su gran trabajo de manipulación digital en blanco y negro, con apenas algunos destellos de color.

Llama la atención el buen trabajo de iluminación en el retrato de Clint, en una pose amenazadora, a pesar de ser muy estática, girando un poco el torso. Buena parte de la fuerza del retrato está en la clásica mirada malhumorada del actor-director, observando ligeramente hacia abajo. El montaje se hizo sobre una atractiva foto de un Gran Torino. La pose es muy lograda, ya que la dirección de la mirada y la cabeza están en total equilibrio visual con la posición del rifle. Lo que nos dice Clint con este lenguaje corporal es “Si tocas mi Gran Torino, te mato”. Sí, así de simple.

La posición de cada imagen denota claramente la importancia que tiene el coche para el personaje, dispuesto a todo por defenderlo. La composición es sencilla pero conseguida, ya que la lectura visual del cartel sería en el orden: mirada de Clint-rifle-coche. Habla de la parte conflictiva del personaje, de ese lenguaje corporal al que hacíamos referencia arriba. Además, el envolvente color negro que predomina en el cartel, simboliza la parte anímica y psicológica del personaje, un anciano xenófobo e intolerante, que le declara la guerra a sus vecinos coreanos.

La composición y trabajo tipográficos son de enorme sencillez. El nombre de Clint Eastwood en primer lugar (a la altura del rostro), de un color gris, armonizando con la tonalidad de las fotografías; luego, el logotipo del título (a la altura de los hombros), sencillo en el diseño tipográfico, y de un color amarillo-olivo, que combina estupendamente con la neutralidad cromática del cartel. Ha sido una buena decisión subir los créditos a la misma altura de los brazos, bien alineados a la derecha, ya que, de lo contrario, hubieran quedado ilegibles encima del coche. Un cartel que se define a sí mismo por su sencillez, efectividad y, también, su valentía, al ser una apuesta obscura y lúgubre para la distribución comercial de una película, algo similar al cartel de Doubt.


Otro cartel que me ha llamado la atención, es el de The Broken. El cartel original muestra la cabeza de la actriz Lena Headey de cristal y quebrada por la mitad. Es un increíble y laborioso trabajo de montaje y manipulación digital. Simboliza la mentalidad “quebrada” de la protagonista (en alusión al título), teniendo un fondo de neblina que se degrada hacia arriba, hasta un blanco total. Justo arriba de la cabeza leemos el tagline “Face your fear” (Encara tu miedo), y, en la parte superior del cartel, el clásico quote exagerado en esta clase de películas: “8 Films to Die For”. Es un cartel en verdad inquietante, atrayente. Resulta magistral el cómo acoplaron el cristal roto con la cabeza. Su punto débil es el logotipo, que no es malo, pero me gusta más el del cartel que se utilizó en España cuando se estrenó la película en Sitges 2008.









El cartel español tiene la cabeza de la actriz completa (si se quiere hacer una comparación del “antes y después” con respecto al otro cartel), cubierta de un vidrio estrellado, que imprime tensión al dirigir nuestra mirada hacia el impacto en la parte inferior derecha. Lo mejor es su logotipo, completamente acoplado al vidrio, con un efecto fragmentado estupendo, que además incluye variaciones en el tono, con sombras y luces. ¡Qué bien hubieran quedado los dos carteles combinados!













Por último, comentar rápidamente el simpático cartel de Ghost Town. Podríamos decir que es una especie de versión en “positivo” del cartel de Gran Torino. En el de Ghost Town predomina el color blanco, con una serie de connotaciones simbólicas que tienen que ver con la profesión médica del personaje principal, pero también con la realidad fantasmagórica a la cual se enfrenta. De fondo, destaca una panorámica de Nueva York, nebulosa, casi transparente, en alusión al título original del filme. Pero lo que llama la atención, es el retrato y montaje de los dos personajes, sus gestos, poses y miradas, en especial ese fantasmal Greg Kinnear, que parece desvanecerse (o aparecer) de arriba a abajo,…o viceversa. La composición es magnífica, desde la adecuada ubicación de la banca, el buen trabajo en las sombras (el fantasma no proyecta nada) hasta las tipografías de actores y del título del filme, este último en un azul, digamos…celestial. El tagline es muy simpático: “He sees dead people…and they annoy him”.





Lástima que en España no hayan usado la versión original. Recurrieron a una que, me parece, es la versión inglesa, sin mucho del encanto original. Los encargados de adaptar el cartel en España, no se dieron cuenta (o sí, quién sabe) que esa versión estaba hecha para un formato horizontal. Al hacerla vertical, todo se nota demasiado ajustado, no respira nada. La panorámica de la ciudad está al natural, sin el efecto nebuloso. Lo peor, es que el rostro de Greg Kinnear tiene color (¡para qué diablos!) y los actores están aumentados de tamaño. Del título…mejor ni hablemos. Al menos dejaron el color original del logo.

