viernes, 13 de febrero de 2009

LA SECUENCIA DE CRÉDITOS

Siempre me he preguntado porqué la Academia de Hollywood (o cualquier otra) nunca ha reconocido el arte gráfico en el cine. Por supuesto, el arte gráfico se encuentra presente en aspectos del diseño de arte, pero me refiero al arte de los créditos iniciales y/o finales. Muchos de ellos llegan a ser unas verdaderas obras de arte gráfico. Por ejemplo, son famosas todas las secuencias de créditos iniciales de las películas de James Bond, o aquella que abría Vertigo, de Alfred Hitchcock. Quizás algún día se les haga justicia. Mientras eso ocurre, inicio esta nueva sección dedicada a hacer una pequeña crítica y análisis de secuencias de créditos de películas que, en mi muy humilde opinión, así la merezcan. Empezamos con Insomnia, de Christopher Nolan.

La secuencia que abre Insomnia, es una cortísima serie de imágenes, que destaca por dos cosas: el gran trabajo tipográfico, dentro de un efecto de desenfoque y enfoque de los títulos (estos de color negro), y la imagen ampliada de una tela blanca, que se cubre rápidamente de sangre. La película se ambienta en Alaska, en una época en la que el sol nunca se oculta y las noches, por lo tanto, siempre están iluminadas. El protagonista, un detective de homicidios interpretado por Al Pacino, tiene un doble problema: demostrar su inocencia por el asesinato accidental de uno de sus compañeros y…el insomnio que le provoca la luz del sol en las noches.

El fondo blanco de los créditos, pretende simbolizar precisamente la pureza de la luz blanca del día a la que se enfrenta el protagonista. Mientras, el efecto que desenfoca los títulos (al grado de hacerlos ilegibles), hace hincapié en la debilidad y cansancio visual que Pacino debe vivir, noche tras noche. La música de fondo es solemne, en tanto se intercalan imágenes aéreas de las formaciones rocosas de Alaska, con otras del detalle microscópico del tejido de la tela blanca. La manera en cómo están armadas las imágenes, además de ir generando en el espectador una sensación de inquietud respecto a lo que verá más adelante en las historia, logra un juego visual interesante, en el que participan tanto la pureza simbólica del color blanco, con el del intrigante color rojo de la sangre.

Con esto se intenta crear una metáfora sobre el desafío que deberá enfrentar el personaje, un eficiente detective que, de pronto, verá “manchada” su reputación, su nombre, su alma, con la sangre derramada de un compañero. Esto es evidente cuando, poco a poco, nos demos cuenta de cómo la imagen del tejido se va alejando hasta ver que, de hecho, forma parte de la camisa del personaje de Al Pacino, quien intenta limpiarla con muchos esfuerzos. Sin duda, un estupendo trabajo visual.

(H)OJEANDO REVISTAS


De vuelta con la revista Vanity Fair, en su número de marzo (que ya se encuentra en circulación) se ha publicado una serie de magistrales retratos, realizados por su fotógrafa de cabecera, la magistral Annie Leibovitz. Aquí vemos a Penélope Cruz posando junto a Woody Allen frente a la cámara de Leibovitz, en un simpático retrato con motivo de la reciente película del realizador, Vicky Cristina Barcelona. La fotografía es una suerte de reflejo de la relación que, según se cuenta, siempre prevalece entre Woody y sus actrices en el set, es decir, amabilidad, cortesia, siempre las palabras necesarias entre él y ellas, además de cierta timidez y retraimiento por parte del realizador neoyorquino.

Y es exactamente lo que Woody refleja aquí, en ese gesto inocente y tímido con el que mira a la cámara. Mientras, Penélope Cruz, guapa y segura de sí misma frente a la cámara, mira en dirección a Woody, tratando de llamar su atención en una, aparentemente, resistencia de él. Es una emoción cálida la que transmiten, dentro de la iluminación y ambiente frios que parece envolverlos.

