viernes, 13 de junio de 2008

DVD: GOOD NIGHT AND GOOD LUCK * * * * 1/2


Good Night and Good Luck (Japón-Francia-Reino Unido-E.U., 2005), es el segundo largometraje como director del actor George Clooney. En cierto momento del filme, vemos al presidente Eisenhower dar un discurso a todos los ciudadanos norteamericanos, invitándolos a la unidad, estrechar los lazos nacionales y heroicos, en los tiempos tan críticos que corrían a mediados de los 1950. El tiempo parece dividirse: no sabemos si nos encontramos en aquella época de la cacería de brujas, iniciada por el feroz senador anticomunista Joseph P. McCarthy en los 50, o en el presente siglo XXI, donde los fantasmas y paranoias nacionalistas siguen rondando en el E.U. de George Bush Jr.

Por si fuera poco, veremos a McCarthy (senador de Wisconsin) dar una respuesta a nivel nacional al periodista Edward R. Murrow (David Strathairn, impecable), conductor del programa de opinión “See It Now”, que tanto él como los comunistas eran “enemigos de E. U”. Murrow (cuyo programa se considera el antecedente de “60 Minutes”) lo arriesgó todo, su trabajo y el de sus compañeros, su reputación y su futuro, con tal de sacar a la luz en su programa un caso que conmocionó a la opinión pública: el despido injustificado de un empleado de la Fuerza Aérea en 1953, por supuestamente ser filocomunista sin mayores pruebas. El programa, producido por la CBS, fue transmitido a nivel nacional sin el visto bueno del director de la cadena, William Paley (Frank Langella).

Good Night and Good Luck refleja de nuevo las inquietudes liberales de George Clooney, su fascinación por el universo de la televisión a mediados del siglo XX (como lo hizo, de una manera más desenfadada y colorida, en Confessions of a Dangerous Mind/2002). En 90 minutos, el filme narra un relato verídico sobre la lucha de un puñado de comunicadores contra la censura y por la libertad de expresión.

El realismo conseguido por Clooney es impresionante. Valiéndose de un sencillo diseño de producción, filmando en los auténticos estudios de la CBS en Los Ángeles, George Clooney logra una detallada reconstrucción del “detrás de cámaras” de “See It Now”. Edward Murrow bien pudo haberlo interpretado un Humphrey Bogart en sus mejores años, y es que Strathairn parece siempre inspirado en el actor de “Casablanca”: su pose frente a las cámaras de televisión, la manera de sostener y fumarse un cigarro, en la voz y la forma de hablar. De no haber tenido en competencia a Philip Seymour Hoffman en la entrega de los Oscares el 2006, Strathairn hubiera sido el seguro ganador a Mejor Actor ese año.

La película marca la madurez como realizador de George Clooney. Es la segunda, pero la más inteligente; la más arriesgada estilísticamente hablando, no nada más por su magistral fotografía en blanco y negro (a cargo de Robert Elswit), sino por su mesurada banda sonora (apenas seis canciones interpretadas por la gran cantante de jazz Diane Reeves) y por el atrevido discurso político liberal que Clooney intenta transmitir.

+ La película pasó exitosamente por el Festival de Venecia, con la ovación de la crítica. Tuvo 6 nominaciones en la entrega de los Oscares del 2006, que se agregan a las numerosas nominaciones que también tuvo en certámenes como los BAFTA, los European Film Awards, y otros más pequeños, como el de la Sociedad Americana de Cinefotógrafos, gracias al bello trabajo fotográfico en blanco y negro logrado por el director de fotografía, Robert Elswitt.

+ El filme está basado en las experiencias del productor de “See It Now”, Fred Friendly, interpretado por George Clooney.

++ Los extras incluyen audiocomentario de George Clooney y Grant Heslov, tráiler, spots de TV, "Recordando la caza de brujas", ficha artística, ficha técnica, filmografías selectas.

jueves, 12 de junio de 2008

DVD: THE CURSE OF THE JADE SCORPION * * * 1/2

Woody Allen se puso frente a las cámaras en The Curse of the Jade Scorpion (E.U., 2001), una de sus comedias más subvaloradas de los últimos años. Mucho del rechazo hacia esta revisión paródica de géneros clásicos, que han sido siempre del gusto del realizador neoyorkino, como el film-noir y los relatos hard-boiled detectivescos de los 1940-1950, es que Allen no pretende hacer otra cosa más que divertir y divertirse, con una historia sencilla, sin complicaciones en su realización y rodeado de un irreprochable y eficiente reparto.