QUOTES

"Mark, te juro que estoy llena de dudas".



"No me pareció lo suficientemente 'dudosa'" Mark Kermode (BBC Radio), sobre Doubt.

"Una pel•lícula trampa, trampa, trampa"Àlex Gorina (La Finestra Indiscreta, Catalunya Ràdio), bon amic i crític de cinema, sobre Slumdog Millionaire.

"El gran reto que presentó esta película, no es el apego al texto para crear una escena, ni mucho menos para colocar a los personajes en el cuadro. El libro de Ellis es lo suficientemente gráfico para tal propósito. Sería como armar un Lego con el instructivo a un lado." Paco, gran amigo, sobre American Psycho.

"Era una muy buena premisa y no se aprovechó. Yo sí quería algo sobrenatural o de locura; la solución de Glazer le quitó la magia a la historia." Joel Meza, cinéfilo y crítico de cine, sobre Birth.

"Las actrices se comen la pantalla y toda la paja que sale en el libro, con terceras historias de la hija de Clarissa y el amigo guionista de cine, desaparecen de un soplido. Una de las mejores peliculas, para ver una y otra vez." Jordi, sobre The Hours.

EL CARTEL...CLÁSICO

La violencia y complejidad de "A Clockwork Orange" (1971), sintetizada en el cartel de Philip Castle.

No nada más escogí el cartel de A Clockwork Orange por ser, para mí, uno de los mejores de un filme de Stanley Kubrick, sino porque es una de mis películas favoritas de este indispensable realizador. En realidad, existen dos carteles distintos, y empezaré con el mejor y más interesante, diseñado por Philip Castle, quien también diseñó el cartel de Full Metal Jacket.

Es un cartel minimalista, que tiene como principal elemento una figura triangular. Si observamos bien, esta figura es la letra “A”, la inicial del nombre del protagonista principal, Alex (Malcolm McDowell). Es una ilustración al aerógrafo, pequeña pero notable en su realización. De la letra “A” vemos emerger al mismo Alex, quien sostiene una daga. El puño y la daga (que hace referencia a la manecilla de un reloj fuera del triángulo) que sostiene sobresalen de la letra, creando un centro de tensión visual intrigante en toda la ilustración. Son un par de elementos que rompen con la armonía visual del conjunto y quiebran su unidad formal.

Esta figura triangular es una letra “A”, pero también puede denotar otras cosas. La más elemental, es que indica a los 3 miembros del grupo de Alex (llamados, “los drugos”), con él sobresaliendo como líder. Es también un símbolo místico, sobre todo por ese ojo que se ubica justo en el centro del triángulo. Esto tiene muchas lecturas, y la más común es la de ser el “ojo de Dios”, el “ojo que todo lo ve”. Pero también hay que recordar, que en una escena Alex es sometido a una violenta terapia, en la que los ojos le son abiertos al máximo con un aparato, para literalmente ser “bombardeado” con un sin fin de imágenes de muerte, violencia y destrucción, para intentar regenerarlo y convertirlo en un “chico de bien”.

Los contornos del triángulo son de color naranja, en alusión al título, y en su parte inferior-interior, sirviendo además como sostén visual, se encuentra la imagen de una mujer. Esta mujer, en cuclillas y con las piernas abiertas, se encuentra dentro de otro triángulo, más pequeño. Las piernas abiertas de la mujer, sirven para que la figura se abra, dando la impresión también de que estamos viendo una pirámide. ¿Una pirámide dentro de otra pirámide? ¿Un triángulo dentro de otro triángulo? Ambas formas de verlo son tan válidas como se quiera.

Encima del triángulo-pirámide (todo sobre un fondo blanco) se encuentra el tagline “Being the adventures of a young man whose principal interests are rape, ultra-violence and Beethoven”, que es también una descripción pequeña de la personalidad de Alex. El trabajo tipográfico es sencillamente genial. Primero, el nombre de Stanley Kubrick, en color negro y debajo del triángulo, donde además podemos comprobar que el diseño de las “A” es exactamente el mismo que el del “triángulo” superior. La tipografía es voluminosa, rígida, sin mayores detalles. En tanto, el logotipo de la película (en tipografía similar, pero con volumen en 3 dimensiones) es una maravilla: las iniciales “C” y “O”, son como dos ojos saltones (recordemos la escena de la terapia). Abajo, los créditos son simples en su diseño y legibles, gracias al adecuado puntaje de la tipografía y su separación. Junto con el de “Barry Lyndon”, este es uno de los mejores carteles de una película de Kubrick.