La serie de fotografías puede verse completa en la página web de la revista, y entre las personalidades que participaron se encuentran Danny Boyle y Dev Patel (Slumdog Millionaire), Sam Mendes y Kate Winslet (preciosa también, con motivo de Revolutionary Road), Gus Van Sant y Sean Penn (Milk), Meryl Streep y John Patrick Shanley (The Doubt), Ron Howard y Tom Hanks (simplemente por su colaboración estrecha en varias películas), entre otros.

Además, puede encontrarse también un magnífico foto-reportaje, "Famous when you're Born" dedicado a las leyendas del cine de Hollywood y sus hijos, convertidos actualmente en grandes personalidades del cine. Pueden apreciarse fotos de Cary Grant con su familia, y recordar lo bella que era Mia Farrow en su juventud (posando junto a su madre Maureen O'Sullivan), ver a Kirk Douglas jugando alegremente con un Michael Douglas niño, o Tony Curtis y Janeth Leigh sonrientes junto a una Jamie Lee Curtis niña. Un ejemplar imprescindible.

EL CARTEL: SLUMDOG MILLIONAIRE * * * *

Una propuesta urbana, colorida y nocturna, para el cartel de Slumdog Millionaire.

Sin duda, el tema de la semana (al menos en este blog) fue la nueva película de Danny Boyle, Slumdog Millionaire. El turno es ahora a su cartel, que sin ser una extraordinaria pieza, es un buen trabajo, que tiene como centro un interesante juego de colores y ambiente obscuro. El juego de colores viene del efecto de luces nocturnas barridas, que ayudan a darle dinamismo a la composición.

Es un cartel de una fuerza visual dinámica, acentuada por el montaje de las fotografías, una de ellas de la actriz Anil Kapoor corriendo, junto al retrato de Dev Patel, mirando en dirección contraria, ambos en el centro de la composición. Las fotografías parecen extraídas de los stills mismos de la película. Los rostros de los actores acentúan más la composición horizontal del cartel, que tiene como base el título de la película y unos gráficos que tienen palabras clave del argumento: Money, Luck, Smarts y Destiny (Dinero, Suerte, Agilidad y Destino), en referencia a los gráficos del concurso televisivo en el que participa el protagonista. Encima se lee el slogan de la película: What does it take to find a lost love? (¿Qué se requiere para encontrar un amor perdido?), también dentro de un gráfico similar. Todo funciona como un eficiente soporte en el que descansan las fotos y las luces.

Nunca he sido partidario de los clásicos quotes promocionales dentro de los carteles, que la mayoría de las veces no hacen más que saturar y alterar considerablemente la lectura y composición visual del cartel. En este caso ha sido cuidado al extremo. Con tan sólo dos quotes en la parte superior, centrados, no se siente que estorben ni que perturben la composición, o que distraigan mucho.

La película tiene elementos de los musicales de Bollywood, y es peculiar que no hayan elegido hacer un cartel que homenajee a estas películas producidas en la India. Dichos carteles tienden a ser algo kitshs y saturados. El de Slumdog Millionaire, es un cartel moderno, que nos habla con anticipación de una película ambientada, principalmente, en la noche, inquietante por la misma atmósfera nocturna que transmite.

El único pero que le pongo es la tipografia de los créditos. Son complicados de leer, debido a que están en un color púrpura que se pierde con el fondo negro. Un color blanco o un tono más claro hubieran salvado la situación. La tipografía del título y del nombre del realizador, por el contrario, es magnífica. Su efecto desgastado en algunas letras (todas en minúscula), relajan mucho la tensa atmósfera del cartel, en especial, por los tonos cálidos con el que está coloreado, en degradado, del rojo al amarillo, así como porque algunas letras están ligeramente desalineadas. Es una tipografía, podría decirse, informal, urbana y callejera, como el protagonista de la película.


Desafortunadamente, este cartel no es el que se ha usado para la promoción de la película en España. Es un cartel mucho más convencional, más tipográfico. Compite y pesa más visualmente el título del filme con la fotografía debajo: una simple imagen de los dos actores principales, felices y abrazándose. A un lado se ven los gráficos televisivos originales y hay confetti cayendo sobre un fondo blanco. Es un cartel que no me agrada del todo, me ha parecido muy saturado tipográficamente, pero funciona si uno no es tan exigente, y gracias a su combinación cromática es agradable a la vista.






