viernes, 15 de mayo de 2009

SABIAS QUE...

Qué tiempos aquellos ¿verdad Harry?





Sidney Poitier, el actor negro más prestigiado de Hollywood, solamente rechazó un papel en toda su carrera, ofrecido por su agente Marty Baum. Poitier nunca quiso decir las razones para rechazar ese papel hasta muchos años después, declarando simplemente que el personaje no tenía la "suficiente fuerza ni principios".

Siguiendo con Sidney Poitier, su primer paso en el mundo de la actuación fue de actor sustituto en la compañía de teatro The American Negro Theater. Alguna vez tuvo que sustituir a Harry Belafonte, actor a quien dirigiría muchos años después en Buck and the Preacher (1972).

Scarlett Johansson es nieta del escritor Ejner Johansson. Su familia estaba obsesionada con Gone with the Wind, por lo que su mamá decidió llamarla así en honor de Scarlett O’Hara, personaje de la novela.

En 1933, Mickey Mouse recibió la nada despreciable cantidad de 800,000 cartas de sus fans.

Los planos originales de Disneyland incluían a Lilliputland, la tierra habitada por gente diminuta a donde llegaba Gulliver en Gulliver’s Travels, de Jonathan Swift.

jueves, 14 de mayo de 2009

EL CARTEL...CLÁSICO

La austeridad en la producción del cartel de Videodrome (1983), resume magníficamente el inquietante tema de la película: la mente a merced de la imagen televisiva.

El cartel de Videodrome es, para mi gusto, uno de los mejores de una película de David Cronenberg, junto con el de Scanners o The Fly. Lo que eleva al cartel de Videodrome, es cómo resume en un par de imágenes el tema de la película, es decir, una visión terrorífica y metafórica sobre el poder de los medios electrónicos sobre la mente, como la televisión y, en aquella época, la naciente industria del vídeo, que iban transformando en una suerte de monstruo a su protagonista (James Woods).

El retrato predominante de Deborah Harry, con un efecto de imagen televisiva “a rayas” y virada al azul, le da una cualidad gráfica interesante al cartel. El título de la película, el tagline principal, “First it controls your mind” y los créditos, tienen como soporte un papel negro rasgado por la mitad, que es el que nos revela el retrato de “Blondie”. Las rasgaduras del papel, sirven para acentuar un efecto psicológico inestable y perturbador en el cartel.

Sin embargo, lo que me parece mejor en este trabajo, junto al magnífico diseño tipográfico del título, es ver a James Woods como salir de esa pantalla televisiva. También sugiere que está atrapado en la pantalla. Esto remite a varios momentos de la película, en el que el personaje de James Woods, en sus delirios, se imaginaba absorbido por la televisión. El personaje está pintado, y al no tener una profundida definida que le de volumen con respecto a la imagen de la televisión, nos da la impresión también de estar fragmentándose de los brazos y de una pierna mientras camina.



El cartel francés recurrió a una ilustración de estilo surrealista, que tenía en común el retrato de Deborah Harry.

Arriba del personaje, vemos un segundo tagline, “A Shocking New Vision”, colocado justo sobre la pantalla de televisión. El cartel podrá estar hecho con recursos mínimos y, por ello, aparentar no tener mucha calidad, pero lo cierto, es que tiene un gran concepto e ideas, que hacen ver su modesta realización como un aspecto sin importancia. Incluso, sus créditos son perfectamente legibles, aspecto del que adolecen carteles con más producción.

Por ello, tenemos en este cartel no nada más uno de los más inquietantes de los 1980, sino uno de los más originales. Su composición maneja un simbolismo que esconde la complejidad de la misma trama, que tiene que ver con la obsesión de Max (James Woods) por Nicki (Deborah Harry). En la película, Max está atrapado por la obsesión de descifrar las intrigantes imágenes que muestran a Nicki realizando cosas extrañas y sadomasoquistas. Y en el cartel, esta idea está magníficamente expresada con tan sólo un par de imágenes.

EL HOMBRE DEL SACO * * 1/2

Interrumpidos Films es una productora especializada en el cortometraje. Hace tiempo me hicieron la invitación de revisar su cortometraje El Hombre del Saco, de J. Linares. El corto me pareció tecnicamente impecable: fotografía y diseño de arte buenos; producción musical admirable, un reparto infantil y diseño sonoro estupendos. Pero lo que logra en su aspecto técnico, le falta en su guión. El corto rescata la historia de "El hombre del saco", un personaje del imaginario infantil temido por casi todos los niños en España, ya que por las noches se aparece para llevárselos. El corto se nota inspirado en las tendencias del suspenso paranormal del cine español moderno, por ejemplo, la música parece influída por la banda sonora de El Laberinto del Fauno, y la trama se ambienta en un internado, como sucedía en El Espinazo del Diablo o El Orfanato.

