EN CARTELERA: THE SEEKER: THE DARK IS RISING * * * 1/2

El último tramo del año trae como siempre películas del género fantástico, que este año ofrecen muestras interesantes del género, como el conmovedor relato infantil sobre el poder de la imaginación, Bridge to Terabithia (Gabor Csupo, 2007), para luego ver el que quizás sea el mejor de todos, Golden Compass (Chris Weitz, 2007), protagonizada por Nicole Kidman y Daniel Craig, basada en la novela de Philip Pullman.

The Seeker: The Dark is Rising (E.U., 2007), basada en la novela homónima de Susan Cooper, se suma a esta lista representativa que irá cubriendo la temporada, un relato entretenido y familiar, aunque no por ello menos complejo, protagonizado por un chico norteamericano, Will (Alexander Ludwig), de 13 años y viviendo con su gran familia en el Reino Unido. La película, de entrada, es el clásico relato que entremezcla el mundo real con el de la fantasía, que más que parecerse a filmes como The Chronicles of Narnia (Andrew Adamson, 2005) o la saga de Harry Potter, me pareció algo más cercana a The Neverending Story (Wolfgang Petersen, 2004) o El Mundo de Sofia (Erik Gustavson, 1999).

Estamos ante una historia en la que el destino del mundo estará en manos de un chico, pasando por dificultades familiares, quien deberá encontrar los “seis signos de la luz” para enfrentarse contra las fuerzas obscuras, que amenazan con cubrir la Tierra. Will descubrirá que es un guerrero “buscador”, con fuerzas especiales para combatir el mal, de boca del misterioso líder (Ian McShane) de un grupo de antiguos “buscadores”, quienes le encargarán la misión de encontrar los signos en un viaje a través de distintas épocas, teniendo que confrontar siempre a un oscuro jinete (Christopher Eccleston), que tratará de quitarle estos signos (algo así como piedras preciosas que irá guardando en un cinturón) a como de lugar.

No tenemos nada en particular novedoso en The Seeker. La cinta, dirigida por el no muy conocido realizador suizo David L. Cunningham, no estará respaldada por un gran nombre en su dirección (Cunningham tiene una trayectoria profesional en televisión), ni por una explosiva producción hollywoodense (la película no tiene efectos especiales espectaculares), pero no por eso es un trabajo menor que no se deje ver. De hecho, la apuesta del guionista John Hodge, es por un relato tranquilo, narrado sin prisas, sobre la eterna lucha entre el bien y el mal, la luz y la obscuridad, aquí una metáfora sobre la difícil transición de la niñez a la adolescencia, que va directo en lo que intenta contar y sin hacerle la vida difícil al espectador, aunque debo confesar que el asunto de los “seis signos de la luz” nunca terminó por atraparme del todo.

No creo que vaya a causar un gran impacto en la generación “Harry Potter”, o en los fanáticos de la trilogía de “Lord of the Rings”, pero The Seeker es una película interesante, con muchas armas cinematográficas a su favor (una buena edición, banda sonora y fotografía, efectos especiales decorosos), ideal para un público adolescente, buscando involucrarse en otras historias fantásticas.

EN CARTELERA: THE HEARTBREAK KID * * *

Si hay algo que caracterice al cine de los hermanos Bobby y Peter Farrelly, es su burlona crueldad para con todos, -o casi todos- sus personajes. Desde un pobrediablezco nerd con frenos en There’s Something About Mary (1998), buscando conquistar a una preciosa compañera de preparatoria (Cameron Díaz), pasando por una más amable comicidad hacia la gente obesa en Shallow Hal (2001), hasta una graciosa mirada hacia las dificultades de dos hermanos siameses, para hacer cada uno su vida en Stuck on You (idem). Pero no todo se queda en burlarse sin saña de los marginados sociales. Para los Farrelly, luego de que sus personajes sortean una serie de dificultades y son golpeados más de una vez por la vida, logran salir adelante y triunfar en estas comedias edificantes.

En The Heartbreak Kid (E.U., 2007) hay un pequeño giro en su filmografía, y es que si los Farrelly siempre se han caracterizado por ensañarse con sus personajes masculinos, ahora una bella rubia será el objeto de su macabra mala leche, luego de que descubramos, junto al protagonista, Eddie (Ben Stiller), solterón dueño de una tienda de deportes, de sus múltiples lados obscuros durante su luna de miel. Antes, Eddie atestiguó el matrimonio de su ahora ex novia, luego de años de estar juntos y nunca comprometerse, ante los reproches de su vital padre por haberla dejado ir. En eso, Eddie conocerá a Lila (Malin Akerman), la rubia en cuestión, una investigadora que sueña con irse a trabajar a Suecia (una suerte de versión joven de Cameron Díaz), por la que el tipo caerá rendido y sin conocerse mucho se casarán.

