EL CARTEL

NOISE * * * *

El cartel de Noise es de lo mejor esta semana, protagonizada por Tim Robbins y que se estrena tardíamente en España (¡Es del 2007! ¿Qué caso tenía?). La película trata sobre un tipo neurótico e intolerante, interpretado magníficamente por Robbins, que pretende acabar con el problema de las alarmas ruidosas de los coches…destruyéndolos. El cartel logra reflejar de una manera genial la psicosis del personaje de Robbins, de una forma gráficamente atractiva, moderna y minimalista al mismo tiempo. La idea visual se basa simplemente en un altísimo contraste del retrato de Robbins, colocando simbólicamente encima de su cabeza toda una serie de elementos fácilmente reconocibles, referentes al tema del sonido: una serie de rayas altas y bajas que miden frecuencias de sonido y los edificios están representados como barras de ecualizador. Todo está fusionado con el título. Si hay un pero que le pongo al cartel, es ese cielo detrás del título. Sale sobrando y desarmoniza al cartel. Con todo, es un gran cartel, con mucha fuerza, en especial, por la intrigante expresión de Robbins. El tagline es irónico: “The difference is I do something about it”. El cartel utilizado en España es, por el contrario, un trabajo de lo más simple y sin pizca de creatividad. Su única idea es poner una capa translúcida encima del retrato de Robbins, con una serie de registros de sonido en blanco y negro. Apenas y como portada del DVD funcionaría. Ah y por cierto, este no es el espacio para esto pero...¡qué pésimo título en español!

NINE * * * * (y * * * 1/2 para el cartel "teatral")

Hubo dos carteles de Nine que llamaron mi atención. Uno de ellos -el mejor para mi gusto-, es el que muestra un enorme poster pegado en un muro, con los retratos de las cuatro actrices principales, y con Daniel Day Lewis caminando junto a un coche. Lo que me gusta es que es uno de esos carteles que juegan con la idea del cartel dentro del cartel, además de hacer una combinación de elementos de diferentes escalas y tamaños. El fotomontaje luce bien y consigue un efecto armónico. El poster del muro se aprovecha para colocar el nombre de todas las actrices, el nombre del realizador, Rob Marshall, y además, el título del filme, con cada letra encima de una fotografía. Es impresionante la cantidad de información que se pudo colocar en este cartel sin que luzca saturado. Otro mérito es que todo el cartel te transmite una atmósfera muy “italiana”, en referencia al tagline “This holiday season be Italian”. El segundo cartel, es uno que maneja un concepto más teatral. De hecho, funcionaría de maravilla como cartel de la versión teatral. Su idea efectista me ha gustado, con ese gran destello de luz proveniente del fondo, detrás de toda la escenografía. Es un cartel fotográfico, es verdad, pero su fotografía está bien ejecutada. El blanco y negro le viene bien para todo el juego de luces y sombras que presenta. Ver a Daniel Day Lewis caminando sobre el borde del sofá, le da cierta atmósfera mágica a todo el cartel en conjunto.

PEANUTS, EL CINE Y LOS MEDIOS

(Publicada el 18 de diciembre de 1962)

De nuevo, las estadísticas están en contra de Snoopy. Al menos, no le están dejando disfrutar su situación como perro privilegiado con casa. Tiene su lugar dentro de la sociedad, y aún así, ya se siente culpable. En el caso de Snoopy, se puede aplicar muy literalmente el hecho de que tiene un "techo para dormir". Y vaya que sabe usar el techo para dormir.

Y... ¿CÓMO LE PONEMOS?

"No canto ni bailo,... pero soy muy flexible."

Tres estrenos son los que merecen comentario esta semana. Empezamos con la película “fuerte” de la semana, el musical Nine, dirigido por Rob Marshall (Chicago) y protagonizada por Daniel Day Lewis, Nicole Kidman y Penélope Cruz. Me pregunto si la Penélope estará hecha para el baile y el canto. Bueno, tendré que esperar hasta que puede ver la película. En tanto, el título en España se ha quedado sin traducción. Bueno, razones comerciales sobran para esta decisión. Una de ellas, es que es común dejar las películas musicales con los títulos originales en inglés, como Chicago, Rent, etc. Al menos para mí no sonaba mal dejarla como “Nueve”, y hubo algunos países que se animaron a traducir el título a sus respectivos idiomas:

Devet - Eslovenia
Ennea - Grecia
Nove - Portugal

Vamos ahora con otro de los estrenos de peso. Se trata de Up in the Air, dirigida por Jason Reitman (Juno) y protagonizada por George Clooney, título que también se ha quedado sin traducción. No me desagrada la traducción literal “Arriba en el Aire”, y creo que hubiera funcionado como título en español. De hecho, creo que ha sido una pésima decisión de la distribuidora en España dejarlo así, ya que muchos espectadores se quedarán pensando, antes de entrar al cine, de qué va esta película. El título hace referencia al hecho de que su protagonista principal tiene un trabajo que le obliga a viajar por medio Estados Unidos, hasta que inventa una forma de trabajar sin necesidad de moverse de su oficina. ¡Cuántas opciones no había para inventar un título en Español efectivo con esto! Una interpretación en español al título, hubiera sido algo como “atorado en el cielo”, “atorado en el aire”, “atorado en las nubes”, etc. ¡Las opciones eran muchas! Me ha gustado la decisión de los países de América Latina de vender la película como una película romántica, al titularla “Amor sin Escalas”. Me gusta el título, a pesar de que recurre al cliché de usar la palabra “amor”, en especial, por haber pensado en una frase como “sin escalas” para hacer referencia a la actividad de viajar en avión. Bien por América Latina,... mal para España. A continuación, algunos títulos de otros países:

Мне бы в небо - Rusia
Akli havada - Turquía
In the Air - Francia (¡Qué “inteligente” decisión de Francia, nada más quitar la palabra “up”!)
My Life Mileage - Japón (Qué pésimos títulos eligen los japoneses)
Nas Nuvens - Portugal
Rantevou ston aera - Grecia
Tra le nuvole - Italia
V zraku - Eslovenia

Finalmente, tenemos el enésimo churro protagonizado por el luchador convertido en actor, Dwayne Johnson, alias «The Rock». Detesto la lucha libre y a los luchadores, pero a diferencia de ese payaso llamado John Cena, creo que “The Rock” ha sabido darle más “sabor” y variedad a su colorida carrera cinematográfica. En Tooth Fairy, traducido como "El Hada de los Dientes", “The Rock” interpreta a este personaje (el equivalente al Ratón Pérez en España), que le deja dinero a los niños cuando estos pierden un diente. Como sea, en España se ha titulado pésimamente “Rompedientes”, y bueno, no hay nada más que discutir al respecto: un pésimo título para una pésima película. En México y otros países de Latinoamérica, la película se ha titulado muy “ingeniosamente” Hada por Accidente. Y pongo entrecomillado “ingeniosamente”, porque en México existe otro sub-sub-sub género de comedias, junto al de las “comedias de apuros”, es decir, “la comedia por accidente”. Sus títulos nos hacen saber que el personaje principal se ha convertido en “algo” por accidente, como “Papá por accidente”, “Abuela por accidente”, “Gigoló por accidente”, entre otros.

ZOMBIELAND * * * 1/2

Zombieland es quizás la primera comedia de zombies, en la que se combina una peculiar visión apocalíptica con una típica road movie.

Al salir de ver Zombieland, uno de los amigos que me acompañaba hizo un comentario interesante: “Todas las películas de zombies son cómicas”. Yo le respondí: “¿Has visto las de George A. Romero? No me parecen muy cómicas sus películas de zombies”. No me respondió. Zombieland, del realizador televisivo Ruben Fleischer, desde mi punto de vista al menos, es la primera película auténtica e intencionalmente cómica y paródica de zombies que he visto. Si bien The Return of the Living Dead (1985) tenía muchas situaciones que invitaban a reírse, su historia estaba más inclinada al horror juvenil. Zombieland es divertida de principio a fin, porque esa es la principal intención de Fleischer: divertir a su audiencia más que horrorizarla. Hay momentos en que uno ríe y piensa “¿Estará bien que me ría de esto?”.

No es la película más original que haya visto, pero es un entretenimiento de domingo por la tarde muy efectivo. Zombieland es además una road movie de zombies, que retoma ideas acariciadas ya por Robert Rodríguez y Quentin Tarantino en Grindhouse: Planet Terror, o por Danny Boyle en su apocalíptica 28 Days Later, donde se vislumbraba un mundo invadido por un virus que convertía a los humanos en zombies rapaces. Zombieland es ese universo, bautizado así por su protagonista, Columbus, encarnado por Jesse Eisenberg, el eterno nerd que vimos recientemente en Adventureland (extraña coincidencia con los títulos). Columbus funge no nada más como el narrador de la historia, sino como el héroe que superará su timidez con la preciosa chica en turno, Wichita (Emma Stone), estableciendo las reglas de lo que parece un juego de sobrevivencia. El equipo estará completado por Tallahassee, un sureño sádico fanático de Bill Murray, y que será el arquetípico personaje encargado de enseñarle cómo sobrevivir usando más la fuerza que la inteligencia (interpretado por un esplendido y divertido Woody Harrelson), y la hermana menor de Wichita, Little Rock (Abigail Breslin). Nadie sabrá el nombre del otro, todos se autonombran según las ciudades de donde provienen. Lo que cuenta al final será quien mate más zombies, así como quien es el más hábil robándole el vehículo al otro.