El peor que he visto es el de México. Está saturado de quotes, y el desafortunado y largo título ocupa buena parte de la composición. Para saturar más todo, se puso encima, en tipografía más pequeña, el título original del filme (por si no te gusta uno, tienes el otro). En resumen, el cartel no es más que un montón de fotos de la película alineadas en las orillas. Abajo se ve una imagen de lo más cliché del Tajh Majal, y para colmo, parece que nos quisieron recitar el currículum de Danny Boyle debajo de su nombre.





Para finalizar, quisiera comentar, de manera breve, un par de carteles que se me han quedado en el tintero desde hace tiempo:

Frost/Nixon: Un cartel de aire retro, estilo 1970, gracias a ser, mayormente, una fotografía con los dos protagonistas, el presidente Nixon y el periodista David Frost. Es un trabajo al estilo de una portada periodística de las revistas "Time" o "Newsweek". El montaje está bien realizado, en un contraste de miradas magnífico: Nixon con la mirada perdida, obscuro, mientras Frost lo mira fijamente. Me encantó el trabajo tipográfico, fino y que permite respirar al resto del cartel, rematado en medio con una diagonal roja, que simboliza una evidente división y enfrentamiento entre los dos protagonistas. Un cartel notable.













The Curious Case of Benjamin Button: ¿Cuánto tiempo nos van a seguir restregando en la cara el atractivo de Brad Pitt? Quién sabe, tal vez para siempre, no nada más en portadas de revistas, sino ahora en carteles de sus filmes (por favor, que nadie me diga envidioso). Pero bueno, para juzgarlo en su justa medida, es un retrato bueno aunque nada extraordinario. He visto mejores retratos de Brad Pitt de este tipo en otros lados y mejor ejecutados técnicamente. Como sea, el retrato trata de hacer referencia simbólica a la frescura y juventud hacia la que va avanzando el personaje de la película. Por otro lado, el trabajo tipográfico es interesante y original, si no es que fascinante: todo se lee al revés, en otra referencia simbólica a cómo el personaje nace anciano y muere siendo un bebé. De nuevo, un fino trabajo de tipografía, para el cual se necesita ser valiente a la hora de tener que utilizarlo en la promoción de una película. Yo sí me arriesgaría.

THE ISLAND * * * 1/2

A la mitad de una absorbente persecución, el tiempo parece detenerse y el peligro pasa a segundo plano. La guapísima clon Jordan Delta 2 (Scarlett Johansson, bella en un entallado traje blanco futurista) se detiene para observar un anuncio publicitario en cierta marquesina, que es una campaña real para un perfume en la que aparece la misma Johansson. Es un instante extraño, gracioso y algo encantador, tomando en cuenta el ambiente que rodea a los dos personajes, y que se convierte en un motivo de antología para esta película palomera futurista.

The Island (2005) es un vehículo de lucimiento más del especialista en filmes de acción Michael Bay, en la forma de un filme de ciencia ficción palomero, que incluye una curiosa reflexión sobre la clonación humana. En la trama narrada en The Island, se aventura la idea de que la clonación no nada más implica una “copia” física exacta de un ser humano, sino que sus recuerdos y sentimientos se transmiten también al nuevo ser creado artificialmente.

Con un atractivo diseño de arte a cargo de Jon Billington y Sean Haworth, y de una fotografía, a ratos granulosa, de Mauro Fioré, The Island es una mezcla de 1984, libro de George Orwell, con otros filmes más recientes con propuestas, tanto visual como argumentalmente, similares, como Gattaca (1997). La historia narra el confinamiento al que son sometidas numerosas personas a mediados del siglo XXI, debido a que los espacios urbanos se han vuelto prácticamente inhabitables. A través de un sorteo, algunos afortunados serán llevados a poblar una isla idílica.