Brevemente comentaré el segundo cartel, no tan bueno como el anterior, pero destacable por su buen trabajo cromático y su concepto visual. Los únicos elementos que tienen en común, es el logotipo del filme y el del nombre de Kubrick, así como el tagline. Destaca el color naranja del fondo (espectacular y bello, por cierto) en referencia al título. Mientras, la figura central es el dibujo, extremadamente sintético, del rostro de Alex. Lo podemos identificar así por llevar el mismo dibujo de un engrane que Malcolm McDowell lleva en el ojo derecho en la película. El dibujo del engrane (en referencia a la “maquinaria del reloj” del título) denota además un ojo circular, volviendo al tema del mismo con todas las connotaciones mencionadas anteriormente. Una composición magnífica (bien ubicados los logos dentro del sombrero), 8 colores principales y una gran idea, todo en un cartel estupendo, aunque poco conocido.

Y... ¿CÓMO LE PONEMOS?

"¡Ah nooo! Yo no caí, me aparecí."








Me gustaría empezar con Gran Torino, no nada más por ser el estreno de la semana, sino porque es el título que menos nos dará problemas en esta ocasión. La más reciente película de Clint Eastwood toma su título del clásico coche de los 1970, el “Gran Torino”. Es el coche que posee el protagonista, un veterano de la guerra de Vietnam, a quien su vecino, un chico coreano, se lo quiere robar. Por fortuna, en España se dejará el título original. Sería el colmo que se le cambiara al ser vocablos que provienen del español. La mayoría de los países se quedarán con el título original, incluso México. Los amantes de los coches deben estar contentos.

Pasamos ahora con otro de los estrenos fuertes, Che: Part Two, segunda parte del díptico de Steven Soderbergh sobre la vida del Che Guevara. España optó por utilizar el título internacional, "Che: Guerrilla", una buena decisión que no entra en conflicto ni con la temática de la película ni con las intenciones comerciales de la productora. Además, creo que es mejor título que el más soso “Che: Parte Dos”, la traducción literal. Desconozco el título que tendrá en México, pero siento que seguirán el mismo camino de España, ya que la primera parte fue titulada “Che, El Argentino” (igual que en España), es decir, el título internacional. Unos ejemplos de cómo se titulará en otros países:

Che - Estados Unidos
Che - 2ème partie – Guerilla - Francia (por lo visto no se decidieron y optaron por quedarse con todos los títulos disponibles)
Che osa 2 - kapinallinen Finlandia (un caso parecido al de Francia)
Che: 39 sai - Wakare no tegami - Japón (no sé japonés, pero suena a que hicieron un desastre).

Seguimos con una película de aventuras fantástico-medievales, In the Name of the King: A Dungeon Siege Tale. Me pareció correcta la decisión en España por acortar -y además respetar- un título de por sí largo, dejándola únicamente como: “En el Nombre del Rey”, la traducción de la primera mitad del título. La traducción literal hubiera quedado todavía más larga: “En el Nombre del Rey: Relato del Cerco de un Calabozo”. Sería imposible usarlo así, además suena demasiado literario, por lo que la decisión fue inteligente y buena. Lo malo es que la película tiene pésimas valoraciones. Algunos ejemplos de los títulos (muchos de ellos fallidos) en otros países:

In the Name of the King - Italia y E.U.(título tentativo, esperemos que Italia recapacite)
Schwerter des Königs - Dungeon Siege - Austria / Alemania (mal que dejen una parte en alemán y otra en inglés).
Özgürlük savasçisi - Turquía
Dungeon Siege - E.U. (otro título tentativo para E.U., que sigue el ejemplo español de acortarlo)
Dungeon Siege: In the Name of the King - E.U. (otro título tentativo, en el que nada más se cambia el orden de las frases)
Dungeon siege - W imie króla - Polonia (ni siquiera se molestarán en estrenarlo en cines y este es el título para el DVD)
Em Nome do Rei - Brasil (bien por este título)
In the Name of the Father: A Dungeon Siege Tale - Canadá (es tentativo y esperemos que recapaciten)
King Rising - Francia (no está mal y es corto, pero estaría mejor en francés)
I Poliorkia Grecia (bien por este título)

El primer tropiezo de la semana es el pésimo título que se escogió para la comedia Ghost Town, protagonizada por Greg Kinnear y Ricky Gervais. Esto me lleva a la conclusión de que en la península no se sabe titular apropiadamente a las comedias extranjeras. Se llamará “¡Me ha caído el muerto!”, título digno de una comedia barata, y la verdad la película no parece estar tan mal. La trama es sobre un tipo que regresa de la muerte con la capacidad de ver espíritus. Uno de estos fantasmas, hará lo imposible por arruinar su relación con una viuda. El título en España suena obvio, y no hace más que decirnos lo que pasará en la trama sin pizca de originalidad. Todavía no hay título para México, pero siento que será un buen título, ya que contrario a España, en el país latinoamericano tienen buena vena para titular comedias. ¿Qué problema había con titularla “Ciudad Fantasma”? ¡Es un buen título en español!