Tampoco existe el retrato romántico de la ciudad de Nueva York (clásico en el realizador), pero sí un Allen transfiriendo sus habituales tics, neurosis y verborrea imparable en un detective de policia, C.W. Briggs, experto investigador al que no le ha fallado ningún caso, pero que sufre de una adicción a las carreras de caballos. Es como una mezcla del Philip Marlowe con Groucho Marx (con menos bigote), cuya aparente seguridad se ve perturbada cuando su jefe (Dan Aykroyd) le imponga a una atractiva asesora y asistente, Betty Ann (Helen Hunt, notable), con mucha de la seguridad de una Katharine Hepburn en sus primeros filmes.

Desde el inicio se adivina a qué quiere jugar Woody, y lo admirable es lo bien que sale librado de una estrategia que parecía destinada al fracaso. A la trama de una convencional screwball-comedy, se conjugará otra de investigaciones policiacas, con todo y femme fatale de por medio, en la bella y atemporal Charlize Theron (que parecía destinada a convertirse en la musa de Allen) en una pequeña participación en la película, así como un misterioso anciano ciego, que sacará de la nada pistas precisas para ayudar a C.W. en la misión que lleva a cabo: investigar el robo de unas valiosas joyas de una lujosa mansión.

Pero Allen juega una carta más, la de introducir un elemento fantástico: un mago -nada excéntrico- que recurre a sus poderes hipnóticos para poder utilizar al nada infalible C.W. y a Betty Ann, destinados a odiarse e insultarse todo el tiempo, para llevar a cabo sus maléficos planes. Tomando en cuenta la habitual musicalización jazzística y un admirable diseño de producción de su infaltable colaborador, Santo Loquasto, el resultado es una comedia ligera de un Allen incansable, sin duda menor, pero muy disfrutable. En los duelos verbales que sostiene con Helen Hunt, Woody tiene sus mejores momentos, hasta un final que, a pesar de no ser el mejor ni el más logrado, no deja con mal sabor de boca, sobre todo al ver a nuestro héroe retirarse sin las manos vacías. Claro, mientras nadie le diga la palabra mágica “Constantinopla”, las cosas irán bien.

++ Los extras incluyen ficha técnica, ficha artística, ficha de doblaje, trailer, entrevistas y filmografías.

miércoles, 11 de junio de 2008

CINESPAÑA: EL LÁPIZ DEL CARPINTERO * * * *

El primer largometraje del realizador Antón Reixa, El Lápiz del Carpintero (España, 2003), transmite con habilidad el pensamiento cultural que imperaba en la España de los años 1930, justo cuando Franco tomó Madrid y la guerra fue ganada por los fascistas. Basada en la novela de Manuel Rivas, la película se concentra en un sector, por lo regular, olvidado en los filmes ambientados en la Guerra Civil: la Guardia Civil, junto a la violencia que sembraba en las prisiones, a donde iban a caer comunistas o personas acusadas de serlo.

Ambientada en Fronteira, Galicia, poco antes del golpe de estado de Franco en 1936, la película arranca con la lucha por el voto femenino encabezada por el Dr. Daniel La Barca (Tristán Ulloa), médico y activista político de origen mexicano, quien empieza a ser investigado por Herbal (Luis Tosar, con su habitual energía), un guardia civil afectado por un sensible acontecimiento de su infancia.

La apuesta de la novela de Rivas (adaptada por Reixa junto a Xosé Morais), es mostrar el lado noble y humano de Herbal, quien se convertirá en una suerte de “ángel guardián” de la pareja formada por La Barca y Marisa (María Adañez), luego de que el primero es apresado. No nada más el conflictivo ambiente político separará a la pareja de enamorados, sino la obstinación del padre de ella a unirla en matrimonio con el comandante de la guardia civil gallega.