En el internado, un grupo de niños no dormirá sin antes contarse anécdotas de "El hombre del saco". El único personaje adulto es la cuidadora de los niños a quien, según cuentan, su marido e hijo se los llevó "El hombre del saco". La situación despierta en la mujer traumas del pasado y provoca que empiece a escuchar ruidos y otros fenómenos paranormales

Siento que al corto le faltó más inspiración en lo que quería contar y -algo que muchos cortometrajistas adolecen- tener una historia interesante que contar en unos cuantos minutos. En El Hombre del Saco la mayor parte del tiempo vemos y escuchamos nada más gritos de la mujer, ruidos, efectos de sonido, etc. Con mucho trabajo se puede entender lo que sucede. No logré empatizar con la mujer y su problema, mucho menos con los niños, quienes para el final ya han quedado en un plano muy secundario.

Si bien El Hombre del Saco se queda tan sólo en una idea sin mucho desarrollo e inspiración, la iniciativa es loable. Traza el camino para trabajos mucho mejores en el futuro. ¡Felicidades amigos y adelante! El corto se puede ver en la página oficial de la productora.

miércoles, 13 de mayo de 2009

Y... ¿CÓMO LE PONEMOS?

¿Listo para probar un poco de asfalto?





El estreno más esperado del mes, Angels & Demons, adaptación del bestseller escrito por Dan Brown, trae de regreso a Tom Hanks en el papel de Robert Langdom, luego de verlo en la controversial The Da Vinci Code, del mismo autor. Se ha titulado sin problemas "Ángeles y Demonios" en España. La mayoría de los países conservarán el título original intacto (como México), aunque vale apuntar que en Alemania se titulará “Illuminati”, el mismo título que lleva el libro en aquel país.

Fighting, de Dito Montiel, ha quedado como “Fighting: Puños de asfalto”, siendo el primer título fallido de la semana. ¿Por qué será que varios filmes sobre boxeo y peleas callejeras, nunca se salvan de tener títulos trillados que siempre comienzan con la frase “Puños de…"? Siempre tenemos en estos títulos la metáfora de que los puños del peleador protagonista tienen que ser de algún material simbólicamente duro o resistente. Hubo un filme también sobre boxeo, protagonizado por Orlando Bloom (que no he visto), The Calcium Kid, que se título en España y México “Puños de Calcio”. Además, se encuentra el acostumbrado vicio de dejar el título en inglés y el español juntos.

La película que se ha quedado sin título en español, es la producción hindú Billu, del realizador Priyadarshan, la cual se ha dejado en España con el título internacional en inglés “Billu Barber”. ¿Por qué no haberla titulado “El Barbero Billu”? Se escucha simpático, y nos habla de una película que se mueve entre el melodrama y la comedia. Supongo que la distribuidora asume que, por deducción, los espectadores sabrán qué significa en español “barber”.

Terminamos con los títulos menos problemáticos de esta semana. Junto a Angels & Demons, la producción húngara Delta ha conservado su título original, lo cual no ofrece problema ya que es una palabra también de uso en el español; la francesa “L’auberge rouge” ha quedado como “El albergue rojo”, mientras que otra producción francesa, “La possibilité d’une île”, ha quedado bien traducida como “La posibilidad de una isla”.

ÉTRE ET AVOIR * * * *

Ser y Tener (Étre et Avoir; Francia, 2002), dirección de Nicolas Philibert

Documental sobre la educación escolar de niños de 4 años en adelante, así como aquellos que apenas comienzan su educación primaria, en la comunidad rural de Auvergne, Francia. Instruídos en conjunto por el maestro Georges López, cada una de las conmovedoras imágenes de "Ser y Tener" no dejan de sorprender por la paciente labor que el maestro López lleva a cabo día tras día, dedicándose en cuerpo y alma a cada niño que conforma su extenso grupo de enseñanza. El realizador, Nicolas Philibert, sorprende con esta mirada al sistema educativo en la campiña francesa, donde los niños que no sólo tienen que cumplir con sus tareas escolares, sino con las labores del campo. Además de la presencia del profesor López, Philibert no pudo evitar destacar el protagonismo e inteligencia del pequeño Jojo, su travieso alumno que lo mismo sabe sacar fotocopias que contar hasta el número 1,000.

++"Ser y tener" estuvo disponible en DVD, pero ahora se encuentra descatalogado por el distribuidor.