Uno momento en verdad divertido, es cuando nuestros héroes llegan a Beverly Hills y se encuentren con cierta celebridad, autoparodiándose a si mismo. La película está filmada con cámaras digitales de alta definición. La fotografía es bastante buena (la secuencia de créditos inicial es magnífica) y el maquillaje es de primera. Los zombies hacen lo de siempre: perseguir a todo humano que se les ponga enfrente y comérselos. No hay subtextos serios como en los filmes de Romero, ya que lo que cuenta aquí es, principalmente, divertir a la audiencia, hacerla disfrutar, en cámara lenta y prácticamente en primer plano, con las mil y una formas que hay de matar a un zombie (los juegos mecánicos cuentan). Tallahassee matará todo zombie que se le ponga en frente con tal de encontrar un twinkie (¿El Apocalipsis sería un mundo sin twinkies?), mientras Columbus lo hará con tal de tener a la chica de sus sueños. Suena cursi, pero no lo es.

+ Lo mejor: su capacidad de convertir lo más terrorífico en comicidad pura.
+ Lo peor: que no sea la película más original del orbe.

- Fleischer ya prepara la secuela, Zombieland 2.

PREMIOS INTERNET MOVIE POSTER 2009

Un magistral cartel de "The Imaginarium of Doctor Parnassus" ha sido elegido como "El Mejor Cartel del 2009", por su refinada propuesta surrealista, mezcla del surrealismo de Salvador Dalí y de...Terry Gilliam.

Los nominados se publicaron el fin de semana y este lunes se han dado a conocer los ganadores de IMPAWARDS 2009, a lo mejor del cartelismo cinematográfico, elegidos por los visitantes de la misma página. Antes de dar a conocer los ganadores de todas las categorías (las serias y...no tan serias), comentaré los principales ganadores. Como "Mejor Cartel" ha ganado merecidamente un magnífico cartel de The Imaginarium of Doctor Parnassus, que siguió la idea surrealista de toda la serie, con elementos comunes como la superficie cuadriculada y fotomontajes de escenas y personajes de la película. La diferencia, es que en este cartel todo está manejado de una manera cuidada y sutil. El cuerpo de la actriz Lily Cole, se utiliza como soporte para montar un escenario que parece extraído de un cuadro de Dalí, en donde muros y techos sirven por igual para que los personajes aparezcan de las cuadrículas. Me ha gustado la manera de colocar los créditos alrededor del marco. Atención a Heath Ledger apareciendo por el lado izquierdo, junto a un letrero con el tagline "Imagination is all in the mind".

El premio al "Peor Cartel" ha sido para My One and Only, protagonizada por Renée Zellweger, un trabajo de lo más simple y nada creativo, que muestra un grupo de personajes montados sobre un fondo blanco. Lo peor es que se notan mal cortados y, por ejemplo, son evidentes las diferencias de iluminación entre los 3 personajes dentro del marco. Había un cartel ruso de Bad Lieutenant muchísimo peor.

Finalmente, el premio a "Mejor Cartel Teaser" se lo ha llevado nada menos que UP, una imagen que presentaba desde aquí el tema del cielo lleno de nubes y el inmenso título con forma de nube en la parte superior. Sólo que aquí, la gran estrategía fue colocar, casi en último plano, la casa volando con los globos. Pequeña y distante, la casa despertaba la curiosidad del espectador sobre de qué iba esta nueva película de la Pixar. Me han parecido muy buenos también el de The Lovely Bones, el de Where the Wild Things Are (comentado en el blog) y el de The Ugly Truth (las señales de "Baño de Hombre"y "Baño de Mujeres" que comenté en su momento).

A continuación, la lista completa de ganadores:

+ Mejor Cartel: The Imaginarium of Doctor Parnasus (ver lista de nominados)

+ Peor Cartel: My One and Only (ver lista de nominados)

+ Mejor Teaser (cartel anticipatorio): Up (ver lista de nominados)

+ El Cartel Más Gracioso: The Men Who Stare at Goats (ver lista de nominados)

+ El Cartel Más de Miedo: Antichrist (ver lista de nominados)

+ El Tagline más gracioso: "He was dead,... but he got better", del cartel para Crank 2: High Voltage. (ver lista de nominados)

+ Mejor Cartel para Televisión : True Blood (ver lista de nominados)

+ Mejor Cartel Internacional. Aquí simplemente se agrupan lo que los administradores de la página lograron recopilar. Seleccionar uno de ellos como el mejor, según ellos, sería injusto. Lista de nominados.