Reixa parece que avanza por los terrenos de cualquier filme carcelario, con una trama escapista y personajes carismáticos. Pero Reixa consigue darle a todo un tono relajado y, en ocasiones, un humor desenfadado, a un argumento que incluye varias ejecuciones de compañeros de La Barca en la cárcel. Esto lo consigue gracias a diálogos que incluyen errores de varios personajes al pronunciar ciertas palabras, o al construir refranes, así como un toque de musical en esa canción que todos los presos entonan una noche.

La fuerza del filme radica en sus diálogos vivaces, en sus referencias literarias a varios autores de tendencia socialista de aquella época. Conlleva sus riesgos intentar narrar una historia romántica teniendo a una pareja separada prácticamente la totalidad del filme. Con todo, Reixa consigue mantenernos interesados en el futuro incierto de la pareja. Aunque, para ser sinceros, será el fascinante personaje de Herbal el que se acabe robando la película. Es Herbal quien cierra el triángulo emocional, con toda su dureza e incapacidad para expresar emoción alguna, y claro, es quien se encarga de guardar el lápiz del título, objeto que ayudará directamente a que vuelvan a reunirse La Barca y María.

Luis Tosar es el gran actor de este filme, se roba cada cuadro con ese rostro inexpresivo y con un constante gesto de incertidumbre, ingenuo y pensativo.

martes, 10 de junio de 2008

DVD: CONFESSIONS OF A DANGEROUS MIND * * * *

George Clooney sorprendió con su debut en la dirección, al llevar a la pantalla Confessions of a Dangerous Mind, la adaptación que hizo Charlie Kauffman del libro escrito por Chuck Barris, productor de televisión. Confessions of a Dangerous Mind es un libro autobiográfico de Barris, y Clooney pretende quitar el oscuro velo detrás de la misteriosa doble vida del productor. Mucho se ha especulado que Barris perteneció a la CIA y que llevó a cabo varias misiones secretas, que involucraban el asesinato de varios personajes ligados al comunismo. Clooney también actúa en el filme, como el misterioso Jim Byrd, un agente de la CIA que se encarga de entrenar a Barris en el oscuro arte del asesinato. La película es un trabajo notable, en el que George Clooney demuestra un pleno dominio de la narración, manteniendo intacto el interés en la historia del creador de programas como El Juego de la Citas o The Gong Show. Gracias a un estilo de falso documental, varios personajes que conocieron a Barris en sus andanzas por los estudios de la ABC, describen sus experiencias en entrevistas, recurriendo a colores encendidos en la dirección fotográfica de Newton Thomas Sigel. Incluso, el verdadero Barris aparece para cerrar el filme con algunas declaraciones de primera mano. El tono de comedia se combina de maravilla con el diseño de producción colorido de aquellos programas, todo con una ambientación magnífica, y de paso Clooney rinde un pequeño homenaje a su fallecida tía, la cantante de jazz Rose Mary Clooney, quien ofreció varias sesiones musicales en la ABC durante aquella época.

++ A pesar de que el filme se estreno en cines, no existe hasta la fecha su edición española en DVD.

DVD: THE ITALIAN JOB * * 1/2

Remake del filme británico homónimo (Peter Collison, 1969), protagonizado por Michael Caine. El segundo largometraje de F. Gary Gray (quien debutara con el largometraje A Man Apart/2003), The Italian Job (E.U.-Francia-Gran Bretaña/2003), sigue la misma estrategia de la película original: combinar de una manera eficaz escenas de acción y el carisma de sus personajes. Mark Wahlberg encarna a Charlie, lider de una banda de ladrones, quien acaba traicionado por uno de sus compañeros después de realizar el último golpe en Venecia. El anterior líder de la banda (Donald Sutherland), es asesinado en una de las mejores escenas del filme, con los Alpes como telón de fondo. El filme abre con una bien ejecutada escena de acción: el robo de una gran caja fuerte, haciéndola pasar por todos y cada uno de los pisos de un antiguo edificio veneciano. Sin embargo, esta nueva versión no es más que una rutinaria y predecible heist-movie, donde Charlie buscará vengar a su antiguo mentor, con la ayuda de la hija de éste (preciosa Charlize Theron). La persecución de los “minicoopers” (por la que es recordada también la película de Collison) vale la pena para comprobar, además, que el tiempo no ha pasado para esta pequeña “reliquia” motorizada.

