DVD: DIE ANOTHER DAY * * * 1/2

Si hay algo que mantiene vigentes a las películas sobre el agente OO7 es, indudablemente, la actualización de sus argumentos a la realidad política mundial, así como también un rostro que cambia, que se niega a envejecer. Pierce Brosnan tomó la estafeta durante 4 filmes antes que Daniel Craig ocupará su lugar como el nuevo James Bond. Brosnan dotó a James Bond del carisma y la personalidad necesarias.

Die Another Day, (Reino Unido-E.U., 2002), la amenaza mundial proviene del lejano oriente. Los norcoreanos, plasmados como seres desquiciados por la tecnología, militares comunistas ávidos por poseer montones de diamantes e, incluso, uno inconforme con sus rasgos faciales.

Bajo la dirección de Lee Tamahori, esta película es de las más espectaculares del 007, con escenas de acción impresionante que desafían toda ley física. No hay imposibles para el 007. Los villanos: un coreano que, por accidente, lleva diamantes incrustados en el rostro (Rick Yune); otro es el hijo mimado de papá y que, por lo mismo, ha logrado transformar su rostro en el de un caucásico adinerado inglés, que lucha por obtener el control del principal mercado de diamantes en el mundo. Posee un arma letal con la que pretende inundar el mundo derritiendo los polos terrestres: un gigantesco rayo láser que orbita la Tierra desde el espacio.

Halle Berry, la “chica Bond”, encarna la “contraparte femenina” del 007, en un papel que desafortunadamente jamás logra despegar. Las sobradas escenas de acción que tiene no se lo permiten. Pierce Brosnan no logra hacer química del todo con Jynx (el personaje de Berry) agente de la CIA.

No hay duda que lo mejor de Die Another Day son unas escenas de acción bien logradas (el duelo de esgrima con cameo de Madonna incluido, la persecución del rayo láser contra Bond en medio de un paisaje polar excelentemente fotografiado). Pero también tiene una de las tramas menos originales de la franquicia, ya que es muy parecida a Diamonds are Forever (Guy Hamilton, 1971), donde Sean Connery como el 007, tenía que pelear contra un traficante de diamantes, buscando apoderarse del mercado de tan preciadas joyas para construir un gigantesco rayo láser. En cierta medida, Die Another Day es un homenaje a ese filme clásico del 007.

++Existen dos ediciones de lujo en DVD. La más sencilla, en su disco de extras contiene: dentro de "Muere otro día", documental "Agitado no Revuelto en Hielo", desglose de la Misión, secuencias de Inter-Acción, diseño de títulos iniciales, gradación digital, detrás del equipo de Espía, galería de fotografías, ministerio de propaganda, videoclip de Madonna "Muere Otro Día", cómo se hizo el Vídeo de Madonna "Muere Otro Día", tráiler y cómo se hizo el Videojuego de 007, del guión a la pantalla.

CINE ANIMADO: HEAVY METAL 2000 * * 1/2

Películas animadas del tipo de Heavy Metal 2000 (Canadá-E.U.-Alemania, 2000) difícilmente se verán estrenadas en las pantallas comerciales. Es un tipo de cine de animación alejado de los largometrajes familiares e infantiles, más cercano al público adulto, en el que se puede ver violencia, sangre y algo de erotismo explícito. El título remite inmediatamente a la famosa revista Heavy Metal, conformada por cómics y mini-novelas gráficas de temáticas diversas: desde la ciencia ficción, hasta historias estilo hard- boiled, creadas por distintos autores, exhibiendo una gran variedad de técnicas de ilustración.