Como en el universo fascista-futurista imaginado por Orwell en 1984, la existencia de Lincoln Eco 6 (Ewan McGregor), Jordan y otros pobladores de la isla, será sistematizada y monitoreada por los responsables de la corporación encargada de llevarlos ahí, encabezada por Merrick (Sean Bean), científico y “cerebro” de esta empresa. Aquí se realizan experimentos de clonación, de donde se extraen órganos vitales, para que cuando el donador-cliente del DNA lo requiera le puedan ser trasplantados.

A partir de un argumento escrito por Caspian Tredwell-Owen, en The Island los clones son condicionados y educados acerca de lo que es el mundo “real”, muy al estilo de A Clockwork Orange. El filme de Bay tiene un dejo de ingenuidad, que utiliza hábilmente desde el instante en que Lincoln y Jordan se enfrentan por primera vez al mundo que les ha sido negado conocer, en realidad, la ciudad de los Ángeles. Están decididos a encontrar a sus “padres” como adultos con mentalidad infantil, y su despertar sexual está representado justo en esa publicidad del perfume, en la que Jordan parece descubrirse a sí misma como mujer.

Encumbrada por escenas de acción estupendas, como la persecución en el freeway con las ruedas del ferrocarril sueltas por todo el camino, o la caída dentro de la inmensa letra R desde un rascacielos, la visión futurista de Los Ángeles es convincente y con un fuerte realismo. Apenas se nota la “pátina” artificial de los efectos digitales.

Desafortunadamente -aunque no es de extrañar- The Island no lleva su atractiva premisa argumental más allá de ser una simple y clásica decepción paterna de su protagonista, en medio de una también típica trama persecutoria citadina, happy-end incluido. El africano Djimon Hounsou está efectivo como siempre como el enojado inversionista que cazará a los clones sueltos por la ciudad, así como Michael Clarke Duncan y Steve Buscemi en sus breves participaciones.

++ Disponible también en Blu-ray y HD-DVD. La versión tradicional incluye además "Cómo se hizo La Isla" y comentario del Director.

SABIAS QUE...

Toma de Barry Lyndon, de Stanley Kubrick

Las películas del género "What if...?", son aquellas que aventuran tramas con teorías sobre lo que hubiera podido pasar si determinado hecho histórico hubiera sucedido de otra manera. Fatherland telefilme del realizador Christopher Menaul, aventura la teoría de qué hubiera pasado si Hitler hubiera ganado la Segunda Guerra Mundial.

A James Bond (mejor conocido como el agente 007) se le conoce también en algunos países como "Mr. Kiss-Kiss".

El verdadero nombre de Tennessee Williams era "Thomas Larnier Williams"

Uno de los muchos "Tarzan" en la historia del cine, Kamuela C. Searle, fue seriamente herido en el set por un elefante furioso durante la filmación de The Son of Tarzan en 1920.

El nombre de la estatuilla que la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas de Hollywood da como premio cada año, se nombró por el tío de la bibliotecaria en la misma, Margaret Herrick. Una vez dijo que la estatua se parecia a su tío Oscar y el nombre se le quedó.

Para la caprichosa pero magistral cinefotografía de Barry Lyndon su director, Stanley Kubrick, pidió prestados a la NASA un par de sofisticados y valiosos lentes, usados únicamente en las misiones espaciales.

El puerto donde vive Popeye se llama Sweetheart.

jueves, 12 de febrero de 2009

(H)OJEANDO REVISTAS


Seguimos con Javier Bardem, esta vez en una serie de fotografías dedicada a la filmografía de los Hermanos Coen, publicada el año pasado por el suplemento magazine de The New York Times. Bardem aparece junto a la actriz Kelly McDonald representando una escena de "No Country for Old Men" (que ambos protagonizan), ganador del Oscar a Mejor Película en 2007. La fotografía es de Finlay McKay.

La foto viene acompañada del siguiente texto:

Javier Bardem, reprising his role as the mysterious and deadly Anton Chigurh in "No Country for Old Men," surprises Kelly MacDonald while she questions her fate in the draw of the cards.

(H)OJEANDO REVISTAS


(Nueva sección en la que intentaré hacer un compendio de cosas curiosas (fotos, reportajes, buenas portadas) que encuentre en revistas publicadas en la actualidad, y quizás algunas ediciones pasadas.)