El siguiente tropiezo es para The Broken, título que se conservará en inglés en España. Con seguridad, los espectadores no tendrán la más mínima idea de qué va el asunto antes de animarse a verla. El título original tiene la letra “o” atravesada por una diagonal, lo que da la idea de ser una película de algún país nórdico, pero nada más lejos de la realidad, ya que está producida por Francia e Inglaterra. El título original es simbólico, en una trama de suspenso paranormal que habla de la dimensión alterna a la que se enfrenta la protagonista. La traducción del título sería “Los Quebrados”, y sugiere la realidad “fragmentada” de la protagonista. No me quedaría con el título traducido, no es atrayente, da otra idea y no es comercial, pero siempre está la opción de usar el ingenio. En otros países así se titula:

The Broken - Francia (mismo caso español, y sólo porque es el titulo internacional)
Buro-Kun - Japón
Gebrochen - Alemania
Rotto - Italia (traducción literal al italiano).

Por último, los estrenos con títulos adecuados y que no tienen problema alguno: Julia se quedó con su título original; Parlez-moi de la pluie se tradujo literalmente al español como “Háblame de la Lluvia” (bien por la distribuidora), The Pink Panther 2 se quedó como “La Pantera Rosa 2” (igual que en México), y MR 73 se dejó tal cual, algo acertado ya que es el título de un thriller policiaco. Suena intrigante al primer vistazo, cosa que siempre producen los títulos con números de por medio.

WE DON'T LIVE HERE ANYMORE * * * *

Casi al mismo tiempo que Closer (2004) se estrenó We don’t Live Here Anymore (2004). En general, en ambos filmes se muestra la decadencia de las relaciones sentimentales de sus personajes, y al sexo como un elemento manipulatorio, capaz de destruir a la pareja.

Segundo largometraje del neoyorquino John Curran (también a cargo del diseño de sonido), estamos ante una película dura, en la que incluso los niños pueden llegar a mostrar más cordura que los adultos. Los adultos serán más como adolescentes inmaduros, ocupados únicamente en satisfacer sus caprichos y deseos.

Estrenada en el Festival de Sundance 2004, la película tiene como centro argumental los problemas de dos matrimonios, amigos entre sí. Los cuatro personajes pasan de la diversión más común en sus pequeñas fiestas, hasta la desesperación y las infidelidades más cínicas. Es una difícil prueba para el matrimonio formado por Jack Linden (Mark Rufallo), un desaliñado maestro universitario de literatura, y su esposa, Terry (soberbia y estupenda Laura Dern, en una de las mejores actuaciones de su carrera), además padres de dos hijos.

Curran se basó en los cuentos “Adultery” y, precisamente, “We don’t Live Here Anymore”, del escritor Andre Dubus, y a través de un ritmo narrativo lento cuenta la aventura que Jack tendrá con Edith (Naomi Watts, guapísima como siempre), esposa de su mejor amigo, Hank (Peter Krause). Hank, maestro universitario, es hipócritamente precoz con sus guapas estudiantes y un escritor frustrado.

La película tiene toda su fuerza en los diálogos intensos, ya sea en los enfrentamientos de Jack y Terry, en las “amistosas” pláticas que aquel tiene con Hank, o en las falsas promesas de amor que hace a Edith.

A través de una puesta en escena limpia, el trabajo de Curran termina destacando también por una edición sencilla y funcional, así como por una impecable dirección de actores. Los personajes llegan desgastados emocionalmente al final, sin poder ser golpeados psicológicamente una vez más, dando suma importancia a las segundas oportunidades.

++ El DVD incluye ficha técnica, ficha artística, ficha de doblaje, tráiler, filmografías, entrevistas e imágenes del rodaje.

SABIAS QUE...

"Te dije que no quería el pelo como Camilo Sesto"

La frase "Call it friendo", que Anton Chigurh (interpretado por Javier Bardem) dice en "No Country for Old Men", fue elegida como la más influyente del cine en la cultura estadounidense, en el año 2007. Esto según la organización Global Language Monitor, institución en los Estados Unidos que analiza las tendencias del lenguaje, que incluso le otorgó el premio HollyWORDIE. Haciendo memoria, Chigurh pronuncia la frase justo antes de lanzar una moneda frente al encargado de una tienda, y le pide escoger "cara" o "cruz". El dueño, temeroso, responde que no lo hará hasta saber lo que se está jugando. Decisión sabia y cautelosa.

La tarjeta de presentación de Al Capone decía que era un "comerciante de muebles usados".

El tipo de sangre del Dr. Spock era "T-Negativo".

Pinocho significa en italiano “ojos de pino” (pinocchio).

Por lo menos, el 70 por ciento de los ciudadanos estadounidenses han visitado Disneyland.

BIRTH * * 1/2

Mucho se habló de este filme antes de su estreno en Estados Unidos. Los comentarios que corrieron terminaron ensombreciéndola, al grado del morbo. Todo giraba en torno a una escena en la que, supuestamente, Nicole Kidman besaba en la boca a un inocente niño. Me preguntaba: “¿La guapa Nicole habrá ido tan lejos en nombre del profesionalismo?” Cuando pude ver Birth (2004) y la famosa escena, concluí que no era para tanto.

