viernes, 22 de mayo de 2009

EL CARTEL (Varios)

NIGHT AT THE MUSEUM: BATTLE OF THE SMITHSONIAN * * *

La única virtud del cartel de esta secuela, es su buena composición, que agrupa varios elementos y personajes de la película sin muchos problemas. Su tagline es simpático "When the Lights go off, the battle is on”. Su concepto se inspira en los carteles de grandes repartos y temas de aventuras de los 1980. A pesar de que los personajes posan inmóviles, el cartel está lejos de sentirse estático, gracias a su juego de luces y a los elementos del fondo, como esos aviones rojos, el cohete, el pulpo que escala el muro, el tiranosaurio que se asoma en la parte izquierda. Todo ayuda a darle vitalidad, incluyendo esa luz incandescente del fondo. Los detalles arquitectónicos del interior del museo, sirven mucho para definir la composición y situar los elementos. Una de las cosas que me pareció atractiva también es el diseño del título, inspirado en el letrero de la fachada del museo. Está lejos de ser un cartel extraordinario, pero como muchos carteles de este tipo de blockbusters veraniegos, funciona y resulta efectivo.


GOOD * * 1/2


El cartel de Good es de una sobriedad impresionante. Ninguno de los personajes mira de frente, lo que hace más interesante su propuesta visual. Está lejos de ser un cartel gráficamente destacable, y su información se reduce simplemente al título de la película, el nombre de su protagonista en la parte superior y pocos créditos debajo del título. No es un cartel que se acerque a los elementos convencionales de una película comercial. Lo que destaca en este tímido cartel, es su propuesta estética, inspirada en una fotografía antigua virada al sepia con retoque digital, para dar la idea simbólica del pasado. A pesar de lo neutral de su propuesta cromática, se siente dramático gracias a ese grupo de nubes en el fondo, además de la actitud triste y pensativa de sus personajes. Su lectura visual es sencilla: empieza con el personaje al fondo, sigue con el de en medio y termina con Mortensen en primer plano, con el título colocado a su altura. Me parece un cartel más cercano a lo que sería la portada de una novela, pero es rescatable su concepto visual.


PRANZO DI FERRAGOSTO * * * 1/2

Por primera vez me ha gustado más la versión española de un cartel que el original. Contrario al soso cartel original italiano de Pranzo di Ferragosto, que se limitó a poner la simple caricatura de una mesa vacia con zapatos debajo, el cartel español es una agradable apuesta colorida, basada en una simple imagen con los colores manipulados digitalmente. Su único pero, es lo saturado que resulta en la parte superior, colocando los premios que ha ganado la película. No me convencen mucho los multiples colores de la tipografía del título. Su tagline es pésimo, y no es más que un lugar común: “Una comedia a la italiana”. Suena estúpido y creo que se ha dicho eso de medio centenar de comedias italianas. Como sea, la idea inmediatamente nos hace pensar en una comedia con sus toques de melodrama, gracias al equilibrio cromático que consigue basándose en en un nostálgico color amarillo. El personaje en motocicleta nos remite a una aventura que emprende, llena de posibles sorpresas. En ese sentido, el cartel funciona debido a que despierta en el espectador preguntas que lo pueden impulsar a ver el filme. ¿A dónde se dirige este personaje? ¿Por qué emprende este viaje?


ASBE DU-PA * *1/2


El cartel de Asbe du-pa (El Caballo de Dos Piernas) es un caso parecido al de Good: un cartel con elementos mínimos, que se limita a poner la menor información posible. Nuevamente, más que un cartel, me parece hecho para la portada de un libro. Incluso la tipografía del título me recuerda la de un libro. El fuerte de este cartel, es la calidad y fuerza artística de su imagen principal, formada por un árbol seco y un personaje a su lado, en silueta y como en contraluz frente a un atardecer. En realidad son dos personajes, ya que la historia trata sobre un niño cojo que es ayudado por otro a ir a la escuela, llevándolo a sus espaldas. De lejos, luce como un grabado o una acuarela. El cartel original es exactamente igual, aquí nada más ha cambiado el título y su tipografía. Sus créditos en la parte inferior apenas y son legibles, sobre ese fondo obscuro donde han sido colocados.