+ El Mejor Cartel de un Blockbuster: Up (ver lista de nominados)

+ El Cartel más Valiente: Up in the Air ¿La razón? Simplemente porque una estrella de Hollywood de la talla de George Clooney, aparece de espaldas y sin mostrar el rostro. (ver lista de nominados)

+ Mejores Carteles de Personajes: Coraline (ver lista de nominados)

+ El tagline más serio: "See it with someone you ***" del cartel para la película "The Girlfriend Experience." El tema es controversial y la palabra con los asteríscos fue censurada. (ver lista de nominados)

+ Mejores carteles con "movimiento". Categoría en la que se premian carteles con efectos de animación. Fueron publicados en sus sitios web. Lista de nominados.

+ Premios no tan serios. De entre las numerosas categorías, destacaré nada más algunas verdaderamente hilarantes.

-Premio para los "Cavernícolas del Año", para el cartel de "Twilight: New Moon". En su cartel se exhibe un vampiro y un hombre lobo que lucen más como cavernarios. Es cierto, nada más hay que ver lo pésimamente retocados que están sus brazos.

-Premio al rastro más "abofeteable", para la cara de Matthew McConaughey en el cartel de Ghosts of the Girlfriends Past.

- Premio al cartel más "verborreico", para Big River Man. A destacar su gran diseño.

- Premio al cartel más "blanqueado", para Couples Retreat, por haber retirado en una de sus versiones a su par de actores negros. Fue de mucha controversia este caso.

- Premio a las "chispas que salen de la nada", para Angels & Demons, por mostrar a un muy serio Tom Hanks, un par de demonios y... muchas chispas.

Lista completa de premios locos y no tan serios.

Y... ¿CÓMO LE PONEMOS?

No sé usted, pero aún luciendo así Cameron Diaz se ve preciosa.

Si bien no es una semana de pocos estrenos, la mayoría ha quedado con buenos títulos. Tan sólo un título merece la pena comentar a grandes rasgos. Se trata de la película “My Sister’s Keeper”, protagonizada por Cameron Diaz y la ya no tan niña Abigail "Little Miss Sunshine" Bresling. En España se ha titulado “La decisión de Anne”, un título algo obvio y, sin duda, nada original. Es de esos títulos en el que simplemente se opta por tomar lo más importante de la trama, o del conflicto del personaje. El título original, de hecho, es magnífico y con un toque conmovedor, tomando en cuenta que la historia trata sobre una niña que quiere contratar a un abogado para así no donar un riñón a su hermana. La traducción exacta, “El Guardián de mi Hermana”, hubiera funcionado mucho mejor, y había muchas opciones más para ello, ya que “keeper” tiene varios significados. A continuación, algunos títulos creados en otros países. Hay de todo. De los peores: el de Argentina y México: “La decisión más difícil”.

Ma vie pour la tienne - Canadá y Francia
Allt för min syster - Suecia
Beim Leben meiner Schwester - Alemania
Bez mojej zgody - Polonia
I adelfi mou ki ego - Grecia
Kiz kardesimin hikayesi - Turquía
La custode di mia sorella - Italia
Para a Minha Irmã - Portugal
Pre moju sestru - Eslovaquia
Uma Prova de Amor - Brasil

Terminamos con los títulos buenos y/o menos conflictivos de la semana. Sherlock Holmes, la enésima adaptación al cine del más famoso detective de la literatura y el cine, así como el más reciente filme de Guy Ritchie, ha quedado sin cambios. Mientras, el reciente filme del siempre controversial Michael Haneke, Das Weise Band, ha quedado sin problemas como “La Cinta Blanca”, en tanto, A Perfect Getaway, con Milla Jovovich, se ha titulado como “Escapada Perfecta” (Me hubiera gustado más “Escape Perfecto”. El último y más “intrigante” título se trata de “Amreeka”, dirigida por Cherien Dabis, que en España ha quedado como “Amerrika”. No se árabe, pero al ser una trama sobre la inmigración de una familia palestina a Estados Unidos, imagino que el título está en árabe y significa “América”. Sin embargo, no logro deducir en qué idioma o en qué está inspirado el título español “Amerrika”.

PEANUTS, EL CINE Y LOS MEDIOS

(Publicada el 18 de diciembre de 1962)

Para valorar una obra de arte, como una pintura, se necesita tomar en cuenta muchos factores. Es más, se puede valorar desde el punto de vista estético y artístico. Lo que no sabía, y es algo que me ha enseñado la tira de esta semana, es que también se puede valorar por el tiempo que ha tomado realizarla. Bueno, esto al menos según Lucy quien, como buena crítica de arte, literalmente ha "destrozado" la última gran obra de Linus.

SITA SINGS THE BLUES * * * *

"Sita Sings the Blues", es una adaptación musical animada a ritmo de blues de la leyenda de la diosa Sita.

