EN CARTELERA: STARDUST * * * 1/2

Celebro siempre que aparezca en el panorama fílmico actual una película del género fantástico como Stardust (Reino Unido-E.U., 2007), del realizador Matthew Vaughn (responsable del estupendo thriller gangsteril Layer Cake/2004). Me declaro aficionado al género, en especial el que se desarrolló en los 1980, y marcó mi infancia de manera especial. Por ejemplo, me encantó The Adventures of Baron Munchausen (1988), del ex Monthy Pithon Terry Gilliam (quien tuvo un flojo regreso con The Brothers Grimm/2005 y al parecer también con Tideland/2005). Si hubo alguien a quien Vaughn quiso emular en Stardust, evidentemente ha sido a Gilliam, en esa mezcla de fantasía y comedia que el director y animador estadounidense ha sabido desarrollar a lo largo de su filmografía.

Por supuesto, Vaughn está muy lejos de alcanzar los niveles de Gilliam, y aunque consigue en Stardust una película disfrutable y graciosa a ratos, con aceptables efectos especiales, la película también corre a veces el peligro de ponerse aburrida, divagante, además de sentirse saturada de personajes. Basada en la novela escrita por Neil Gaiman y Charles Vess, la historia narra cómo cierta noche Tristan (Charlie Cox), joven aldeano del siglo XIX, se atreve a cruzar la frontera que conduce a una región amurallada y mágica, habitada por brujas, gitanas y fantasmas, (cosa que también hizo su padre en su niñez), luego de ver a una estrella fugaz caer del cielo. La estrella es una guapa chica, Yvaine (Claire Daines), quien empezará a ser perseguida por una bruja (estupenda Michelle Pfeiffer) y un futuro príncipe (Mark Strong), para apoderarse de una joya que lleva consigo.

Tristan e Yvaine emprenderán la huida y vivirán un sin fin de aventuras, por tierra y aire, encontrándose con personajes que, desafortunadamente, se van perdiendo en el camino o no aportan gran cosa a la historia, siendo algunos detalles que impiden a la película de Vaughn rozar la genialidad, imaginación e ingenio del Terry Gilliam del Baron Munchausen, Jabberwocky (1977) o Time Bandits (1981).

Pero bueno, tal vez sea demasiado exigirle a Vaughn, en apenas su segundo largometraje. Al final, la película es para pasar una tarde agradable de fin de semana, y si hay dos cosas por las cuales vale la pena revisar esta película, esas son la muy graciosa participación de Robert De Niro, como el capitán de un barco pirata con un lado afeminado, reprimido y oculto (la escena del baile del “Can Can” es bastante cómica y rescatable), así como la magnífica actuación de Michelle Pfeiffer como la bruja malvada del cuento, bellísima y monstruosa por igual. Vale mencionar también el buen clímax que consigue el realizador al final, tal vez la única parte por la que vale la entrada al cine.

CINE ANIMADO: THE SWORD IN THE STONE * * * *

En mi infancia, habré visto una decena de veces The Sword in the Stone (E.U., 1963), uno de los clásicos animados de la casa Disney, que narra las aventuras de la infancia del futuro Rey Arturo, bajo la tutela del mago Merlín, según la adaptación del libro escrito por T.H. White, quien fuera también autor de “The One and Future King”, libro adaptado al cine en Camelot (Joshua Logan, 1967), protagonizado por Richard Harris y Vanessa Redgrave. Entre los puntos a favor de The Sword in the Stone, dirigida por el alemán Wolfgang Reitherman, colaborador en muchas de las producciones animadas de Disney, y realizador de otras tantas, como Winnie The Pooh and the Honey Tree (1966), The Jungle Book (1967), Robin Hood (1973), etc., es su total sencillez y falta de pretensiones, sin que por ello no exista cabida para una magnífica técnica de animación, al igual que números musicales agradables y simpáticos, en especial, aquellos que tienen lugar gracias a la magia de Merlín (voz de Karl Swenson), un sabio, estricto y, en ocasiones, cascarrabias anciano hechicero, que vive alejado en el bosque junto a su remilgoso búho, Arquímedes (voz de Junius Matthews).

Merlín ha profetizado grandes cosas para el joven y plebeyo Arturo (voz de Rickie Sorensen), por lo que, cuando el chico cae por accidente en la casa del mago, este inmediatamente empezará su instrucción, mudándose al castillo en donde Arturo trabaja lavando platos, aseando la cocina y asistiendo al gigantón hijo de Sir Pelinore (voz de Alan Napier), en sus prácticas para el torneo de caballeros.

Haciendo uso de su magia, Merlín hará pasar a Arturo por varias pruebas, convirtiéndolo, primero, en pez (toda esta secuencia es magistral visualmente hablando), aprendiendo que la astucia es más importante que la fuerza física; luego como ardilla descubrirá los sinsabores e impredecibles mecanismos del amor, y como pájaro, cumplirá su sueño de volar, no sin antes ver que siempre el grande querrá comerse al más pequeño, pudiendo salvarse el último si usa su inteligencia y pericia.

Tal es el mensaje de la película: no importa la fuerza física, si antes no se desarrolla el “músculo” de la mente, si no se tiene nobleza y humildad en el alma, ambición por llegar “muy alto”. Es la ambición que Merlín intenta transmitir a su discípulo, aunque en una escena clave la confrontación entre ambos sea inevitable, cuando el chico trate de hacerle ver al anciano mago que él no es más que un plebeyo, y no puede aspirar a tanto. Merlín, aunque enfadado, sabe que “Grillo” (apodo del flaco pero noble Arturo) tiene una última etapa qué superar: sacar la famosa espada de Excalibur de la piedra.

Un mensaje bienvenido para el público infantil, en un filme que aun en estos días me agrada revisar. No hay duda que el viejo Merlín se roba todo el filme, por su vitalidad y capacidad para predecir las “proezas” técnicas de siglos venideros; de carácter fuerte y a veces incapaz de controlar su propia magia, chocando de manera divertida con su más conservador, meticuloso y tranquilo búho Arquímedes. Si hay algún pero en este simpático y aleccionador relato, es la fugaz y poco aprovechada presencia de Madame Mim, una bruja rival con la que Merlín tendrá un duelo hacia el clímax de la película.

NOTICIAS: 37 EDICIÓN DE ALCINE 2007

Agricultura Report, animación de Melina Sydney Padua

Niños que nunca existieron, de David Valero

El Festival de Cine de Alcalá de Henares / Comunidad de Madrid alcanza en 2007 su trigésima séptima edición, del 9 al 17 de noviembre. ALCINE 37 acaba de hacer pública la selección oficial de obras que van a competir en sus tres secciones competitivas, el Certamen Nacional de Cortometrajes, el Certamen Europeo de Cortometrajes y la sección Pantalla Abierta.