El oscareado Javier Bardem, apareció el año pasado en la legendaria revista Vanity Fair, en una serie de fotografías que recrean escenas famosas de filmes de Alfred Hitchcock. Bardem personifica aquí a L.B. Jefferies, personaje principal de Rear Window (1954), y que originalmente era interpretado por James Stewart. Scarlett Johansson representa el personaje de Grace Kelly, Lisa. Las fotografías fueron tomadas por Norman Jean Roy, y otros de los filmes escenificados fueron Rebeca, Marnie, Psycho, The Birds, North By Northwest, entre otros, en las que participaron otras estrellas de Hollywood. Abajo, el texto que acompañaba a la fotografía:

The film has been called a superb commentary on watching films, on loneliness, and on obsession, as well as a sharp critique of the male psyche. But at its essence, Rear Window is a paean to old-fashioned snooping. "Sure he's a snooper, but aren't we all?" said Hitchcock. "I'll bet you that nine out of ten people, if they see a woman across the courtyard undressing for bed, or even a man puttering around in his room, will stay and look; no one turns away and says, 'It's none of my business.'?"

BAD NEWS BEARS * * * 1/2

“Dios, tengo enfrente a las Naciones Unidas”, dirá el entrenador Morris Buttermaker, medio borracho, mientras pasa lista a su nuevo equipo de baseball “multi-cultural”. A pesar de su estado de embriagues, Buttermaker no tiene la más remota idea de cómo sacará de su mala racha a este equipo infantil de baseball, formado por niños que apenas parecen conocer este deporte.

Bad News Bears (2005) es el remake del filme homónimo de 1976, dirigido por Michael Ritchie y protagonizada por el fallecido cari-gruñón Walter Matthau. En la versión original, Buttermaker es un ex jugador de baseball venido a menos dedicado a limpiar albercas, hasta que le llega la oportunidad de entrenar a un equipo perdedor de la liga infantil.

En la nueva versión, el tejano Richard Linklater va más lejos en su revisión del filme de Ritchie, dando a estos nuevos “Osos” un aire desmadroso y liberal, en toda la extensión de la palabra. Para empezar, el Buttermaker encarnado por Billy Bob Thorton es una especie de primo de su personaje de Santa Claus en Bad Santa: igual de malhablado, flojo, grosero, vulgar y mujeriego. Nada raro si tomamos en cuenta que el guión está escrito -además de Linklater- por Glenn Ficarra y John Requa, los guionistas de Bad Santa. Aquí, Buttermaker se dedica a ser exterminador de plagas, hasta que su abogada (Marcia Gay Harden, buena actriz secundaria por excelencia) le propone entrenar al equipo de los Osos, que no ha ganado nunca un partido. Incluso, los padres prefieren ya no aparecerse en los partidos.

Lo notable de la película de Linklater, es que a pesar de ser la clásica historia de superación de los chicos-perdedores, está por encima de cualquier ñoñeria edificante, como lo que produce ahora la Disney, independientemente de sus aceptables películas animadas por supuesto. Cada uno de los niños encarnará un estereotipo racial: el chico negro de origen musulmán, un par de niños latinos, el clásico nerd, el gordo fanfarrón, un armenio inseguro de sí mismo, un gordito en silla de ruedas, etc.

La hijastra de Buttermaker, Amanda (Sammie Kane Kraft), será la ideal deus ex machina para el improvisado entrenador. Amanda, chica independiente y con un valioso “brazo de oro”, tal vez pueda llevar al equipo a jugar la final con los difíciles Yankees, entrenados por Ray (Greg Kinnear).

Como en The School of Rock (también de Linklater), la nueva versión de Bad News Bears es una entretenida y disfrutable comedia. Ambas tienen en común ese aire anárquico que no cae mal de vez en cuando.

++ Los extras incluyen comentarios por el director y los co-guionistas, reportajes, escenas eliminadas, tomas falsas, tráiler de cine, video y tarjetas de béisbol.

