jueves, 29 de julio de 2010

ESTRENO: THE REBOUND * * 1/2

Justin Bartha y Catherine Zeta Jones en la comedia romántica "The Rebound"

Estoy empezando a sentirme algo preocupado por Catherine Zeta Jones. Si no piensa rápido (y creo que ella es muy inteligente) se estancará en un tipo de personaje como el que interpreta en The Rebound (2009), el cual, a su vez, se parece mucho al que encarnó en No Reservations (2007). Su caso no es tan grave, ya que entre las dos películas interpretó el interés amoroso de Harry Houdini en Death Defying Acts (2007), y este año interpretará (al menos se rumora) a Gala, en una biopic sobre Salvador Dalí. Tengo fe en Catherine, es talentosa, una gran bailarina y cantante, y además, es hermosa. De hecho, si por algo he soportado hora y media de esta película, una trillada comedia romántica en extremo predecible, ha sido sólo y nada más por ella.

¿Cuáles son las cosas en común entre The Rebound y No Reservations? En ambas, Catherine interpreta a una madre pasando por un momento difícil en su vida, tratando de salir adelante en su profesión, vive en un modesto pero bonito apartamento, y a su vida pronto llega el amor. En esta ocasión será en la forma de un joven de 25 años, Aram (Justin Bartha), quien se encuentra viviendo su propia crisis existencial, luego de la separación de su esposa francesa, la cual nada más lo utilizó para obtener la famosa “tarjeta verde”. A pesar de ser un graduado universitario, Aram prefiere trabajar en un cafeteria, y tomar algún trabajito ocasional que se le presente.

Sandy (Catherine Zeta Jones), de 40 años, madre de un simpático niño (Andrew Cherry) y de una niña odiosa (Kelly Gould), se muda de los suburbios a la ciudad de Nueva York, justo al edificio en donde se encuentra la cafeteria de Aram. Sandy ha decidido separarse de su marido, al descubrir que este le es infiel. Por alguna extraña razón, Sandy es una fanática de los deportes (excepto el hockey), y sigue las estadísticas deportivas por internet. No sera difícil adivinar lo que vendrá, luego de que Aram acepte trabajar de niñera para Sandy: ambos acabarán enamorados. El problema será la diferencia de edad entre ellos, y como esto representará muchas complicaciones en la vida de Sandy.

Dirigida por un tal Bart Freundlich, la película apenas y me divirtió. No voy a negar que tiene una primera media hora con momentos graciosos, como la clase de defensa personal para mujeres, la cita que Sandy tiene con un quiropráctico (interpretado por el Duke de Hazzard John Schneider), y debo decir que me ha resultado carismático el hijo de Sandy, queriendose cambiar de nombre a “Pablo”. Fuera de eso, la película no depara sorpresa alguna. Es una historia contada ya antes, sabemos que el romance entre Sandy y Amar es demasiado bello para ser verdad. No es difícil imaginar que vendrá una crisis entre ellos. Sin embargo, para los realizadores ha sido irrestible el happy-end. El problema, para mí al menos, no ha sido el happy-end, sino que no me lo he creído mucho para ser sincero.

++Lo mejor: sus primeros 30 minutos, en especial, la clase de defensa personal.
++Lo peor: que es predecible hasta más no poder.

QUOTES

"Eso Isaach, míralo feo. ¡Más feo todavía!"








"No creo en el destino, ni en las coincidencias. Sólo creo en las contradicciones."
Jim Jarmush, en entrevista por su película "The Limits of Control".

"NO LIMITS NO CONTROL"
Cita al final del roll de créditos en "The Limits of Control."

"Jarmusch trying to be Lynch? I give it 3 stars despite it's intended ambiguity."
Jonas Navickas, desde facebook, sobre "The Limits of Control."

"La animación lo engloba todo, es como un engranaje, una rueda que le da sucesión a otra y a otra. Y los acabados son, para mi gusto preciosos. No todo es audacia técnica o perfección, también funciona en la creación de ese mundo "pasado por agua", (como en) estas tintas y grabados que te comentaba. Y Miyazaki es tan bueno que se puede permitir esto y más. ¡Lo creo de verdad!"
Enrique "El Cinefago", durante un acalorado debate sobre la técnica de animación en "Ponyo".