Las dificultades por la impulsiva decisión no se dejarán esperar. En su viaje de luna de miel hacia los Cabos, México, Eddie se dará cuenta que la chica es perversa en la cama, canta hasta por los codos y otras tantas monerías, que al llegar al hotel harán que el tipo se fije en otra chica, Miranda (Michelle Monaghan), miembro de una familia de fanáticos del deporte, con la que buscará pasar unas entretenidas vacaciones, luego de que Lila tenga que pasarla encerrada por una serie de calamidades.

En este nuevo filme, escrito por los mismos Farrelly junto a otros tres guionistas, no habrá algún discapacitado o marginado social dirigiéndose sin saberlo hacia la superación. Sin ser lo mejor de los realizadores ni superar a Mad About Mary, la película no es más que un eficaz entretenimiento, con muchos momentos cómicos y que echa mano (como nunca antes en la filmografía de los hermanos) de gags sexuales y de su acostumbrada vulgaridad, para contar una historia simple y predecible, burlándose de nuevo sin concesiones de la desgracia ajena.

The Heartbreak Kid será también otro perfecto vehículo de lucimiento para Ben Stiller, en el personaje que sabe hacer mejor: el pobre diablo con mala suerte y al que le pasa de todo. Habrá una secuencia muy rescatable, cuando por una serie de circunstancias Eddie acabe convertido en un inmigrante ilegal en su propia tierra, junto a otros mexicanos, demostrándonos que México (ni sus mariachis) son para él. En ese sentido, se mostrarán dos caras de Los Cabos: el bonito, es decir, el hotel donde se hospedan, y el feo, es decir, el de afuera, donde las ratas, los borrachos en la playa y cierto espectáculo con un burro como protagonista, son otra materia cómica en el filme. Dos caras contrastantes del turismo fronterizo, reflejadas en la película.

Precisamente, The Heartbreak Kid es una comedia sobre la aventura del “pobre” estadounidense de vacacionar o turistear en México, junto a la típica comedia masculina y sádica que se ha convertido en la marca de casa de los Farrelly.

CINE ANIMADO: TREASURE PLANET * * 1/2

Desde hace un tiempo considerable, la casa Disney dejó de ser el imperio monopólico del mundo de la animación. Después de sacar a la luz proyectos como Atlantis: The Lost Empire (Trousdale-Wise, 2001), una extraña mezcla de los clásicos literarios de Julio Verne (Viaje al Centro de la Tierra y 20,000 Leguas de Viaje Submarino), o Lilo & Stitch (De Blois-Sanders, 2002), reelaboración infantil simple, algo escatológica y con un tratamiento de ciencia ficción, aunque con cierto encanto, del Frankenstein de Mary Shelley, los "creativos disneyanos", parece que no daban en el clavo. Y es que su posterior producción por aquellos años, Treasure Planet (Estados Unidos, 2002), es otro título que se añadió a esa lista de desvaríos de la Disney.

El título de la película revela su inspiración, es decir, la novela clásica de Robert Louis Stevenson, donde personajes, ambientes y entornos, han sido trasladados al espacio exterior, dentro de la añeja tradición de la Disney de reelaborar clásicos infantiles literarios para luego, realizar sus propias versiones, en este caso demasiado extravagante. Ahí radica el problema de Treasure Planet.

Jim, chico rebelde y aventurero, aunque sensible, se entera de la existencia de un tesoro, ubicado en un planeta a millones de años luz de la Tierra. Su mamá es dueña de una taberna, en donde lo más “ganado” de la, digamos, “navegación espacial”, tiene su lugar de esparcimiento. Cierto día, un marinero-tortuga herido llega a la taberna, huyendo de unos piratas que se quieren apoderar de un mapa virtual que lleva en sus manos. De tal manera, Jim, para sacar a su mamá de sus problemas económicos, decidirá embarcarse y buscar el llamado "tesoro de los mil mundos".