++ La edición especial para coleccionista incluye los extras: "Pedal al metal: Así se hizo Italian Job", "Escribiendo para Italian Job", "La autoescuela de Italian Job", "Los poderosos minis de Italian Job", "Alto voltaje: los especialistas de Italian Job", escenas eliminadas, trailer de cine y gag reel-easter egg.

lunes, 9 de junio de 2008

DVD: EL MAQUINISTA * * * *

Lo primero que impresiona al ver El Maquinista (España-E.U., 2004), es la extrema transformación física a la que se sometió Christian Bale, algo que se puede comparar a lo que Robert DeNiro hizo en Raging Bull (Martin Scorsese, 1980), es decir, engordar hasta quedar irreconocible para interpretar al boxeador Jake La Motta. Con Bale fue al contrario, ya que el nuevo “Batman”, en aquel entonces, se quitó de encima entre 8 y 10 kilos, para lucir algo parecido a un esquelético prisionero de un campo de concentración nazi.

Brad Anderson, realizador del filme, aprovechó en varios sentidos esta transformación física de Bale quien, según cuenta en una entrevista, se le pasó la mano debido a retrasos en la filmación, cuando Anderson, en realidad, lo quería con un poco más de peso. El cinefotógrafo Xavi Giménez, convierte a Bale en un juego de luces y sombras notándosele hasta su última costilla, cual personaje de un cuadro de Caravaggio.

Sin embargo, como averiguaremos en algún momento del filme, Trevor Reznik (Christian Bale), no siempre fue el cadavérico hombre que es ahora, y el relato nos mostrará cómo es que llegó a estar en esas condiciones físicas. Reznik entrará en un estado esquizoide, debido al fatal accidente que provoca en la fábrica donde trabaja como ensamblador, distraído por un ser, aparentemente, “imaginario”.

El único escape a su crisis serán dos mujeres: una guapa camarera (Aitana Sánchez-Gijón), que trabaja en el restaurante de un aeropuerto, al que Reznik siempre va a tomarse una taza de café, y una prostituta (Jennifer Jason Leigh), la única persona que parece real en su volátil mundo.

Si uno ha visto Spider (David Cronenberg, 2000), el filme de Anderson causará una especie de “deja vú” en el espectador, por su acercamiento más o menos similar al tema de la esquizofrenia. La drástica transformación física de Bale distrae un poco en la trama, pero es una prueba más de su deseo de ocupar terrenos histriónicos demandantes. Su personaje acaba siendo complejo e interesante, ya que no se limita tanto a irradiar tics enfermizos (como los de Ralph Phiennes en Spider), sino que es un ser de una confesada y sincera inocencia. Reznik no esconderá su nobleza ante el accidente que provoca. La mayoría de sus compañeros lo apoyan, hasta que su locura empieza a notarse. No esconde sus sentimientos hacia la atractiva mesera, ni su simpatía hacia el hijo de esta.

Anderson dirige con vigor este puzzle narrativo. Consigue transmitir la angustia y la desesperación que su flaco personaje vive, en tanto sus personajes secundarios resultan eficaces. Lo malo, es que ya entrado el tercer acto, parece que Anderson no sabe qué hacer con la acrecentada locura de Reznik, al grado de ponerlo a hacer cosas excesivas (dejarse atropellar para conseguir el número de placa de un coche), y no sabe hacia donde llevarlo en su relación con la camarera.

Como sea, Reznik termina revelándose como un personaje que debe resolver su propio enigma mental y paranoia. Poco a poco se irá adentrando en esa espiral de locura y tendrá que salir de ella por sí mismo.

++La edición de coleccionista, incluye un disco con el "Cómo se hizo" (31 min), imágenes de rodaje (15 min), escenas eliminadas (12 min), presentación y rueda de prensa en el Festival de Berlín (35 min), audiocomentarios del Director, fichas, biofilmografía director y actores, tráiler, teaser y spots.

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