sábado, 25 de julio de 2009

EL CARTEL (varios)

THE TAKING OF PELHAM 123 * *
El tema de la semana de nuestra sección “El Cartel” fue The Taking of Pelham One, Two, Three. Por ello, no podría dejar, al menos, de comentar brevemente el nuevo poster. Se hicieron unos cuantos, pero todos son en realidad exactamente lo mismo, sólo que variando la composición de las imágenes e información escrita. Es decir, nula imaginación. Este poster que he elegido, es el que muestra un poco de trabajo de diseño (por lo tanto, no hay mucho que esperar de los demás). Si hay algo que me gustó del cartel, es el diseño tipográfico de su título. Por lo demás, no es más que un convencional y poco inspirado montaje de imágenes. Los retratos de Denzel Washington y John Travolta tienen un tratamiento digital de color de lo más común y corriente, basado en el antagonismo simbólico entre la calidez de tonos amarillos y naranjas (en el caso del rostro de Washington) y la frialdad de los azules y violetas (en el caso del rostro de Travolta). El montaje tiene la intención de crear un choque entre sus miradas, para transmitir una tensión y enfrentamiento entre los personajes. El despacho Ignition Print se caracteriza por hacer buenos carteles, pero en esta ocasión ha fallado sin remedio. Debajo del título hay un montaje de un paisaje nocturno de la ciudad de Nueva York, y arriba, se encuentra centrada la imagen de un metro aproximándose, pero nada parecido ni cercano a la atractiva imagen de los carteles de la película original. Toda la fuerza creativa del cartel está cargada en el diseño de su título, a la que se le han agregado barridos para dar un efecto de velocidad, y a todas sus letras se les aplicó la textura de lo que parece ser un mapa. Fuera de esto, un cartel aburrido y simple.

EX * * *
Debo confesar que me ha gustado más el cartel español de EX, que el original italiano. Si bien este último no es malo, lo supera la original idea española de construir la palabra EX como una especie de mosaico tipográfico. Los nombres que hacen alusión a varias “ex parejas”, escritas en rojo y todas cruzadas, forman las letras E y X. Me ha parecido acertado el tamaño de la palabra EX, tiene un protagonismo por encima de los retratos de los actores, que se encuentran atravesando el formato horizontalmente. La carga gráfica, simbólica y, además, psicológica de la letra X es fuerte, y se extrapola a lo que es el “tache”, no nada más encima de los nombres en rojo, sino al que está encima del corazón. Este último sí aparece en el cartel original pero de mayor tamaño. El tagline es otra de las cosas que me ha gustado, en especial por la gran verdad que dice: “Todos tenemos uno” (o una). Cromáticamente es minimalista, equilibrado, y el fondo blanco es el mejor que puede haberse elegido, sobre todo para que el mosaico tipográfico tenga la mayor nitidez posible.



OWL AND THE SPARROW * *
Esta no ha sido una semana de buenos carteles. Terminaré con el cartel de la película vietnamita Cú và chim se sé, el cual no es nada del otro mundo, ni mucho menos. El tema del filme daba para mucho más, que un simple y aburrido uso de un puñado de imágenes, agregando un cursi fondo rosa degradado, al cual no le veo otra justificación que para servir de soporte a la secuencia de fotos y a la información textual. Es cierto, el retrato de la niña es bueno, tiene su encanto, y las rosas que lleva le dan un atractivo particular a la fotografía en conjunto. En otro cartel de la película, se usa otro retrato de la niña, pero nada más se ven las rosas, mientras su cabeza queda partida por un reencuadramiento que no me ha gustado nada. Este es uno de los carteles menos malo, y qué lastima que ese espacio junto al rostro haya quedado cargado de quotes y premios. Esa vegetación al fondo desenfocada, le daba un efecto cromático interesante al cartel, pero quedó arruinado por tanta información escrita. El tagline es también poco imaginativo: “Three strangers, five days, one family”.

viernes, 24 de julio de 2009

EL ESPACIO "FRIKI": JACK THE RIPPER VERSIÓN PLAYMOBIL.

Una extraña versión Playmobil de "Jack The Ripper", digna de coleccionarse aunque no esté fabricada por esta famosa línea de juguetes europea.