Los directores, guionistas y productores, Ron Clements y John Musker, realizadores también de lo que fueron, en su momento, dignos aciertos como Little Mermaid, Aladdin y Hercules, siento que cayeron apabullados ante producciones animadas de ciencia ficción espacial, como Titan A.E (Bluth-Goldman, 2000), Final Fantasy: The Spirits Within (Sakaguchi-Sakakibara, 2001) -inspirado en relatos de Phillip K. Dick-, e incluso, aunque no animadas, los dos primeros episodios de la nueva trilogía de Star Wars, llevando así el magnífico libro de Stevenson a niveles bizarros, en donde cyborgs, alienígenas al estilo Men In Black, seres humanos y la más variada fauna interactúan entre sí, en una combinación de animación tradicional y digital, en panorámicas con casitas rurales del siglo XVII sin armonizar mucho junto a estaciones espaciales.

La historia del viaje de Jim es narrada con sencillez y eficacia, gracias a la buena dirección de Clements y Musker, quienes, con dignidad, dotan a sus personajes de vitalidad y sentimiento. Lo malo es que han sido muchos los problemas del filme, el principal es lo extremadamente forzada que resulta la adaptación, lo poco imaginativa y original, dadas sus innumerables referencias a filmes de ciencia ficción, que resultaría agobiante enumerarlas en este momento.

Lo inquietante es la pregunta: ¿Por qué no se realizó un filme más fiel a la novela original? Con barcos navegando en el mar, islas llenas de palmeras, piratas con pata de palo, etc, y no cyborgs o un moco saltarín en lugar del simpático perico de la novela original. Sin duda, hubiera sido mucho mejor.

SITGES 2007: MR. BROOKS * * 1/2

No es que me haya tenido muy preocupado la ausencia de Kevin Costner en la gran pantalla, pero es bueno tenerlo de regreso con un personaje como el que interpreta en Mr. Brooks (E.U., 2007), a pesar de que la película no funcione del todo como el relato de suspenso psicológico que pretende ser. Estamos ante apenas el segundo largometraje de su realizador, Bruce A. Evans, su primer trabajo después de haber dirigido (hace poco más de 15 años) otro thriller, Kuffs (1992). Mientras, Evans se ha dedicado a la escritura de guiones, en lo que se puede reconocer tiene buenas ideas, pero no la suficiente habilidad para dirigir y hacer más interesante un filme como Mr. Brooks.

El Mr. Brooks del título, es un empresario exitoso, dueño de una fábrica de empaques, quien ha sido nombrado “hombre del año” por la comunidad empresarial en Los Ángeles. Una gran residencia, una esposa guapísima, dinero, aprecio, reconocimiento, una hija en apariencia intachable, todo parece ser perfecto en la vida del Sr. Earl Brooks, hasta que descubrimos que este hombre, con facha de intelectual, en realidad lleva una doble vida como asesino serial. Es decir, un personaje interesante, de tintes obsesivos compulsivos y esquizofrénicos, en esas alucinaciones que tiene de su alter ego, encarnado por un magnífico William Hurt, robándose por completo el filme en una sencilla pero intensa participación, como la presencia que acecha de manera constante a Brooks y le dice cómo, cuándo y dónde cometer su siguiente crimen, e incluso, hasta cuándo podrá parar.

Sin embargo, la meticulosidad y cuidado que Brooks pone en cada uno de sus asesinatos, se verá alterada cuando, sin darse cuenta, sea observado por un voyeur del edificio de enfrente, después de asesinar a una pareja en pleno acto sexual. Por supuesto, la hitchcockiana trama -escrita por el mismo Evans- nos llevará al inevitable chantaje del que será objeto Brooks, cuando el testigo le pida permitirle observarlo en acción, asesinando a su próxima víctima, a cambio de no ir a denunciarlo. Lo malo es que Brooks está harto de esta doble vida, desea retirarse y dejar de matar. En tanto, una atractiva detective de policia (Demi Moore) se encuentra tras la pista de Brooks, al tiempo que se encuentra lidiando con problemas personales.

Quizás la falla más evidente de la película, no sea tanto la por momentos floja historia concebida por Evans, que llega un momento a ponerse aburrida, sino el tratar de meter por la fuerza -de forma paralela- la inútil subtrama de la detective Tracy Atwood (Moore). Es verdad que todos los problemas maritales de Tracy al final tendrán una justificación en la trama, de alguna manera se cruzará en el camino sangriento de Brooks y entenderemos un poco más los móviles que lo llevan a matar. Pero hasta que no llega ese momento, en la última parte, la subtrama de Tracy estorba e impide que la historia de Brooks pueda ser más atractiva, inquietante y desarrollarlo más como personaje.