Para los dos certámenes de cortometrajes se han elegido 74 obras. Del Certamen Nacional se han seleccionado 37 cortos de un total de 295, y del Certamen Europeo se han escogido otros 37 cortos de una selección de 152 obras. El nuevo bloque, que el año pasado ya estuvo presente, aunque exento de carácter de concurso, cuenta con participantes procedentes de los países de la Unión Europea, Islandia, Noruega y Suiza. Con esta incorporación, ALCINE 37 pretende convertirse en un referente del panorama cinematográfico europeo, prestando una especial atención a la labor realizada por los nuevos realizadores. El Certamen Europeo se une al Certamen Nacional. Ambos amplían sus formatos, derribando las fronteras estrictamente cinematográficas. Producciones en 16 y 35 mm conviven con otras presentadas en formato Betacam SP. Por otra parte, en la sección de Pantalla Abierta se ha seleccionado un total de 6 largometrajes entre las diferentes óperas primas recientes realizadas en España, a lo que hay que sumar dos películas fuera de concurso. Todas ellas competirán en esta nueva edición del Festival. Además, la sección informativa del festival se compone de dos apartados a destacar:

• VOCES EN EL TIEMPO. Con VOCES EN EL TIEMPO, ALCINE presenta un proyecto multidisciplinar, que cuenta con la colaboración del Instituto Cervantes y que comprende una publicación con entrevistas realizadas por el crítico de cine Hilario J. Rodríguez a 15 nuevos talentos de nuestra cinematografía. El libro va acompañado de un ciclo con 15 películas, una por director entrevistado, donde se pondrá en evidencia cómo se ha transformado una cinematografía en un momento de cambios tecnológicos y de transformaciones en la manera de distribuir y de percibir el cine. Por último, una exposición de retratos panorámicos a cineastas españoles, del fotógrafo Óscar Fernández, completan el proyecto. Los títulos que podremos ver en este ciclo serán:

- Miguel Albaladejo: La primera noche de mi vida.

- Jaume Balagueró: Darkness

- Eduard Cortés: Otros días vendrán.

- Patricia Ferreira: Sé quién eres.

- Javier Fesser: El Milagro de P. Pinto.

- Salvador García Ruiz: Las voces de la noche.

- Cesc Gay: Hotel Room.

- Juan Carlos Fresnadillo: Intacto.

- Ángeles González-Sinde: La suerte dormida.

- Achero Mañas: Noviembre.

- Manuel Martín Cuenca: Malas temporadas

- Marc Recha: Días de agosto

- Alberto Rodríguez: El traje.

- Benito Zambrano: Solas.

- Isaki Lacuesta: La leyenda del tiempo.

EL DÍA DE IRLANDA. Irlanda cuenta con una producción de gran calidad pero que pasa desapercibida para el resto de sus vecinos europeos. ALCINE, en su trigésimo séptima edición, se ha propuesto poner un poco de luz sobre la más reciente cinematografía irlandesa, descubriendo sus mejores cortometrajes, una gran ópera prima en largometraje y, también, acercar su música y su cultura más allá de los tópicos. Todo ello a través del Día de Irlanda, un nuevo apartado del Festival que tratará cada año de revelar el cine más reciente de una cinematografía emergente, de calidad, pero todavía desconocida aquí. En cuanto a los conciertos irlandeses, contaremos con la presencia de Perry Blake (el 8 de noviembre), Garrett Wall (el 16 de noviembre) y Boys of the Hills (durante la gala de inauguración).

Este año, ALCINE cuenta con una amplia variedad de propuestas para todo tipo de públicos. Los mejores anuncios del año de los cinco continentes, se podrán disfrutar en pantalla grande y en versión original subtitulada gracias a Cine Publicitario. En la sección Europa en Cortos se verá cómo las mujeres europeas representan, experimentan y articulan con el humor de su cultura. Un cambio de registro lo da la sección Shorts Cuts o películas de episodios, que tienen su hueco en esta sección donde el corto es su materia prima y en la que algunos de sus directores pueden mostrar, sin las cortapisas del cine comercial, su verdadero talento. Los niños también tienen su lugar en Alcalá; las secciones No recomendada para Mayores, donde se visionarán cortos y Toy Story, en la que se abarcarán una serie de obras de animación y de ficción están especialmente preparadas para los más pequeños.

Además, los jóvenes tendrán su lugar gracias a El cine y los jóvenes, una sección pensada como vehículo para la educación en valores, tanto humanos como estético- artísticos, de los jóvenes que se forman en los centros de educación secundaria. Como no podía ser de otra manera, Mayores sin reparos está pensada para los más mayores, que podrán encontrar en una selección de cortos historias de su interés. Una de las novedades para este año la encontramos en El dedo en la llaga, un espacio dedicado a temas tan actuales como el racismo, la homofobia o la xenofobia. Este año debido a una serie de acontecimientos ocurridos en Alcalá, las piezas seleccionadas hablan del día a día de los extranjeros en nuestro país, de cómo algunos ciudadanos rechazan a otros por su color, etc. En la sección Corto a la Carta, se podrá visionar durante los días del certamen todos los cortometrajes presentados en la 37 edición. Por último, el festival cuenta con una muestra de la animadora alemana Lotte Reinigge.

++Organiza Ayuntamiento de Alcalá de Henares, Fundación Colegio del Rey y Comunidad de Madrid (Consejería de Cultura y Turismo-Dirección General de Promoción Cultural). PatrocinaMinisterio de Cultura (ICAA), Programa Media de la Unión Europea, Caja Madrid (Obra Social), Culture Ireland. Instituto Cervantes, Universidad de Alcalá ColaboraCES, Technicolor, Reel Ireland, Irish Film Institute, IVAC. La Filmoteca, Mahon, Pearson, Embajada de Irlanda, Embajada de Portugal, Instituto Camoes, Instituto Goethe, Turismo Irlanda, Aer Lingus, Embajada de Francia, Embajada de Alemania, Curtas Vila do Conde, Animadrid, TCM, Filmad

Más información en el sitio web del festival: http://www.alcine.org

CINESPAÑA: EL AÑO DE LAS LUCES * * * 1/2

Son muchas las conexiones que encuentra El Año de las Luces (España, 1986), del realizador madrileño Fernando Trueba (Se infiel y no mires con quien/1985, Tow Much/1995, El Embrujo de Shangai/2002) y Belle Epoque (España, 1992), del mismo realizador (ganador al Oscar como Mejor Filme Extranjero por dicha película). Además de estar ambas protagonizadas por Jorge Sanz y Maribel Verdú, están ambientadas en la época de la Guerra Civil, en escenarios de la campiña y su trama se instala dentro de un internado, al que llegan de manera casi forzosa los jóvenes protagonistas, donde tendrán su despertar sexual y primeras experiencias amorosas. De hecho, estas dos películas, junto a La Niña de Tus Ojos (1998), bien podrían formar una especie de “trilogía de la Guerra Civil” de Trueba.

