viernes, 5 de junio de 2009

EL CARTEL (varios)

TERMINATOR SALVATION * *

Para Terminator Salvation se produjeron varios carteles, entre teasers y carteles de personajes. Hubo un cartel teaser que me llamó la atención, por haber transformado el cráneo metalizado de un "terminator" en la toma satelital de una ciudad, con los edificios, casas y calles formando el rostro. El cartel del estreno no podría ser más convencional y poco inspirado. Tan sólo el par de rostros de los protagonistas, Christian Bale y Sam Worthington, con la mitad obscurecida por el cráneo de un "terminator", colocado justo en medio. El simbolismo es por igual simple: los ojos faltantes de los actores son los del robot, representando así los destinos unidos de ambos por una lucha en común contra las "máquinas". Todo tiene un mínimo tratamiento digital, y la expresividad del cartel se reduce a las chispas incandescentes en la esquina inferior derecha y superior izquierda, que apenas y tocan los rostros de los personajes. El tagline es simple: The End Begins. Unos créditos apenas legibles y un diseño tipográfico poco atractivo (texturizando en metálico las letras), no hacen más que desanimar a los fans.


CORALINE * * * *

Para Coraline se produjeron muchísimos carteles. Destaca una enorme serie de carteles de personajes, dedicada a cada una de las letras del abecedario, donde cada letra da inicio al tagline de los carteles. En la letra A, por supuesto, aparece Coraline. El cartel principal del estreno, es un buen trabajo en el que sobresale, primero, su divertido diseño tipográfico, con letras torcidas y de formas variadas. El diseño del título tiene un botón en el lugar de la letra O, elemento importante en la historia. El cartel juega con el antagonismo visual entre la noche y el día. Al ser una película dirigida por Henry Selick (el mismo de The Nightmare Before Christmas), la parte de la noche es más interesante y divertida. En el centro, Coraline sirve como punto de división entre ambos mundos. A las formas armoniosas, curvas y coloridas del día, se contrapone una fría y purpúrea noche, con tres azulosos fantasmas volando y en primer plano la torcida silueta de un árbol, que da tensión visual al querere atrapar a Coraline. El tagline es genial: An Adventure too Weird for Words (Una aventura demasiado extraña para las palabras).


ARUITEMO ARUITEMO * * * 1/2


El cartel de Aruitemo aruitemo es un delicado homenaje al minimalismo japonés. En su pintura (seguramente hecha al óleo), que en sí es lo que forma mayormente al cartel, vemos tres personajes caminar por un sendero. Ninguno de ellos voltea y el primero lleva una sombrilla. Precisamente, el título de la película en español se traduce como “Todavía caminando”, el tema principal de la pintura, que sitúa a sus tres personajes en un pacífico escenario, sin necesidad de muchos detalles en sus formas. Es un cartel que transmite una auténtica sensación de serenidad (muy Zen, dirían los expertos en filosofías japonesas), que sin rozar lo extraordinario (Japón es un país que siempre ha destacado por su magnífico diseño gráfico), sabe utilizar los espacios en blanco para situar las tipografías, también sin detalle o profundidad.






JONAS BROTHERS THE 3D CONCERT EXPERIENCE * * *


Tomar una idea ya trabajada una y otra vez, para rehacerla de una forma distinta, es algo que se ve en los carteles para películas con frecuencia. El cartel de Jonas Brothers The 3D Concert Experience, es un trabajo de fotomontaje bien realizado, que apuesta más por transmitir la espectacularidad de estar en un concierto de Jonas Brothers, que por mostrar los retratos de cada uno de ellos. Si se le compara con el cartel de Hannah Montana and Milley Cirus Best of Both Worlds Concert (con una idea similar al de este cartel) acaba ganando por mucho el de Jonas Brothers. Al menos aquí, los diseñadores se preocuparon por proponer una composición en la que se tratará de lograr un efecto tridimensional, similar al de la pantalla de cine. Su trabajo tipográfico es también atractivo, en una combinación de volumen tridimensional con la simulación de un letrero luminoso en el nombre del grupo. No trato de decir que sea uno de los mejores carteles de la semana, pero dentro de este ya algo cansino subgénero de películas de conciertos en 3D, es un buen trabajo.