Fueron mis juguetes favoritos en la infancia, y aún ahora siguen gustándome. La línea de juguetes Playmobil ha tenido ediciones de todas las profesiones posibles (médicos, bomberos, mecánicos, etc), incluyendo escenas de la vida cotidiana y familiar (el zoológico, el "día de campo", el parque de diversiones, etc.). De lo más nuevo que me ha impresionado, es un enorme barco pirata (con cofre del tesoro incluído) y un castillo medieval. Lo que siempre me ha gustado, es su cuidado en los detalles, teniendo cada paquete todos los accesorios imaginables.

Esta versión de "Jack the Ripper", que incluye maletín y cuchillito, es extraña, ya que en la página web de Playmobil no existe registro ni del personaje o de algo parecido. Dudo mucho que saquen el muñeco de un personaje con los antecedentes de Jack the Ripper. ¿Algún fan de estos juguetes fabricó su propia versión playmobil, "no oficial", de Jack the Ripper? Bueno, sea lo que sea, este muñeco es digno de estar en la colección de alguien aficionado al personaje, o a la literatura fantástica del siglo XIX, o de las cosas más raras que pueden existir en el mundo de los juguetes.

Para más información de otros juguetes Playmobil, visitar su página oficial.

jueves, 23 de julio de 2009

EL CARTEL...CLÁSICO.

Aun no he visto la nueva versión de The Taking of Pelham 1 2 3, dirigida por Tony Scott, pero no creo que sea superior a la original de 1974. Al menos, los carteles son superiores al de la nueva película, protagonizada por Denzel Washington y John Travolta. En esta ocasión, dada la calidad de los carteles, dividiré la sección en 3 reseñas, para hacerle justicia a cada uno de estos trabajos.

Quizás este sea uno de los carteles más conocidos. Es un sencillo cartel, formado por una imagen con un tratamiento al sepia, y un aumento que hace visible el grano de la fotografía. La constante de varios carteles, es el punto de vista inestable, inclinado, y además, sitúa al espectador justo a la altura de las vías del metro. Su intención es causar cierto impacto en los espectadores, al sentir, no nada más la alta velocidad del metro con este punto de vista (incluso, el tren sale un poco del margen), sino que viene directamente hacia nosotros. Hay un par de elementos inquietantes, que se combinan magníficamente: el personaje estático en la puerta, tan sólo visible por su silueta y sosteniendo un rifle, y en segundo lugar, el par de luces incandescentes del metro, que acentúan todavía más la obscuridad de la estación. Un cartel con mucho dinamismo. Por último, mencionar el gran trabajo tipográfico (de hecho, el mismo en los demás carteles), en especial el del título, un diseño de estilo urbano, que emula señaléticas citadinas. La elección del color amarillo, un color que remite a estar en alerta, es llamativo. Algo curioso, es que el título está entrecomillado. El tagline es bueno: "Before this train reaches the next station, it will become the scene of the most spectacular hijack ever attempted” (Antes de que este tren llegue a la siguente estación, se convertirá en el escenario del secuestro más espectacular jamás intentado).



Esta extraordinaria ilustración, realizada por Mort Künstler, tiene la virtud de colocarnos justo dentro de la acción misma de esta escena. De hecho, el estilo de Künstler se caracteriza por eso: conseguir escenas sumamente impactantes y que sudan adrenalina, como en su ilustración para el cartel de The Poseidon Adventure. En la ilustración que hizo para el cartel de "The Taking of Pelham", nos sitúa como testigos cercanos de una escena con pasajeros aterrorizados, al ser tomados como rehenes por los secuestradores. Lo primero que atrapa nuestra atención, y sitúa nuestra vista en el primer paso para la lectura visual del cartel, es la aterradora mirada del pasajero en la parte inferior, que extiende su mano en una doble actitud: pedirnos auxilio e, instintivamente, protegerse de la metralleta, que sobresale del lado derecho. El terror de esta escena empieza desde este misma metralleta, apuntando a una madre que abraza a sus dos hijos. Además de la atractiva perspectiva que eligió Künstler, para dar así una sensación de amplitud dentro del vagón, del punto de vista inclinado que imprime mucho movimiento al cartel, otro punto fuerte de esta ilustración son los rostros asustados de los pasajeros, todos en complicadas posturas. El diseño tipográfico es el mismo, y abajo se agrega el tren del cartel anterior, de menor tamaño. El tagline es diferente: “We’re going to kill one passenger a minute until New York City pays us 1 million dollars” (Vamos a matar un pasajero por minuto hasta que la Ciudad de Nueva York nos pague 1 millón de dólares).


