viernes, 12 de junio de 2009

EL CARTEL (varios)

CLEANER * * 1/2

De no ser por esa convencional y poco atractiva manera de haber montado los retratos de sus actores principales, el cartel de Cleaner hubiera sido uno rescatable. El personaje que abre la puerta en el fondo, permitiendo que entre una luz que a su vez ilumina el título de la película, debió de haber sido el elemento principal del cartel. Un título de diseño tridimensional, que además tiene un reflejo en el simbólico suelo que destaca por su limpieza, en referencia a la profesión del personaje principal: un limpiador de escenas de crimen. Todo esto sirve para dotar al cartel de profundidad visual, hasta que, siguiendo la lectura visual, llegamos a esa mano que se asoma en la parte inferior, rodeada de manchas de sangre. Las manchas de sangre rompen con la monotonía del suelo reluciente, las cuales, sobre el fondo blanco, imprimen de golpe tensión visual, gracias a ese brillante color rojo. Nos resume sin problemas el conflictivo trabajo del personaje. El tagline es bueno: "Solving a crime could be dirty work." Llama la atención la falta de créditos en la parte inferior.

7 MINUTOS * * *

Me gusta el cartel de la producción española 7 minutos, por la sencillez visual con la que logra transmitir el tono de comedia romántica del filme. El juego de tan sólo 4 colores (blanco, negro, rosa y azul), es atractivo y muy simbólico al mismo tiempo: el color del par de personajes sentados en la mesa, un rosa encendido, es el mismo del vino que están bebiendo. No dudo que sea una fotografía tratada digitalmente, para lograr el efecto de ilustración, pero eso no demerita en nada el resultado final: una imagen cómica de cierto erotismo. Si observamos bien, la copa de la mujer está casi vacía, a diferencia de la del hombre, lo que inmediatamente nos hace pensar que la película está enfocada a los dilemas amorosos de una o varias mujeres. De hecho, este detalle de la copa casi vacía, conecta con el tagline: ¿Cuánto tiempo necesitas para enamorarte?. De acuerdo al cartel, se puede responder: "...lo que toma beber una copa de vino”. Bueno, al parecer son 7 minutos, y al respecto, el diseño tipográfico del título es gracioso, en esa tipografía con detalles redondeados y ese beso en lugar de la “O”.

MISS MARCH * *

Está años luz de ser gráficamente un cartel notable. El cartel teaser de Miss March tiene todo su peso en el retrato de su par de protagonistas. Uno de ellos sostiene una revista, y con su mano cubre parte del nombre de esta famosa publicación para “caballeros”, que está de más decir de cuál se trata. Basta con ver el “conejito” encima del título de la película. Quienes hayan hojeado alguna vez una de estas revistas, sabrán también el porqué este personaje la abre de esa forma. Claro, se encuentra viendo el mini-poster de la Miss March del título. Es un cartel teaser que cumple para el que ya podemos suponer es el nivel de película: una simple comedieta. Su propuesta visual es limpia, con un fondo blanco que lleva encima el patrón del logotipo del conejo, en el que sobresale el color rojo encendido del título, simbolizando lo sensual y lo femenino. Vale notar también que el personaje en primer plano está vestido como el veterano Hugh Hefner, creador de la revista del “conejo”.



NO-DO * *

Se realizaron varios carteles para No-Do, enésima película española de terror paranormal. El mejor me pareció el que muestra un trozo de celuloide, que parece quemado, y encima se ve un “inquietante” símbolo, que parece el sello papal del Vaticano, pero con un cráneo encima. Es un cartel que destaca por su creación de texturas y por su combinación de pequeñas luces sobre un muro obscuro. No es un cartel que derroche creatividad ni originalidad, pero sabe cómo sacar partido de sus contados elementos, como los orificios del celuloide y las múltiples superficies. El diseño del título se vale de elementos cliché, como la cruz, pero está bien realizado, con una tipografía de bordes desgastados y que remite a un escrito antiguo. Como decía, un cartel que saca más partido de su juego de texturas que de la creatividad en sus ideas. Bueno, de todas formas no creo que la película se lleve el premio a la originalidad.

jueves, 11 de junio de 2009

EL CARTEL...CLÁSICO.