El Año de las Luces fue el primer acercamiento de Trueba a este momento histórico, en el que narra una historia romántica juvenil, entre el hijo adolescente de un soldado caído, Manolo (Jorge Sanz) y una guapa chica, María Jesús (Maribel Verdú), dentro del internado para hijos de soldados muertos en combate, al que llegará el primero, junto a su hermano menor, para continuar su educación y vivir por tiempo indefinido. Manolo es un precoz chico, que no tardará en fijarse en la enfermera en turno, espiándola cada noche cuando esta se dispone a dormir.

Manolo lleva el conteo de los días que pasan en un calendario viejo (más tarde sabremos la razón), pasa todo el tiempo aburrido por tener que convivir con niños, prefiere estudiar solo, hasta que forjará amistad con un liberal y simpático anciano (Manuel Alexandre, magnífico), carpintero del lugar, con quien se entretendrá escuchando sus anécdotas de mujeriego en París (será tildado por ello de “mamarracho” por su esposa), y le enseñará de una manera filosófica, cómica e inocente los secretos del amor, cuando María Jesús llegue a sustituir a la anterior enfermera.

Escrita por el mismo Trueba, junto a Rafael Azcona, basándose en una historia original de Manuel Huete, la película es un sensible relato sobre la madurez en tiempos de guerra, sobre dos jóvenes que encuentran en el amor una válvula de escape a una época conflictiva y violenta, que deben esconder su relación ante el peligro de ser descubiertos por la estricta, conservadora y fanática prefecta del internado, Doña Tránsito (Chus Lampreave). En ese sentido, el reparto se desempeña ejemplarmente, empezando por el gran cuadro de actores secundarios: Alexandre, Lampreave, incluyendo a Verónica Forqué, como la directora del instituto y a Santiago Ramos, el hermano mayor de Manolo.

Podrá parecer una convencional historia de amor, pero El Año de las Luces es un filme que consagró la visión romántica de Trueba sobre la Guerra Civil, reflejada a través de un tipo de comedia costumbrista, que ironiza y satiriza de forma sutil todo lo que huela a conservadurismo. Al final, nos enfrentamos a una resolución demasiado abrupta, pero nunca fácil ni convencional, mucho menos feliz. Manolo tendrá el primer golpe sentimental de su vida, aprenderá que el amor va más allá de la lujuria que vio al inicio en el autobús de ida,... y que duele mucho.

CLÁSICOS DE CLÁSICOS: VIRIDIANA * * * *

Con seguridad, una de las secuencias más memorables de Viridiana (México-España, 1961), es aquella cena que el montón de ingratos vagabundos tienen a sus anchas, todos ellos protegidos de Viridiana (la actriz mexicana Silvia Pinal), bella y vulnerable chica aspirante a convertirse en monja, representando así uno de los temas favoritos del realizador aragonés Luis Buñuel: la burla cruel y mordaz a la burguesía y a la iglesia. Es un tono subversivo máximo al que llega Don Luis en esta secuencia, en la que permite a sus vagabundos darse un festín en la elegante residencia campirana de Don Jaime (el gran actor Fernando Rey), melancólico tío de Viridiana, que lucha contra sus deseos al ver en su sobrina la viva imagen de su fallecida esposa, a la manera del obsesionado Scottie Ferguson de Vertigo (Hitchcock, 1958), pidiéndole incluso usar el vestido de novia que perteneciera a la difunta, para luego tratar de tener relaciones con ella, narcotizándola ante la mirada indiferente y cómplice de su ama de llaves, Ramona (Margarita Lozano).

Aquella es otra de las imágenes famosas de una película que causó no poca controversia al momento de su estreno, como casi toda la obra de Buñuel. “Prohibida, blasfema, aborrecible, antirreligiosa. Crueldad y desdén con los pobres...” fueron palabras de los censores en la época. Producida por Gustavo Alatriste, esposo de Silvia Pinal y suerte de mecenas de Buñuel (produjo además El Ángel Exterminador/1962 y Simón del Desierto/1965), quien le permitía total libertad en la dirección de sus filmes. Viridiana es uno más de los trabajos de Buñuel inspirados en el realismo italiano (como otra de sus obras maestras, Los Olvidados/1950), con todas las constantes de su filmografía: el fetichismo hacia los pies desnudos (incluido el clásico ritual de lavado de pies), el humor negro, la mujer que sufre por el acoso de un hombre (como en Él/1953), la confrontación hacia la iglesia católica, sus dogmas y símbolos sagrados; alusiones de clara connotación sexual (la vaca ordeñada), etc., en el relato iniciatico de una chica, de apariencia virginal y pura, que antes de iniciar su vida como religiosa será enviada por la madre superiora a pasar un tiempo con su tío viudo, en donde llevará a cabo un proyecto ambicioso, aunque no menos bondadoso e inocente: recoger a todos los vagabundos de un pueblo en Castilla-La Mancha, para darles techo y comida, a cambio de trabajar en alguna labor en la granja.

El tormento por haber querido tener relaciones con Viridiana, llevará a Don Jaime a cometer suicidio, por lo que la residencia quedará a cargo de su hijo, Jorge (Francisco Rabal), quien llegará con su arrogante novia a vivir al lugar y comenzará a sentirse atraído por Viridiana. Sin embargo, no se dejarán esperar los enfrentamientos y choques de Jorge con los vagabundos, quienes tendrán las líneas más humorísticas y sarcásticas de la película, en especial el ciego, clásico personaje de Buñuel, inteligente, cáustico, provocador y lascivo (al igual que el ciego de Los Olvidados). Tampoco gustarán las ideas de Viridiana a los antiguos empleados, que no verán con buenos ojos su excesiva bondad.

Ni tardos ni perezosos, los vagabundos dejarán salir lo peor de ellos, en una noche de excesos, gula y sexo, que Buñuel representa como si de una “Última Cena” se tratará, dándole al ciego el privilegiado lugar de Cristo, que escucha todo divertido desde su lugar .

Adaptación de la novela “Halma”, de Benito Pérez Galdós, Viridiana es una de las obras maestras de Don Luis, de las más provocadoras y sugerentes, no nada más por confrontar -como casi siempre- al catolicismo y subvertir sus simbolismos, sino también por su crítica burlona a sus bondades con los desposeídos y por un intrigante subtexto político, como el hecho de ver cómo aprovechan unos pobres e ignorantes vagabundos el poder y muchas libertades, si se les van dejando poco a poco.