El crítico Roger Ebert ha colocado esta joyita en su lista de lo mejor del cine animado del 2009. No puedo más que coincidir con él. En un ejercicio de difusión masiva, la novel realizadora Nina Paley dio a conocer su largometraje animado Sita Sings the Blues a través de su página en You Tube, en donde puede verse integra y libremente. El resultado es sorprendente. Sita Sings the Blues está más allá de cualquier producto amateur, realizado, por lo que puedo deducir, con programas básicos de diseño (Photoshop, Illustrator, animación en Flash). Su adaptación libre a dos bandas del libro hindú del “Ramayana”, es visualmente rico, colorido, divertido y, quizás lo más interesante, sin solemnidades ni tomarse demasiado en serio.

La película es un cóctel psicodélico musical, que narra dos versiones de la leyenda de la diosa Sita y su relación con el azulado Señor Rama, durante el exilio de este en el bosque. Una versión es cómica y paródica, y al mismo tiempo, un viaje a través de las numerosas deidades hindúes, narrada por 3 personajes inspirados en siluetas de grabados del arte indio. Esta parte me recordó las animaciones de Terry Gilliam para Monty Pithon Flying Circus (fotomontajes animados rudimentariamente). La otra versión es un verdadero musical estilo Bollywood, con un diseño visual de lo más estilizado, cercano a dibujos animados infantiles. La números musicales son a ritmo de blues, con canciones de la gran Annette Hanshaw, grabadas en 1928 y 1929.

En tan sólo 1 hora y 20 minutos, Paley alcanza a contarnos todo esto, y por si fuera poco, inserta una moderna historia romántica, sobre una chica que se muda a la India para seguir a su novio por cuestiones de trabajo. El trabajo es tan atractivo visualmente, que es difícil sentirlo saturado. La adaptación de las canciones de Annette Hanshaw a lo que está viviendo el personaje de Sita es tan logrado, que fue difícil perder mi atención entre una narración y otra. La historia de la chica neoyorkina y su gato, con sus rústicos dibujos y animación muy elemental, al final es tan simpática, que fue difícil sentirla fuera de lugar (al final tiene que ver ligeramente con la historia de la diosa Sita). En realidad, lo que tenemos son 3 cortometrajes entrelazados magníficamente en un largometraje, de una realizadora de quien ya espero ver su próximo trabajo.

La película puede verse en la página de You Tube de Nina Paley.

EL CARTEL

CAPITALISM: A LOVE STORY * * * 1/2

De los dos carteles producidos para Capitalism: A Love Story, la nueva película de Michael Moore, este fue el que he considerado como el más interesante. Diseñado por el despacho Crew Creative Advertising, el cartel tiene una propuesta paródica que se respira por todos lados, tomando como referencia carteles políticos y propagandísticos. Su excesivo colorismo es otro de sus puntos fuertes, tomando como referencia los colores de la bandera norteamericana. Michael Moore es el protagonista principal en el cartel (como lo es en prácticamente todos los carteles de sus películas), y luce como el heroe de su propia producción, justo delante de esa enorme estrella azulada y la corona de olivo. Si bien la composición es básicamente céntrica, me ha gustado como se han colocado todos los elementos dentro del formato, en especial, el gran título, casi fusionado con la cúpula del Capitolio. El pie de la letra "A" central está fusionado con la parte superior de la cúpula. Todo el trabajo tiene una idea épica bien plasmada (tipografías con volumen, mirada triunfal y perdida en el horizonte de Moore), acoplada con la idea de parodia política. De una manera simple y eficiente, los diseñadores recuperan elementos simbólicos estadounidenses ya vistos con anterioridad, y los han vuelto a trabajar de una manera atractiva y estéticamente retro. Su desgastado fondo rojo, remite por igual a un cartel político barato pegado en el muro de alguna calle. El segundo cartel (diseñado por el mismo despacho), que es el que se ha usado en España, es más informal gráficamente hablando, no muy cuidado en composición o en diseño, pero esa figura de espaldas sosteniendo la bandera invita a lanzar conjeturas sobre su identidad. ¿Será Bill Clinton?



A SERIOUS MAN * * 1/2

Aunque no he visto la nueva película de los hermanos Coen, A Serious Man, puedo decir por ahora que su cartel no me ha entusiasmado mucho. No es el peor cartel de una película de los Coen, ya que lo considero mejor que el cartel de Intolerable Cruelty, pero tampoco se encuentra a la altura de mejores carteles como el de O Brother Where Art Thou?, Miller’s Crossing o Burn After Reading. El cartel de A Serious Man se encuentra más cercano a la portada de una novela, y creo que en parte se debe a su marco. En lo personal, cuando me enfrento a un cartel con una propuesta fotográfica, me gusta que esa fotografía ocupe todo el formato. En este caso, el encuadre le da más prioridad al cielo, que es usado como espacio gráfico para colocar ahí, limpiamente, el título de la película. Por ello me hubiera gustado más que la fotografía ocupara completamente el formato. A pesar de su intencional simpleza, de todas formas el cartel no pasa desapercibido. ¿Por qué? Porque su fotografía es intrigante y tiene un favorable toque absurdo, por ese personaje que vemos en el techo de la casa junto a un antena de televisión. No sabemos del todo por qué está ahí, de qué se esconde o qué está observando hacia abajo. Y por eso, me invita más a ver la película y descubrir a este personaje. Por otro lado, creo que a los diseñadores en el respectivo cartel español, se les ha pasado la mano con el tamaño de la tipografía del título.