La Kidman y el joven actor Cameron Bright, (especialista en personajes poseídos por un aura sobrenatural) sí se dan el beso, pero no precisamente en la boca. A través de un buen trucaje en el encuadre, se nota que Nicole nada más besa, inocentemente, la mejilla de su joven colega. Fuera de esta escena, y otra en la que ambos están dentro de una tina (eso sí, muy separados), no pasa nada más entre ellos.

En su segundo largometraje, el director Jonathan Glazer (Sexy Beast) da un giro crucial, y dirige una película desconcertante en todo su planteamiento dramático. Una mujer, Anna (Kidman), vive el constante acoso de Sean (Bright), un pequeño de 12 o 13 años, que insiste en ser la reencarnación de su fallecido esposo.

Fuera de esta atractiva idea argumental, que pudo haber sido explotada más por donde quiera que se le mire, en una historia de suspenso sobrenatural, o una película romántica con flash-backs que mostraran los antecedentes de los personajes principales (al estilo de The Notebook). Birth me resultó floja de principio a fin y predecible. Si uno mira bien desde las primeras escenas, se puede ir armando el misterio sin problemas. La película es amarga, sin personajes interesantes, además de que Sean a veces me resultó insoportable y antipático. En realidad, es algo que siempre me ha causado Cameron Bright.

Mientras veía la película de Glazer, recordaba ejemplos de películas más o menos relacionadas con Birth, y que me han gustado más, como Somewhere in Time (1980), con Christopher Reeve, o Chances Are (1989), con Robert Downey Jr, la primera romántica hasta la médula, pero memorable, y la segunda, divertida y entretenida.

No se puede negar que la puesta en escena de Glazer es notable, la fotografía es buena y que la actuación de Nicole Kidman vale mucho la pena. Hay una escena de antología: Ana preguntándole al niño cómo va a “satisfacer sus necesidades de mujer”, en el caso de que llegará a creerle que es su esposo reencarnado. Fuera de esto, el filme me dejó un mal sabor de boca. El final desde la mitad se puede adivinar, y creo que en buena parte fue la causa de que este seco melodrama me desilusionara, que no me emocionara ni me conmoviera.

++Disponible en una austera edición en DVD, sin ningún extra.

PEANUTS, EL CINE Y LOS MEDIOS

(Publicada originalmente el 19 de marzo de 1961.)

En esta ocasión, Charlie Brown es invitado por Linus y Lucy a un maratón especial de películas de miedo y ciencia ficción pero... parece que ha olvidado a alguien.

LA SECUENCIA DE CRÉDITOS

Las secuencias de créditos de las películas de Pedro Almodóvar son memorables, unas verdaderas obras maestras que destacan, en especial, por estar realizadas con un mínimo de recursos técnicos. Empezaré con la secuencia de créditos de su más reciente película estrenada, Volver (2006), que aparece al final de la película.

La secuencia está formada por una serie de pequeñas animaciones, que se van sucediendo una a otra. El elemento principal son las flores, en un magnífico juego visual de formas y elementos orgánicos, la mayoría de explosivos colores y que avanzan a un ritmo suave, teniendo como fondo la música de Alberto Iglesias. Las flores son un elemento constante en la película y, de hecho, aparecen en el magnífico cartel.

Las flores las vemos en el vestuario, en varios elementos del diseño de arte, pero su importancia viene desde el hecho de representar el renacer vital, así como la relevancia simbólica de ser un recuerdo en vida para los muertos, una muestra del amor que tienen sus personajes para los que se han ido. Ahí está la escena que abre la película, con Raymunda (Penélope Cruz), su hermana Sole (Lola Dueñas) y la hija de aquella, Paula (Yohana Cobo), limpiando la tumba de su madre, junto a otras mujeres que hacen lo mismo, mientras platican acaloradamente. Almodóvar lo representa como una suerte de ritual a los muertos, y encima de las tumbas se colocarán flores.

Las flores brotan, una a otra, en la secuencia, mientras un juego de rayas gruesas va apareciendo, de arriba abajo y de izquierda a derecha, revelando patrones parecidos a los de un textil, en específico, los de un mantel o trapo de cocina. Esto hace referencia a la improvisada profesión de cocinera de Raymunda, en el restaurante que le es encargado por un vecino, lugar en donde tiene que esconder el cadáver de su marido.

Al movimiento de estos elementos, se une el de los títulos, saliendo por igual de derecha a izquierda, imitando el movimiento de los demás elementos gráficos. La animación es elegante y el juego cromático propuesto va de colores encendidos y brillantes (rojos, naranjas,…) contrastando con colores más neutrales (café, blanco, negro). Al parecer, la principal intención de los diseñadores fue animar una variedad de diseños textiles. A la arbitrariedad con la que brotan unas flores, que aparecen y desaparecen (una representación del “renacer” que tiene la madre de Raymunda), sigue el rígido orden secuencial de un mosaico de ramas, flores delgadas, hojas, etc.

