MIRACOLO A MILANO * * * * 1/2

MILAGROS AL POR MAYOR. Francesco Golisano en pleno vuelo. 

El gran maestro del neorrealismo italiano, Vittorio de Sica, (responsable de la maravillosa Ladrón de Bicicletas), se mantuvo fiel en hacer un reflejo de la pobreza que se vivía en la Italia de la posguerra en Milagro en Milán (1951).

Milagro en Milán es una divertida fábula, que incluso en sus momentos más inverosímiles resulta delirante y conmovedora. Su mayor virtud,  reside en la manera en que De Sica huye de la crudeza y tristeza lacrimógena, encontrando alegría en todos los rincones de una comunidad marginal instalada en un terreno baldío.

En una huerta de coles, Lolatta (Emma Gramatica) encuentra un bebé abandonado, e inmediatamente lo adopta. Ella es alegre, bonachona, y consciente a su hijo adoptivo regalándole juguetes, divirtiéndose juega a los soldaditos con él. Es como una niña, sumamente simpática, y se preocupa por la educación del niño enseñándole, por ejemplo, a multiplicar. Cuando Lolatta muere, el niño termina en un orfanato.

De Sica no se detiene a narrar los acontecimientos del niño, Totó, en el orfanato, por lo que da un gran salto en el tiempo hasta presentárnoslo como un chico veinteañero (Francesco Golisano). Totó es bondadoso, generoso y amable con todo ser que se le pone en frente. Saluda a todo extraño  desprevenido. Es como si para De Sica toda la bondad de un ser humano comience con lo más esencial, con un simple saludo. 

Totó se instala en una comunidad marginal, formada por una heterogénea mezcla de gente pobre (vagabundos, profesionistas fracasados y gente que alguna vez fue rica). El chico intenta alegrar a la comunidad, transmitiendo su optimismo y cortesía, hasta que un rico empresario, el Sr. Mobbi (Guglielmo Barnabo), llega con pretensiones de construir un edificio en el terreno. Pero Totó tendrá muchos ases bajo la manga. Con la ayuda del espíritu de su madre, tratará de salvar el hogar de toda esta gente, haciendo milagros y concediendo deseos.

La dirección de Vittorio De Sica es brillante. Su fantástica historia se hace más hilarante con una banda sonora de música swing, así como una canción principal pegajosa, a cargo de su compositor de cabecera, Alessandro Cicognini. Lo más atractivo del filme son los convincentes efectos especiales, como esas fantasmagóricas presencias que se mueven de un lado a otro, en todos los rincones de esa pobre pero alegre comunidad.

La fantasía escapista en la fiesta popular, como lugar de encuentros y desencuentros, deseos concedidos y frustrados, se desarrolla inteligentemente en el filme. Ahí, un hombre negro y una bella mujer blanca se enamoran platónicamente (él deseará ser blanco para gustarle, ella ser negra para ser igual a él), un anciano querrá ser más alto, etc. Totó se encargará de cumplir todos esos milagros, que se antojan imposibles.

La cosa podrá sonar melosa, dulzona, tal vez cursi. Sin embargo, la visión y hábil dirección de Vittorio de Sica hace que en ningún momento el filme caiga en fórmulas fáciles. Es cierto, parece que  De Sica trata demasiado bien a todos sus personajes, que tal vez se han pasado de ambiciosos en sus ilusos deseos y peticiones a Totó. Es su manera de premiarlos, luego de todo lo que han padecido. Y con Totó vaya que la están pasando bien.

STAR WARS: EPISODE II ATTACK OF THE CLONES * * *

El Episodio II de la saga de Star Wars, trata básicamente de dos cosas: el entrenamiento del ahora joven Anakin Skywalker (Hayden Christensen) bajo la tutela de Obi Wan Kenobi (Ewan McGregor), y el inevitable romance entre el primero y Padme Amidala (Natalie Portman), convertida en la senadora del planeta Naboo.