DVD: TOUT PRÈS DES ÉTOILES * * * *

El documental Cerca de las Estrellas (Tout Près des Étoiles, Francia, 2001), del director Nils Tavernier, nos sumerge en la vidas de los bailarines de la Ópera de París, a través de testimonios y entrevistas a varios de sus miembros y equipo técnico. Cerca de las Estrellas es un documental que nos envuelve de manera eficaz en los sabores y sinsabores de formar parte de tan importante institución de prestigio internacional.
Haciendo uso de una cámara que está presente en momentos importantes de los bailarines, como sus ensayos y los instantes en el camerino, previos a salir al escenario, Tavernier nos lleva de la mano en un documental bien realizado, en donde podemos disfrutar incluso a los
artistas en plena acción sobre el escenario.

El documental nos presenta un retrato muy humano de los artistas, sobre las alegrías y satisfacciones de sus carreras, pero sus penas y calamidades personales, como consecuencia de llevar a cuestas el gran prestigio de la institución a la que pertenecen, todo en un recorrido durante los ensayos para "El lago de los cisnes", junto con las palabras tanto de "primeros bailarines" como de bailarines de apoyo, incluyendo además coreografías preciosas y montadas en escena con todo y la música de "El lago de los cisnes".

La experiencia de apreciar un documental como Cerca de las Estrellas, nos despierta emociones encontradas. Podemos sentirnos maravillados ante la belleza de la danza, del mismo cuerpo humano y lo que es capaz de lograr en un escenario, pero también sentir algo de lástima y compasión ante la forma en que pueden acabar lastimados los artistas. Desde edades muy tempranas, los bailarines se ven sometidos a entrenamientos tortuosos, sobre todo si no se tiene la vocación necesaria. Cerca de las Estrellas, por tal razón, hace honor a su título.

EN CARTELERA: FRACTURE * * * 1/2

La versatilidad de un actor como Ryan Gosling (de Half Nelson/2006) queda patente en Fracture (E.U., 2007), el filme más reciente del productor y realizador Gregory Hoblit, relato de suspenso cuyas baterías van cargadas, gracias a la habitual fuerza histriónica tanto de Gosling, como de su compañero de reparto, Anthony Hopkins, encarnando un cínico villano de mirada profunda a lo Hannibal Lecter, acentuando el inquietante tono que la cinta mantiene sin problemas.

De no ser por el talento de sus dos actores, Fracture no hubiera sido más que una suerte de telefilme de fin de semana. Lo notable del trabajo de Hoblit, es el saber construir una historia de creciente suspenso, aprovechando con habilidad a su talentoso reparto.

Will Beachum (Gosling), es un joven abogado que tendrá el reto de demostrar ante la corte la culpabilidad del ingeniero Ted Crawford (Hopkins), al intentar asesinar a su joven y atractiva esposa (Embeth Davidtz), al dispararle a sangre fría luego de descubrir que ésta tenía un romance con otro hombre. Todo apunta a que Ted es culpable por intento de homicidio. Sin embargo, el inteligente, frío y calculador ingeniero, se las arreglará para borrar toda evidencia en su contra, en una infalible manipulación de la escena del crimen, cosa que le permitirá estar a punto de quedar libre y salirse con la suya.

A lo largo de la trama, serán muchas las dificultades que Beachum deberá sortear en su búsqueda por la verdad y justicia, configurándose así un enfrentamiento de sagacidad e inteligencia del joven abogado, algo idealista y sin mucha experiencia, contra ese viejo león encarnado por Hopkins. El realizador sabe lo que tiene en sus manos: una buena historia que tiene la clásica premisa argumental de un film-noir, que podría quedar inscrita en las ahora llamadas film-soleil (un relato de moderno filme negro, pero cuyas acciones están ambientadas la mayoría del tiempo durante el día), combinada con filme de juzgado, y junto a la buena fotografía de Kramer Morgenthau y la eficaz banda sonora a cargo de Jeff y Michael Danna, hacen bastante visible la película. Si en algo falla Hoblit, es en dejar un final desinflado y anticlimático, aunque por fortuna no siguió un camino predecible, como pudiera pensarse a medio camino de la historia.

DVD: SCOOP * * * 1/2

Con Scoop (Reino Unido, 2006) el realizador neoyorkino Woody Allen entrega su segunda película filmada en Londres, demostrando lo bien que se ha adaptado a este nuevo escenario, y lo bien que le han sentado las historias que se mueven en ambientes elegantes, con personajes ricos y refinados, como en su anterior película, Match Point (2005). Hablando de Match Point, si se le compara con Scoop, vale decir que Allen ha dado un pequeño paso atrás, ya que la primera representó un regreso del cineasta a sus melodramas sobrios, luego de una racha de comedias que, aunque divertidas, eran menores en comparación. Scoop es, de hecho, una comedia de ese tipo: sumamente entretenida, con Woody de regreso en un personaje secundario, dejando el protagónico a sus actores juveniles, reciclándose a sí mismo con referencias a varios de sus trabajos.

Scarlett Johansson (protagonista de Match Point), la “nueva musa” de Woody, interpreta a una estudiante norteamericana de periodismo, Sondra Pransky, que decide investigar el caso del “asesino del tarot”, criminal que tiene a toda Londres asustada por sus asesinatos seriales de mujeres morenas. El fantasma de un periodista fallecido (Ian McShane), le irá dando pistas a Sondra en su investigación, asistida por un mago de segunda proveniente de Nueva York, el gran Esplendini (Allen). Sin saberlo, Sondra acabará en una relación romántica con el principal sospechoso, Peter (Hugh Jackman), millonario atractivo y carismático.

Las autoreferencias van desde Small Time Crooks (2000), pasando por un tono narrativo muy al estilo de The Curse of the Jade Scorpion (2001), enredos al estilo de Manhattan Murder Mistery (1993), una reelaboración del tema de Crimes and Misdemeanors (1988), que nos lleva sin remedio a Match Point. Es decir, el mismo Allen pero... diferente. Incluso, podrá parecer que Scoop es la versión cómica de Match Point. Tal vez sea verdad, pero la vuelta de tuerca final es sin duda brillante.

Con todo, Scoop no es un filme tan decepcionante como parecería este ejercicio de autoplagio. Es verdad que es algo frustrante ver un poco más de lo mismo, pero también es cierto que en Scoop tenemos a un Woody que, a sus 71 años, reboza de energía cómica, a Johansson y a Hugh Jackman desempeñándose ejemplarmente, en un relato en el que además Allen retoma el delirio fantástico, al estilo no nada más de varios de sus antiguos filmes, sino de los cuentos publicados en su obra impresa (La Cultura es esa Cosa sin Plumas).