(H)OJEANDO REVISTAS

Fotografía tomada por Ed Clark, y que forma parte de la serie de imágenes inéditas publicadas recientemente por la revista LIFE. En esta imagen, Marilyn Monroe posa en el parque Griffith, en Los Ángeles.



La legendaria revista LIFE ha publicado, en su más reciente número, una serie de fotografías inéditas de Marilyn Monroe, realizadas por el fotógrafo Ed Clark a principios de la década de los 1950. Los negativos de estas fotografías fueron encontrados durante los arduos trabajos de digitalización que realizan los editores de la revista, a partir de los negativos de su enorme archivo.

El hallazgo es de aproximadamente 13 fotografias, que muestran a Marilyn Monroe ya usando su famoso cabello rubio, en las primeras etapas de su carrera como actriz, donde ya había actuado en películas como "The Asphalt Jungle".

"(Marilyn) Era desconocida en aquel entonces, así que pude pasar mucho tiempo fotografiándola. Salíamos al parque Griffith y ella leía poesía. Envié varios rollos a LIFE en Nueva York, pero me respondieron 'Quien diablos es Marilyn Monroe?' ", declaró Clark en una entrevista hecha en 1999.

La galería completa de fotografías puede apreciarse en la página web de la revista.

THE GODFATHER FAMILY ALBUM, NUEVO LIBRO SOBRE LA TRILOGÍA.

La prestigiosa editorial Taschen, ha publicado un libro dedicado a la trilogía de The Godfather, titulado "The Godfather Family Album", editado por Paul Duncan y el fotógrafo Steve Shapiro. El libro es una valiosa compilación de material fotográfico del mismo Steve Shapiro, en una exclusiva mirada al "detrás de cámaras" de toda la trilogía, dirigida por Francis Ford Coppolla.

La edición está limitada a 100 copias, cada una firmada por Steve Shapiro. Una de las curiosidades, es que el libro viene con la impresión exclusiva de un still, aquel en el que Michael (Al Pacino), le dice a Fredo (John Cazale): "I know it was you Fredo. You broke my heart - you broke my heart".

Las fotografías de Shapiro son las más famosas que se conocen de toda la trilogía, en donde inmortalizó a los miembros principales del reparto, como Marlon Brando, Al Pacino y Robert Duvall. Cada fotografía es una copia impresa de los negativos originales del archivo de Shapiro. Además, se incluyen artículos de fondo y entrevistas sobre la película. Son más de 400 fotografías en color y blanco y negro las que forman este libro, muchas de ellas nunca antes publicadas. El libro cuesta la modica cantidad de... $2,500.00 dlls.

Para más información, visitar la página de la editorial.



Impresión exclusiva del still tomado por Steve Shapiro, en el que Michael (Pacino) le confiesa a Fredo (Cazale) una terrible verdad. "You broke my heart - you broke my heart."

jueves, 4 de junio de 2009

EL CARTEL...CLÁSICO.

El dinámico concepto del cartel de Vanishing Point (1971), se basaba en el acomodo de los personajes en forma de una rueda, de cuyo centro parecía salir el automóvil Dodge Challenger.

Quentin Tarantino
rinde homenaje en Death Proof a una de las películas de persecuciones de autos emblemáticas de los 1970, Vanishing Point, incluyendo además un auto Dodge Challenger idéntico al de aquella película, dirigida por Richard C. Sarafian. El cartel de esta película combina muy bien la comicidad de la trama con una propuesta visual dinámica, que intenta simbolizar la velocidad de los autos en la película.

Dentro de una composición completamente céntrica, el acomodo de los personajes es de lo más original, emulando el giro de una rueda en contra de las manecillas del reloj. En el centro de esta composición circular, está la parte frontal del auto Dodge, rodeado de un colorido juego de luces barridas que convergen hacia el centro. Además de enfatizar el dinamismo de la composición, las luces rompen la monotonía cromática del exterior, es decir, la serie de personajes (en forma de ilustraciones) de un color sepioso-verdoso.




El cartel horizontal era una convencional ilustración, con una composición que de todas formas conseguía mucho dinamismo. Su diseño de título en perspectiva era lo más atractivo.