La inspiración directa del art-nouveau y del arte oriental, combinado con un sensual juego de líneas curvas en su voluta de humo, en el cartel de Chinatown (1974).

Chinatown es uno de los mejores film noir de la historia del cine, realizada en una época en que este género cinematográfico se consideraba cosa del pasado. Su cartel fue diseñado por Diener-Hauser (diseñador de los carteles de Grease, Saturday Night Fever, Serpico, etc.), mientras que el trabajo de ilustración fue realizado por Jim Pearsall.
La inspiración directa de este cartel es el art-nouveau, así como el arte oriental, tomando en cuenta que poco o nada tiene que ver la trama con la chinatown a la que hace referencia el título. Sin embargo, eso no impidió que los diseñadores del cartel recurrieran a las referencias pictoricas del arte chino y japonés, como en esas pequeñas olas que se forman junto a Jack Nicholson, o el diseño tipográfico, de líneas también con un estilo oriental.
El elemento más atractivo del cartel, es la manera en que el humo del cigarro de Nicholson, se transforma inmediatamente en el cabello de Faye Dunaway, quien interpreta el personaje de Evelyn Mulwray. Es un juego de líneas que denotan la sensualidad de la protagonista, objeto de deseo del personaje de Jack Nicholson, el detective J.J. Gittes. El rostro de Dunaway, fundido con el fondo amarillo, sumado a las formas curvilíneas del humo, le dan una cualidad etérea, como si Nicholson la estuviera soñando o imaginando.


El cartel alemán, mucho menos inspirado, conservaba la idea de la voluta de humo revelando la etérea imagen de Faye Dunaway. Aquí, Jack Nicholson nos mira fija y directamente.

Los elementos dentro de este espacio amarillo, desafían al marco que los rodea, saliendo un poco de este margen. El marco es un elegante y sencillo juego de líneas, una de ellas con un brillante color purpúreo que armoniza automáticamente con el amarillo, y que podemos ver también como color del título del fime. Mientras, el verde que colorea a Jack Nicholson, armoniza también con este amarillo, al ser también su color complementario.

El diseño tipográfico es magnífico. Me gustan las líneas curvas de la letra "C" inicial y de la "n" final, que le dan una cualidad sensual a todo el conjunto de letras. Lo que sorprende mucho, es ver que el título está entrecomillado, algo que no se ve con mucha frecuencia en el título de una película dentro de un cartel. El título vuelve a repetirse en el area negra, bajo la ilustración, en una combinación también inusual de diseño de tipografías para los créditos, remitiendo una (la estilizada de tipo oriental) a carteles antiguos de los años 1920 y 1930 (época en la que se ambienta la película), con una tipografía más moderna, sencilla y sin detalle alguno, para los créditos más pequeños, incluyendo el del director, John Huston.

miércoles, 10 de junio de 2009

Y...¿CÓMO LE PONEMOS?

"Luego de cinco cervezas ya siento que te quiero".




Llega esta semana un estreno tardío, Cleaner, película del 2007 protagonizada por Samuel L. Jackson, que ya se encuentra disponible en DVD región 1. Además, es una de las películas que se ha quedado sin título en español. Como su nombre original indica, la trama cuenta cómo un especialista en limpiar "escenas de crimen", se ve involucrado accidentalmente en un caso de encubrimiento. Un título como “El Limpiador” hubiera sido más adecuado, pero supongo que para los distribuidores no se escucha tan comercial y sofisticado como quisieran. Hay un par de títulos interesantes de otros países: "Evidências de um Crime", título de Brasil, y "Sin Rastro Alguno", título de Argentina.