Han pasado 10 años desde los acontecimientos ocurridos en el Episodio I, y en mucho mejoró esta segunda parte. Para empezar, la historia no nada más se centra en tediosos pleitos políticos, sino que ahora George Lucas da más lugar a la acción, y menos de Ja jar Binks, transformado en serio político del senado.

Anakin empieza a ponerse insufrible por los capacidades y dones que posee. Para empeorar el asunto, parece que tiene el potencial de ser mejor que Yoda. Siente que Obi Wan no lo comprende, que sólo está regañándolo, reprimiéndolo, y que todos lo tratan como niño. Es decir, tenemos a un adolescente que sería igual en la Tierra o en alguna "galaxia muy, muy lejana". En Padme encuentra el consuelo que necesita, cuando le asignan la misión de protegerla luego de los atentados que ha venido sufriendo.

El problema de este segundo episodio, Attack of the Clones (2002), no es tanto que sea una historia romántica predecible y convencional, sino lo mal que Lucas la resuelve. El romance entre Anakin y Padme nos llega a interesar tan poco, que es Obi Wan quien atrapa más nuestra atención, en su rastreo de un mercenario que ha intentado asesinar a Padme. Obi Wan, en sus pesquisas, llega a un planeta misterioso donde descubre que un fallecido maestro jedi, Sifus Dyas, ha fabricado un ejército de clones para pelear contra un intento separatista. Los clones se obtuvieron de este mercenario, Jango Fett (Temuera Robinson), padre del famoso Boba Fett (Daniel Logan).

Hayden Christensen nunca me ha convencido como actor y dudo mucho que alguna vez lo haga. Puede ser que Lucas no haya sido el más indicado para lograr escenas románticas. Lo que sí logra Christensen (hay que ser justos), es transmitir la confusión e ira que va creciendo dentro de Anakin (memorable la larga secuencia de su regreso a Tatooine). Aquí, Lucas tiene la amabilidad de frenar un poco su oleada de efectos especiales, para permitirnos reconocer un escenario familiar a los seguidores de Star Wars: el futuro hogar de Luke Skywalker.

La parte romántica no toma forma sino hasta muy avanzada la película. Christensen y la guapísima Natalie Portman, apenas y logran transmitir algo de química en pantalla. Le agradecemos también a Lucas que, por debajo de toda la parafernalia de efectos especiales, todavía le quede otra cosa interesante que contar, que tiene que ver con un veterano maestro jedi, el Conde Dooku (Christopher Lee), y su conspiración para destruir al senado.

Lo seguro y evidente, es que lo que más le ha importado a Lucas es ofrecer un espectáculo digital de proporciones gigantes, filmado totalmente con cámaras digitales, lleno de criaturas estupendas creadas digitalmente, como ese cocinero camaleón de una fuente de sodas, o un Yoda ahora sí muy bien hecho, con animación digital. De todas formas, no dejé de sentir a la película sobrecargada visualmente hablando. Hay momentos que parece que estamos dentro de un videojuego, en especial en esa batalla final protagonizada por los clones.

Con todo, los personajes no se han estancado y evolucionaron. Ahí tenemos al furioso Anakin, a una Padme más dispuesta a jugársela ante el peligro, un Obi Wan menos reflexivo y más temerario; y ni se diga de Yoda, que además de ser el místico de siempre, lo descubrimos como todo un experto en artes marciales y el manejo del sable láser.

++ El DVD es una edición especial de dos discos, ambos con extras como:

Disco Uno:
- Comentarios del escritor y director George Lucas, del productor Rick McCallum, del técnico de sonido Ben Burtt, del director de animación de ILM Rob Coleman, de los supervisores de efectos visuales de ILM Pablo Helman, John Knoll y Ben Snow.