La ligera inclinación del coche hacia la izquierda, ayuda a señalar la lectura visual de los elementos que le rodean. Si observamos bien, los personajes son los mismos tanto en la izquierda como en la derecha, a manera de una imagen especular por ambos lados. Observando el cartel, uno deduce que la verdadera estrella de la película es el coche. Su juego de luces ayudan a darle mucho movimiento dentro de ese pequeño círculo obscuro en el que se encuentra encerrado. Forma un constraste dinámico entre el aparente movimiento frontal del coche (parece que se aproxima a nosotros), y el del giro de los personajes a la izquierda, acentuado visualmente con esas líneas barridas en sus cabezas y manos.

Gracias a esta interesante composición, el cartel puede respirar alrededor de estos elementos centrales. El fondo blanco representa el color del auto, y deja al diseñador con un espacio adecuado para el acomodo del tagline y el título. El tagline es como una traducción en palabras del concepto visual del cartel: “Tighten your seat belt. You never had a trip like this before” ("Ajusta tu cinturón. Nunca antes tuviste un viaje como este"). Debajo, el diseño tipográfico del título sorprende por su contradictoria sencillez, en contraste con la “rueda de personajes” superior. Su tipografía es de lo más estática y simple, sin estar inclinada hacia la derecha para simbolizar velocidad, lo que hace más interesante la depurada y tranquila propuesta tipográfica del cartel, que cierra con unos perfectamente legibles créditos. Me gustan ese par de márgenes inferior y superior, ya que sirven de contrapunto estático a la rueda que parece girar constantemente.

miércoles, 3 de junio de 2009

Y...¿CÓMO LE PONEMOS?

"¿Rebelde yo? No,...sólo número 5."





Empezamos con el estreno más esperado de esta semana, Terminator Salvation, cuarta película de la saga de Terminator. La película se nos ha quedado sin título en español. Es verdad que desde la primera película ya es internacionalmente conocido el personaje por su nombre en inglés, que en español se traduce más o menos con exactitud como “exterminador”. Pero tenemos un segundo vocablo que sí se puede traducir, “salvation”, el cual quedaría en español como “salvación”. Hubo muchos países que sí se animaron a traducirlo (incluso, uno lo hace como "redención"). “Terminator – La Salvación”, no hubiera sonado mal, título que de hecho llevará en México. Pero en fin, asumamos (como la distribuidora en España) que por deducción los espectadores entenderán el título. A continuación, los títulos en otros países.

Terminator 4 - Japón
Терминатор: Да придёт спаситель - Rusia
Exolothreftis: I sotiria - Grecia
Exterminador do Futuro - Salvação - Brasil
Terminátor - Megváltás - Hungria
Terminátor 4 – República Checa
Terminator - Ocalenie - Polonia
Terminator – Pelastus - Finlandia
Terminator - Salvarea - Rumania
Terminator rédemption - Canadá
Terminator renaissance Francia
Terminator: Die Erlösung - Alemania
Terminator: Kurtulus – Turquía

Otro título que se ha quedado en inglés es Jonas Brothers: The 3D Concert Experience. La Disney en España, en un increíble e inusitado derroche de originalidad, la ha dejado como “Jonas Brothers: Concert in 3D”. ¡Guau! Yo no me preocuparía mucho, ya que la película tiene pésimas valoraciones, seguramente de miles de fans inconformes. Me gustó el título de Venezuela, “Jonas Brothers: El Concierto 3D” y el de Perú, “Jonas Brothers en Concierto 3D”. Brasil decidió sintetizarlo más, “Jonas Brothers 3D”. Una muestra de que se pueden buscar varias posibilidades.

Con el título en español de Coraline, película animada de Henry Selick en 3D, que ha recibido estupendos comentarios por todos lados, sucedió casi lo mismo que con el título en español de Up en México ("Up: Una Aventura de Altura",…¡fatal la rima!), es decir, la tendencia de las distribuidoras por extender los títulos originales en español, pensando que: la gente se animará así más a verla, que nos hacen un favor ofreciéndonos una especie de “mini sinopsis” en el título, o que con esto mejoran el título original. Coraline quedó en español como “Los Mundos de Coraline”. De hecho, varios países, como México, la titularon “Coraline y la Puerta Secreta”. Lo que es seguro es que estamos ante típicos títulos "spoiler", es decir, nos dan por adelantado un detalle de la trama.