El argumento de Heavy Metal 2000 parece extraído de aquella revista, como lo era Heavy Metal (Gerald Potterton, 1981), suerte de película antecesora, en la misma línea de ciencia ficción espacial, erotismo, con mujeres amazónicas de esculturales cuerpos. Dirigida por Michael Coldewey y Michel Lemire, la manufactura visual de Heavy Metal 2000, basada en la novela gráfica The Melting Pot de Simon Bisley y Eric Talbot, es simple y de lo más funcional. Sus contadas escenas atractivas hechan mano de efectos digitales, como ese ataque inicial al planeta desértico, con el que arranca la historia de venganza que llevará a cabo una de las sobrevivientes, Julie (voz de Julie Strain), luego de que una flota de piratas espaciales arrasaran con todo y provocaran la muerte de su padre.

Separada de su hermana al caer prisionera del líder de los atacantes, Tyler (voz de Michael Ironside), la atractiva pero agresiva Julie, iniciará una frenética búsqueda por el espacio junto a uno de los piratas, abandonado por el jefe, pasando por toda una serie de escenarios inspirados en sagas espaciales fílmicas clásicas (Star Wars y Star Trek, por decir algunas) con lugares comúnes (el infaltable bar lleno de escoria espacial), personajes cliché (el alienígena sabio de aire misterioso, una roca parlante como el compañero leal), que acompañarán a Julie en su búsqueda de Tyler, quien usa una fórmula de inmortalidad que lo hace invencible. Julie estará dispuesta a todo con tal de consumar su venganza.

A favor de Coldewey y Lemire, la película no aburre, a pesar de su plano concepto visual, su historia predecible, su villano y prácticamente todos los personajes pobremente construidos. La excepción será la escultural Julie, no nada más por su bien dibujadas líneas, sino por ser el único personaje interesante y bien configurado, en todos los sentidos.

DVD: TUVALU * * * *

Anton (el francés Denis Lavan, muy cómico sin mucho esfuerzo) es un hombrecillo (cual grumete de un barco), dedicado afanosamente a mantener limpio el negocio familiar: una alberca pública. Su único objetivo es lograr que no se venga abajo y, además, que su padre, anciano invidente, se convenza de que la alberca está llena de gente, chapoteando, divirtiéndose ruidosamente. El padre de Anton funge un imaginario papel de salvavidas, en su silla favorita a la orilla de la alberca, para que así pueda escuchar el ruido de la gente, que no es más que una grabación desgastada, que sirve para montar una de las farsas más tiernas que un hijo haya fabricado para el beneplácito de su padre.

Estos y otros delirios conforman Tuvalu (Idem, Alemania, 1999), del director alemán Veit Helmer (quien coescribió el guión junto a Michaela Beck y Lyudmila Merdzhanska), una película conmovedoramente extraña, y también un interesante ejercicio fotográfico conformado por una serie de imágenes delirantes, ubicadas en un lugar atemporal e inespecífico.

Además de sus labores cotidianas en la alberca, el chaplinesco Anton se encarga de mantener funcionando la caldera, hasta que llega Eva (muy guapa Chulpan Hamatova) con su padre Kart (Phillipe Clay) a usar la alberca, robando la primera el corazón de Anton. Eva y su padre han quedado varados en la costa, debido a que su barco se ha descompuesto y necesita una pieza de reemplazo para su funcionamiento.

Eva descubre que una de las piezas de la caldera podría hacer que la embarcación funcione, por lo que la catástrofe llega cuando se roba dicha pieza, provocando que la piscina quede paralizada. Gregor (Terrence Gillespie), hermano de Anton, encarnando el lado materialista de la historia, quiere derrumbar el ruinoso establecimiento, que ya ni siquiera pasa las inspecciones oficiales, para construir un edificio nuevo que le reditúe ganancias, a expensas de su padre y de Anton.

La película de Helmer, cargada de imágenes sublimes (hermosa secuencia en la que Eva ejecuta una danza acuática con un pez dorado), de la mano de un surrealismo inocente, humorístico (la máquina surtidora en la taquilla), homenajea el slapstick de Chaplin y Buster Keaton, a través de unos personajes tiernos y conmovedores, que consiguen levantar un verdadero teatro del absurdo.