Otro caso similar es el de Je Veux Voir, extraño caso de una película francesa que también se ha quedado sin título en español. Su traducción sería “Quiero ver”, un título que suena bien y atractivo para una película, incluso, protagonizada por una leyenda del cine como Catherine Deneuve. Varios países, como Portugal y Argentina, optaron por hacer la traducción.

Vamos ahora con una comedia hollywoodense, I Love You, Man, cuyo título traducido al español ha causado algo de controversia entre algunos espectadores mexicanos. En México se títuló, "Te amo, brother". No me convence nada ese “brother”, pero es una de tantas formas coloquiales que en México se usan para referirse a un amigo entrañable. Me hubiera decantado por otras opciones. En España se titulará “Te quiero, tío”, una mejor adaptación del título a la forma coloquial española de referirse a un amigo, a un compañero o, en general, a cualquier tipo que se te ponga enfrente. Buen título en esta ocasión. En otros países se tituló:

És o Maior, Meu! - Portugal
Caut cavaler de onoare - Romania
Eu Te Amo, Cara - Brasil (bien por este título)
J't'aime mon homme - Canadá (igualmente para este)
Spancserek - Hungría
Trauzeuge gesucht! – Alemania

Finalizamos con los títulos que han quedado bien o sin mucho conflicto en español. La película infantil alemana Hexe Lilli, der drache und das magische buch, ha quedado como “Kika Superbruja y el libro de hechizos", un título con algunas licencias (se ha cambiado el nombre de Lilli a Kika), pero por lo demás no suena mal. Su traducción exacta sería "La Bruja Lilli, el dragón y el libro mágico". La comedia Miss March, ha quedado sin problemas como “Miss Marzo”, mientras la producción turca Pandora’nin kutusu, ha quedado bien como “La Caja de Pandora”. Por último, la producción catalana Tres dies amb la familia, se tituló en español “Tres días con la familia”.

THE LIFE AND DEATH OF PETER SELLERS * * * 1/2

En "The Life and Death of Peter Sellers", Geoffrey Rush ofrece una de sus mejores actuaciones, encarnando a un Sellers emocionalmente complejo.




Al acabar de ver una extravagancia biográfica como The Life and Death of Peter Sellers (2004), apurada y un poco saturada revisión de la vida de Peter Sellers, uno de los mejores comediantes británicos que haya existido, uno acaba con ganas de revisar buena parte de su filmografía para redescubrir su versatilidad y talento.

La película nos enfrenta con un ser lleno de traumas, problemas emocionales y muchos lados obscuros. Noveno largometraje del realizador jamaiquino Stephen Hopkins, estamos frente a una de las mejores actuaciones de Geoffrey Rush, quien interpreta magistralmente al camaleónico Sellers, sin caer en la sobreactuación. Rush imita la voz, gestos y demás manierismos de Sellers, a tal grado que se adivina el cuidadoso y completo estudio que hizo el actor australiano del comediante, abarcando desde su primera etapa en el programa de radio The Goon Show en la BBC durante los 1950, hasta la actuación que le dio su única nominación al Oscar, Being There (1979), de las actuaciones más serias de su carrera. Being There fue una perfecta representación de lo que sería este actor vaciado emocionalmente y despojado de sus múltiples personalidades.

Para Hopkins Sellers terminó así poco antes de morir, y la cinta es ambiciosa en su intento de aglomerar, en escasas 2 horas, la vida y filmografía de Sellers. Una impecable ambientación y recreación de los escenarios en los que el actor puso pie, siendo delicia y terror de directores como Blake Edwards (John Lithgow), quien conoció lo mejor y lo peor del comediante durante la filmación de su más importante saga fílmica, The Pink Panther, que lo catapultó a la fama internacional con su personaje del inspector Closeau.