Vamos ahora con el que creo es el peor título de la semana. Se trata de la película francesa Coco avant Chanel, que en España ha quedado pésimamente titulada como “Coco, de la rebeldía a la leyenda de Chanel”. Es una muestra más de otra tendencia: la de alargar y complicar innecesariamente un título que, originalmente, es de lo más sencillo: “Coco antes de Chanel”. Aquí se percibe una inseguridad tremenda de los distribuidores, por el hecho de que tal vez los espectadores no tendrán ni idea qué es eso de “Coco” y eso de “Chanel”. Creyeron que agregando las palabras “rebeldía” y “leyenda” al título, los espectadores sabrán que al menos se trata de la biopic de un personaje famoso. ¡Qué caso tiene hacer todo este desbarajuste! La película nada más interesará, mayormente, a las mujeres, y además, sólo aquellas que conozcan y admiren a Coco Chanel, la diseñadora de modas y creadora del famoso perfume que lleva su nombre. A continuación los títulos en otros países

Coco Antes de Chanel - Brasil
Coco Before Chanel – E.U.
Coco Chanel - Der Beginn einer Leidenschaft - Alemania
Coco avant Chanel - Hungría
Coco avant Chanel - L'amore prima del mito - Italia
Koko avan Shaneru - Japón (¿¿qué??)

El siguiente título fallido es el que ha quedado para la película japonesa Aruitemo Aruitemo, que, por alguna intrigante razón, se dejó con el título internacional en inglés, “Still Walking”. Flaco favor le han hecho a una película japonesa no comercial, la cual tendrá que sobrevivir la avalancha taquillera de Terminator Salvation. Muy bien por Argentina, que la tituló “Todavía caminando”. Lo mismo ha sucedido para otra película asiática, la surcoreana Myliang, que en España ha quedado también con el título internacional en inglés, “Secret Sunshine”. Aquí mal para Argentina, que también la dejó con el título en inglés. La palabra "sunshine" tiene varios significados, pero el mejor adaptado a la trama sería algo como “La Alegría Secreta”. ¿Costaba mucho trabajo titularla así?

Finalmente, Home, el espectacular documental de Yann Arthus-Bertrand, se ha quedado también sin título en español. El documental es una mirada ecologista al planeta Tierra y el cuidado del medio ambiente. Por ello, me ha gustado mucho el título que le puso Brasil “Home: Nosso Planeta, Nossa Casa”. Yo lo hubiera sintetizado más, para dejarlo como “Nuestro Hogar”.

La única que se ha salvado, es una película animada de bajo presupuesto, Igor, coproducción franco-estadounidense, sobre ese clásico personaje del asistente del Dr. Frankenstein creado por la Universal. Qué bueno que no se les ocurrió titularla “Igor: el jorobado” o “Igor, un jorobado muy chiflado”, o alguna genialidad de estas características.

TARZAN ESCAPES * * *

Era entretenido ver al campeón olímpico de natación Johnny Weissmuller (medallas de oro en los juegos de 1924 y 1928), enfrentarse con leones, cocodrilos, panteras, matar búfalos para llevar “el pan” a su amada Jane, sin que un solo cabello se le despeinara, o recibiera algún rasguño. Tarzan Scapes (1936), era la tercera parte de una saga iniciada con la película Tarzan The Ape Man (1932), dirigida por Richard Thorpe, quien en el futuro se encargaría de dirigir otras películas del héroe en cuestión, como Tarzan Finds a Son! y Tarzan’s Secret Treasure.

Tiene una especie de exótica curiosidad apreciar las películas de Tarzan. La actuación de Weismuller (en realidad, de origen rumano), era físicamente demandante y apenas pronunciaba unas cuantas palabras. Tarzan Escapes, escrita por Ciryl Hume y basada en las historias escritas por Edgar Rice Borroughs, arranca con la llegada de los familiares británicos de Jane (Maureen O’ Sullivan, esposa de John Farrow, codirector de la cinta), para intentar encontrarla en alguna jungla africana. Sus familiares quieren comunicarle a Jane que será beneficiaría de una herencia dejada por un familiar recién fallecido.