El final es abierto, corta de tajo la historia de Brooks, y me gustaron esos créditos finales que emulan una antigua teleserie policiaca. Sabemos que no hay salida para el torturante estado psicológico de Mr. Brooks, para esa espiral interminable de violencia y muerte que ha iniciado y que, por más que quiera, ya no podrá salir de ahí. Por más cuidado y limpieza que haya tenido siempre, lo peor para él será la pesadilla de ver a su familia manchada por la sangre que ha hecho derramar.

++ Mr. Brooks forma parte de la sección "Oficial Premiere" del festival de Sitges 2007. Próximo estreno en España.

SITGES 2007: HOT FUZZ * * * *

En cierta escena de Hot Fuzz (Reino Unido-Francia, 2007), el oficial de policia Nicholas Angel (Simon Pegg), lleno de furia al ver el caos y locura que ha invadido al tranquilo pueblito de Sanford, en la provincia británica, mira cómo una “inocente” ancianita le apunta con un rifle. Desarmado, el oficial Angel tan sólo correrá y correrá hacia ella, mientras ésta recarga su arma, dispuesto a hacer lo que uno menos imagina.

El más reciente filme del políticamente incorrecto realizador inglés Edward Wright, extraído del medio televisivo donde escribió y dirigió varias teleseries, está lleno de este tipo de sorpresas, en una clásica película de humor negro ambientada en la campiña británica, con su también típica mirada mordaz y burlona a la apacible vida provinciana, pero que no teme integrar elementos de sangriento horror slasher en una trama policiaca de suspenso.

En apariencia todo es clásico en Hot Fuzz, pero lo admirable del Wright realizador y guionista, quien coescribió el filme junto al mismo actor Simon Pegg, es su manera de darle la vuelta drásticamente a las convenciones de la comedia campirana británica, para ofrecernos un filme divertidísimo y escalofriante al mismo tiempo, que saca partido del costumbrismo pueblerino para hacer una mofa extrema a toda esta forma de vida, en el que primará el desparpajo total.

No es de extrañar nada de esto en Wright, cuyo primer largometraje, a Fistful of Fingers (1994), era una parodia al spaguetti western de Sergio Leone, mientras su segundo filme, Shaun of the Dead (2004), fue de nuevo un acercamiento paródico al cine de zombies estilo George Romero, ambientado en los suburbios de Londres. La tendencia a parodiar y homenajear todo lo humanamente posible sigue presente en la filmografía de Wright, ahora en Hot Fuzz haciendo lo propio con el thriller policiaco de Hollywood y los asesinos seriales, con las inevitables referencias al spaguetti western, al cine de terror, a las body movies, etc.

La historia arranca cuando Nicholas, policia más que eficiente y perfeccionista, es transferido de Londres a regañadientes por sus superiores (pequeñas actuaciones de Steve Coogan, Martin Freeman y Bill Nighy) para ir a trabajar al pueblo de Sandford, de esos pueblitos donde el tiempo parece no transcurrir y todo mundo se conoce y se saluda. Luego de ser abandonado por su novia, las cosas están lejos de seguir bien para Nicholas, ya que la policia de Sandford, dirigida por un pasivo inspector (Jim Broadbent), es todo menos la productiva y eficaz corporación que esperaba.

Junto a su regordete compañero, Danny (Nick Frost estupendo), Nicholas verá que no todo es tan pacífico en Sandford, cuando se desencadene una serie de asesinatos cometidos por un extraño personaje disfrazado de monje. Sin embargo, el inspector no moverá un dedo para resolverlos, creyendo que todos han sido accidentales, aunque Nicholas y Danny investigarán estos crímenes, detrás de los cuales quizás haya una conspiración perpetrada por una secta.

El reparto es de lujo, que incluye participaciones de Paddy Considine y Timothy Dalton, y si se pone atento descubrirá cameos de Cate Blanchett y Peter Jackson, dentro del trabajo de una mancuerna creativa (Wright-Pegg) por la que uno ya se está preguntando qué otra cosa se le ocurrirá parodiar.

++Hot Fuzz forma parte de la sección "Official Premiere" del festival de Stiges 2007, presentada por Edward Wright, el cual visitará México el 16 de octubre para promocionar el próximo estreno del filme en el país, el 19 de octubre.