Por último, creo que este es el cartel menos logrado, si se le compara con los dos anteriores. Repite la imagen principal del metro aproximándose a la estación a gran velocidad, en la parte de abajo. Son dos cosas las que vale la pena rescatar de este trabajo. En primer lugar, su trabajo tipográfico, que es mucho más cargado que en los anteriores carteles, debido a su tagline más largo y por un diálogo de la misma película, colocado junto a la fotografía de Walter Matthau. Me gusta el título de la película encima del metro, una forma original de utilizar este elemento como soporte para el título y hacerlo más atractivo al espectador, si bien su diseño tipográfico es rudimentario. En segundo lugar, el tratamiento de la imagen, utilizando como color base una especie de color de papel de revista o de periódico (verdoso-grisáceo), que transforma al cartel en una página de prensa escrita. La tipografía del tagline en la parte superior ("Han capturado un tren y puesto de rodillas a la ciudad más grande del mundo") remite a las letras del titular de un periódico. Es un cartel convencional, que recurre a las fotografías del reparto, con una composición muy básica, a través del fotomontaje de los actores. La constante sigue siendo el marco blanco (que vuelve a romper el tren en ambos lados), pero es un trabajo funcional, que sirve incluso como una especie de teaser, al presentar elementos principales y personajes de la historia.

FROM HELL * * * *

Tomando el título de la carta que el verdadero Jack The Ripper escribió a la policia en 1888, From Hell (2001) es un relato gótico y surreal, que aventura una hipotésis fantástica sobre quién pudo haber sido este famoso asesino serial.


No sé qué tan satisfecho habrá quedado Alan Moore con la adaptación al cine de From Hell, su novela gráfica sobre Jack The Ripper. No creo que haya tenido mucho de qué quejarse. En manos de los hermanos Albert y Allen Hughes, realizadores no muy prolíficos, creo que la película es una versión corregida y aumentada de la acromática obra de Moore. El cómic original está realizado con una técnica rudimentaria de dibujo, a tinta china y sin color.

“Un dia los hombres mirarán para atrás y dirán que yo di nacimiento al siglo XX", con esta frase dicha por el verdadero Jack The Ripper, abre una película que resulta una soberbia traducción visual del lenguaje de un cómic al cine. From Hell es una historia de corte gótico, con elementos clave de la literatura de horror del siglo XIX. El Jack The Ripper de los hermanos Hugues, es también un poco el "Dr. Jeckyll y Mr. Hyde", personaje creado por Robert Louis Stevenson en su novela homónima. El nombre del personaje principal femenino, Mary Kelly (Heather Graham, guapa de pelirroja), una prostituta de los barrios bajos de Londres, está inspirado en "Mary Reilly", empleada doméstica en la casa del Dr. Jeckyll y que aparece en la novela escrita por Valerie Martin. Aunque también tengo entendido que Mary J. Kelly es el nombre de una verdadera víctima de Jack The Ripper.

Con un magnífico diseño de arte y ambientación, se recrea en sets la Londres de finales del siglo XIX. La historia es un relato al estilo de los cuentos de horror y misterio de Edgar Allan Poe, en el que un investigador con facultades psíquicas, Fredderick Abberline (Johnny Depp), aficionado a “perseguir al Dragón” (es decir, fumar opio) y a la absenta (bebida también conocida como el "Hada Verde"), investiga los asesinatos de un grupo de prostitutas. El sello del sanguinario asesino serial, es extraerles la matriz a los cuerpos. Abberline es como una versión británica de Vidocq, detective francés que existió décadas atrás y que fundó la primera agencia de investigación en París.

Jack The Ripper se convirtió en una especie de leyenda. Contrario a lo que se muestra en la película, nunca se supo su identidad ni se logró capturar. Lo fantástico de este delirante relato, surreal y gore en partes iguales, es la hipótesis que aventura: Jack The Ripper era un hombre “educado” y, además, miembro de la masonería. No pasará mucho para que Abberline se de cuenta que los crímenes involucran ritos secretos de la masonería y venganzas simbólicas. Detrás, se encuentra un hecho que podría causar un gran escándalo para la realeza, con el matrimonio secreto del príncipe Eduardo con una prostituta.