Rita (Benita Hume, hermana de Ciryl Hume) y Eric Parker (William Henry), primos de Jane, son guiados por el capitán Fry (John Buckler), propietario y explotador de un grupo de nativos dirigidos a su vez por Bomba (Darby Jones). A todos les tendrá aterrados la leyenda del “simio blanco” (es decir, Tarzan) y que se les pueda aparecer para darles el susto de sus vidas. El peligro no será tanto Tarzán, sino la tribu de los gaboris, sádicos caníbales que gustan de partir a sus víctimas en dos amarrándolos a los árboles.

Los animales serán los que se roben la película, empezando por Chita, la simpática y escandalosa chimpancé amiga fiel de Tarzán; los elefantes que provocarán una embestida a los gaboris en una de las mejores escenas del filme, así como felinos, iguanas y un cocodrilo (en realidad, un convincente muñeco con el que Weissmuller se enfrenta bajo el agua).

Tarzan Escapes era una película con muchos efectos visuales, para hacer más creíbles los peligros a los que se enfrentaba Tarzan, como back projections, montajes frenéticos para hacer más ágil la acción, sets para escenas peligrosas (los peñascos y el pantano), o esa ingeniosa casa-refugio de Jane y Tarzan, construida con bambú y con un elevador que funcionaba al ser jalado por un elefante. Además, la casa tenía un molino hidráulico, un ventilador que funcionaba con energía “simiesca” (vamos, un monito lo hacia girar), etc., en un gran trabajo realizado por el director de arte Elmer Sheeley.

Weissmuller seguirá siendo el mejor Tarzán del cine. Nadie como él para dotar al personaje de inocencia y sentimentalismo, en combinación con su agilidad y fuerza, un héroe romántico que sufría cada vez que su Jane desaparecía. Cabe mencionar que Tarzan Escapes tuvo que ser reeditada para hacerla menos “salvaje” y sangrienta, quitando a unos pigmeos peligrosos y sus ritos caníbales. Además, a Weissmuller tuvieron que aumentarle el tamaño de su diminuto vestuario con respecto al anterior filme, Tarzan and His Mate. Viendo la edición definitiva, el erotismo de la película quedó bien sugerido por Thorpe, en la escena de la flor que suelta Jane en el lago, antes de “premiar” a Tarzan por la proeza de haber rescatado a una cría de gacela de ser devorada por un cocodrilo.

martes, 2 de junio de 2009

SABIAS QUE...

¡¡¡Esta es por tí tatara abuelo Deeeeepp!!!





Una gitana predijo a la rusa Marusia Zudilova, madre de la actriz Natalie Wood, que tuviera mucho cuidado con "el agua del océano", ya que moriría ahogada. Sin embargo, fue Natalie Wood quien murió ahogada al caerse al océano en estado de ebriedad, después de discutir una noche con su esposo, Robert Wagner, y su amigo mutuo, Christopher Walken, en 1981.

La esposa y la hija de Michael Caine, se negaron a verlo actuar en su nueva película Is Anybody There?, debido a que era la primera vez que lo veían morir en una película. "Hemos visto que te maten, pero no que realmente mueras de viejo y en cama", le dijeron.

El tatara tatara tatara... abuelo de Johnny Depp, fue un revolucionario que luchó contra los británicos durante la guerra de Independencia de los Estados Unidos, en el siglo XVIII.

El abogado de Kentucky Thomas Cruise Mapother, bisabuelo de Tom Cruise, era descrito en su identificación del servicio militar en la Primera Guerra Mundial como "bajo, corpulento y calvo".

El programa de televisión M*A*S*H estuvo al aire por 11 temporadas, de 1972 a 1983, pero la Guerra de Corea, donde se ambientaba, sólo duró 3 años.




lunes, 1 de junio de 2009

DEATH PROOF * * *

Quentin Tarantino homenajea en "Death Proof " a las películas de persecuciones de autos de los 1970, como Vanishing Point (1971).