DVD: ARO TOLBUKHIN, EN LA MENTE DEL ASESINO * * * 1/2

Una de las virtudes del cine experimental, radica en su capacidad para jugar con la realidad. Aro Tolbukhin, en la Mente del Asesino (España-México, 2002) se mueve dentro de distintos niveles. Siguiendo una línea episódica en tres tiempos, En la Mente del Asesino es una suerte de documental dramatizado, con un cuadro de actores que encarnan personajes extraídos de sucesos reales. El actor hispano-mexicano Daniel Jiménez Cacho, interpreta al húngaro Aro Tolbukhin, mientras la española Carmen Beato, interpreta a la monja catalana por quien este multiasesino tendrá un interés sentimental, ambos ejecutado magistralmente sus papeles.

Sin caer en excesos dramáticos, los actores dan lugar a una suerte de ejercicio mímico, gestual, muy intrigante, donde únicamente son acompañados por la voz en "off " de la verdadera monja, quien narra en catalán sus experiencias en la Misión del Divino Redentor, en la selva de Guatemala.

Aro Tolbukhin narra estos acontecimientos y experiencias desde la prisión antes de ser ejecutado, revelándose como un ser fascinante y complejo a la vez. Detrás de su facha inmutable y estoica, subyace un hombre lleno de traumas, víctima de un pasado traumático desde sus más inocentes días de la infancia. Tres fueron los directores involucrados en realizar este documental y, por ende, en el filme se notan tres estilos de filmar diferentes, amalgamados extraordinariamente en un sólo trabajo que, sin embargo, termina nublando en buena medida la verdadera personalidad de Tolbukhin. Agustí Villaronga, realizador mallorquín, y los debutantes Isaac P. Racine y Lydia Zimmermann, dirigieron y escribieron este filme, que surge a partir de un antiguo proyecto documental de principios de los 1980's sobre la pena de muerte, llevado a cabo por los británicos Yves Keetman y Lise August, quienes conocieron al verdadero Aro Tobulkin, en sus recorridos indagatorios por la prisión que lo resguardaba. Zimmermann encontró estos materiales y, junto a Villaronga y Racine, fueron construyendo este largometraje.

Los directores armaron un verdadero perfil psicológico de Tolbukhin: quemó vivas a 7 personas de la mencionada misión guatemalteca, para después huir y quemar a 17 mujeres embarazadas, preso de la desesperación y la tristeza, debido al traslado de la monja a otra misión en Norteamérica y, en buena medida, por las atrocidades de las que fue testigo durante su trabajo voluntario en el Divino Redentor. En un principio, vemos a Tolbukhin trabajando en la Misión del Divino Redentor, sumergida en una verdadera miseria. La segunda parte del filme, muestra, a través de una excelente fotografía en blanco y negro, algo contrastada, la narración de la infancia del pequeño Aro Tolbukhin y su adolescencia tormentosa, conformada por una relación incestuosa que sostuvo con su hermana. Todo ello rodeado por un entorno en el que la figura materna está ausente, probable origen de todas las psicosis del protagonista.

Al final, tenemos las únicas palabras pronunciadas por el Tolbukhin falso, (Jiménez Cacho), hablando acerca de la relación con su hermana y los ocultos motivos que tuvo para cometer los asesinatos. Los diversos formatos empleados en este filme (8mm, 16 mm, 35mm), son recursos de los cuales echan mano los realizadores, acentuando distintos niveles de ficción a lo largo del filme, aunque choca un poco la mezcla de tonos en el argumento, que va desde lo novelado en la parte de la niñez y adolescencia de Tolbukhin, al dramatismo crudo en las escenas de la misión -la secuencia de las ejecuciones de los prófugos heridos o la del cadáver del niño expuesto-. Con todo y lo disparejo de la película, la escena real de la ejecución de Tolbukhin al final, nos toma desprevenidos y hace lucir su punto débil, por que nos preguntamos ¿Cuál es la postura de los realizadores respecto a la pena de muerte? Si es que intentaron reflejar alguna.

NOTICIAS: PRESENTAMOS LAS ÚLTIMAS NOVEDADES DE SITGES 2007.

George A. Romero recibe el Gran Premio Honorífico SITGES-Festival Internacional de Cinema de Catalunya07/10/2007El director subió al escenario del Auditori a recoger el galardón antes de la presentación de su último filme, Diary of the Dead.

Hot Fuzz07/10/2007La nueva gamberrada del director de Shaun of the Dead (conocida en España como Zombie’s Party) se ha presentado esta mañana en el Festival de Sitges.

Clases Magistrales (Vol. 3)07/10/2007La Sala Tramuntana ha servido una vez más de aula de cine, acogiendo hoy dos interesantes clases magistrales con Tarsem Singh y el equipo de DDT, congregando a estudiantes e incondicionales del fantastique.