EL CARTEL...CLÁSICO

Cartel para el "10° Aniversario de The Empire Strikes Back" (1980), realizado en 1990, tiene un concepto visual inspirado en el cómic y está realizado con una magnífica técnica de aerógrafo.

No nada más The Empire Strikes Back es la mejor película de la trilogía clásica (bueno, de todas las películas) de Star Wars, sino que también sus carteles son también de los mejores de una película de la saga creada por George Lucas, que ahora ha continuado con una serie animada por televisión. En esta ocasión haré una pequeña revisión de varios carteles representativos, centrándome en el cartel del "10° Aniversario de The Empire Strikes Back", realizado en 1990.
Su técnica al aerógrafo me parece impecable y magistral, contrario a otros carteles de Star Wars previos, como los del Episodio IV, hechos con una técnica de ilustración (seguramente al acrílico) muy rudimentaria y una composición descuidada. Los carteles del Episodio V vinieron a mejorar muchísimo esto después de la primer película, de 1977. Este cartel está diseñado por Lawrence Noble, y la constante en este trabajo (como en todos los carteles de Star Wars), es la presencia predominante de Anakyn Skywalker/Darth Vader.


De entre los primeros carteles del rebautizado como "Episodio V", predomina este por su notable composición en perspectiva triangular, y por la casi etérica presencia de Darth Vader en la parte superior.

La composición está sumamente cuidada. El concepto del cartel está inspirado en el cómic, por lo que las imagenes y su colocación recuerdan a las viñetas de un cómic, por ejemplo, la mano de Vader parece sobresalir y estar encima de los demás elementos, con tres fuentes de luz iluminándolo: arriba una especie de Sol que le proyecta una luz cálida, simbólica en muchos sentidos (denota el poder del personaje, y además, su renacer a una nueva étapa en la trama del filme), a la izquierda el sable laser rojizo, y por debajo, una luz azulosa, más fría, que ilumina su mano. Esta posición le da una calidad tridimensional (gracias también a esa sombra que proyecta la mano) y volumen al cartel.

El cuerpo de Vader (para ser exactos, su capa) se funde con el cielo estrellado de la imagen inferior. Lo que sirve de división es el extraordinario logotipo (el mejor de toda la saga), con un diseño dinámico y mucha fuerza en su tipografía gruesa y metálica, típica de los años 1980. Lo más atractivo de este logo, es cómo están acomodadas las palabras “Star”, en la parte superior, y “Wars”, en la parte inferior, unidas por la franja que sirve de marco del título del filme. El logotipo tuvo ciertas variaciones en los primeros carteles de la película, pero aquí su uso en la composición es superior. La "E" inicial sirve para cubrir la palabra “Empire”, y debajo de “Strikes back” vemos otra línea gruesa de apoyo visual, para enfatizar la última frase.


El maestro Drew Struzan, especialista en técnicas de ilustración al acrílico, realizó el último cartel de "The Empire Strikes Back" en 1997, para la "edición especial" restaurada de la película. Una propuesta en extremo dinámica y de composición céntrica, que apuesta más por la presencia de naves espaciales que de actores.

La imagen está ambientada en el planeta nevado (del cual no recuerdo su nombre), con Luke y Leia observando al Halcón Milenario volar encima. La nave sirve para dar más dinamismo a la composición, y la estela azul que deja imprime tensión y movimiento. Parece entrar desde fuera del marco de esa imagen. El contraste cromático que maneja Noble es simbólico, un antagonismo entre la luz rojiza de Vader, con el frío azul de la imagen inferior.

Finalmente, los créditos están perfectamente legibles, en una tipografía sin mucha estilización y en color blanco. Al centro, llama la atención el pequeño logotipo del "10° Aniversario", una imagen altamente contrastada de Luke montado en una de esas criaturas con cara de camello que aparecen en el planeta nevado (tampoco recuerdo sus nombres). En resumen, un cartel que no funciona mucho con fines comerciales (no se ven los rostros de los actores principales, por ejemplo), símplemente como un "cartel homenaje" a la película.

miércoles, 20 de mayo de 2009

Y... ¿CÓMO LE PONEMOS?