Protagonizada por actores de diferente nacionalidad, la calidad de su trabajo se basa en la gestualidad, su lenguaje corporal y sonidos de los personajes, para establecer una comunicación más allá del diálogo, ya que los actores no pronuncian diálogo alguno durante todo el filme.

Más bien, es un ejercicio de estilo prodigioso, que emula las películas silentes de los 1910 y 1920, filmada en cámara rápida, fotografiada con una paleta que va del sepia, pasando por el verde y el azul, solarizaciones alucinantes, en un logrado trabajo del cinefotógrafo Emil Christov.

Esta fábula es una metáfora sobre la deshumanización y la excesiva tecnologización, como un elemento peligroso, amenazador: Anton, es esa parte nostálgica y humana, que lucha por seguir en pie en una sociedad altamente tecnologizada, en conflicto con Gregor, cómico y grotesco al mismo tiempo, y que termina por robarse la película.
Tuvalu esconde debajo de su historia romántica discursos contemporáneos sobre la degradación social que se vive en la actualidad, que encuentra su perfecta expresión en un filme bello y simpático a la vez.

++Hasta la fecha, no existe edición en DVD en España, aunque sí en Región 1 y Región 4.

EN CARTELERA: THE SPIDERWICK CHRONICLES * * 1/2

Mientras haya escritores interesados en crear libros con historias de fantasía, seguirá habiendo cine infantil de dicho género. La fórmula le ha funcionado bastante bien a Hollywood: adaptar betsellers literarios infantiles (por lo regular conformados por series de 7 a 9 libros) y convertirlos en redituables franquicias, que den para un filme por año. Toca ahora a The Spiderwick Chronicles (E.U., 2008), del realizador Mark Waters, la adaptación de la serie literaria homónima escrita por Tony DiTerlizzi y Holly Black.

The Field Guide, primer título de la serie y que es adaptado aquí, cuenta una historia con elementos que ya hemos visto incontables veces: Jared (Freddie Highmore, niño actor indispensable en esta clase de filmes) llega a vivir a la antigua casa de sus antepasados, enmedio del bosque, acompañado de su hermano gemelo, Simon (Highmore también), su guapa hermana Mallory (Sarah Bolger) y su mamá (Mary-Louise Parker), quien se encuentra pasando por un momento difícil debido a la separación de su esposo. En la casa vivía el bisabuelo de Jared, Arthur Spiderwick (David Strathairn), aficionado investigador de fenómenos y seres fantásticos, sobre los cuales escribió un valioso compendio de hechizos, fórmulas mágicas, seres buenos, malos y demás cosas por el estilo, y que un buen día desapareció sin que se volviera a saber de él.

El escenario es ideal: un entorno familiar conflictivo, fragmentado (peleas entre los hermanos, una mamá triste y desesperada, los chicos disgustados por la mudanza) para un relato escapista de aventuras fantásticas, donde los verdaderos protagonistas serán los efectos digitales con una serie de criaturas generadas por animación digital, muy logradas en su parte visual aunque no tanto como personajes. Ni un antiguo duende habitante de la casa y celoso protector del libro de Spiderwick, ni una criatura con forma de cerdo y que se alimenta de aves, logran ser lo suficientemente atractivos como personajes.

La película nunca logra atrapar, no tiene la magia suficiente. El universo fantástico de ese bosque misterioso, habitado por sapos deseosos de apropiarse del libro de Spiderwick, gobernado por un ogro gigante capaz de cambiar su apariencia, son tan interesantes, divertidos o con el carisma necesario.

Sin embargo, por lo que pude constatar en la proyección a la que acudí, la película acaba siendo disfrutable para el público infantil, tal vez por su total falta de pretensiones, si no es nada más que para entretener durante un rato. Algo tiene el filme que creo gusta a los niños y no es nada más el sumergirse un poco en la fantasía, sino el sincero e inocente desparpajo y escatología bien dosificadas que ostenta, cosa que ya es suficiente para hacerlos reir un rato. Aunque esperemos que la próxima adaptación tome en cuenta también al público adulto.