La masonería y la realeza británica implicados en los crímenes más sangrientos de la Europa del siglo XIX, es parte de la premisa de la película. En otra de sus novelas gráficas, The League of Extraordinary Gentleman, Alan Moore vuelve a mostrar a un miembro de la masonería detrás de una conspiración para dominar al mundo, donde personajes literarios del siglo XIX eran superhéroes que debían evitarlo. Incluso, en From Hell vemos un cameo de John Merrick, el famoso “Hombre Elefante”.

Aparte de los atractivos personajes, como el elocuente compañero de Abberline (Robbie Coltrane), quien siembre tiene una poética frase para todo, incluso en las escenas de crimen, lo mejor del trabajo de los Hughes es que en verdad nos transmiten la sensación de estar hojeando un cómic. Su cuidado en los detalles de producción es sorprendente. Me encantó la dirección de las escenas de crimen, con esos “paparazzi” siempre presentes con sus cámaras, para fotografíar la escena y el cadáver.

From Hell es una película con elementos de thriller policiaco moderno, ambientado en la época victoriana, con investigaciones forenses, corrupción policiaca, intrigas políticas, etc., todo con un toque paranormal y fantástico, que visualmente se nutre de la estética del cómic contemporáneo.

++Disponible en Blu-ray y una llamada "edición definitiva" en DVD. Este último tiene como extras el "detrás de cámaras" con Heather Graham, tour por Whitechapel, "Jack the Ripper: 6 grados de separación", 24 escenas inéditas (con comentarios opcionales del director, del guionista y del cinematógrafo), entre otros.

miércoles, 22 de julio de 2009

Y...¿CÓMO LE PONEMOS?

¡¡¡A ver, un momento, un momento!!! ¡¡¡Estoy teniendo un Deja Vu!!! Creo que esta película ya la he hecho 3 o 4 veces y...con el mismo director.







Comenzamos con el desafortunado caso de la semana, la película que se ha quedado sin título en español. ¿Por qué tuvo que ser Up, la más reciente producción animada de la Pixar? No la he visto todavía (¡qué vergüenza, lo sé!), pero por lo que he escuchado, es lo mejor del verano hasta ahora, luego de desastres como Terminator Salvation, la secuela de Transformers o The Half-Blood Prince. Y todavía falta un tramo largo por recorrer. La Disney en España ha decidido dejarla simplemente como “UP”. Desde que se estrenó, siempre pensé que sonaba bien titularla en español como “¡Arriba!”. En México, y otros países de Latinoamérica (Venezuela, Argentina y Perú) tuvo un titulo terrible: “Up: Una Aventura de Altura”, en especial por esa rima intencional que lo empeora. Afortunadamente, no la titularon “La Vuelta al Mundo con 80 Globos”, o algo parecido. El título en inglés es simple, sencillo y efectivo, resume en una palabra de dos letras la premisa fantástica de la película: una casa que vuela por obra y gracia de un centenar de globos de helio. A veces lo más simple, es lo más efectivo. A continuación, unos ejemplos de otros países:

Là-haut Canadá y Francia
Вверх - Rusia
Aukstyn - Lituania
Hore - Eslovaquia
Oben – Alemania
Odlot - Polonia
Psila ston ourano – Grecia
Se opp – Noruega
Up - Altamente 3D - Portugal
Up - Altas Aventuras - Brasil
Up - kohti korkeuksia - Finlandia
Upp - Suecia
Vzhuru do oblak – República Checa

Seguimos con la más reciente película de Tony Scott, The Taking of Pelham 1 2 3, que de hecho es un remake de la película homónima dirigida por Joseph Sargent en 1974, y protagonizada por Walter Matthau. En español ha quedado simplonamente titulada "Asalto al Tren Pelham 123". Digo simplonamente, porque si bien no está del todo mal, no deja de sentirse que pudo haber quedado mejor. Parece que pensaron en lo primero que les vino a la mente, que con seguridad fue Money Train, película con una premisa parecida y que fue titulada en español “Asalto al Tren del Dinero”. En realidad, lo que ocurre es un secuestro, no un asalto, en esta popular estación del metro de Nueva York, a la que hace referencia el título. Yo hubiera prescindido por completo de la palabra “tren”. Un buen título hubiera sido "Secuestro en Pelham 1 2 3.” Algunos países cambiaron el “Pelham” por la palabra “Metro”. Japón no quiso complicarse la vida y simplemente la tituló “Subway 1 2 3”. A eso le llamo ser prácticos. A continuación, algunos títulos en otros países:

Die Entführung der U-Bahn Pelham 1 2 3 - Austria y Alemania
Опасные пассажиры поезда 123 - Rusia
Únos vlaku Pelham 1 2 3 – República Checa
Assalto ao Metro 1 2 3 - Portugal
Epithesi ston syrmo - Grecia
Hajsza a föld alatt - Hungría
Kaappaus metrossa - Pelham 1 2 3 - Finlandia
Kapring af Metro 1 2 3 – Dinamarca
L'attaque du métro 1 2 3 - Francia
Linje 1 2 3 kapad – Suecia
Metro 1 2 3 kapret – Noruega
Metro strachu – Polonia
Metro uzgrobimas – Lituania
Metro'dan kaçis – Turquía
O Sequestro do Metrô – Brasil (Como siempre, buen título)
Pelham 1 2 3 - L'ultime station Canadá
Rescate del Metro 1 2 3 - Argentina
S-a furat un tren 123 - Rumania

Seguimos con el peor título de la semana, como siempre el de una comedia de Hollywood. “How to lose friends & alienate people”, protagonizada por la preciosa Megan Fox. Se ha titulado en español “Nueva York para principiantes”, en un fatal intento por acortar el título original. Si bien la película parece no ser nada del otro mundo, el título original es bastante bueno, a pesar de que tiende a sonar algo literario, al estar basado en las memorias de un tal Toby Young. Aun así, es bueno, y el frío y seco título español, no hace más que neutralizarlo. Como siempre pregunto: ¿Qué problema había con titularla “Cómo perder amigos“? De todas formas, el perder amigos es una de las consecuencias de “alienate people” en inglés, es decir, ser poco amistoso y hostil con la gente. En México se títulará magníficamente “Cómo perder a tus amigos”, aunque el título original no señala precisamente los amigos “de quién”, pero es un buen título.

Finalmente, la película vietnamita Cu va chim se se, se ha titulado en español "Cinco días en Saigón". Es raro que no se haya hecho una traducción del título internacional en inglés “Owl and the Sparrow”, es decir, “El búho y el Gorrión”, un título agradable y más poético. El título que se ha elegido en español suena más de libro documental o crónica periodística.

Terminamos con la película que menos conflicto ha ofrecido, y se trata de la producción italiana EX, que trata precisamente sobre la figura de la “ex pareja” en la vida romántica de 6 personajes. Está de más decir que el prefijo “ex”, significa lo mismo en español, italiano e inglés. Gracias a Dios no la titularon en español “Mi Vida con mi Ex” o algo parecido.

SABIAS QUE...

"Seguramente Charlie no supo hacer bien este bonito truco con el sombrero."





Charlie Chaplin y Elvis Presley entraron alguna vez de incógnitos a un concurso de imitadores de ellos mismos. Ambos perdieron. Por su parte, el famoso escritor Graham Greene entró a un concurso de literatura para parodiar su propio estilo (en The Spectator), y quedó en tercer lugar.

En su famosa autobiografía, Moon's a Balloon, el gran actor británico David Niven confiesa que fue bautizado en el ejército y...por una prostituta.

Quentin Tarantino, Johnny Depp y Kim Basinger, tienen antepasados de la tribu de los cherokee.

Mel Blanc, el hombre que dio voz al conejo Bugs Bunny, era alérgico a las zanahorias.

El ídolo de Bollywood, Ajay Kumar, originario de Kerala, India y de casi 1 metro de estatura, ha protagonizado 50 películas en los últimos 13 años.

martes, 21 de julio de 2009

(H)OJEANDO REVISTAS

James Marsden y Rose Byrne en una escenificación de "It Happened One Night" (1934). Fotografía realizada por Michael Roberts.