"En serio Jason, no sólo soy bueno para actuar, sino que soy bueno para pintar y escribir, y dicen que hasta para la música soy bueno."






Empezamos esta semana con Night at the Museum: Battle of the Smithsonian, la secuela de Night at the Museum (2006), comedia plagada de efectos especiales con Ben Stiller. En español ha quedado simple y sosamente como "Noche en el Museo 2", al igual que en otros países de Europa. Me extraña que ahora ni siquiera se haya titulado, Night at the Museum: Batalla del Smithsoniano, o algo parecido, que tal vez hubiera sido mejor que el aburrido título que le han puesto. Es uno de los estrenos fuertes de esta semana y necesitaba de más atractivo a la hora de titularlo. Está de más decir que hubiera quedado mejor “Una Noche en el Museo: Batalla del Smithsoniano”. En otros países se ha titulado así:

Night at the Museum 2 - Finlandia / Singapur
Natt på museet 2 - Noruega / Suecia.
Una noche en el museo 2 - Argentina / Venezuela
Ночь в музее 2 - Rusia
La nuit au musée 2 - Francia
Mia nyhta sto mouseio 2 - Grecia
Nachts im Museum 2 – Alemania
Night Museum 2 - Japón
Uma Noite no Museu 2 - Brasil
Una notte al museo 2 - Fuga dagli Smithsonian - Italia

Vamos ahora con la película que se ha quedado sin título en español. Se trata de Good, un melodrama ambientado pocos años antes de la Segunda Guerra Mundial, con Viggo Mortensen y Jason Isaacs. El título hace referencia al personaje que interpreta Mortensen, un profesor de literatura, un “buen” hombre cuya novela sobre la eutanasia se encuentra entre las favoritas del Führer Adolf Hitler. ¿Hubiera sido mejor titularla “El Buen Alemán”? No me convencería mucho, ya que recuerda a la película (también de tema "Segunda Guerra Mundial ") “The Good German”. En Brasil fue titulada “Um Homem Bom”, es decir, “Un Buen Hombre”. No suena mal, y se nota el esfuerzo por buscar la mejor traducción para el título original.

Vratné lahve, del realizador checo Jan Sverák, ha quedado con un título algo cursi, “Sueños de juventud”, además de innecesariamente largo. El título original se traduce como “Botellas retornables”, título que de hecho sí se uso en Argentina. El título internacional en inglés quedó como “Empties”, es decir “Vacías”, en referencia a las “botellas vacías”.

Otro título no muy logrado en español, fue el de la producción italiana Pranzo di Ferragosto, que ha quedado como "Vacaciones de Ferragosto". El título es pésimo, ya que la traducción es mala, y no le dice prácticamente nada al espectador español sobre lo esencial de la película. La traducción correcta sería “Almuerzo de la Fiesta de la Asunción”, algo largo por supuesto, pero se podría acortar sin muchos problemas. Hay varias opciones, como “La Fiesta de la Asunción”, y si se quiere resumir más (como quisieron hacer los distribuidores en España) podría haber quedado también como “Desayuno de Vacaciones”. Ferragosto es una festividad católica italiana , y si se deja sin traducir la gente no tendrá idea sobre lo que quiere decir.

Finalizamos con los filmes que han quedado bien títulados en español, o al menos, sin grandes problemas. Una producción española hablada en euskera, Sukalde Kontuak, ha quedado como “Secretos de cocina”; la película rumana Cum mi-am petrecut sfarsitul lumii ha quedado “Cómo celebre el fin del mundo” (traducción del título internacional en inglés), la nueva película de la realizadora iraní Samira Makhmalbaf Asbe du-pa, quedó como “El caballo de dos piernas” (también traducida del título internacional en inglés).

martes, 19 de mayo de 2009

GABRIELLE * * * 1/2

La decadencia moral y emocional de un deteriorado matrimonio en "Gabrielle" (2005), de Patrice Chéreau





En un momento álgido de "Gabrielle", una infiel esposa, la Gabrielle del título (Isabelle Huppert), lanzará a su marido, Jean (Pascal Greggory), la confesión más gráfica y escatológica que pudo haber pensado, luego de que esta le haya confesado su aventura romántica con otro hombre a través de una carta. “La idea de tu esperma dentro de mí me da asco”, le dirá así, sin emoción alguna. Sin saber bien porqué Gabrielle ha regresado, para un ajuste de cuentas emocional con el herido Jean, durante una jornada traumática en la que lloverán reproches por ambos lados, removiendo los escombros de un matrimonio que, al parecer, ya estaba muerto.