PEANUTS, EL CINE Y LOS MEDIOS


(Publicada originalmente el 20 de marzo de 1961)

Inauguro esta sección dedicada a uno de mis personajes favoritos, Snoopy y Peanuts, creados por Charles M. Schulz. Subiré aquellas tiras que traten sobre sus enfrentamientos, reflexiones y/o convivencia con el cine y los medios.

miércoles, 11 de febrero de 2009

VERA DRAKE * * * *


Fue nominada por la Academia de Hollywood en varias categorías (Mejor Director, Mejor Actriz y Mejor Guión) sin ganar alguna, pero Vera Drake (2004) fue multipremiada en su país de origen, Inglaterra, en los British Awards. Su protagonista, Imelda Staunton, fue premiada también en el festival de Venecia como Mejor actriz. Del prestigiado director y guionista británico Mike Leigh, Vera Drake es una película en la que, si bien no se luce con un guión estupendamente escrito -como en otras ocasiones-, sí consigue, por el contrario, una de sus películas más intensamente actuadas.

De hecho, lo primero que me vino a la mente al empezar a ver cada uno de los “inocentes” abortos que hace Miss Drake (Imelda Staunton poderosamente soberbia), es aquel filme de Claude Chabrol, Une Affaire de Femmes (1988), en la que la mujer protagonista (Isabelle Huppert) hacía abortos clandestinos en la casa que le prestaba una amiga prostituta. Esta mujer terminó ejecutada en la guillotina, en 1948, por el gobierno de Vichy, y hacia los abortos por dinero.

Vera Drake no tiene tales deseos lucrativos. Tenemos una madre de familia que hace abortos tan solo por realizar una buena y cristiana acción. No se detiene a pensar si está bien o mal, sólo quiere ser una buena samaritana. “Tan sólo quería ayudarles”, dirá luego a la policía.

Ambientada en el Londres de 1950, Vera Drake trabaja haciendo la limpieza en la residencia de una adinerada familia, lugar que servirá para exponer lo esencial del filme: la doble moral. Madres de familia adineradas llevan a sus propias hijas a abortar por el “qué dirán”.

A pesar de lo sencillo que pueda parecer el guión y lo sencillo de su trama, Leigh expone más preguntas que respuestas, con un final abierto y sin conclusiones concretas. Exhibe y critica la doble moral de las clases altas, y quien termina pagando todo es la responsable material de los abortos, pero.... ¿y las madres que llevaron personalmente a sus propias hijas a abortar? ¿Qué hay de los doctores, enfermeras e incluso monjas que sabían de estos abortos, pero callaban?

Todas estas preguntas quedan pendientes en el frío final. Pagó la mujer más inocente, ignorante, que sólo quería ser “buena persona”. Es verdad, resulta ambigua la postura de Leigh respecto al aborto, y si está a favor o en contra de ello es lo que menos termina importando. Su crítica social es la que se impone, en un filme en el que destaca una estupenda ambientación, excelentes sets, una fotografía neutra y un vestuario de primera categoría. El guión tiene un pero, con uno o dos personajes que no tienen la relevancia que merecen: la hija de Vera y su novio.

Lo mejor es la actuación de Imelda Staunton, quien llena la pantalla con su rostro de desolación y desesperanza. Nadie como ella para transmitir cómo los ideales se derrumban y destrozan, pedazo a pedazo, por dentro.

++ Los extras incluyen ficha técnica, ficha artística, ficha de doblaje, Tráiler, filmografías, entrevistas y premios.

martes, 10 de febrero de 2009

Y... ¿CÓMO LE PONEMOS?

"Quisiera ser millonario... ¿y tú preciosa?"

(Inauguro esta sección en la que haré semanalmente un recuento de los mejores y peores títulos, elegidos para algunas películas extranjeras en España.
)

El estreno de la semana, sin duda, es Slumdog Millionaire, dirigida por Danny Boyle. Vale la pena echar un vistazo a cómo se ha titulado en otras latitudes esta y otras películas que se estrenan esta semana.