Además, para los que vimos la película, recordaremos que la cocina es un lugar importante en el desarrollo de la trama. En una cocina muere el marido de Raymunda, y en el restaurante es donde ella encuentra sentido a su vida nuevamente. Podría verse la secuencia como una galería de manteles “vivos”, en donde se “sirven”, uno a uno, los títulos de créditos, diseñados con una tipografía de acabado sencillo, pero, sin duda, femenino. Es una secuencia corta, y al terminar entra el roll de créditos, todavía con la música de Alberto Iglesias.

Para terminar, no quisiera dejar de mencionar los teasers promocionales que el canal Warner Latinoamérica estuvo transmitiendo hace unas semanas, con motivo del próximo estreno de la serie “Fringe”, creada, entre otros, por J.J. Abrams. Pude ver nada más tres, y la constante de estas pequeñas secuencias son imágenes de elementos orgánicos, que recuerdan las de un microscopio electrónico. Sus colores principales van de amarillos y cafés, hasta fríos azules y verdes, precisamente, como las resultantes de un microscopio electrónico. La que más me ha gustado, es aquella de un cigoto partiéndose en dos y luego en cuatro células, como cuando sucede inmediatamente después de que entra el espermatozoide al óvulo. Luego, estos se transforman en un par de fetos dentro del corazón de una manzana partida, justo en los espacios de las semillas. Logra no nada más el paralelismo formal entre las semillas y los fetos, sino el simbólico, en la misma manzana como un "corazón" que da vida (incluso se escuchan unos latidos), y el de la fruta que guarda en sus propias semillas la vida.

En las demás secuencias aparecen otra clase de imágenes: fósiles, un caballito de mar, la espiral del interior de un nautilo, etc. Por supuesto, estas imágenes no hacen más que denotar el aire científico de la serie, al estilo de la también reciente “Eleventh Hour”. Nada nuevo, es verdad, pero estas secuencias son unas joyitas. Una lástima que desde esta semana las hayan dejado de pasar (la serie inicia en marzo).

DETRÁS DE LAS CÁMARAS

Ramón Fontseré en "Soldados de Salamina"

(Nueva sección en la que echaremos un vistazo a datos interesantes y/o declaraciones de realizadores respecto a sus películas).

David Trueba, realizador de Soldados de Salamina (2002), compartió con Javier Cercas (autor del libro homónimo), algunos puntos de vista respecto a la gestación del proyecto en su libro "Diálogos de Salamina, un paseo por el cine y la literatura", proyecto de Trueba y Cercas. Destaca en el libro la admiración por el trabajo del actor catalán Ramon Fontseré, quien interpretó al republicano Sánchez Maza en el filme. En "Historias de Soldados y Amigos", reportaje publicado originalmente en el suplemento "El País Semanal", del diario "El País", se publicó un extracto del libro. Abajo, algunos extractos.

D.T. Me pongo a leerlo (el libro), de una sentada, apasionado; anulo mis compromisos de esa tarde, y cuando me faltan veinte páginas suena el teléfono. Era un amigo escritor.[...]Le digo que igual habría ahí una película [...] Sí, sí, bien hecha y con el espíritu de Martín Patino, con algo de documental y cosas reales.

Cuando le daba vueltas al actor que podría interpretar a Sánchez Mazas yo me decía que, en el fondo, Sánchez Mazas era un pez fuera del agua en el bosque de Gerona, un intelectual que ha vivido en Italia durante ocho años, que ha crecido en una familia burguesa de Bilbao. Pero no era un hombre de acción, no era un hombre de armas.[...] Y un día, de repente, se me ocurrió la posibilidad de Ramón Fontseré.[...] Fonteseré, en el rodaje, disfrutó muchísimo y se metió a todo el equipo en el bolsillo.

J.C. Yo tengo la impresión de que Ramón, más que interpretar a los personajes, los canibaliza. Es más Pujol que Pujol, más Plà que Plà, más Dalí que Dalí. Asi que, cuando me lo encontraba en el rodaje caracterizado, yo le llamaba Rafael.

GANADORES PREMIOS OSCAR 2008

"Javi, ve haciendo espacio para este otro en casa"



No hay plazo que no se cumpla. La entrega de los Oscares tuvo lugar ayer 22 de febrero, en el Kodak Theatre de los Ángeles, en una ceremonia que no deparó muchas sorpresas en cuanto a ganadores se refiere. Slumdog Millionaire arrasó llevándose 8 Oscares, incluyendo los de Mejor Película y Mejor Director para Danny Boyle, pasando a la historia como una de las películas más oscareadas.