Dirigida por Patrice Chéreau (La Reina Margot, Intimidad), la cinta es un duelo histriónico entre la siempre magnífica Isabelle Huppert y Pascal Greggory, pero debo decir que la película pertenece totalmente a este último, quien ha sorprendido siempre por su gran versatilidad haciendo papeles de todo tipo.

La gran actuación de Greggory nos dolerá a cada momento. Desde el punto de vista del espectador masculino, no podremos más que sentir una lástima tremenda por el resentido y lastimado Jean, a quien, con el corazón roto, Gabrielle castigará más con su silencio.

En este sencillo relato, basado en la novela “The Return” de Joseph Conrad, no hay un intento por justificar a uno u otro personaje. Llega un momento en que la firmeza y frío rostro de Gabrielle, intensificará el derrumbamiento emocional de Jean, al grado de comportarse de una manera desesperada y patética para tratar de remediar lo irremediable: su deteriorada relación con Gabrielle. Jean intenta buscar un poco de amor en donde nunca lo hubo. Por su parte, la idealizada Gabrielle (a los ojos de su marido, claro está), nos mostrará que no era la intachable mujer de sociedad que Jean creía, que con mirarla a los ojos creía adivinar su pensamiento; la atractiva esposa de la cual creía saberlo todo después de casi 10 años de matrimonio.

Chéreau se luce con un par de planos secuencia estupendos, y Eric Gautier con una limpia fotografía, aprovechando magníficamente el gran talento de sus dos protagonistas. Es algo exhaustiva la experiencia de adentrarnos en las discusiones íntimas de Jean y Gabrielle. Ambos acaban al final sin una pizca de emociones, sentimientos o secretos, con un vacío emocional torturante.

++ Disponible en un austero DVD, tan sólo con extras como ficha técnica, ficha artística, ficha de doblaje y filmografías.

lunes, 18 de mayo de 2009

EL SOUNDTRACK: KILL BILL VOL. 1 * * * * 1/2

Para todo melómano que se precie de serlo, siempre es una experiencia emocionante enfrentarse al soundtrack de alguna película de Quentin Tarantino. Desde la secuencia de créditos la música ya nos ha atrapado hasta el final, gracias a ese "reciclaje" musical con el que gusta adornar sus películas. La banda sonora de Kill Bill Vol. 1 (2003) no es la excepción, primera película de un díptico en el que Tarantino dedica un homenaje sanguinolento y musical a las películas orientales de artes marciales, aquellas en donde los golpes y patadas tenían siempre el mismo sonido (sin importar la intensidad con el que se aplicaban), y los personajes volaban y daban piruetas… también con los mismos sonidos siempre.

El soundtrack abre con una canción con toques de música de spaghetti western, Bang Bang (My Baby Shot Me Down), interpretada por Nancy Sinatra, que junto a otra pieza también incluida, The Battle Duel (Parte Prima) de Luis Bacalov, de 1973, realza la parte del filme que homenajea a los spaghetti westerns. Esta última es un tema instrumental que suena mucho a Ennio Morricone, en especial por esa armónica, coros y orquesta de fondo, pero sabe cómo tener identidad propia en ciertos momentos de tensión musicales.

Se llegó a escuchar mucho un tema silbado, que suena como a un vaquero paseando feliz y solitario con su caballo por el desierto, sólo que muy pocos saben que el tema pertenece a la película Twisted Nerve (1968), cuya música fue escrita por el maestro Bernard Herrmann (compositor de la música de Taxi Driver), tema pequeño que también sirve para darle identidad al filme. ¿Quién no piensa inmediatamente en Kill Bill cuando lo escucha? Lo mismo sucede con un emocionante tema electrónico, caracterizado por unas potentes percusiones, Battle without Honor or Humanity, de Tomoyasu Hotei, o la monótona canción (si es que se le puede llamar así) Woo hoo, que no dice más que eso todo el tiempo, con ritmos de rock’n roll antiguo, e interpretado por una banda de mujeres niponas, the 5.6.7.8’s.