El Rey de la Montaña07/10/2007El tercer largometraje de Gonzalo López Gallego ha sido presentado durante la jornada de hoy en Sitges.

La Habitación de Fermat07/10/2007Luis Piedrahita y Rodrigo Sopeña han presentado La Habitación de Fermat, junto a Santi Millán, Lluís Homar, Alejo Sauras y Elena Ballesteros.

Larry Fessenden y Gualberto Baña reciben la María Honorífica en Sitges 07'06/10/2007Desde 1986, el premio más emblemático del Festival Internacional de Cine de Cataluña-SITGES.

Clases Magistrales (Vol. 2)06/10/2007El equipo de efectos digitales de El Orfanato han mostrado como se ha llevado a cabo alguno de los trucajes y efectos del filme.

Presentación del libro American Gothic06/10/2007George A. Romero: “Escapar significa llegar a un lugar que consideres tu hogar”

REC de Paco Plaza y Jaume Balagueró, estimulante presentación en Sitges05/10/2007La reformulación del género de zombis más emocionante rodada hasta la fecha en España, planteada como una película de terror que promete vivir al espectador una experiencia de "horror extremo".

Màquina del Temps para Alex Proyas04/10/2007Alex Proyas ha recibido el premio honorífico La Maquina del Temps de manos del director del Festival, Angel Sala. El acto ha transcurrrido durante la gala inaugural de la 40ª edición.

Presentación de El Orfanato en Sitges04/10/2007J. A Bayona, junto al resto del equipo de la película, han dado las gracias al público de Sitges, muy especialmente al productor de la cinta, Guillermo del Toro.

SITGES 2007: KM 31 * *

El cine mexicano contemporáneo, de vez en cuando, da destellos genéricos interesantes y curiosos, aunque no por ello logrados, en los que las buenas intenciones están por encima de guiones originales. Tal es el caso de KM 31 (México-España, 2006), coproducción de la productora mexicana Lemon Films y la especialista española en género fantástico y de terror, Filmax, que toma como pretexto argumental una suerte de leyenda urbana y de terror en la carretera, en un relato de fantasmas ambientado en el km 31 de una famosa carretera, llamada “Del Desierto de los Leones”.

A primera vista, todo el asunto se nota claramente inspirado en el cine de terror oriental, en una trama con incoherencias y lagunas argumentales, que arranca con el accidente de una chica en la mencionada carretera. Agata (Ileana Fox) es atropellada por un camión a alta velocidad, al bajarse para revisar a un niño que había atropellado minutos antes. Sorprendentemente, Agata nada más quedará en coma y el niño, como si nada, se levantará y huirá al bosque, pero este último porque resulta ser un ente de ultratumba, que se dedica a estar asustando a todos los automovilistas que pasan por ahí.

Agata tiene una hermana gemela, Catalina (Ileana Fox también), quien por un poder telepático que comparten irá corriendo (¡desde su casa en la zona de Mixcoac, en D.F., hasta el Desierto de los Leones! ¡Sí, claro!) hasta llegar al lugar de los hechos. Las hermanas tienen un pasado tormentoso, con una madre que las maltrataba, y por ello Catalina tiene pesadillas, escucha voces extrañas, no vive en paz y Nuño, su novio español, (el catalán Adrià Collado, sin mucho que hacer) hace lo posible por lidiar con la situación.

Catalina y Nuño, junto con su amigo, Omar (Raúl Mendez), investigarán qué fue lo que realmente sucedió en el km 31, y se toparán con la maldición de una madre y su hijo que murieron en el lugar, con brujas, leyendas e historias de la época colonial, una trama policiaca que intenta encajar bien con estos elementos paranormales, y otras pistas con las que contará Catalina, para intentar ayudar a su hermana a escapar de esta maldición y despertar del coma.

La película cuenta con una producción más o menos aceptable, una buena fotografía nocturna, banda sonora y maquillaje, aceptables efectos especiales, pero la verdad su director y guionista, el mexicano Rigoberto Castañeda, no aprovecha estos elementos técnicos en una historia más entretenida o interesante, ya que el filme termina siendo aburrido, sin una escena inquietante o en verdad aterradora, derivativo y lleno de clichés, debido a un guión desastroso y lleno de detalles inverosímiles y que jamás toman forma (la escena de la bruja, además, es risible). En cierta escena, un coche (por increíble que parezca) pasa a alta velocidad en la carretera, donde ha ocurrido un accidente y en el lugar se encuentran paradas ambulancias y autos de la policia. Nuestra pareja protagónica, sólo tiene que hacerse a un lado, para acabar abrazados y muy románticos.