"La película trata sobre el egoísmo de los adultos hacia los niños. ¿Cómo se atreven a hacerle eso a Oskar sus padres? ¿Cómo se atrevió a hacerle eso a Eli quien quiera que la haya convertido en vampiro a los 12 años? Bueno, el egoísmo se traduce en falta de amor propio, finalmente. Qué tanto se quieren a sí mismos los padres de Oskar, es evidente. ¿Funcionarán las reglas del amor igual en los vampiros?"
Joel Meza sobre "Let the right one in", cuyo remake hollywoodense está a punto de ser estrenado con el título "Let the right in".

lunes, 26 de julio de 2010

PONYO * * * *

Hayao Miyazaki se inspira en el cuento de "La Sirenita" para crear una historia de amor infantil en "Ponyo".




¿Dejará alguna vez de sorprendernos Hayao Miyazaki, como el genio que es de la animación japonesa? ¿Su desbordante imaginación tiene límites? Si bien Ponyo (2008) no ha estado a la altura de sus anteriores trabajos, como El Viaje de Chihiro (2001) o Howl’s Moving Castle (2004), Miyazaki sigue dejando patente su maestría técnica, la fidelidad a sus temas, así como su capacidad para conmover. Ponyo es un trabajo más digerible y que puede ser disfrutado por audiencias infantiles sin muchos problemas, mientras que para los adultos su historia de amor infantil acaba siendo irresistible.

En México la película tuvo un título fallido: “El Secreto de la Sirenita”. Antes de seguir, vale aclarar que Ponyo (voz de Yuria Nara) no es una sirena sino un pez, que por obra de pócimas mágicas preparadas por su padre, Fujimoto (Joji Tokoro) y por haber probado una gota de sangre humana, acaba convertida en niña. Lo único que ha hecho Miyazaki es tomar como referencia el cuento clásico de Hans Christian Andersen, “La Sirenita”, y convertirlo en una historia de amor infantil, cargada de magia y, no podía faltar, el acostumbrado mensaje ecologista del realizador. Aquí se trata de crear consciencia sobre la contaminación marina, y la primera vez que Ponyo entra en contacto con el pequeño Soske (voz de Hiroki Doi) será accidental, al ser arrastrada por un montón de basura desde el fondo del mar.

Algo que caracteriza esta película de Miyazaki, es que resulta notoria su total despreocupación por alcanzar la perfección. Visualmente, Ponyo parece más cercana a sus primeras películas, como Mi Vecino Totoro, más dirigidas a un público infantil de entre 5 y 10 años. La manufactura visual de Ponyo, en ocasiones, luce rudimentaria. Ciertos dibujos están más cercanos a un bosquejo, las expresiones de ciertos personajes no son tan perfectas. Pero Ponyo, como película, es lo que es. Estas imperfecciones es lo que le da su personalidad.

Basta ver la enorme secuencia del tifón. Desde un punto de vista visual tal vez no sea tan perfecta, ni se ha recurrido a efectos digitales, y las olas tal vez se noten desproporcionadas. Pero su conceptualización es impresionante, de un clímax creciente. Un diluvio amenaza a una pequeña población en la costa de Japón, mientras Ponyo se encuentra prácticamente surfeando sobre inmensas olas con forma de pez; persiguiendo a Soske y a su mamá, Lisa (voz de Tomoko Yamaguchi), quienes van en un pequeño coche por la carretera. La escena es conmovedora e impresionante al mismo tiempo.

Soske es un niño de 5 años, quien vive con su mamá. Lisa trabaja en un asilo de ancianos, mientras Soske lleva una vida tranquila en la escuela. Su vida cambiará drásticamente cuando Ponyo llegue, primero, como un pez dorado, al que cuidará dentro de una pequeña cubeta. Luego, cuando por diversas circunstancias se separen, Ponyo regrese transformada en niña, dispuesta a quedarse junto a Soske.