No podía faltar el soul que Tarantino ha usado siempre, por ejemplo, en Pulp Fiction o Jackie Brown, con el tema Run Fay Run, original de Isaac Hayes. Pero una de las rarezas del soundtrack, una de toque totalmente retro, es el famoso tema de la teleserie de los 1960 Green Hornet, interpretado por Al Hirt y su característica trompeta, que parece simular, precisamente, el vuelo de una avispa.

El toque japonés lo da también una balada romántica de 1973, The Flower of Carnage, interpretado por Meiko Kaji, una triste y melosa canción (para cursis ocasionales como yo) que no podría servir mejor para el contrapunto y contraste de una banda sonora redonda, como todas las de Tarantino. Siguiendo con música oriental, el soundtrack incluye uno de mis temas favoritos, The Lonely Shepherd, de 1977, interpretado por James Last & Gheorghe Zamfir. El tema es de esa clase de música ideal para meditar o simplemente relajarse (no precisamente New Age), como aquella que también se escuchaba en Karate Kid y sirvió para darle identidad a Mr. Miyagi y su disciplina.

Un extracto de 16 segundos de Iron Side, de Quincy Jones, sirvió para dar inicio a la primera pelea del personaje de Uma Thurman, aquella cuando se hace un acercamiento a sus ojos y que la ponía en alerta. Estupendo para ese instante. Finalmente, el soundtrack cierra con Super 16, Yakuza Oren 1, Banister Fight, Flip Sting, Sword Swings y Axe Throws, que no son más que fragmentos de efectos y sonidos musicales electrónicos, que no demerita por ningún motivo un magnífico soundtrack.

++ El CD incluye también 3 trailers para verse en el ordenador, así como links para los sitios web de la película y de la casa productora Maverick.

QUOTES

"No me lo digas niña, no me lo digas...ves gente muerta ¿no?"





"Balagueró juega en la cuerda floja de principio a fin: entre lo genuinamente inquietante y lo cínicamente repetitivo, entre la elegancia de un estilo visual sin tache y la autoindulgencia de quien empieza a estancarse, peligrosamente, entre un cierre del tercer acto que parece haberse manufacturado en Hollywood, y un epílogo inusualmente inteligente y delicado."
Ernesto Diezmartinez, blogger y crítico mexicano de cine, sobre Frágiles de Jaume Balagueró.

"Me enteré que el transplante de corazón es una tarea relativamente sencilla, casi como cambiar una autoparte, pero que es algo muy dificil para el paciente a nivel biológico y espiritual, porque el cuerpo, y a veces también la mente, se resisten contra el intruso. Me quedé muy impresionada con esa metáfora tan vívida y me sentí en libertad absoluta de mezclar la realidad con lo imaginario en mi película sin tener que hacer líneas divisorias entre ambos niveles." Claire Denis, realizadora francesa, sobre su película El Intruso (L'intrus, 2004).

"Realicé una investigación exhaustiva para el papel. Viajé a Berlín, pasé una temporada ahí, visite los campos (de concentración) y tuve que aprender un poco de alemán, a pesar de que no me gusta mucho como suena. Sentí que no era algo honesto interpretar este personaje, debido a mi familia danesa y recordar la invasión nazi en Dinamarca." Viggo Mortensen, sobre su personaje en Good.

"El joven debe ir 'abajo', para así encontrar el camino hacia 'arriba' ". Sidney Poitier en su autobiografía.

"La película me sobresaturó, a ratos me aburrió y otros momentos me entusiasmaron. La recuperaré alguna tarde de verano... pero creo que Mulholland drive es mucho mejor." Xavier Vidal sobre Inland Empire.

domingo, 17 de mayo de 2009

GWOEMUL * * * *

"The Host" (2006), de Joon-ho Bong, una monster-movie que critica por igual a las autoridades surcoreanas como a la contaminación química del medio ambiente.

Una película como The Host (Gwoemul) reafirma la gran tradición del cine asiático en la producción de monster-movies. The Host no es una monster-movie que provenga de Japón, país que vio nacer a Godzilla, el monstruo más famoso en este subgénero, sino de Corea del Sur, respuesta cinematográfica de este país que es un alegato contra la polución química y nuclear del planeta.