El título más cutre con el que me he topado es el de México, "Quisiera ser Millonario", en lo que parece el slogan para publicidad de la loteria, o quizás para el título de una canción ensoñadora. En Portugal el título será "Quem Quer Ser Bilionário?" (No sé mucho portugués, pero me imagino que la traducción es "Quién quiere ser Bilionario"?) y en Brasil también, con un ligero cambio, "Quem Quer Ser um Milionário?". No he visto la película, pero al parecer este es el nombre del concurso al que se inscribe el protagonista. Muy funcional y práctica la elección, pero con un nulo derroche de originalidad. Supongo que será algo laborioso pedir en la taquilla las entradas para ver la película de Boyle en estos países.

Me gustó el título elegido en Italia, "The Millionaire" (El Millonario), corto y sencillo. A continuación, una lista con los títulos en otros países. Rumania fue el país que optó por acercarse al título original, con "Vagabondul milionar", algo así como "El Vagabundo Millonario". En España, en una pésima costumbre por dejar a veces los títulos en inglés, se conservó el título original.

Беднякьт милионер Bulgaria
Gettó milliomos Hungría
Milijunas s ulice Croacia
Milionár z chatrce República Checa
Milyoner varos cocugu Turquía
Slumdog Crorepati India
Slumdog Millionär Alemania
Slummien miljonääri Finlandia

Con "The Reader", sucedió todo lo contrario en España, optando por una traducción literal, "El Lector", lo mismo en Brasil y Portugal con "O Leitor". En muchos países más (desconozco el de México todavía) la decisión de los distribuidores fue la misma, lo cual aplaudo:

A Felolvasó Hungría
Der Vorleser Alemania
Le Liseur Canada
Lukija Finlandia
Predcítac República Checa
Sfragismena heili Grecia
Zaklinacz slów Polonia

El título en España para "Friday the 13th" será, acertadamente, una traducción literal y que conserva además el título de los filmes originales, "Viernes 13". Lo mismo será para México, Francia, Italia, y otros. No me pareció tan malo el título en España de "Nick and Norah's Infinite Playlist", aunque sí algo cursi: "Nick y Nora, una noche de Música y Amor" (por cierto, este es el título del filme en México también). El peor es el de Francia: "Une nuit à New York". La traducción literal sería "La lista infinita de música de Nick y Norah" (algo largo, sin duda).

Para finalizar, el mejor título fue "La Historia Completa de mis Fracasos Sexuales", elegido en España para "A Complete History of my Sexual Failures". Originalmente se iba a llamar "Complete History". Afortunadamente, cambiaron de opinión.

lunes, 9 de febrero de 2009

LADIES IN LAVENDER * * * 1/2

En los créditos finales de Ladies in Lavender (2004) se aclara que “cualquier parecido con la realidad es pura coincidencia”. Lo cierto es que su trama parece inspirada en la historia de aquel prodigioso pianista amnésico, que apareció en Inglaterra sin saber nada sobre sus orígenes, ni sobre cómo aprendió a tocar el piano de manera genial.

En realidad, la película está basada en una historia corta escrita por William J. Locke, además de ser el debut en la dirección del prolífico actor británico Charles Dance. Con los pequeños defectos que pueda ostentar, una de las virtudes de la película es juntar a dos de las mejores actrices británicas de cine y teatro: la versátil Judy Dench, interpretando a la encantadora, inmadura y melancólica Úrsula, y la infalible Maggie Smith, encarnando a su hermana Janet. Juntas descubren algo que dará un giro drástico a sus tranquilas vidas, cerca de la costa de Cornwall.

La Dench y la Smith forman una estupenda mancuerna histriónica dentro de sus personajes tan dispares. La refinada Janet, con mucha simpatía en el fondo, debe sobrellevar el hecho de que su hermana se ha enamorado de un chico extranjero, Andrea (el catalán-germano Daniel Brühl), quien aparece una mañana inconsciente en la playa.