Retour en Normandie
(2007), reciente documental de Nicolás Philibert, se estrenó el año pasado en España. Narra el regreso de un director de cine a su natal Normandia, para encontrar al reparto de su próximo filme.

martes, 12 de mayo de 2009

PEANUTS, EL CINE Y LOS MEDIOS


(Publicada originalmente el 31 de agosto de 1961)

Los conflictos entre Linus y Lucy provocados por la televisión no acaban. Sólo que en esta ocasión, Linus no puede leer en paz por culpa de la televisión portátil.


lunes, 11 de mayo de 2009

EL ARCA * *

En El Arca, de Juan Pablo Buscarini, se quiso adaptar, sin mucho éxito, el Macbeth de Shakespeare a la historia bíblica del arca de Noé.



No me ha quedado claro a qué público quiso dirigirse el realizador argentino Juan Pablo Buscarini en El Arca (2008), un largometraje animado que se inspira en el bíblico episodio del diluvio universal y el arca de Noe. Lo que sí es seguro, es que no ha sido precisamente al público infantil. La película ha estado lejos de ser lo que esperaba, es decir, un decente entretenimiento familiar para chicos y grandes. Me equivoqué, creo que El Arca es más para el entretenimiento de “los grandes”, con algunas reservas.

Los guionistas Axel Nacher y Fernando Schmidt, decidieron no liarse mucho con la historia del anciano Noe y su titánica misión de construir un arca por mandato de Dios, que llevaría una pareja de cada especie animal para así poblar la Tierra nuevamente. La historia paralela de Noe -que no es la principal- se desarrolla sin muchos problemas. Lo que en verdad me pareció mediocre es la trama de los animales, que arranca con el problema que el anciano rey león debe resolver: mandar a su estúpido hijo Jafet (voz de Alejandro Fantino), el príncipe, junto a la mejor leona para que el linaje real sobreviva.

La historia tiene referencias al The Lion King, de la casa Disney, y quiere tomar también como inspiración el Macbeth de Shakespeare una vez dentro del arca, cuando se descubra que el tigre, promotor del orden y la paz entre las distintas especies (vamos, que no se coman los unos a los otros), tiene otros planes entre las “garras”. La Disney ha logrado hacer joyas animadas tomadas de clásicos de la literatura universal (el mismo The Lion King), cosa que en ningún momento consigue El Arca. Aunque seamos justos, sus pretensiones son mucho menores.

Lo cierto, es que escena tras escena me era difícil imaginarme a los niños pasándola bien con una película animada que tiene referencias sexuales medianamente sugeridas, sobre todo en esa escultural pantera que canta en un cabaret, y que tratará de llamar la atención de Jafet utilizando sus particulares “recursos”. Sí, el arca tiene todo para que los animales la pasen bien, como este centro nocturno, porque el arca que Noe construye aquí deja al crucero Royal Caribean como un simple yate.

El Arca me pareció un churrito olvidable que también basa su humor en la escatología. Ah, y olvidaba que aparece Dios, con la apariencia de un hombre rubio, regordete y bronceado, quien tiene como secretario a un ángel pelirrojo. Se supone que Dios es quien nos está narrando todo lo que acontece con Noe y el arca escribiéndolo en la Biblia, asistido por el ángel. Si hay algo gracioso, son algunas líneas que intercambian. “Señor, apriete pero no ahorque”, le dirá el ángel a Dios mientras recibe un castigo.

Ahora, la manufactura visual me pareció de lo más dispareja. No sentí conseguida la combinación de animación digital en 2D -la principal- con ciertas partes creadas en 3D, como cuando vemos al arca navegando en las aguas. Es demasiado notorio el contraste entre ambas técnicas, y nunca se perciben bien acopladas visualmente. Los realizadores debieron de haberse decantado nada más por una aceptable técnica en 2D y asunto terminado.

Pero de qué sirve tener buenos recursos técnicos, cuando existen serios problemas en el guión, sin personajes que nos interesen mucho. Es verdad, Jafet debe convertirse en el león maduro, fuerte y responsable que el futuro reino animal necesita, y lo conseguirá con su aventura en el arca. Pero de qué sirve esto si todo lo demás resulta fallido, con personajes que salen sobrando, como ese matrimonio mala leche que aborda el arca, se disfraza de animales y se autonombran “saltafontes”. Algo cómico, sí, pero no lo suficiente para una película que voluntariamente se aleja del público infantil y que se siente saturada.

QUOTES

"No sé porqué, pero de pronto tengo antojo de yoghurt."






"Para el sonido recurrímos a algo más analógico. Por ejemplo, para la mordida del vampiro utilicé el sonido producido al morder una salchicha; cuando succionan sangre utilicé yoghurt para beber. El agua no funcionaba para ese propósito. Incluso, utilicé el chillido de un cerdo para alguna escena. "
Tomas Alfredson, realizador de "Lat den rätte domma in".