De amoroso hijo y padre de familia, la fama y riqueza fueron cegando a Sellers, sacando a relucir tremendos problemas psicológicos, como el distanciamiento de sus padres, la relación edípica que tenía con su madre; las infidelidades, el cinismo y los desplantes violentos hacia su familia que lo llevaron al divorcio de su primera esposa, Anne (Emily Watson) y al final de su matrimonio con la actriz sueca Britt Ekland (Charlize Theron). Su adicción al alcohol y a las drogas lo tuvo siempre entre la vida y la muerte, por el padecimiento cardiaco que cegó su vida en 1980.

Si bien Hopkins peca de una excesiva estilización, la película destaca por su cuidado detalle en la reproducción de instantes memorables en la filmografía de Sellers, como su versátil trabajo en Dr. Strangelove, su primer trabajo junto a Stanley Kubrick, que representa la total caída de Sellers en la inestabilidad emocional. Resulta estupenda la delirante escena en la que Sellers, en un sueño, se enfrenta con sus otros “yo”, mientras lucha contra la muerte. Claro, lo mejor es la actuación de Geoffrey Rush y el cómo se mete en la piel de Sellers y en sus más famosos personajes. Rush narra la gloria y caída de un personaje que no fue víctima más que de sí mismo, y que fuera de cámaras, despojado de sus personajes, era un ser indefenso emocionalmente y propenso a la autodestrucción. Y la pregunta más importante de la película es ¿cuál era el real y auténtico Peter Sellers?, si es que alguna vez lo hubo.

++ El DVD incluye de extras filmografías y entrevistas con el reparto.

martes, 9 de junio de 2009

QUOTES

¡Maldita sea, qué fue eso que soñé ayer!




"La película estaba pensada originalmente para que fuera dirigida por Spike Jonze, pero al final se embarcó en otro proyecto y pensé mejor en dirigirla yo. Al final, lo que se ve en las historias que escribo y en esta película está inspirado en mis sueños. No podría dirigir los sueños de otros." Charlie Kaufman sobre Synecdoche, New York, su nueva película.

"La comedia puede ser un gran negocio, pero no es bonito" Steve Martin.

"Es un inofensivo entretenimiento, que dificilmente afecta el genio y misterio del cristianismo" algún periodista de "L'Osservatore Romano", el diario oficial del Vaticano, sobre Angels & Demons.

"Está bien que hagan películas de cualquier bestseller, pero querer causar polémica con algo que no tiene ni las bases, ni la seriedad se me hace patético. Aunque supongo que Dan Brown ha de tener bastante dinero para hacerse semejante publicidad, o la gente es muy tonta en siquiera suponer que sus patrañas son ciertas." Vince, blogger, sobre Angels & Demons.

¿Decepciona? Más bien, ratifica, ¿no? Digo, Tom Hanks, más un film basado en una novela de este güey, literatura barata. No la he visto, pero creo que 1+1 =..." Yameli Mera desde facebook, sobre Angels & Demons.

"Terminator 2 was such a badass movie. I remember it scared me, I couldn't watch it by myself, but I knew that I wanted a boyfriend like Edward Furlong." Pandy, blogger, sobre Terminator 2: Judment Day.


"Me aburrió soberanamente, y eso que me encanta (Isabelle) Huppert. Eso si: Aunque me gusta La reina Margot, (Patrice) Cheréau no es santo de mi devoción. Un film teatral, exagerado, frío, sin jugo..." Xavier Vidal, blogger, sobre Gabrielle.

lunes, 8 de junio de 2009

EN EL MUSEO

Junto a Guillermo del Toro, el actor Doug Jones es la estrella de la exposición, quien ha interpretado varios personajes en sus películas bajo kilos de maquillaje.





Se ha inaugurado el 4 de junio la exposición Diseccionando Fantasias, los Secretos de Guillermo del Toro, en el Museo del Estanquillo, ubicado en el Centro Histórico de la Ciudad de México. Acabo de visitar la exposición y, aunque es pequeña, es un compendio sumamente interesante sobre el "detrás de cámaras" de sus mejores películas: Cronos, El Espinazo del Diablo, Mimic, El laberinto del Fauno, y Hellboy II:The Golden Army.