Lo que fue una sorpresa para mí, fue la conducción del actor Hugh Jackman, quien no me convencía al principio mucho para esta tarea, pero me sorprendió al ver cómo la sacó adelante, de manera excelente. No nada más Jackman hizo una buena y aceptable conducción, dejando de lado bromas malas y que pudieran herir susceptibilidades, sino que además se lució bailando y cantando. Sin duda, lo mejor fue su número musical inicial, una parodia en forma de musical de los filmes nominados a Mejor Película, cerrando el número al subir a Anne Hathaway al escenario, para que lo acompañara a cantar. Claro, todo estaba ensayado y planeado.

Otra de las cosas que me sorprendió, fue ver un escenario fuera de lo común, al estar prácticamente a la altura de los asistentes en primera fila, lo que permitió más la interacción entre Jackman (y los que estuvieran arriba del escenario) con los nominados. Además, por primera vez en mucho tiempo, la orquesta se colocó sobre el escenario.

El formato fue distinto, mucho más relajado, con bromas como Ben Stiller disfrazado para presentar un premio, y Steve Martin haciendo bromas con Tina Fey, también antes de dar un premio. Me gustó también que, al anunciar a los nominados al Mejor Guión Original y Guión Adaptado, se pasara (como hace muchos años) una pequeña muestra del guión textual encima de la escena. Y algo también fuera de lo común, fue que durante la entrega de los premios en áreas técnicas (vestuario, diseño de arte, maquillaje, etc.), el escenario se transformó en una especie de estudio-camerino, para representar de alguna forma estos premios.

Lo que no me convenció del todo, fue que cinco actores y actrices ganadores de Oscares, dentro de las premiaciones a Mejor Actor/Actriz de Reparto y Mejor Actor/Actriz, previamente les dieran un discurso a los nominados. Alargaba un poco todo y se sentía más como una especie de "consolación" para los que no fueran a ganar. Fue algo como ver a los jueces de American Idol hablándoles a los concursantes.

En fin, aquí una pequeña lista de los principales ganadores, incluyendo el premio póstumo al fallecido Heath Ledger como Mejor Actor de Reparto por su encarnación de The Joker en The Dark Night:

Mejor Película: Slumdog Millionaire

Mejor Director: Danny Boyle (Slumdog Milionaire)

Mejor Actor: Sean Penn (merecido por su gran trayectoria)

Mejor Actriz: Kate Winslet (felicidades guapa, te lo mereces)

Mejor Actor de Reparto: Heath Ledger (The Dark Night)

Mejor Actriz de Reparto: Penélope Cruz, la gran sorpresa, siendo junto a Javier Bardem la segunda celebridad española en ganar el Oscar de manera consecutiva en dos años, y en la misma categoría.

Mejor Guión: Dustin Lance Black (Milk)

Y a continuación, mi propia lista "no tan seria" de premiaciones para:

Mejor Discurso: Sean Penn, dirigiendo unas palabras a Mickey Rourke y a los derechos de la comunidad homosexual.
La Más Nerviosa: Penélope Cruz, al recibir su premio y casi faltándole el aire para su discurso.
Mejor Momento: Todo el reparto y equipo de Slumdog Millionaire arriba del escenario al recibir el premio a Mejor Película.
El Más Nervioso: Danny Boyle, al decir su discurso por su Oscar a Mejor Director. Ah, y el realizador japonés Kunio Kato, quien ganó el Oscar a Mejor Corto Animado y que hizo uso de su "mejor" inglés para agradecer a la academia ("sssenquiu" Academy,...arigato).
La Mejor Dentadura: Otro hombre oriental (no recuerdo su nombre), miembro del equipo técnico de Encounters at the End of the World, de Werner Herzog, nominada a Mejor Documental.
El Mejor Vestido: Hugh Jackman.
La Más Guapa: empate entre Alicia Keys, Kate Winslet y Natalie Portman (y mejor vestidas además).
El Mejor Error: Alicia Keys nuevamente, al confundir el premio que iba a dar.
El Más Raro: Philip Seymour Hoffman y una como gorra de natación que llevaba puesta.
La Peor Vestida: no soy especialista en esto, pero creo que sería Queen Latifah, parecía "regalo".
El Más Gracioso: empate entre Ben Stiller, disfrazado con barba y gafas obscuras para anunciar la Mejor Fotografía, y Jack Black, bromeando sobre su trabajo en películas animadas.
El Más "Extravagante": Mickey Rourke.
La Más Elegante: Meryl Streep (y su hija a su lado se llevaría el premio a la "Peor Postura al Sentarse" durante casi toda la ceremonia).
El Gran Ausente: Jack Nicholson (¿Porqué no habrá ido ahora?)
El Peor Peinado: Robert DeNiro (¿Que le sucedió en el cabello al subir al escenario?)
El Momento Más Emotivo: el discurso del padre de Heath Ledger al recibir el Oscar en nombre de su hijo.
El Homenajeado: Jerry Lewis, quien recibió el Oscar honorario este año, no nada más por su carrera en cine, sino por su labor altruista por los niños con discapacidad.
La Mejor Broma: Hugh Jackman bromeando sobre su propio acento ("Una disculpa por mi fingido acento australiano")

La lista completa de premiados en la página oficial de los premios Oscar.