Disco Dos:
- Ocho escenas inéditas creadas exclusivamente para este lanzamiento, todas con introducciones de George Lucas, Rick McCallum y Ben Burtt.
- La revolución de la animación digital de personajes, en un documental totalmente nuevo “De Guiñoles a Pixels”, que cuenta con la creación digital de Yoda y Dexter Jettster.
- Documental exclusivo “La Previsualización de Episodio II”.
- Explicación de Ben Burtt y su equipo acerca del proceso de creación del sonido para Episodio II en un nuevo documental: “Las películas no se estrenan, escapan”
- Tres cortos acerca de la historia general, las escenas de acción y la historia de amor de “El Ataque de los Clones”.
- Galardonada serie completa de 12 documentales en Internet.
- El vídeo Musical Across the Stara de John Williams.
- Pre trailers de lanzamiento de doce spots de televisión.
- Campaña gráfica y postres utilizados en los lanzamientos de todo el mundo.
- El trailer pseudodocumental R2 D2 bajo la carcasa.
- Inédita Galería fotográfica con pies de foto.
- Montaje con un análisis de los efectos visuales de Episodio II.
- Dvd Rom con enlace a la web con contenidos exclusivos de Star Wars.

FANFAN LA TULIPE * * 1/2

Hay ocasiones en que es difícil encontrarle sentido a los remakes, como es el caso del más reciente filme dedicado al héroe espadachín Fanfan La Tulipe, creado por el novelista Nuri Bilge Ceylan. La primera adaptación cinematográfica fue en 1907, la siguiente en la década de los 1920, hasta llegar a la más popular, de 1952, dirigida por Christian-Jaque y protagonizada por Gérard Philipe y la atractiva actriz italiana Gina Lollobrigida, en la que se basa esta nueva versión.

Dirigida por Gérard Krawczyk (director de las dos secuelas de Taxi, y asistente de Luc Besson), la nueva Fanfan la Tulipe (2003) es una crispetera y entretenida revisión del personaje. Aunque termina quedándose atrás en su trama y personajes, tiene la virtud de entretener al respetable durante su poco más de hora y media de duración.

Luc Besson fungue como coguionista junto a Jean Cosmos. La mano de Luc Besson se nota más allá de la escritura, evidente en la gran producción con la que cuenta la película (magnífico vestuario, acertadas locaciones, sets muy logrados). Por lo mismo, no luce acartonada, y sus escenas de acción son frenéticas desde el principio, sobre todo en las divertidas peleas (espada y acrobacias de por medio) entre Fanfan (el actor belga Vincent Perez) y sus adversarios.

La película de Krawczyk, es una mezcla de humor slapstick con las más clásicas rutinas de los filmes clásicos de espadachines a lo Errol Flynn. Todo gira en torno a un magnífico gag, relacionado con una banda musical siempre presente, que no logra sacar una marcha de guerra para la próxima batalla contra los austriacos, durante la Guerra de los Siete Años. Como caída del cielo les llega la tonada de la Marsellesa, luego de pasar fallidamente por la melodía del himno estadounidense, que se les ocurre por obra y gracia de su inspiración.

Luego de huir de su boda, al incasable Fanfan le es leída la mano por una gitana, Adelina (Penélope Cruz, demostrando que habla mejor francés que inglés), quien le dice que algún día se casará con la hija del rey. Su obsesión será cumplir con este dudoso destino, enrolándose en el ejército de Luis XV (magnífico Didier Bourdon), personaje en torno al cual se darán muchas bromas con trasfondo político. Varias aventuras llevan a Fanfan a conocer a Madame de Pompadour (Hélène de Fougerolles), quien lo bautiza como “El Tulipán”.

Krawczyk y Besson parecen intentar emular el estilo cómico de Jaques Tati, como en la secuencia de los ejercicios militares, en los que Vincent Perez parece inspirarse en este director y actor francés, agregando también un poco de Chaplin y Buster Keaton.