En la exposición pueden apreciarse objetos interesantes, como el escarabajo dorado original que se utilizó en Cronos, el retrato de Federico Luppi que formó parte de su cartel, así como la bata negra que utilizó el actor Claudio Brook en dicho filme.

La mayor parte de la exposición está formada por vídeos sobre la creación de los efectos especiales, maquillaje, las criaturas de Hellboy II y El Laberinto del Fauno, incluyendo los dibujos y bocetos de los diseños de las criaturas. Por otro lado, también pueden verse en vídeo los planos originales de los sets de estas dos películas recientes de Del Toro. Aquellos interesados en estas áreas cinematográficas disfrutarán bastante la exposición, y olvidarán los incómodos sillones que el museo puso a disposición de los visitantes, para ver las múltiples pantallas de plasma.

Además de lo incómodo de los sillones, otro pero es la altura inadecuada en la que se han colocado las pantallas, así como la ausencia de sonido de este material.

Resulta interesante la "disección" y análisis por partes que se hace de la secuencia de créditos de Mimic, diseñada por Kyle Cooper, así como la demostración, paso a paso, de la creación de la escena de la caída de la bomba en El Espinazo del Diablo, y del maquillaje y los efectos especiales del niño fantasma en esta película.

Para más información, consultar la página web del museo.

SABIAS QUE...

"Y qué bien sirvieron esos 15 millones para mi campaña de 'governator' Hasta la vista...baby".






James Cameron tuvo la idea de Terminator (1984) después de ver el funcionamiento de una fábrica en medio del desierto.

La sinopsis inicial de Terminator fue vendida por la generosa cantidad de 1 dólar a la productora, Gale Anne Hurd, entonces esposa de Cameron.

Arnold Schwarzenegger cobró 15 millones de dólares en la secuela, Terminator 2 Judgment Day, y sólo decía 700 palabras en toda la película.

En cada episodio de la teleserie Seinfeld, que se transmitió de 1990 a 1998, siempre aparecía en algún lugar un Superman.

La marca de pianos más prestigiosa del mundo, Steinway & Sons, se llamó en The Flinstones “Stoneway”.

Siguiendo con The Flinstones, Cary Grant era conocido como "Cary Granite".

domingo, 7 de junio de 2009

ANGELS & DEMONS * *

"Angels & Demons" decepciona por una historia monótona y plana, donde tiene a sus personajes corriendo por toda Roma y el Vaticano la mayor parte del tiempo.





Sabía a lo que me enfrentaría al ver Angels & Demons (2009), secuela de The Da Vinci Code (2006), es decir, con una película medianamente palomera. Lo que también esperaba, era que estuviera, por lo menos, mejor que su predecesora, ante las críticas nada favorables que recibió. Nada más lejos de la realidad. Tom Hanks está de regreso como el académico y especialista en símbolos Robert Langdon, con un nuevo y mejorado “look” alaciado (apuesto a que hay peluquín de por medio), sin Audrey Tautou como compañera de reparto, sino con la guapa actriz israelí Ayelet Zurer. La película trae de regreso a los “endemoniados” Illuminati, quienes vuelven a sacudir los cimientos del Vaticano y la Iglesia Católica con sus vengativas amenazas de hacerla desaparecer.

El impacto mediático de esta nueva película, de nuevo dirigida por Ron Howard, sigue siendo, precisamente, la polémica que causaría en el Vaticano, al poner en duda un proceso, tanto político como religioso, como lo es el conclave, en el que se elige a un nuevo Papa. En Angels & Demons ocurre la muerte de un Papa, y alrededor de todo esto los llluminati, como si fuera un nuevo grupo terrorista, amenaza con destruir toda la ciudad de Roma con una bomba, fabricada con antimateria, secuestrando además a 4 cardenales. El camerlengo (Ewan McGregor, con un acento extraño que no define nunca) asume el poder hasta que se elija un nuevo Papa. La misión de Langdon (si decide aceptarla), es viajar hasta Roma para encontrar a los cardenales, descifrando los códigos secretos y pistas que va dejando la sociedad secreta de los Illuminati, en puntos clave de la ciudad.