VALKYRIE * * * 1/2

No es la primera vez que se cuenta la historia del complot para asesinar a Hitler, perpetrado por un grupo de inconformes militares nazis. Antes hubo un telefilme producido en Alemania, así como varios documentales al respecto. Incluso, el abuelo Simpson cuenta cómo, durante las olimpiadas de Berlín, frustró un atentado en pleno estadio, en un episodio de The Simpsons. Como sea, no me fío mucho de la veracidad de esta última historia, pero es una que ya sabemos cómo termina: el plan de asesinar a Hitler falló.

Lo interesante de Valkyrie (2008), de Bryan Singer, es ver cómo se planeo y organizó todo; apreciar varios intentos frustrados y la adrenalina fluir entre los que tenían que acercarse a Hitler y dejarle una bomba lo más cerca posible. Ese es el fuerte de la película, lo que nos mantiene entretenidos durante sus 2 horas, con un formato de thriller de espionaje y muchos momentos emocionantes. Además, sorprende la gran precisión que demuestra Singer para recrear, en su sobrio diseño de producción, momentos clave, como aquel en que Hitler firma el documento de la “Operación Valkiria" en su residencia-escondite del bosque; o cuando logró estallar una de las bombas durante una reunión del Führer y un grupo de colaboradores, del cual sobrevivió mientras otros de los presentes murieron.

No estamos ante la gran película de Bryan Singer. Siento que tiene mejor mano para el género de los superhéroes (X-Men y secuela, Superman Returns), así como películas de gángsters (The Usual Suspects). No dejé de sentir el filme demasiado rígido en su narración y dirección, además de que sus personajes, encabezados por el Coronel Claus Von Stauffenberg, interpretado por un semi transformado Tom Cruise, son tremendamente unidimensionales. Por ejemplo, Von Stauffenberg es también un hombre de familia, y hay un par de escenas que nos intentan demostrar el inmenso amor a su esposa e hijos. Pero no ha sido suficiente para balancearlo a él -y a otros- como personaje.

De todas formas, la actuación de Tom Cruise es buena, a pesar de los problemas que, según se cuenta, tuvo para filmar en Alemania, debido a las creencias “religiosas” que profesa. Esa tensión que debió sentir detrás de cámaras, Cruise la transmite a su personaje, y le cayó bien a su Von Stauffenberg. Vive toda la película en un estado de tensión que podemos sentir, y ayuda en los momentos de mayor emoción a la película.

Ahora, muchos críticos, en especial en el Reino Unido (Mark Kermode, por ejemplo), han señalado que el punto débil del filme es su mezcla de acentos. Es extraño ver a un montón de nazis hablando en inglés y con varios acentos (norteamericano, británico), además de uno que otro actor alemán hablando un inglés casi perfecto, pero, irremediablemente, con acento. Coincido en esa opinión, pero también en que los actores británicos interpretan estupendamente a los nazis. Aquí quienes se llevan el premio a la mejor actuación, son Tom Wilkinson, Bill Nighy, Kenneth Branagh y Terence Stamp. Magníficos todos ellos. Ah, y no quiero olvidar al buen Hitler que interpreta el virtualmente desconocido actor televisivo británico David Bamber.

Con todo, la película me gustó, pero no al grado que esperaba. Tiene muchos puntos a favor en aspectos técnicos (la fotografía, el vestuario, diseño de producción). Además, creo que ya va siendo hora de que los productores de Hollywood vayan pensando en otros actores alemanes para interpretar a los nazis. Ahí están de nuevo Thomas Kretschmann, haciendo otro general nazi como el que interpretó en The Pianist, y el pelón Christian Berkel, a quien ya habíamos visto como doctor en Downfall (y que veremos dentro de poco en la nueva película de nazis de Tarantino). Aunque no interpreta a una nazi ni es alemana, ya habíamos visto a Carice Van Houten (la esposa de Von Stauffenberg) en Black Book (sobre la invasión nazi en Holanda). Con lo guapa que es…¿quién puede cansarse de verla?

++ Lo Mejor: la gran seguridad que demuestra Bryan Singer en un tema de corte histórico.

++ Lo Peor: lo unidimensional de varios personajes.

- Adecuada para: interesados en el tema Hitler-Segunda Guerra Mundial.

- Inadecuada para: neonazis, detractores de la música de Wagner y quienes crean que el abuelo Abe Simpson realmente estuvo en las Olimpiadas de Berlín.

Ver también: análisis del cartel y de la secuencia de créditos de Valkyrie.