Aunque Soske es un niño simpático, quien termina robándose la película es Ponyo, una niña mágica, superdotada, llena de energía en más de un sentido (es capa de hacer funcionar aparatos eléctricos) y le encanta el jamón. Hay un par de escenas estremecedoras, en donde vemos cómo Ponyo pierde la consciencia, parece que morirá, porque la ahora niña tendrá sus limites para vivir fuera del océano. La presencia de Ponyo fuera del océano, no nada más ha causado estos fenómenos meteorológicos, sino que la Luna se haya acercado a la Tierra demasiado y provocado que la marea suba descomunalmente, sumergiendo al pueblo entero. La madre de Ponyo es una diosa peliroja, llamada la “Madre del Óceano” (voz de Yuki Amami), y su presentación en la película es por igual impresionante.

Ponyo viene a engrosar la galería de personajes femeninos en la filmografía de Miyazaki, la mayoria de ellos heróicos, y otros destinados a vivir aventuras, como Chihiro o la misma Ponyo. Pero Ponyo es una especie de niña semidiosa, que se ha escapado del Olimpo para conocer el mundo de los mortales. El sacrificio que hace para estar junto a Soske será encantador.

++Disponible en DVD, Blu-ray y una edición especial en estuche metálico. Esta última tan sólo contiene de extras el trailer cinematográfico y la letra del tema musical para ser cantado en karaoke.

++En la versión en inglés participaron artistas del calibre de Cate Blanchett, Liam Neeson, Matt Damon y Tina Fey.

EL CARTEL

MR. NOBODY * * * 1/2
Es una pena que en España no se haya utilizado el cartel francés de Mr. Nobody. Como siempre, los distribuidores españoles optaron por un cartel tipo “portada” de DVD. En el cartel original, el color rojo domina. La idea es crear un pequeño mosaico de imágenes, inquietante por ese rostro partido por la mitad de Jared Leto, observando fijamente. La película es una historia que mezcla la fantasia y la ciencia ficción, sobre un hombre, el Mr. Nobody del título, quien se despierta una mañana como un anciano de 120 años, en el año 2092. En el cartel hay una lograda combinación de colores rojo y azul (básica al ser complementarios), este ultimo presente en el cielo de la imagen superior, o en el ojo de Jared. A pesar de su colorido, el cartel es de imágenes melancólicas. La separación de las manos y la despedida junto a esa especie de autobus, son imágenes evocativas y que contrastan con lo sumamente colorido de la propuesta cromática. En tres imágenes nos es contada una historia, que parece ser observada por el ojo atónito de Leto desde abajo. Lo curioso, es que el cartel nos dice poco o nada de esta historia de fantasia, de la vejez repentina del personaje. La tipografía, por el contrario, sí nos trata de decir algo sobre un elemento de ciencia ficción, presente en su diseño rígido, estilo “digital”. Un cartel de estilo ecléctivo e intrigante, como la película misma.

SUNSHINE CLEANING * * 1/2
Para Sunshine Cleaning, se realizó en España una adaptación fiel y exacta del cartel original, con mínimas modificaciones. El cartel no es nada del otro mundo. La película ha sido criticada por quererse vender a “expensas” del éxito de "Little Miss Sunshine". Es decir, lo primero que anuncia el cartel es “De los productores de Little Miss Sunshine”, y más abajo resalta el nombre de Alan Arkin, protagonista también de aquella película, quien ganó el Oscar a Mejor Actor Secundario por dicho trabajo. Luego, lo más obvio, el mismo título de la película, que vuelve a utilizar la palabra “sunshine”. No he visto el filme, pero he escuchado que no supera a Little Miss Sunshine. La historia cuenta cómo una madre, queriendo enviar a su hijo a una mejor escuela, monta un negocio con su hermana: la limpieza de escenas de crimen. El cartel, es innegable, nos vende una comedia desde el primer momento que lo vemos. Juega mucho con las tipografías, y su idea es simplemente hacer que las actrices cargen las cajas del título. El formato es atravesado por una cinta policiaca para cercar escenas de crimen, lo que le da movimiento a la composición. El fotomontaje es muy simple, nada creativo, pero cumple. Cromáticamente tampoco tiene mucha complicación: una combinación básica pero armónica de colores complementarios, azul y amarillo. Me ha gustado el tagline: "Life’s a messy business".

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