No he leído ninguno de los libros de Dan Brown, puede ser que algún día lo haga. La articulista Kate Ward, de la revista Entertainment Weekly, ya se ha encargado de descubrir las inconsistencias y licencias históricas en la trama de Angels & Demons. Por ejemplo, es absurdo que se robe antimateria en un pequeño frasco, cuando para esto se requeriría algo tan grande como un trasatlántico, así como que los Illuminati ya no existen en la actualidad. Pero eso no es lo peor en la película, ya que a partir de esta clase de licencias se pueden hacer películas de aventuras excelentes, como las de Indiana Jones, de donde proviene la fórmula para las aventuras creadas por Dan Brown.

La diferencia es que las películas de Indiana Jones son mucho más entretenidas, mejor hechas, jamás resultaban aburridas y, lo mejor, es que en su mezcla de realidad y fantasia hacían parecer todo como real. Daban ganas (al menos a mí) de correr a buscar un libro para saber más del arca de la Alianza o de los caballeros Templarios. No negaré que sentí cierta curiosidad histórica cuando ví The Da Vinci Code. Me sonaba plausible la teoría de que en el cuadro de “La Última Cena”, Maria Magdalena aparecía también sentada en la mesa con Jesucristo, en lugar de uno de los apóstoles. Ya había escuchado en otro lado que Leonardo Da Vinci pudo haber pertenecido a una sociedad secreta, una teoría que se ha venido investigando desde hace tiempo pero que nunca se ha podido comprobar.

Nada de eso sucede en Angels & Demons. Su primera hora es monótona y cansada, en donde nada más vemos a Langdon, a la doctora Vittoria y a un policia, ir de una iglesia a otra desesperadamente, cada vez que el primero descifra unos símbolos en cuestión de segundos. Cuando llegan a un punto clave, hay diálogos y diálogos entre él y Vittoria, para luego… correr de nuevo a otro sitio, en donde seguro Langdon encontrará nuevas pistas. De las peores y menos creíbles escenas, son aquellas que tienen lugar dentro de los archivos del Vaticano, quizás el más vigilado y monitoreado del mundo, donde con la mayor facilidad Langdon y Vittoria destruyen un valioso texto de Galileo. Toda la vigilancia se reduce a un simple guardia con revolver, que los vigila de lejos.

El problema no son tanto estos detalles poco creíbles, de los cuales las mejores películas de aventuras están llenos, sino lo tediosa, plana y cansada que resulta la historia, incluido el villano, sin nombre, quien sorprendentemente actúa sólo y sin la ayuda de nadie en la conspiración y secuestros. Este villano le dice a Langdon una línea interesante, casi al final “Los hombres malos son ellos y están en el Vaticano”, o algo parecido.

El primer decepcionante blockbuster veraniego es Angels & Demons, con toda la tiesura de Langdon como aspirante a héroe de aventuras. Langdon es un personaje olvidable desde el momento en que salimos del cine, con sus cansinas y dialogadas lecciones de historia, sin que se despeine un solo cabello en su ir y venir por todo el Vaticano. Está años luz de ser nuestro nuevo Indy Jones, eso es seguro.

++Lo mejor: la israelí Ayelet Zurer, nueva acompañante de Langdon, más guapa y más cómoda en su papel que Audrey Tautou.
++Lo peor: la primera hora, un mónotono recorrido turístico-histórico por media Roma. Ah, y el cabello de Tom Hanks por segunda ocasión.

++Adecuada para: aquellos que hayan leído y disfrutado los libros de Dan Brown, que los hay y muchos.
++Inadecuada para: quienes hayan pasado una decepcionante experiencia viendo The Da Vinci Code.

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