El número de julio de la revista Vanity Fair, incluye un reportaje fotográfico simpático, melodramático y nostálgico en partes iguales. Se trata de una serie de fotografías que homenajean películas realizadas y/o ambientadas en la época de la Gran Depresión, rescatando escenas famosas de It Happened One Night (1934), de Frank Capra (con James Marsden y Rose Byrne personificando a Clark Gable y a Claudette Colbert respectivamente); del musical 42nd Street (1933), de Lloyd Bacon; The Grapes of Wrath (1940), un clásico de John Ford con Henry Fonda, o algo más reciente para estos estándares, They Shoot Horses, Don't They? (1969), de Sydney Pollack.

Entre las celebridades que participan en este interesante ejercicio de escenificación fotográfica, se encuentran Channing Tatum, Elizabeth Banks, Hugh Dancy, Josh Duhamel, Elle Fanning, entre otros. El pretexto para realizar este reportaje, es también para que estas personalidades luzcan trajes exclusivos de Dolce & Gabbana, Ralph Lauren, Prada, etc. Entre los fotógrafos que participaron se encuentran Michael Roberts, Norman Jean Roy, Mark Seliger, etcétera, que dan su propia visión sobre estos clásicos cinematográficos.

La serie de fotografías se puede ver completa en la página web de la revista.

PEANUTS, EL CINE Y LOS MEDIOS.


(Publicada originalmente el 5 de julio de 1962)

En esta tira, vemos como para Lucy debe haber un culpable para todo, incluso para los caprichos de la naturaleza y de las leyes de la física. Podrá haber sucedido en 4 billones de años y medio, pero he aquí la solución de Lucy para las pequeñas variaciones en la gravedad que han ocurrido en ese período.

lunes, 20 de julio de 2009

HARRY POTTER AND THE HALF-BLOOD PRINCE * * 1/2

En Harry Potter and the Half-Blood Prince (2009), tenemos quizás la primera película fallida del ahora mago adolescente, resultando demasiado obscura, cansada y aburrida. ¿Será que Harry Potter está perdiendo su magia?


Con el estreno de Harry Potter and the Half-Blood Prince (2009), sexta película de la saga fantástica del ahora mago adolescente Harry Potter, ha llegado un punto en que parece que toda la novedad se reduce a qué tan obscuras se van poniendo las películas y sus historias. Y The Half-Blood Prince es obscura, muy obscura, quizás demasiado obscura para su propio bien. Si algo supo hacer magníficamente el realizador mexicano Alfonso Cuarón en The Prisoner of Azkaban (2004), tercera película y, para mi gusto, la mejor de todas hasta ahora, es haber logrado una gran transición entre el infantil y, por supuesto, muy luminoso universo de las dos primeras películas, hacia un terreno más gótico y tenebroso, sin necesidad de sacrificar el encanto y humor de las películas de Chris Columbus.

A lo que voy, es que The Half-Blood Prince me ha parecido una gran decepción, una película cansada y aburrida. Creo que David Yates, su realizador (también director de The Order of the Phoenix, la anterior película de Harry Potter) y colaboradores, han malentendido el hecho de que Harry Potter (Daniel Radcliffe, flojo como nunca) y sus amigos, Hermione (Emma Watson, menos impresionante que nunca) y Ron (menos gracioso que nunca) maduraran y entraran de lleno a la adolescencia, significaba hundir a la película en una exagerada solemnidad, casi insoportable, y en una monótona e irrespirable fotografía obscura neo expresionista. La poca luz que hay (tanto en interiores como en exteriores), es un monótono retoque digital, que le da un desafortunado efecto “plastoso”, en especial, a la piel de los personajes.

La historia es tan divagante y poco sólida, que dejó de interesarme a la primera hora (el filme dura 2 horas y media), con todo y el engañoso asunto del famoso “misterio” del príncipe mestizo, cuya identidad se revela “sorpresivamente” al final. Para cuando eso ocurre, todo es tan anticlímatico, que uno no puede más que emitir un desganado murmullo.

Honestamente, extrañé mucho lo entretenida que fueron las primeras películas. Incluso la última me agradó mucho. Eché de menos a las criaturas fantásticas que poblaban los alrededores de la escuela Hogwarts (aquí tenemos que conformarnos con ver una araña muerta del tamaño de un caballo), a la variedad de maestros nuevos, a las pinturas que cobraban vida en el interior de la escuela, a la simpatía del gigante Hagrid (Robbie Coltrane), a la química de Harry, Hermione y Ron, y, en general, la acción y el buen ritmo.