++En varias partes del mundo, la película se presentó en premier especial con una versión digital transmitida de manera simultánea vía satélite.

DVD: CHILDREN OF MEN * * * * *

En su cuarto largometraje realizado en el extranjero, Children of Men (E.U.-Reino Unido, 2006), Alfonso Cuarón deja patente su gran capacidad para aprovechar los grandes recursos técnicos y efectos especiales, en favor de una historia interesante y propositiva. Aunque ambientada en un escenario futurista y apocalíptico, ya explotado en numerosas ocasiones: la sociedad fascista orwelliana, represora y paranoica, el resultado es una cinta impresionante y entretenida por su estupenda producción y su buen reparto.

Adaptación de la novela de P.D. James, en una de las secuencias finales de Children of Men (de las más logradas y sublimes de la película), el protagonista, Theo (Clive Owen, notable y esforzado), luego de haber salido aparentemente inmune de una lluvia de balas y bombas, en una ruinosa y bombardeada ciudad (no muy alejada de las imágenes de una guerra en la Franja de Gaza o Irak), abre camino entre soldados e inmigrantes replegados a la chica que ha dado a luz al primer bebé nacido luego de 18 años de que ninguna mujer ha dado a luz. Una imagen milagrosa y esperanzadora, que avisa un futuro prometedor para la humanidad.

Estamos en Inglaterra, año 2027. El ser humano más joven del planeta acaba de morir, y con ello la niñez ha quedado extinta. El país está gobernado por un régimen fascista, confinando a todos los inmigrantes en jaulas para ser enviados a campos de concentración. En tanto, un grupo revolucionario, “The Fishes”, está llevando a cabo atentados terroristas con bombas en Londres en contra del régimen. Theo, alcohólico y desencantado ex activista, luego de reencontrarse con su ex novia y ahora líder terrorista, Julian (Julianne Moore), esta le pedirá ayuda para realizar una arriesgada misión: ayudar a Kee (la revelación Claire-Hope Ashitey), una chica negra que lleva en su vientre al primer bebé luego de muchos años, a llegar sana y salva a un refugio en donde la raza humana pueda experimentar un renacer.

Cuarón es consciente que tiene en su película a un elenco que se desempeña con suma naturalidad y eficacia. Michael Caine, se divierte a sus anchas y casi se roba la película como el hippioso Jasper, ex activista y pacifista (luchó contra la guerra de Irak en su momento). Así, Cuarón puede dedicarse a dirigir con mucha habilidad las escenas de acción, las persecuciones, crear digitalmente escenarios estupendos (de antología el globo del cerdo flotando, homenajeando el concepto del disco “Animals” de Pink Floyd) y una gran mención especial merece el magistral trabajo de fotografía del mexicano Emmanuel Lubezki, quien tuvo a su cargo la nada despreciable tarea de filmar toda la cinta con cámara portátil. El mayor logro del “Chivo” Lubezki, es haber filmado todas las secuencias finales emulando un verdadero estilo periodístico en un escenario de batalla urbano, mientras sigue a Clive Owen por todos los rincones de una ciudad en ruinas. Un punto más a la filmografía de Alfonso Cuarón, un artesano en el sentido menos comercial del termino.

++ El DVD se encuentra disponible en edición HD-DVD y una magnífica edición de lujo con dos discos, uno con el filme y otro con muchos extras:
* La posibilidad de la esperanza: Un documental de Alfonso Cuarón que examina los temas de Hijos de los Hombres
* Hombres bajo ataque: Descubra cómo los realizadores crearon las escenas más peligrosas de la película
* Comentarios de Slavoj Zizek acerca de Hijos de los Hombres
* Efectos visuales: Engendrando a la criatura
* Escenas inéditas
* Theo y Julian: Conozca el argumento por dentro de la mano de Clive Owen y Julianne Moore
* Diseño futurista: Del concepto a la creación. Vea cómo cobró vida la dinámica vision del futuro del director Alfonso Cuarón