La encarnación de esta paranoia es el monstruo del puente Han, una especie de cruza entre pez y anfibio, que vive precisamente debajo de este puente en la ciudad de Seúl. No es gratuito que en la trama un médico norteamericano sea el responsable directo en la creación de este monstruo, al obligar a su asistente coreano a tirar por el drenaje litros y litros de un líquido altamente tóxico. Las consecuencias son desastrosas, y este asistente, atormentado por la culpa, tomará una decisión fatal a la orilla de este puente, en una de las escenas iniciales de la película.

The Host está años luz de lucir como las acartonadas películas japonesas de Godzila, con un hombre disfrazado del monstruo caminando por maquetas. Con la colaboración de los estudios The Orphanage, en San Francisco, para la creación del monstruo, su animación y demás efectos especiales, la película no le pide nada a las monster-movies hollywoodenses, llenas de acción imparable. La única diferencia, es que el monstruo nunca abandonará la zona del puente y las alcantarillas cercanas para atacar la ciudad. Su comportamiento será extraño: luego de llevarse a sus víctimas, usando la boca y la cola, las depositará en su escondite sin algún daño aparente.

No nada más es una paranoica y crítica mirada hacia la contaminación química del ambiente, sino hacia la misma sociedad y gobierno surcoreanos. La pesadilla de una humilde familia comenzará cuando el monstruo se lleve a una chica de 13 años, Hyun-seo (Ah-Sung Ko), hija de un patético e inmaduro hombre, Gang-Du Park (Kang-ho Song), quien pasa la mayor parte del tiempo durmiendo en el negocio de comida que su padre tiene a orillas del río. Su hermana es una competidora olímpica de tiro de arco, que no pasa del tercer lugar debido a su lentitud para tirar, y su hermano menor está desempleado y tiene problemas con la bebida.

La dirección es de Joon-ho Bong, y lo más meritorio de su trabajo es que tiene una historia interesante que contar, con todos estos personajes disfuncionales. Ninguno se nota desperdiciado o fuera de lugar. El monstruo, a pesar de su espectacular protagonismo, no distrae la atención de lo que es en verdad importante: la historia de una familia que, por primera vez, tiene que permanecer unida y luchar contra los obstáculos de unas autoridades e instituciones corruptas, ineptas e ineficientes para saber manejar una crisis de esta magnitud. Detrás de todo se encuentran como responsables las autoridades de Estados Unidos.

The Host no nada más nos cuenta cómo las autoridades surcoreanas fracasan en sus intentos por exterminar al monstruo, sino la historia de maduración de Gang-Du, de cómo debe convertirse en el hombre y padre que nunca ha sido. Gang-Du y su familia serán los héroes que nunca imaginaríamos en la historia, no el ejército, ni los científicos o la policia. ¿Cuándo veremos algo así en una monster-movie hollywoodense?

++ The Host se encuentra disponible en una edición austera y en una especial de 3 discos. Esta última contiene:

Disco 1: la película

Disco 2:
Despierta, Criatura, "La familia de Hyun-Seo", story boards, "Adiestramiento en armas", efectos especiales físicos, "En busca del tesoro", "El creador de la criatura", "Cómo crear la criatura", "La criatura vestida", galería de imágenes comentada por Jang hee-Chul, diseñador de la criatura, "Cabeza de marioneta", bobina de gags, "Kevin Rafferty en Corea", la perspectiva de la criatura y la maqueta de la criatura.

Disco 3: "Recuerdos de las cloacas", "El señor detalle", actores secundarios, departamentos de cine, "Buenas vibraciones", escenas eliminadas, "Las quejas del Río Han", "Disculpas del director", la banda sonora, montaje musical alternativo, canción en honor al Río Han, estreno en Corea, "The Host" en el festival de Cannes, entrevista a Tony Ringe, crítico de cine británico, trailers, teasers, TV Spots y despedida.

Otros extras: 3 audiocomentarios (Subtitulados en Español): audiocomentario del director Bong Joon-ho, audiocomentario conjunto del director y los actores, audicomentario conjunto del director y equipo técnico.

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