++KM 31 se presentará el día 9 en la sala Tramuntana (18:00PM), y el 10 en el Auditori Melià (20:30PM). El mismo día 10, en la sala El Mirador, será presentada por su director, Rigoberto Castañeda, el actor Adrià Collado y Julio Fernández. Próximo estreno en España.

CINESPAÑA: CÓMO SER INFELIZ Y DISFRUTARLO * * 1/2

El papel que Carmen Maura interpreta en Cómo ser Infeliz y Disfrutarlo (España, 1994) es el que ha marcado casi toda su filmografía: la mujer madura que de pronto se ve a sí misma sola enfrentando al mundo, teniendo que salir adelante sin la ayuda de un hombre y, de paso, poniendo en su lugar a los que quieren conquistarla. Es la especialidad de la “chica Almodóvar” por excelencia, el dar vida a este tipo de mujeres, de carácter fuerte e independientes. En esta película de Enrique Urbizu (La Caja 507/2002), Carmen (Maura) es una exitosa periodista de cultura del diario El País, que gusta de jugar póquer con sus compañeros de trabajo al salir del trabajo y vive obsesionada pensando que su marido (Antonio Resines) le es infiel. La vida le dará a Carmen un revés, cuando una mañana su marido fallezca de un infarto, quedándose con la duda de si la engañaba o no con otra mujer.

Rodeada de familiares y una hija que la apoyan, un amable vecino con quien conversa cada vez que sacan a pasear a sus respectivos perros, Carmen de todas maneras se siente sola y empezará a ver cómo varios hombres tratan de llamar su atención en el trabajo.

Adaptación de una novela de la escritora Carmen Rico-Godoy, con guión escrito por José Luis García Sánchez, la película es un grisáceo melodrama femenino con un tratamiento de comedia que jamás logra tomar forma. Pero si en su forma de comedia no es muy lograda, como melodrama edificante la película es un agradable relato sobre la lucha de una mujer por alcanzar su independencia, sobrellevando un duelo que emocionalmente no lo expresa mucho, pero sabemos que está ahí presente en el día a día, hastiada de su rutina laboral, y esforzándose por no olvidar su papel de madre al enterarse que su hija está embarazada.

Carmen lo tiene claro todo (hasta el tipo de apartamento que quiere), o casi, y deberá superar las adversidades por sí misma. Lo mejor de la película es la natural actuación de Carmen Maura, rodeada de un eficaz reparto (cameo de Pilar Bardem incluido), y una realización de Urbizo sencilla, sin mayores complicaciones, confiando y concentrándose más en la capacidad de la actriz principal con la que cuenta.

LOS LUNES AL SOL * * * *

Luis Tosar y Javier Bardem.

La secuencia de créditos que abre Los Lunes al Sol (2002), sirve para señalar el ambiente conflictivo que rodea a cada uno de sus desesperanzados personajes. Seis hombres encarnan una situación distinta, pero representativa de su complicada realidad en común: los españoles en paro laboral. Fernando León de Aranoa (con una vasta trayectoria como guionista en Cha Cha Cha, Barrio, Faustus 5.0, etc.), logra un retrato moderno y realista sobre la sobrevivencia de la gente de clase baja y media baja en la España gobernada por Aznar, en un melodrama social al estilo Ken Loach.

La trama tiene su epicentro dentro de un modesto bar, en donde fluyen las acaloradas discusiones de un grupo de amigos: Santa (un gordo y rapado Javier Bardem), que sueña con mudarse a Australia; José (Luis Tosar), Lino (José Ángel Egido), esposo de una mujer empaquetadora de pescado; Amador (Celso Bugallo) y Reina (Enrique Villen), el dueño del local. En dichas reuniones, una serie de diálogos en torno a lo injusto del sistema burocrático español, las leyes laborales, el desempleo y, además, sus propias vicisitudes, imprimen un toque de cotidianeidad a su, aparentemente, pasiva existencia. La estructura del filme está conformada por las vidas privadas de cada uno de los personajes. Su punto en común, es el desempleo, la soledad y la falta de identidad, en medio de las largas filas para pedir empleo, con una severa crítica a los problemas sociales que los agobian.