++Disponible en España desde el 2 de octubre, en una sencilla edición que incluye menús interactivos, acceso directo a escenas, ficha técnica, ficha artística, trailer, filmografías selectas y fotografías del rodaje

DVD: ROAD TO PERDITION * * * *

Road to Perdition (E.U., 2002), del director teatral y de cine Sam Mendes, es una suerte de American Beauty instalada en los 1930, filme aquel realizado también por Mendes y que le valió el Oscar a Mejor Director. El año es 1931, época en la que las consecuencias de la depresión económica de 1929 hacen mella en la sociedad estadounidense. Michael Jr. (Tyler Hoechlin), hijo del mafioso Michael Sullivan (Tom Hanks), abre la película en flash-back relatando el ascenso y caída de su padre.

De origen irlandés, el mafioso Sullivan lleva una doble vida: gángster protegido de John Rooney (Paul Newman), patriarca de un clan de mafiosos irlandeses y, por el otro, padre de familia responsable. Connor (Daniel Craig), primogénito de Rooney, comienza a sentirse relegado y celoso de Sullivan, quien junto a su hijo, deberá huir al ser perseguidos por Connor, luego de que este asesinó a su esposa (Jennifer Jason Leigh) y al hijo menor. Sin embargo, Connor encargará el trabajo al prototípico fotógrafo “paparazzi” de aquellas épocas (no aquellos de la “prensa rosa” moderna, sino los que buscaban desesperadamente la fotografía de “nota roja”) y matón a sueldo (Jude Law) para eliminarlos.

Sam Mendes hace honor a su faceta teatral y logra extraer al máximo el talento de sus actores. Hanks se supera consiguiendo una soberbia actuación, como pocas en su carrera. Mientras, el tratamiento visual de la película, bajo la batuta del fotógrafo Conrad L. Hall, es elegantísimo, aspecto que le llevó a ganar a la película su único Oscar. Valiéndose de los altos contrastes, rescata la estética del film-noir, y nos envuelve en una atmósfera obscura y tétrica, siempre acentuando con ello el lado violento de Sullivan.

La producción es impecable, cuidada al detalle. Un magnífico diseño de vestuario, así como una de las mejores ambientaciones que he visto de los 1930, la cual tuvo una falla imperdonable: el modelo de cámara Speed Graphic que usa el personaje de Jude Law, no fue fabricado sino hasta el período de 1940 a 1946.

El filme no iguala ni supera American Beauty, aunque al menos para mí, puede quedar inscrita como una obrita maestra dentro del género noir, con un relato clásico sobre el mafioso en vías de redención y sediento de venganza. El mismo Michael imagina a su padre como una especie de "Llanero Solitario", vamos, su héroe al final, perdonándole sus crímenes. "Jamás volví a tocar un revolver en mi vida..." dirá Michael Jr. en el último plano de la película.

CINESPAÑA: UNA HISTORIA DE ENTONCES * * * 1/2

Las referencias fílmicas que se pueden adivinar en Una Historia de Entonces (España, 2000), nostálgico ejercicio de estilo realizado por el madrileño José Luis Garci (El Abuelo/1998), van desde Cinema Paradiso (Giuseppe Tornatore, 1988), hasta su inspiración en el realismo italiano. Pero la historia narrada por Garci está lejos de la crudeza del realismo, solamente en la forma de una perfecta fotografía en blanco y negro, imitando precisamente un filme antiguo, ya que su relato es noble y romántico, recurriendo a la visión de un niño y, por si fuera poco, haciendo una inocente burla a la iglesia católica.

Ambientada a finales de los 1940, la película cuenta la historia de Julia (Lidia Bosch), atractiva mujer que vive sumergida en la tristeza, debido a que su novio pintor, de ideas de izquierda, fue encarcelado por la policia franquista y desde hace años no tiene noticias de él. Julia está pasando una temporada en una enorme residencia en la campiña de Asturias, en las afueras del pueblo de Cerralbos del Sella, lugar donde pasó algunos veranos durante su infancia. En la residencia vive acompañada nada más por su ama de llaves y amiga de la infancia (Ana Fernández), y el hijo de esta, Juanito (Manuel Lozano, de La Lengua de las Mariposas/José Luis Cuerda/1999), este último aficionado al cine, quien acude siempre a ver las películas que proyectan en la rústica sala del pueblo, claro, al menos aquellas que han sido aprobadas por la censura franquista.

Escrita por el mismo Garci, junto a Horacio Valcárcel, la película es una mezcla de melodrama y comedia de costumbres, sin que el guión incline la balanza por uno u otro. El relato se mantendrá hasta el final en una segura línea argumental, sin recurrir a efectismos dramáticos. En realidad, la vida de Julia en la tranquila campiña será un buen pretexto para que Garci nos ofrezca una minuciosa y cómica descripción de sus personajes, siendo tres los más atractivos: el sermoneador y conservador sacerdote, Don Matías (interpretado magníficamente por Juan Diego), el maestro de literatura (efectivo Iñaki Miramón), a quien veremos convertirse en un tímido enamorado de Julia y, por último, la tía Gala (notable Julia Gutiérrez Caba), abuela de Juanito, la cual tendrá un estupendo debate con Don Matías respecto a la censura, la utilidad del cine y la pertinencia de proyectar ciertas películas.

Aunque el cine es un elemento importante en la trama, como detonante de la crítica hacia la censura y moral de los primeros años del franquismo, el improvisado montaje teatral de una representación del nacimiento de Jesús en la iglesia, será para Julia una oportunidad de ir dejando atrás su pena. A pesar de gozar de la gran fotografía de Raúl Pérez Cubero y de un buen reparto, creo que el guión está un poco desequilibrado, ya que si bien goza de personajes interesantes y muy carismáticos, la historia no lo es tanto como para que estos personajes puedan desenvolverse lo suficiente. Sin embargo, la película es un conmovedor homenaje al cine, a los grandes tiempos del blanco y negro, bien ambientada y si cierra con “Night and Day”, de Cole Porter, nos hará olvidar por un momento sus pequeños defectos.