Lamentablemente, creo que Tarantino sigue lejos de volvernos a ofrecer algo cercano a Pulp Fiction, su obra maestra. Jackie Brown y Kill Bill 1 estuvieron muy cerca de lo que podríamos llamar una gran obra tarantinesca, y puede ser que su nueva película, Inglourious Basterds, sea el regreso del buen Tarantino. En su más reciente largometraje, Death Proof (2007), Tarantino sigue gustando de reciclar ese cine de hace 30 años de bajo presupuesto, en el que no importaban mucho las estrellas, sino las persecuciones de autos y… los mismos autos.

Death Proof es el homenaje de Tarantino a ese cine de persecuciones de autos de los 1970, y a los dobles expertos en conseguir que un auto haga cosas inimaginables, como quemar llantas en el asfalto, volarlo espectacularmente, rodarlo por la carretera en aparatosos choques, etc. y, la mayoría de las veces, salir ilesos de estas escenas peligrosas. La película que homenajea en específico es Vanishing Point (1971), de Richard C. Sarafian, película emblemática de este subgénero olvidado. En la segunda parte de Death Proof, un auto blanco modelo Dodge Challenger, (el mismo modelo que aparece en Vanishing Point), es el protagonista de una espectacular persecución entre un psicopático doble, Stuntman Mike (Kurt Russell), y un grupo de chicas que trabajan de dobles en la industria del cine. Solo en una película de Tarantino podría verse algo así.

Lo que logra Tarantino aquí con Kurt Russell, es devolverle al actor un poco de esa vieja gloria que cimentó junto al realizador John Carpenter, en películas como Escape from New York (1981) y la secuela, Escape from L.A. (1996); The Thing (1982) o Big Trouble in Little China (1986). El Stuntman Mike que logra Russell es un tipo sarcástico y de doble cara, con una fetichista obsesión por las chicas, pero no una sexual, sino una de violencia sádica. Algo del fetichismo por los autos y los choques que se vio en Crash de David Cronenberg, sólo que con más humor negro. Tarantino le devuelve a Kurt Russell ese prestigio que tenía como actor de películas de acción serie B en los 1980.

Otra de sus protagonistas es Zoë Bell, una chica neozelandesa que trabajó como doble de Uma Thurman en Kill Bill, y en otros proyectos de Tarantino, como Grind House y Planet Terror. Incluso, el mismo Tarantino aparece cerca de un minuto haciendo el papel de un barman. El resultado de este extraño pero atractivo reciclaje, es una película dispareja que luce intencionalmente vieja y mal hecha en su edición y fotografía en la primera mitad. Stuntman Mike se presenta como un asesino serial en coche que no se anda con juegos. Mike conduce un auto negro, especial para filmar escenas de persecuciones, donde el asiento del copiloto ha sido retirado para montar la cámara, lugar en el que una guapa chica encontrará un destino sangriento.

Siento que en la primera mitad de Death Proof, Tarantino quiso hacer también su propio homenaje a la Nouvelle Vague, de la que se ha declarado admirador (en especial del cine de Jean-Luc Godard), en esa edición rudimentaria e improvisada, con jump cuts y música de unos cuantos segundos, así como escenas extensamente dialogadas y conversaciones que parecen naturales, marca de autor de Tarantino. Una de estas conversaciones tiene lugar dentro de un bar, con muros tapizados de posters viejos de películas mexicanas, como Las Tres Elenas (1954). Esta primera mitad luce como una película filmada en los 1970, sea por el tipo de cámara utilizada o por su tratamiento fotográfico.

Como sea, Death Proof es una película experimental a la que le sobra estilo pero le falta sustancia, musicalizada magníficamente con nostalgia y soberbia. Nuevamente, Tarantino recurre a Ennio Morricone con un par de temas, "Violenza in attessa", de la película "L'uccello dalle piume di cristallo", y "Paranoia Prima". El guión luce desastroso, con personajes que aparecen en una escena y de los que ya no volvemos a saber nada después, pero como decía, esa ha sido la intención de Tarantino. Hay escenas filmadas con gran solvencia e inspiración, como ese plano secuencia de la larga conversación de las chicas dentro del restaurante en la segunda parte, ese sádico y un poco gore choque frontal que sirve para dividir un relato del otro, o la persecución final.