"Nuestro más profundo miedo, es que somos poderosos sin medida." Marianne Williamson, activista, escritora y conferencista, citada a su vez por Laurence Fishburne en "Akeelah and the Bee".

"Toda la fuerza reside en lo que no ves, no en lo que ves." Daniel Calparsoro, realizador de "Ausentes".

"Como cubano, espero que la muerte de Fidel traiga, por fin, las promesas que hizo en su día la Revolución: democracia y pluralidad". Andy García.

“El cine es una chica con un arma." Jean-Luc Godard.

"Es una película que me gustó bastante. Quizás no permite sonreír del modo que se sonrie en Ciudad de Dios, pero sí lo permite hacer de otro modo. Aporta argumentos para pensar, para reflexionar acerca de la delincuencia o del lado marginal humano." Anzili, blogger, sobre "Tsotsi".

"Me parece una cinta horrorosa. No me gusta Gilliam. Aquí se superó a sí mismo para peor. Me quedo con Brazil." Xavier Vidal, blogger, sobre "Tideland".

domingo, 10 de mayo de 2009

FLY ME TO THE MOON * * 1/2

Unas mosquitas aventureras se propondrán llegar a la Luna en "Fly Me to the Moon".





El caso de la producción belga Fly Me to the Moon (2008) es el de esa clase de películas animadas que si no se aprecian en 3D, su atractivo se reduce considerablemente. Y se reduce todavía más cuando no hay ideas muy originales de por medio. Su manufactura y técnica de animación son aceptables, a pesar de cierta rigidez y torpeza en los movimientos de los personajes, pero con Fly Me to the Moon nuevamente volvemos al diminuto mundo de los insectos, en específico, el de las moscas.

El universo de estas moscas, que viven cerca de Cabo Cañaveral, en Florida, justo en la época en que el Apollo 11 fue lanzado a la Luna, es uno que tiene su particular gracia y simpatía, y sus guionistas no tienen temor de exhibir un poco de escatología. Lo que comen estas moscas es excremento (aunque, claro está, no las veremos comiéndolo), y hay una escena en un restaurante en que vemos cómo lo sirven de las maneras más diversas. La mamá de una de las mosquitas protagonistas también lo sirve como plato principal en su casa, hecha y amueblada con todo tipo de basura. Se puede imaginar esta película como una extensión del universo ya visto en A Bug’s Life o Antz, pero en cuanto a historia y acabado visual está años luz de llegarle a los talones a estas últimas.

La trama es una típica historia sobre el poder de alcanzar los sueños, a base de vencer los límites que uno se impone y otros obstáculos, por ejemplo, los propios padres. No serán los humanos los que amenacen a las moscas, sino ellas mismas, incluyendo un grupo de moscas rusas comunistas, que poco o nada tienen que aportar a la trama, fuera de unas cuantas bromas tontas. El personaje más atractivo de la película es un abuelo (voz de Christopher Lloyd), que se supone fue un experimentado piloto durante la Segunda Guerra Mundial. Su gran destreza lo salvó de perder la vida en el aire alguna vez,…o al menos es lo que cuenta siempre.

El abuelo le llenará al pequeño Nat (voz de Trevor Gagnon) la cabeza de estas historias, lo que lo impulsará a él y a sus amigos, IQ (voz de Philip Daniel Bolden) y Scooter (voz de David Gore) a ir de polizones en el cohete que llevó al Apollo 11 a la Luna en 1969. ¿Serán las primeras moscas en llegar a la Luna? No nada más eso, sino que tendrán su momento de heroísmo, mientras todas las moscas en la Tierra están nerviosas sobre el destino de los arriesgados chicos. Las moscas rusas, encabezadas por Poopchev (atención al significado del nombre), pretenden sabotear todo en el comando central de la NASA.

La secuencia que más me gustó, fue la que se desarrolla en el espacio y la Luna, donde incluso los astronautas originales, Buzz Aldrin y Neil Armstrong (este último, a través de una grabación de su voz), dieron su pequeña contribución a la película. Los escenarios espaciales son impresionantes, incluyendo las vistas de la Tierra y de la Luna. La película es entretenida en su justa medida y tiene su encanto, siempre y cuando se pueda ver en 3D. De lo contrario, sus personajes cliché, villanos fallidos y algunas bromas no muy graciosas, acaban por arrastrarla al mayor de los olvidos.

++Lo Mejor: Los escenarios espaciales, la química de los tres amigos y el abuelo.
++Lo Peor: Las moscas comunistas.

-Adecuada para: quienes gusten de las historias de insectos animadas del tipo "A Bug's Life" y "Antz".
-Inadecuada para: espectadores que se asqueen con mucha facilidad ante un poquito de...excremento y comunistas nostálgicos.




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