Aunque The Half-Blood Prince goza de unos efectos visuales atractivos, la acción se sacrifica por diálogo, diálogo y…más diálogo. Volvemos a ser transportados a la escuela para magos, luego de un periodo vacacional, con unos alumnos más hormonales, enfrascados en dilemas románticos, partidos de quiditch (o como sea que se escriba) más violentos, y un primer vistazo a lo que podría ser el primer contacto con lo que en este mundo fantástico podrían ser drogas (esa substancia que bebe Ron antes de jugar quiditch).

Una de las escenas más interesantes es al inicio, dentro de una juguetería donde trabajan los hermanos gemelos de Ron, el último contacto simbólico de todos los chicos con su niñez, la despedida de su lado infantil. En este lugar tienen lugar flirteos y miradas tímidas entre chicos y chicas.

En el fondo, se está conjurando una conspiración por parte de las “fuerzas obscuras” para derrocar al buen maestro Albus Dumbledore (Michael Gambon), quien ahora tiene un protagonismo más fuerte en la historia. Unos seres diabólicos, los Death Eaters (uno de ellos, Bellatrix, es interpretada por Helena Bonham Carter), que vuelan transformándose en largas volutas de humo negro, ayudan a la conspiración. Mientras, Harry tiene en sus manos un valioso libro, perteneciente al famoso príncipe mestizo, que puede ayudarle a conocer más sobre Lord Voldemort, el asesino de sus padres.

Maggie Smith y Alan Rickman siguen en el reparto como maestros, a quienes se agrega nada más Jim Broadbent como Horace Slughorn, experto en fórmulas mágicas, quien resulta que en su juventud,… bueno, cuando su cabello era más obscuro (recordemos que todo es más obscuro en esta película), fue maestro de Voldemort. En su niñez (según muestran los monótonos flash-backs), Voldemort era algo parecido al Damian de The Omen.

¿Esta fallida película de Harry Potter será producto de una mala adaptación del libro? ¿Será mucho mejor el libro original? Me gustaría saberlo, aunque jamás he leído un libro de Harry Potter. Quiero seguir teniendo fe en esta franquicia, que después de la tercera película empezó a ir en declive. Aunque viendo que David Yates ya está dirigiendo la séptima película (¿y última?), Harry Potter and the Deathly Hallows, que se estrenará en dos partes en 2010 y en 2011, no puedo más que sentirme pesimista.

++Lo mejor: Jim Broadbent, no nada más cuando aparece como experto en pócimas y plantas mágicas, sino cuando luce descaradamente borracho.
++Lo peor: además de todo lo mencionado en la reseña, esa chica loca que anda persiguiendo a Ron por todos lados. Ah, sí, y lo obvia que resulta Hermione con Ron, cuando de asuntos del amor se trata.

++Adecuada para: darks y, aunque suene obvio, fans de Harry Potter, dispuestos a perdonar este su primer tropiezo en cine.
++Inadecuada para: tal vez los que leyeron el libro y les gustó.

QUOTES

"Ahora, en cuanto a los nombres que nos han puesto, no me gusta nada 'Mr. Brown'. Suena como Sr. M..."





" 'Like a Virgin' no es sobre una chica sensible que conoce a un buen tipo. De eso trata 'True Blue', de acuerdo, no discuto eso." Quentin Tarantino como "Mr. Brown" en Reservoir Dogs, en profunda discusión sobre las canciones de Madonna.

"Estuvo divertido. La mayoría de la gente vomita la primera vez". Michael Gambon como Albus Dumbledore en Harry Potter and the Half-Blood Prince, sobre la incómoda teletransportación al tomar su brazo.

"Actuar es uno de los últimos lujos. Esta es una de las cosas más afortunadas que puedes hacer. Lo 'difícil' es bajar a una mina de carbón, vivir en Somalia o en una zona de guerra. Eso es difícil." Emma Thompson.

"Hacen falta productores con cojones." Geraldine Chaplin.

"No es que el cine sea mi segunda vida, es mi vida"
Pedro Almodóvar.

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