DVD: BETTY FISHER ET AUTRES HISTOIRES * * * *

Betty Fisher (Sandrine Kiberlain), una escritora y madre soltera, vive en las afueras de París con su pequeño hijo Joseph. Margot (Nicole García), madre de Betty, ha llegado de España sin que el hecho agrade mucho a la escritora, menos en un día que marcará para siempre su vida: la muerte de su pequeño hijo, al caer de la ventana de su habitación. Mientras esto sucede, Betty se encuentra discutiendo con Margot, quien le hace múltiples críticas a su forma de vida y reproches desde que la recoge en el aeropuerto. Pronto sabremos que Margot es una mujer mentalmente inestable, que sufre demencia, y eso la empujará a secuestrar a un niño para compensarle la fuerte pérdida a su hija y, de paso, calmar su conciencia por no haber sido una buena madre.

Betty Fisher y Otras Historias (Betty Fisher et Autres Histoires, Francia-Canadá, 2001), del director Claude Miller, basado en la novela El Hijo Perdido de la escritora Ruth Rendell, está estructurado a partir de las múltiples historias de cada uno de sus personajes: La Historia de Joseph (con la que inicia), La Historia de José -el niño secuestrado-, etc. Todos y cada uno de los personajes quedarán enlazados, precisamente, a causa de la tragedia de Betty.

Las historias están muy bien narradas y enlazadas, sobre seres marginales y conflictivos sin importar su clase social, en un filme que toma como pretexto el secuestro de un niño para hacer una crítica a una sociedad francesa y el problema de la inmigración. El niño secuestrado por Margot, José (Alexis Chatrian), es hijo de una mesera que se prostituye para sobrevivir junto a su pareja, un hombre desempleado de origen marroquí, el primer sospechoso del crimen, quien realmente sentía cariño por el niño. Para Carole, es una carga menos, ya que ni siquiera sabe quién es el verdadero padre de José, mientras mantiene un romance con un armenio implicado en una red de falsificadores de identidades. Malentendidos, sospechas y crímenes que traerán consecuencias fatales para varios personajes, incluso para Betty, quien se debatirá entre devolver al niño o quedárselo.

En la línea de La Culpa la Tiene Voltaire (Abdel Kechiche, 2000), que también retrata las dificultades que tienen que pasar los inmigrantes ilegales en Francia , Betty Fisher... mantiene una buena narrativa, donde personajes decadentes y sumidos en la desesperanza, no pueden alcanzar la redención sin antes haber recorrido un largo camino lleno de obstáculos.

Sin duda alguna, Betty Fisher ... con un final inesperado, de ciertos matices de comicidad y redención, es una película que honra, dentro de todos los aspectos, al género femenino.

DVD: ZWARTBOEK (THE BLACK BOOK) * * * * 1/2

Parece increíble que un filme tan dramáticamente bien estructurado, emocionante y entretenido y -lo que más llama la atención- ambientado en la Segunda Guerra Mundial, como The Black Book (Zwartboek, Holanda-Bélgica-Reino Unido-Alemania, 2006), haya sido dirigida por el holandés Paul Verhoeven, especialista en ciencia ficción con un marcado toque gore (Robocop/1987, Total Recall/1990), y responsable de ese memorable thriller erótico titulado Basic Instinct (1992).

La capacidad como realizador de Verhoeven está más que probada, pero en The Black Book da un giro radical a su carrera, con una lograda y admirable mezcla de filme de suspenso y espionaje, con un melodrama con el tema del Holocausto y la persecución judía, sin perder su sello violento de siempre, en una historia con muchos personajes, pero que en ningún momento llegan a ser demasiados, ubicada en la Holanda invadida por los nazis, buscando ser liberada por facciones rebeldes.

En la Holanda de 1944, una atractiva chica judía, Rachel (la actriz holandesa Carice van Houten), amante de la música popular norteamericana (prohibida por el régimen nazi) y alguna vez cantante, busca huir de su país junto a sus padres, ayudados por la policia holandesa. Durante la huída, el barco en el que Rachel y sus padres viajan, junto a decenas de judíos, es emboscado por soldados nazis, muriendo todos excepto ella, quien huye en medio de la noche.

La aventura de Rachel comienza, cuando se encuentre con un grupo rebelde, involucrándose de inmediato en su lucha, apoyándolos en lo que será una peligrosa misión como espía, infiltrada en las oficinas del gobierno del Tercer Reich trabajando como secretaria, en el despacho de un oficial de las SS, Ludwig Müntze (Sebastián Koch, de “La Vida de los Otros”), tranquilo y no tan radical como otros similares, el cual cae enamorado de Rachel, empezando poco a poco a complicarse la misión, en la que la chica deberá cuidarse no nada más de ser descubierta, sino de que los sentimientos vayan poniendo en riesgo la operación.

La película dura cerca de dos horas y media, pero nunca pierde su centro dramático, ni decae su ritmo narrativo, ni el interés en su historia, la cual no deja de deparar sorpresas hasta el final. Si bien existe un gran suspenso por cuál irá siendo la suerte de Rachel, sabemos que este no será tan malo, ya que desde el primer minuto atestiguamos que es una sobreviviente del Holocausto y que vive como maestra. Tenemos una historia romántica en medio de toda un relato de traiciones y lealtades, en el que vemos a los mismos nazis ser víctimas de su propia paranoia, locura y hambre de poder, un romance que se antoja improbable (un oficial de las despiadadas SS enamorado de una guapa judía), pero que va siendo creíble gracias a que un director como Verhoeven jamás perdería el tiempo con melcocha corriente.

The Black Book goza de una ambientación impecable, gracias a una fuerte producción que nunca resulta ostentosa, así como de un gran reparto sin reproche alguno, empezando por la bella protagonista Van Houten, quien es cierto (como lo dirá algún personaje en el filme) parece una suerte de Jean Harlow de principios de siglo XXI.

++ La edición especial en DVD, ya está disponible desde el 26 de septiembre, el cual incluye extras variados como menús interactivos, acceso directo a escenas, trailer, entrevistas, entrevista con Paul Verhoeven en Sitges 2006, ficha artística, ficha técnica, filmografías selectas, etc. Formato del Disco: Disco Sencillo Doble Capa. Próximo estreno en México.

NOTICIAS: OSCAR GRILLO Y JOANNA QUINN EN ANIMACOR 2007

OSCAR GRILLO y JOANNA QUINN desvelarán los secretos de su universo animado en ANIMACOR ’07

El Programa de Actividades paralelas de la III edición del Festival ANIMACOR'07 convertirá la cuidad de Córdoba entre los días 5 y 10 de noviembre en el epicentro de la industria de la animación. Como complemento a las proyecciones de las películas de la Sección Oficial del festival -en la que se presentarán 36 trabajos entre cortometrajes, largometrajes y series de televisión de 14 países- la exposición de Oscar Grillo y la clase maestra de Joanna Quinn, revelarán a los espectadores inquietos algunos de los secretos que les han servido para crear los personajes que pueblan sus universos animados...