LAS ESTADÍSTICAS: STEVE JOBS Y LA PIXAR.

Steve Jobs, presidente de Apple, vendió la Pixar a Disney en 2006. Desde entonces, la Pixar ganó su segundo Oscar a Mejor Película Animada (Ratatouille), y produjo su película más costosa hasta la fecha (Wall-E).

Las estadísticas de esta semana están dedicadas a Steve Jobs, presidente de Apple, y a la Pixar Animation. En la revista Fortune, edición europea, de noviembre del 2009, se dedicó un artículo a Steve Jobs y su elección como el “Empresario de la Década”. En dicho artículo, escrito por Adam Lashinky, además de hablar de la gran trayectoria (cerca de 33 años) del creador de los ordenadores Apple Macintosh, se habla de su contribución al mundo de la animación digital. Jobs ha cuidado y controlado a la Pixar desde su fundación. Apple vendió Pixar a la Disney en 2006 por 7.5 billones de dólares. Jobs sigue siendo un miembro de la mesa directiva de la Disney, así como uno de sus inversionistas con mayores ganancias (su red está valuada en 5 billones de dólares). Cars, la última película producida por la Pixar antes de esta operación, ha tenido más ganancias comerciales en cuanto a licencias vendidas y comercialización de productos. Mientras, Ratatouille, la siguiente producción en 2007, dio a la Pixar su segundo Oscar a Mejor Película Animada (la primera fue Finding Nemo).

A continuación, una lista, también publicada en el artículo, con la trayectoria de la Pixar expresada en ganancias de taquilla, cuyas películas animadas se han visto beneficiadas con la más alta tecnología digital de Apple, en lo que ya se considera como “la era dorada de la animación”.

Toy Story 2

Año de estreno: 1999
Ganancia a nivel local: $246 millones dlls.
Ganancia a nivel mundial: $486 millones dlls.
Evento significativo: Su presupuesto ($90 millones dlls.) fue 3 veces mayor al de la original Toy Story (1995).

Monsters Inc.

Año de estreno: 2001
Ganancia a nivel local: $256 millones dlls.
Ganancia a nivel mundial:$529 millones dlls.
Evento significativo: La primera película de la Pixar en ser nominada al Oscar a Mejor "Película Animada". Perdió ante Shreck, pero ganó el de "Mejor Canción".

Finding Nemo

Año de estreno: 2003
Ganancia a nivel local: $340 millones dlls.
Ganancia a nivel mundial: $867 millones dlls.
Evento significativo: La película más taquillera de la Pixar hasta la fecha. Primera película del a casa productora en ganar el Oscar a "Mejor Película Animada".

The Incredibles

Año de estreno: 2004
Ganancia a nivel local: $261 millones de dlls.
Ganancia a nivel mundial: $636 millones dlls.
Evento significativo: La primera película de la Pixar en tener un “reparto” enteramente humano. Un softwar especial hizo que los personajes tuvieran ese “brillo” característico.

Cars

Año de estreno: 2006
Ganancia a nivel local: $244 millones de dlls.
Ganancia a nivel mundial. $462 millones de dlls.
Evento significativo: La reina de la mercadotecnia de la Pixar. Cars vendió más de 5 billones en mercancía relacionada con la película.

Ratatouille

Año de estreno: 2007
Ganancia a nivel local: $206 millones de dlls.
Ganancia a nivel mundial: $624 millones de dlls.

Evento significativo: Si bien ganó el Oscar a "Mejor Película Animada", es la película de la Pixar a la que peor le ha ido en cuanto a ganancias en taquilla esta década.

Wall-E

Año de estreno: 2008
Ganancia a nivel local: $224 millones de dlls.
Ganancia a nivel mundial: $533 millones de dlls.

Evento significativo: La película más costosa de la Pixar ($180 millones de dlls.) Requirió cerca de 2,400 archivos de sonido separados.

Up

Año de estreno: 2009
Ganancia a nivel local: $293 millones de dlls.
Ganancia a nivel mundial: $617 millones de dlls.

Evento significativo: El relato de un anciano que ata cientos globos a su casa, fue la primera película de la Pixar en estrenarse en formato 3D.

PARTLY CLOUDY * * * 1/2

En el corto animado "Partly Cloudy", se lanza una nueva hipótesis sobre de dónde vienen los bebés.