El mundo de los dobles cinematográficos dista mucho de ser interesante y complejo, al menos desde el punto de vista de Tarantino. Death Proof llega a rozar lo misógino, pero al final el grupo de cuatro chicas se trastoca en las heroicas supervivientes de un lunático del camino como Stuntman Mike. Lo seguro, es que Death Proof está lejos de quedar entre mis películas favoritas de Tarantino, aunque es mucho más interesante, por ejemplo, que Kill Bill 2.

++Disponible en una edición especial con estuche metálico, que incluye 2 discos. Como extras incluye "Dobles sobre ruedas: Los conductores legendarios de Death Proof", "Kurt Russell como Stuntman Mike", "Encontrando a las chicas de Tarantino", versión completa de "Baby, it's you", "Los chicos de Death Proof", "Presentando a Zoe Bell", "La gran colaboradora de Quentin Tarantino: la editora Sally Menke", trailer del documental "Double Darem".

domingo, 31 de mayo de 2009

ANGELS & DEMONS VS REALITY

"Bueno, pero de mi nuevo y alaciado 'look' qué opinas eeeh."





La multipublicitada y, supuestamente, controversial Angels & Demons, secuela de The Da Vinci Code, ha sido poco menos de lo que esperaba. Debo confesar que esperaba algo mínimamente mejor que la primera película, luego de las pobres críticas que tuvo. Para mí, no ha sido más que un churrito palomero, que basa su fuerza mediática en qué tanto hará temblar a la Iglesia Católica y al Vaticano (¡Qué miedo!). La articulista Kate Ward de la revista Entertainment Weekly, ha señalado en su artículo "Angels & Demons vs Reality" algunos puntos que contradicen la "realidad" en la que se basa Dan Brown para su bestseller. Ward toma como base el libro "The Vatican" de Fr. Michael Collins y una entrevista con el físico Lawrence M. Krauss.

Angels & Demons: El Vaticano debe frustrar las amenazas de Los Illuminati, un grupo de científicos que busca venganza por haber sido perseguidos por la Iglesia en el siglo 17.

La realidad: Una sociedad secreta llamada "Illuminati" surgió de pronto en el siglo 18 en Bavaria, pero no como Dan Brown imagina en su libro, y no sigue existiendo ahora.

Angels & Demons: Los cardenales de la Iglesia se reúnen en un conclave, recluyéndose en la Capilla Sixtina para elegir un nuevo Papa.

La realidad: Los cardenales sí se reúnen en la Capilla Sixtina para deliberar y elegir un nuevo Pontífice. ¿Qué tanto tiempo están en este aislamiento? Bueno, "conclave" de hecho es una palabra latina que significa "bajo llave".

Angels & Demons: Luego de la muerte del Papa el "camerlengo" (Ewan McGregor), destruye el anillo papal, conocido también como el "anillo del pescador".

La realidad: Esta práctica data desde la Edad Media. El "anillo del pescador", también usado para sellar documentos, es aplastado y enterrado con el Papa, para evitar así falsificaciones de documentos. El Vaticano de hecho sí tiene un "camerlengo", pero es menos poderoso que el interpretado por McGregor en la película.

Angels & Demons: Científicos de la Organización Europea de Investigación Nuclear (CERN), crea suficiente antimateria para suplir de energia a una ciudad...o destruirla.

La realidad: La CERN ha realizado investigaciones sobre antimateria y ha logrado producir pequeñas cantidades. De acuerdo con Lawrence M. Krauss, un físico teórico de la Universidad de Arizona, tomaría "más que la historia del universo" para producir suficiente energía como para destruír una ciudad entera".

Angels & Demons: Un miembro de los Illuminati roba antimateria del CERN y se la lleva al Vaticano usando un pequeño frasco.

La realidad: "Llevar antimateria en ese recipiente es ridículo," dice Krauss. "Necesitas enormes campos magnéticos. No es algo que lleves cargando por ahí en tu bolsillo, sino en algo más cercano a un trasatlántico".

- Próximamente la reseña de la película.

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