Dance es capaz de sostener en su filme un estado lírico y bucólico agradable; romántico y nostálgico. Para empezar, su particular manera de filmar el mar, sin temor a exagerar, parece extraído de un cuadro marino impresionista. Por si fuera poco, dentro del tono melancólico del filme, Dance logra dar al filme una parte cómica con la regordeta actriz Miriam Margolyes, quien cierra el triángulo femenino dentro de la casa. El personaje de Margolyes refuerza aún más las personalidades de las dos hermanas desde una posición neutral, en las decisiones y cuidados respecto al destino de Andrea, un polaco virtuoso del violín.

Si a la mitad el filme la historia se estanca, basta una mirada triste o tímida de Judy Dench, que la Margolyes diga una broma, o que Maggie Smith se imponga como la “madura” hermana que trata de ubicar a la soñadora Ursula, para que la película se levante nuevamente.

Es obvio que Ladies in Lavender es un típico melodrama dirigido mayormente a las audiencias femeninas, pero Dance no edulcora demasiado su película. El final reblandece el corazón del espectador más incrédulo, aunque, desafortunadamente, nos deja con más preguntas que respuestas respecto a Úrsula, el personaje más enigmático, por encima de Andrea.

++ El DVD incluye tráiler, entrevistas e imágenes de rodaje.

GANADORES PREMIOS BAFTA 2008


A unos dias de la entrega de los premios Oscar, este fin de semana se entregaron los premios BAFTA en Inglaterra. Las comparaciones llegan a ser odiosas a veces, y muchos los califican como "los Oscars británicos". En fin, allá ellos. A continuación, los principales premiados. Slumdog Millionaire arrasó llevándose varios premios, además de que, luego de haber ganado el Goya, Penélope Cruz se llevó el BAFTA nuevamente como Mejor Actriz por Vicky Cristina Barcelona. Como breviario cultural, también se entregaron los People's Choice Awards hace poco, y como Mejor Filme ganó "The Dark Night".

Mejor Película:
Slumdog Millionaire (Danny Boyle)

Mejor Director:
Danny Boyle (Slumdog Millionaire)

Mejor Actor:
Mickey Rourke (The Wrestler)

Mejor Actriz:
Kate Winslet (The Reader)

Mejor Actor Secundario:
Heath Ledger (The Dark Night)

Mejor Actriz Secundaria:
Penélope Cruz (Vicky Cristina Barcelona)

Mejor Guión:
Martin McDonagh (In Bruges)

La lista completa de premiados puede consultarse en la página oficial de los BAFTA

QUOTES

"No vuelvo a lavar mis vendajes
con mis calzones rojos."






"La opera prima del guionista Vigalondo es un irresoluble filme de ciencia-ficción rompe-cocos. La cinta está realizada con cuatro actores, ocho euros, una buena dosis de imaginación y otra más de cósmica mala leche. Voy a volver a ella más adelante. Sin falta."

Ernesto Diezmartinez (crítico mexicano de cine, blogger y buen colega), sobre Los Cronocrímenes


"Sóc fan absoluta de Wes Anderson....m'encanta!!!! M'ho passo molt bé amb les seves pel.lícules... són molt surrealites i amb aquesta especialment vaig disfrutar molt!!!
La Huston està sensacional i es nota que tots s'ho van passar d'allò més bé fent-la i ho trasmeten a la pel.lícula!!!" Mònica Bargallò (blogger y cineasta) sobre "The Life Aquatic with Steve Zissou"

"El de los patos fue la risa. Y el de la rama es súper interesante porque hay un momento de tensión brutal, no digo más por si acaso alguien lee esto..." Oscar (blogger y cineasta), sobre "Five Dedicated to Ozu".

"La verdad es que a mi me decepcionó en parte. El sonido es verdad que está muy cuidado pero a mi no me gusta como lo ha realizado... mientras la veía estaba agobiándome mucho... Solo he visto está de Reygadas y bueno los críticos están bastante divididos...
Le doy un 6`5 a la peli" Oscar (blogger y cineasta) sobre "Batalla en el Cielo"

"I didnt like the movie at all, but its not coz its bad or something, I just didn't like that feeling, which makes me think that if I felt something, the movie did a very good job on me" Pandy (crítica de música) sobre "Batalla en el Cielo".

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