El nuevo corto de la Pixar, se encuentra de alguna manera ligado con uno de los temas visuales de Up, es decir, las nubes y el cielo. Partly Cloudy no llega a la genialidad de anteriores cortos de la casa productora (como aquel del extraterrestre de visita en la Tierra, mientras trata de aprender cómo volar la enorme nave espacial), pero es divertido y parte de esa historia que a todos (o casi) nos contaron de niños: a los bebés los trae la cigüeña. Muchas productoras en el pasado aventuraron historias alrededor del tema, como la Warner (Bugs Bunny siendo entregado por equivocación a una pareja de gorilas) y la Disney, pero nunca se veía de donde venían los bebés en realidad. En este corto, dirigido por Peter Sohn (animador y miembro del departamento de arte de la Pixar), se juega con la idea de que los bebés, no nada más humanos sino todas las demás especies animales, son fabricados por las nubes, a partir de su misma materia gaseosa y un poco de electricidad. Lo que más me ha parecido atractivo, es lo realista que lucen las nubes. Casi se pueden tocar. El gas con el que están formados sus cuerpos tiene incluso movimiento. La pequeña historia que cuenta retoma una idea que, igualmente, se ha trabajado con anterioridad: la cigüeña que sufre por este trabajo. A lo que se agrega también una nube, literalmente, tormentosa, que sufre por la frustración de nada más poder crear animales peligrosos. Y a la cigüeña de la Pixar le pasa de todo sin siquiera emprender el vuelo. La premisa será sencilla y con su encanto propio: unir fuerzas para salir adelante en las dificultades.

PEANUTS, EL CINE Y LOS MEDIOS

(Publicada originalmente el 11 de diciembre de 1962)

Aquí tenemos a Charlie Brown dando una lección de ortografía a Sally, su hermana menor. Lo que más llama la atención en esta tira, es que puede haber más de una forma de aprender ortografía, y la de Sally me parece la más original hasta el momento. ¿Cuál sería la forma en que llamaría a los acentos?

LA EDAD DE LA PESETA * * 1/2

En "La Edad de la Peseta", un niño y su abuela formarán una estrecha relación, en tiempos de la revolución cubana.

Su título puede crear confusiones y hacernos pensar en alguna historia relacionada con economía y la extinta moneda española. Pero en realidad, y como se aclara al principio de la película, “la edad de la peseta” es como se le llama en Cuba a la edad de transición entre la niñez y la adolescencia. No hay nada nuevo en La Edad de la Peseta (2006), dirigida por Pavel Giroud, una clásica trama sobre la difícil madurez de un niño, Samuel (Iván Carreira), de 10 años, en la Habana, y que tiene como trasfondo el inicio de la revolución de Fidel Castro a finales de los años 1950. La relación que el chico va construyendo, a paso lento pero seguro, con su rígida y malhumorada abuela, interpretada magníficamente por Mercedes Sampietro, es de las pocas cosas rescatables en una película a la que le ha faltado mucha más fuerza en su historia y un mejor trabajo histriónico del resto del reparto.

Lo que esperaba en una historia que trata también sobre el despertar de las hormonas, era un poco más de humor y menos solemnidad, en cada uno de los detalles que Giroud intenta retratar en el comportamiento del chico, quien pasa por todo: el enamoramiento platónico de una actriz bellísima, que acude a retratarse a la casa de la abuela (la primera abuela fotógrafa que conozco en cine); la curiosidad por aprender a besar (lo hace con una chica tuberculosa y sale inmune de la experiencia), los celos por el nuevo novio de su madre (Susana Tejera), y pesadillas que le provocan mojar la cama. Si bien el personaje de Samuel empieza de una manera algo perturbadora, casi diabólica, en las situaciones que va provocando al principio, con el tiempo se va transformando, junto a su abuela, en un personaje capaz de transmitir más emociones. El problema, es que no acabamos teniendo más de esta relación entre Samuel y su abuela, que pudo haber sido más entrañable y el verdadero corazón de la película.

LO MEJOR Y LO PEOR DEL 2009

Tres películas animadas se encuentran en mi lista de "Lo Mejor del 2009", Coraline, Waltz with Bashir y Up. De lo peor...mejor ni hablemos.

A continuación, mi lista de lo mejor y peor que pude ver este año. En mi lista de las mejores películas sé que hay grandes ausencias. Prometo que a lo largo de este 2010 iré poniéndome al corriente con películas que, por causas de fuerza mayor, no he podido ver en 2009, con sus respectivas reseñas. También reconozco que hay grandes ausencias en mi lista de las peores películas del 2009 (la lista debería de ser infinitamente más grande, estoy de acuerdo), pero en este caso no estoy en lo más mínimo preocupado por verlas lo antes posible. Muchas igual y jamás las veré. Por lo pronto, aquí van las listas, sin que los títulos tengan un orden de preferencia especial.

LAS MEJORES PELÍCULAS DEL 2009.