OSCAR GRILLO, UNA VUELTA A LOS CLÁSICOS A RITMO DE TANGO Y JAZZ ..La exposición "Dibujando al marinero", que tendrá lugar en el Palacio de la Merced, nos brindará la oportunidad de conocer del 5 al 11 de Noviembre las múltiples interpretaciones del mítico dibujo animado Popeye el marino, a través de la pluma del consagrado artista argentino Oscar Grillo. El marinero de prominente quijada, devorador de espinacas, que siempre está fumando con su pipa nació en los años 30 en los estudios de los hermanos Fleischer y fue también uno de los primeros personajes animados que Grillo dibujó en su carrera profesional...Grillo comenzó en el mundo de la ilustración de libros y revistas (entre ellas "The New Yorker") y fundó hacia los años 80 en Londres con su amigo Ted Rockley el estudio de animación Klactoveesedstene Animation Studio, un personal homenaje de este gran amante del jazz al tema de Charlie Parker Klacto Vee Sedstene. El estudio ha abastecido desde entonces de cortometrajes publicitarios a empresas de Europa, Japón, Australia y Estados Unidos...El trabajo de Grillo es una muestra de que la animación "comercial" no está reñida con el compromiso artístico ya que además de la publicidad ha realizado en su carrera trabajos de muy diferente índole. Destacan entre ellos: el cortometraje basado en los trabajos musicales de Paul y Linda McCartney Seaside woman (1980) -que fue Palma de Oro en el festival de Cannes; filmes más académicos como Work in progress, un film sobre Rembrandt para la BBC; o su contribución a los efectos especiales de animación de la película Men in Black (Barry Sonnenfeld, EE.UU, 1997)...

Las influencias más importantes en el estilo de Grillo son muy variadas: la tradición y la disciplina de Max Fleischer; el primer Walt Disney; Osamu Tezuka; clásicos como van Gogh, Picasso, Rembrandt o Pieter Brueghel el Viejo; y, por último, la sensualidad del tango y la improvisación del jazz. Sus dibujos mantienen esa misma integridad y esa pasión hacia sus ídolos personales en un universo donde Buster Keaton, Betty Boop, Popeye, Frankenstein, el Gordo y el Flaco y Mickey Mouse vuelven a reencarnarse y en el que Carlos Gardel y Charlie Parker se dan la mano. ..

JOANNA QUINN, DE LA TIRA DE COMIC AL DIBUJO ANIMADO ..La prestigiosa animadora de origen británico Joanna Quinn (1962, Birmingham) impartirá una Master Class sobre su obra en la Filmoteca de Andalucía el viernes 9 de Noviembre, en la que se podrán ver algunas de sus películas: Girls Night Out (1986), Body Beautiful (1990), Elles (1992), Britannia (1993), Famous Fred (1996) Wife of Bath (1998) o Dreams and Desires-Family Ties (2006); así como sus trabajos de publicidad para Wiskas o United Airlines, entre otros...Desde que en los años 80 siendo alumna de la Universidad de Middlesex descubriera el mundo de la animación, esta excepcional artista, dibujante y animadora ha recibido 46 premios por sus trabajos en cine y publicidad. Entre ellos, destacan dos nominaciones a los Oscar por dos de sus cortometrajes (Famous Fred, 1998; Canterbury Tales, 1999) tres Emmys y cuatro BAFTAs. ..Antes de descubrir la animación, su sueño era convertirse en dibujante de cómics. Creció inspirada por las tiras políticas de Gillray, Grosz y Heartfield; las tiras cómicas de Herré; y las caricaturas sociopolíticas de Steve Bell y Posy Simmonds. El paso de la tira a la animación lo hizo cuando se dio cuenta de que sus primeros personajes y dibujos de cómic, increíblemente estudiados, minuciosamente dibujados y con un mordaz tono satírico, necesitaban más vitalidad y energía y que realmente le interesaban mucho más la realidad social y la crítica política que el mundo de fantasía evocado en la mayoría de los cómics norteamericanos de más popularidad. ..Su dibujo es fresco, original y dinámico, cualidades encontradas también en el trabajo de sus artistas preferidos: Goya, Velázquez, Daumier, T. Lautrec y Degas. Sus autores favoritos también han sido fuente de inspiración directa de algunas de sus obras como Elles (1992) donde rescata el momento en que las modelos de Toulouse Lautrec deciden comer algo antes de posar...Las historias que cuenta Joanna Quinn se identifican con las heroínas olvidadas de la sociedad, con las mujeres sin glamour, corrientes, las menos representadas. Sus personajes, sobre todo los femeninos, emergen de mundos convencionales en los que la normalidad, la camaradería y el optimismo son virtudes comunes; pero de los que surgen periódicamente paréntesis deslumbrantes y sorprendentes que impactan y sobresaltan. ..Su proyecto final de carrera, Girls Night Out (1986) es una crítica al machismo brillante, sencilla y humorística; y un canto al deseo femenino sin inhibiciones. Esta película, realizada con un presupuesto muy reducido, fue la presentación de la insólita heroína Beryl que lanzó a Joanna Quinn a la escena mundial. Beryl se convertiría en el eje central de otras dos películas: Body Beautiful (1990) y la aclamada internacionalmente y ganadora de más de cuarenta prestigiosos premios de animación -incluyendo el europeo Cartoon d'Or 2006-, Dreams and Desires - Family Ties (2006).

Más tarde, fundaría también su compañía Beryl Productions, situada en Cardiff, Gales, desde donde ha producido una amplísima variedad de inconfundibles películas y anuncios de televisión, publicidad, cortos, títulos de crédito e ilustraciones...

Para solicitar más información:http://www.animacor.com/

DVD: CHANGING LANES * * *

En Changing Lanes (E.U., 2002) el detonante de la historia es un choque entre dos automovilistas, en un "freeway" neoyorkino de alta velocidad. Uno de ellos, Gabin Banek (Ben Affleck), abogado y socio de un prestigioso bufete, tiene en sus manos el caso sobre la defensa de una sociedad benefactora, en disputa con los herederos del fundador de la misma. Apurado para llegar al juzgado, pierde el control del automóvil, impactándose con el automóvil del menos afortunado Doyle Gipson (Samuel L. Jackson), quien por pura mala suerte queda parado contra un montón de contenedores viales.