Este refrito de Fanfan la Tulipe no alcanza a estos maestros de la comedia, por supuesto, además de que su historia es pobre. Se queda nada más como un efectivo divertimento sin mayores pretensiones, en el que ha jugado un importante papel el carisma de Vincent Perez, con experiencia previa en el género con "El Duelo" (1997), y la belleza de sus actrices protagónicas.

++ El DVD incluye tráiler, clip making of, entrevistas, "Así se hizo", ficha artística, ficha técnica y filmografías.

CONSTANTINE * * 1/2

El primer largometraje del realizador de videoclips musicales Francis Lawrence, es la adaptación del cómic Hellblazer, un éxito de la casa editorial Vértigo. Constantine (2005) narra las aventuras de un exorcista del “nuevo milenio“, que no se limita a encerrarse en una habitación para arrojar agua bendita a los demonios. El personaje tiene elementos de un James Bond inmerso en el mundo del esotérismo (todos esos gadgets con los que carga para realizar su labor), y algo también de detective de film noir.

Aunque el John Constantine del cómic está algo lejos de parecerse al del filme (interpretado por Keanu Reeves), el acierto de la adaptación (escrita por Kevin Brodbin y Frank A. Cappello) es haber trasladado con exactitud sus conflictos: una suerte de niño a lo “Sexto Sentido“, que ve “gente muerta” e incluso lo creían poseído por Satanás, al tener poderes extra sensoriales.

En la introducción, vemos a un mexicano que, antes de cruzar ilegalmente la frontera con los E.U., encuentra una daga misteriosa envuelta en una bandera nazi, para ser poseído por Mamón (así se llama, en serio), nada menos que el hijo de Satán.

El ágil ritmo del filme queda impuesto desde ese exorcismo cómico y vertiginoso, por los malabares que tiene que hacer Constantine para sacarle un demonio a una chica oriental. De hecho, el objetivo de Constantine, con la capacidad de viajar al Infierno a su gusto, será mantener el “equilibrio” en la Tierra entre demonios y ángeles. Entre los primeros, destacan una especie de “híbridos” que se dedican a “romper la regla“. Constantine tiene que eliminarlos en cuanto los descubra. Por otro lado, Constantine se dedica a investigar el aparente suicidio de una chica, con la ayuda de Angela (Rachel Weisz), hermana gemela de aquella, en el que tuvieron que ver fuerzas infernales.

Lawrence, gracias a su experiencia dirigiendo videoclips para J.Lo, Destiny’s Child y hasta Enrique Iglesias, imprime a la película un atractivo visual, aunque también deja entrever lo mucho que descuida la narración. La trama es inconsistente, en la que caben demonios con la cabeza partida por la mitad, el arcángel Gabriel (Tilda Swinton), hechizos y conjuros comiquísimos (el del gato es el mejor). El Infierno es un escenario post-apocalíptico en llamas, con armas y otros artilugios, como ese revolver que arroja fuego o... “aliento de dragón“.

El filme es un entretenimiento crispetero. En ciertos instantes, goza de elementos inquietantes dentro del terror zombiesco estilo Romero, en especial, esa escena de la muerte de un poderoso híbrido. Claro, nunca llega a los extremos de aquel maestro del terror. En resumen, Constantine, como filme, es la presentación de un personaje interesante, con una particular debilidad: sufre de cáncer. Ya se están tardando para anunciar la secuela, y veremos si acaba siendo mejor.

++ Constantine está disponible en una gran variedad de ediciones en DVD, que incluye Blu-ray, UMD, HD-DVD, edición especial de 2 discos con estuche metálico, etc. Esta última, por ejemplo, incluye de extras 18 minutos de escenas suprimidas incluyendo un final alternativo y además:

* Evocando a Constantine
* Documental sobre la realización: Revelaciones del Director, entrenamiento con el mal, Reliquias sagradas.
* Documental “Imaginando el infierno”: Paisaje infernal, Visualizando a Vermin, Alas de guerrero, Rapto satánico.
* La cosmología de Constantine.
* Comentario en Audio del director sobre el poder de la pre-visualización.
* Contenido exclusivo en el DVD-Rom.