1.- District 9

2.- Up

3.- Coraline

4.- Gran Torino

5.- Waltz with Bashir

6.- Revolutionary Road

7.- Inglourious Basterds

8.- Public Enemies

LAS PEORES PELICULAS DEL 2009

1.- Gamer

2.- The Spirit

3.- G.I. Joe: Rise of the Cobra

4.- Angels and Demons

UP * * * * 1/2

Up combina eficientemente una historia de aventuras estilo Julio Verne, con una clásica película de matiné de los años 1930.

Los terrenos que explora, película tras película, la casa productora Pixar parecen inacabables. Hemos visto ya el microuniverso de unos juguetes, las aventuras de un pez en búsqueda de su hijo, una historia de superhéroes adaptada al entorno de una familia promedio; la lección de humildad que recibe un auto de carreras, y una trama futurista sobre el medio ambiente protagonizada por un pequeño robot. Ahora, la Pixar presenta en Up (2009) su versión de una clásica historia de aventuras de los años 1930.

Up inicia con una secuencia magistral. En ella vemos gran parte de la vida del protagonista, Carl Fredricksen (voz de Ed Asner) en unos cuantos minutos, desde su infancia hasta su matrimonio con su entrañable amiga de la infancia. Sin necesidad de diálogos y en un abrir y cerrar de ojos, la secuencia me conmovió, me entusiasmó y me mantuvo interesado en ver lo que seguiría pasando con Carl años después. El viudo y anciano Fredricksen es una versión animada de Spencer Tracy en sus últimos años, en su personaje de gruñón pero que, al final, tiene un lado sensible escondido. Uno ve desde el principio la bondad oculta detrás de sus gruesos anteojos.

Si bien la historia no ha tenido la resonancia de trabajos pasados de la Pixar, incluido Wall-E, su anterior largometraje, y el hecho de que ahora John Lasseter y Andrew Stanton simplemente están en la producción ejecutiva, detrás de Up se encuentra un gran trabajo artístico. Su departamento de diseñadores viajó hasta Venezuela para documentarse y tomar como inspiración los bosques, cascadas y paisajes rocosos, que han sido recreados en la película con caprichosa minuciosidad. Tenemos de nuevo en Up una historia romántica, sobre el poder del amor que no tiene fronteras, el de un anciano solitario hacia su difunta esposa, atado a sus recuerdos y dispuesto a cumplirle su más grande sueño de la infancia: viajar hacia Sudamérica, vivir aventuras como su ídolo, Charles Muntz (voz de Christopher Plummer), claramente inspirado en Errol Flynn, y situar su casa junto a la cascada más grande del mundo, “Paradise Falls”.

En Up hay referencias al cine de matinée de los años 1930, esas películas de aventuras y exploradores en junglas misteriosas con criaturas fantásticas (aquí un enorme pajarraco de 3 metros); un villano que desea pasar a la fama por su obsesión de presentarle al mundo el animal más fantástico sobre la Tierra (exacto, como en King Kong, aunque no he quedado muy convencido de que este personaje siguiera vivo en el tiempo presente de la historia), ayudado por un ejército de perros capaces de hablar gracias a un dispositivo en sus collares, y una escena climática en los aires que tiene lugar encima de un zeppelín.

Pero también hay referencias a Julio Verne y sus historias de aventuras en globo. La idea fantástica y escapista de viajar en una casa vieja, elevada gracias a cientos y cientos de globos de helio atados a la chimenea, es de los detalles más atractivos en Up. Podrá parecer descabellada, pero la forma en que los realizadores Pete Docter y Bob Peterson lo presentan, desde los cimientos desprendiéndose hasta ver la casona cruzar por edificios modernos, es cómico y emocionante al mismo tiempo. La casa es el símbolo de los recuerdos y el amor de Fredricksen por su esposa. El anciano llevará la casa a todos lados y la protegerá con su vida. Como copiloto llevará a un simpático boy scout, Russell (voz de Jordan Nagai), que desea ganarse su último reconocimiento “asistiendo” a un anciano, y como Fredricksen, lleva cargando sus propias tristezas. No digo que me he encontrado aquí la mejor película de la Pixar, pero si es uno de sus mejores trabajos (por mucho es superior a Cars) y la mejor película animada del 2009.

++ Lo mejor: los paisajes selváticos y áridos, y la secuencia inicial silente.
++ Lo peor: insisto, el nada creíble detalle que el villano siguiera vivo en el tiempo presente.

-El DVD incluye extras como el acostumbrado corto animado que antecede a la película, "Partly Cloud", y uno más dedicado al perro Dug: "Dug's Special Mission", ¡La aventura nos espera! documental sobre el viaje a Venezuela del equipo artístico, escena alternativa: Los múltiples finales de Muntz, comentarios del director Pete Docter y el codirector Bob Peterson.