Gipson se dirige al mismo juzgado donde Banek llevará su juicio, el primero peleando a su ex-esposa la custodia de sus hijos. Por las prisas, Banek sólo le dará un cheque en blanco a Gipson para cubrir los daños, para luego salir corriendo en su automóvil intacto. Sin embargo, confundido por la situación, Gipson descubre que Banek ha olvidado una carpeta con documentos importantes para su juicio. Debido a este incidente, ambos pierden sus respectivos casos en el juzgado. Por ello, Banek tratará de recuperar su carpeta, generándose así una serie de enfrentamientos entre él y Gipson, el primero, en su desesperación, se hará de todos los medios a su alcance (por deshonestos y maquiavélicos que puedan ser) para hacer que Gipson le devuelva sus documentos, quien se defenderá de las artimañas de Banek, sin conseguir otra cosa que poner las cosas más difíciles.

Dirigida por el sudafricano Roger Michell (Un Lugar Llamado Notting Hill/1999, Persuasión/1995, el discurso que pretende transmitir en Changing Lanes es el de cómo sería una sociedad sin leyes ni reglas, en donde cada quien actúa arbitrariamente para conseguir lo que desea. Nada impedirá a los irracionales e impulsivos Banek y Gipson para conseguir lo que quieren a costa de su propia integridad, aunque este mensaje a veces queda diluido por una batalla campal que llega a parecer, algo así como la eterna lucha entre el Coyote y el Correcaminos de los Looney Toones, perdiéndose toda credibilidad. En ese sentido, los personajes secundarios son quienes vienen a sostener más el caricaturesco asunto.

En medio de todo cabrán incluso discursillos, algo volátiles, como el del racismo, la infidelidad o la ética profesional, que hacen confuso el enfoque sobre la “ley y el orden". Michell lleva la película a transitar tímidamente por los senderos de la crítica social, abarcando desde el sistema jurídico hasta los medios de comunicación (incluyendo a la publicidad).

Samuel L. Jackson interpreta con su habitual eficacia a un hombre al borde de la locura, debido a su situación de alcohólico en rehabilitación, y sus problemas de personalidad neurótica, en la línea del Michael Douglas de Falling Down (Joel Shumacher, 1993). En cuanto a Ben Affleck, estamos ante uno más de sus trabajos en los que quiere medirse ante papeles más serios y con mayor demanda dramática. William Hurt interpreta en un pequeño papel al amigo de Gipson, engrosando el buen cuadro de actores secundarios que, indudablemente, se llevan la película.

Aunque parezca que toda la mala suerte recae sobre el hombre negro, es decir, Gipson, la película no es un alegato contra el racismo, sino una crónica moralina, altamente discursiva, acerca de la ética profesional en el incipiente siglo XXI, pero que no está peleada con el puro entretenimiento palomero de fin de semana. En serio, el filme aunque lucha por ser tomado en serio, es bastante entretenido.

SITGES 2007: PALMARÉS DEL FESTIVAL

The Fall ganadora del palmarés a "Mejor Película"

Jaume Balagueró y Paco Plaza, premio "Mejor Director" por REC

PALMARÉS SITGES 07 - Festival Internacional de Cinema de Catalunya

OFICIAL FANTÀSTIC

JURADO Zoë Bell, Ruggero Deodato, Mark Palansky, Casimiro Torreiro, Eloy Azorín

Mejor Película The Fall de Tarsem Singh

Mejor Director Jaume Balagueró & Paco Plaza por REC

Mejor Actriz Manuela Velasco por Rec

Mejor Actor Sam Rockwell por Joshua (El Hijo del Mal)

Mejor Guión Chung Seo - Kyung , Park Chan-Wook por I'm a Cyborg but that's Ok.

Mejor Fotografía Toyomichi Kurita por Sukiyaki Western Django

Mejor Diseño de Producción Takashi Sasaki por Sukiyaki Western Django

Mejores Efectos de Maquillaje À L'Intérieur

Mejores Efectos Especiales Mushishi

Mejor Banda Sonora Original Kuniaki Haishima por Mushishi

Mejor Cortometraje Saliva de Esmir Filho
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JURADO CARNET JOVE Carles Matamoros, Néstor Fernández, Aleix Ortuño, Toni Junyent, Mar Canet

Mejor Película FANTÀSTIC À L'Intérieur de Julien Maury Y Alexandre Bustillo Mejor Película MIDNIGHT X-TREME Jack Brooks: Monster Slayer de Jon Knautz
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NOVES VISIONS SEAT JURAT Paz Gómez, Roland Reber, José Tito Martínez

Mejor Película Zoo de Robinson Devor

Mención Especial It's fine, everything it's fine de Crispin Hellion Glover & David Brothers
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PREMIO NOVA AUTORIA SGAE

Mejor Dirección Lizania, presentado por la Universitat Ramón Llull, Marta Palacín y Elisabet Sort

Mejor Guión OP. 1207-x, presentado por la Universitat Autónoma de Barcelona (UAB), Juliâo Luciana

Mejor Música Original Vestido Nuevo, presentado por el ESCAC-Escàndalo Films, Roger Padilla
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ORIENT EXPRESS - CASA ÀSIA JURADO Lorenzo Bertucci, Mario Dominski, Jesús Antonio López

Mejor Película Dororo de Akihiko Shiota

Mención Especial Mad Detective de Johnnie To
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ANIMA'T - Premio Gertie JURADO Manuel Bartual, Gaelle Denis, Rosa Pera

Mejor Largometraje de Animación Aachi & Ssipak de Joe Bum-jin

Mención Especial Tekkonkinkreet de Michael Arias

Mejor Cortometraje de Animación The Pearce Sisters de Luis Cook
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BRIGADOON Paul Naschy JURADO Josefina Blaya, Marc Benabé, Héctor García

Mejor cortometraje Brico Killer de Adrián Cardona
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MÉLIÈS DE PLATA JURADO Rodrigo Cortés, Marta Figueras, David Pizarro Méliès d'Argent a la Mejor Película Europea Á l'intérieur de Julien Maury y Alexandre Bustillo

Mención Especial por cumplir con mano maestra nuestra fantasía de ver morir en directo a una irritante presentadora de televisión para Rec de Jaume Balagueró y Paco Plaza.

Méliès de Plata al Mejor Cortometraje Europeo Die Grosse Wekstatt (The Big Garage) Alemania de Uwe Nagel
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OTROS PREMIOS Gran Premio del Público El Periódico de Catalunya -

Mejor Película Rec, de Jaume Balagueró & Paco Plaza
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PREMIO DE LA CRÍTICA JURADO Stephan Ivancic, Imma Merino, Marcus Kenschnigg, Desiree de Fez, Ferran Auberni

Premio de la Crítica Jose Luis Guarner Rec, de Jaume Balagueró & Paco Plaza, por unanimidad

Mención Especial George Ratliff por Joshua (El hijo del mal) Por la sutilidad con la que hace presente el miedo en la cotidianidad

Premio Citizen Kane al director/a revelación Julien Maury y Alexandre Bustillo por Á l'intérieur