Otras características:

Comentario de Francis Lawrence, Akiva Goldsman, Frank Cappello y Kevin Brodbin, "Pasive": Vídeo musical de "A Perfect Circle", trailer teaser y Trailer cinematográfico.

EVERYONE SAYS I LOVE YOU * * * *

Woody Allen dirigió su primer y único musical en Everyone Says I Love You (1996), en donde puso a bailar y cantar a todo su reparto. Algunos sonaban bien, otros no tanto, pero lo cierto es que dicho aspecto formal no le importó mucho a Woody. Su intención era tratar de extraerle todo lo cómico a esta situación.

Allen daba un repaso a lo previsible que eran muchos musicales del Hollywood de antaño, por ejemplo, cuando uno ya percibía en qué momento iniciarían las canciones y los bailes (por algunas notas musicales que empezaban a escucharse de fondo, o por la manera en que los actores se situaban desde antes para iniciar las coreografías). En el momento menos esperado, Edward Norton empezaba a cantar en una joyería, Woody entonaba una triste canción dentro de un hotel veneciano, e incluso, el espíritu de un abuelo fallecido se salía del ataúd y organizaba un baile con otros fantasmas en una funeraria.

En mi opinión, tenemos uno de los musicales más originales de la pasada década, con un estilo que ha sido copiado sin lograr la desfachatada y sensible magia que Allen supo transmitir. Quien menos mostraba aptitudes para el canto era el mismo Allen, pero todo el reparto luce inspirado en sus interpretaciones y en los bailes. En mucho ayudó la magnífica música de Dick Hyman, así como la interpretación de canciones clásicas como “I’m A Dreamer, Aren’t We All?”, o “What a Little Moonlight Can Do?”, la primera el tema principal del filme.

Aunque con algunos tropezones, Woody demostraba una gran habilidad para hilvanar las múltiples tramas que se desarrollaban de forma paralela. Las dos principales, trataban sobre las relaciones sentimentales de Holden (Norton) y Skilar (Drew Barrymore), a punto de casarse, hasta que un ex presidiario (Tim Roth), llegaba a cambiar sus planes. En tanto, Joe Berlin (Allen) no puede reencauzar su vida desde que su esposa, Steffi (Goldie Hawn), lo dejó por el mejor amigo de aquel, Bob (Alan Alda, uno de los actores fetiche de Woody), debido a que todavía está enamorado de ella.

Frieda (Trude Klein), hija de Joe y narradora en off en la cinta, ayudará a su padre a encontrar otra mujer aunque... haciendo trampa. En Venecia, se encontrarán con Von (Julia Roberts), paciente de la madre psicóloga de una amiga de Frieda, por lo que tiene acceso a sus traumas, gustos y secretos íntimos. Con esta valiosa información, Joe se transformará en el alma gemela de la guapa Von.

El reparto quizás es algo extenso, salía sobrando algún personaje, como el hijo de Bob, afecto al partido republicano. La manera de Woody para filmar cada uno de los números musicales era lucidora. El mejor -aunque demasiado corto de tiempo- es aquel que tiene lugar en París, junto al río Sena, donde Joe y Steffi bailan la noche de año nuevo, aislados del mundo, con una coreografía que era un homenaje a los trabajos de Gene Kelly o Fred Astaire. Steffi no nada más baila, sino que vuela lanzada por los aires por Joe, mientras este la sostiene en un brazo. Todavía se aman, tienen una hija inestable pero buena chica. La barrera que los separa es la madurez, pero juntos han vivido mucho. Les quedan sus recuerdos, y qué mejor ciudad que París para reencontrarse, aunque sea por unos horas.

++ Everyone Says I Love you se encuentra descatalogada por la distribuidora en España. Disponible en región 1.