Una madre se prostituye mientras su bebé la espera en su carriola, la discriminación por pasar de la edad “activa” laboral, la burocracia bancaria, entre otros problemas, tienen su escenario en la ciudad portuaria de Vigo. Aunque, más bien, parece extenderse al resto de España. El argumento, a pesar de no ser fuerte y original en ideas, trasciende por la forma en que Aranoa narra y enlaza las cinco historias. El realizador apuesta por incluir algo de la sobrevivencia femenina, en un mundo laboral dominado por los hombres.  La subtrama de la esposa de Lino, por ejemplo. La mujer sufre, silenciosamente, por no poder quitarse de encima el hedor a pescado.

El filme, en muchas secuencias, tiene un tono de falso documental (las largas esperas de José en las oficinas de ubicación laboral, por ejemplo), en especial, por los diálogos de los personajes en el bar, que parecen estar narrándonos directamente sucesos reales. Santa (esa manera de cobrarse una multa de 48,000 pesetas por haber destruido una lámpara) encarna ideales de protesta, idealismo y liberalismo de los españoles en paro. Los grandes momentos de Los Lunes al Sol, están en esos instantes en que Aranoa permite a sus actores expresarse hasta por los codos. Javier Bardem se roba la película en sus múltiples improvisaciones (su particular manera de leer un cuento a un niño). El resultado es un conmovedor relato sobre la cotidianeidad, la camaradería, los sueños irrealizables, metaforizados en los rutinarios viajes de ida y vuelta en barco que hacen Santa y José, cada lunes al sol.

NOTICIAS: PREMIOS DOCÚPOLIS 2007

Welcome Europe, ganador del Docúpolis 07

Una historia cercana de la inmigración ha sido la apuesta final del jurado del Premio Docúpolis, constituido por Marc Roig, Maria Camí y Daniela Aronica. El documental Welcome Europe (Bienvenida Europa) del belga Bruno Ulmer ha sido el ganador de esta séptima edición, llevándose 6.000 euros y el reconocimiento de haber sido escogido el mejor trabajo documental entre más de 600 competidores de todo el mundo. Más allá de los titulares mediáticos que vinculan repetidamente los inmigrantes con la pobreza y la inseguridad, Bruno Ulmer ha hecho un retrato de la odisea de ocho hombres en búsqueda del sueño europeo para mantener a sus familias. Tres viajes del Este al Oeste y del Sur al Norte del continente, siempre sobre la cuerda floja, intentando dar respuesta sobretodo a la gran pregunta: ¿que es ser un hombre?

El jurado del Premio Docúpolis, enfrentándose a una difícil elección por la calidad de los trabajos, y la diversidad en temáticas y formas narrativas, ha otorgado una mención especial a la sudafricana The Mother’s House (La casa de mamá). La historia de Miché, una adolescente en la Sudáfrica del post-apartheid, que ya llenó el auditorio y el hall del CCCB el día de la inauguración, ha merecido esta distinción por la solidez del argumento y los personajes y el compromiso social de la obra.

El Premio Ópera Prima 2007 se entrega ex aequo, debido también a la dificultad de seleccionar el ganador de esta categoría entre más de 300 documentales. Los ganadores son Encounter Point (Punto de encuentro) de Julia Bacha y Ronit Avni (EEUU) y A verdade do gato (La verdad del gato), de Jeremy Hammers. Ambas cintas retratan dos conflictos sociales latentes, el de Israel y Palestina, y el de la explotación laboral en los campos de caña de azúcar en Brasil.

La preciosista ShantyGARDENtown ha sido el corto ganador del Premio Gran Angular. La obra de Cagla Zencirci y Guillaume Giovanetti (Francia) explica la búsqueda de serenidad de la diseñadora de paisajes turca, Belemir Dalokay, alrededor de los jardines berlineses, a causa de los problemas de industrialización de Turquía.

Y el nuevo galardón de la categoría oficial del concurso internacional, el Premio OFF Docúpolis ha sido concedido a Roaming Around (Callejeando), sobre los niños de la calle de Accra, de Brigitte Maria Bertele (Alemania).

Premios honoríficos
Entre la vasta selección oficial, los premios honoríficos han coincidido en su mirada al Sur, desde diferentes temáticas y con diferentes técnicas narrativas.
El Premio Derechos Humanos se lo ha llevado A walk to beautiful (Camino a la belleza), de Mary Olive Smith (EEUU), sobre cinco mujeres de Etiopia que han sido repudiadas por causa de unes lesiones tras el parto. Descaminhos (Callejón sin salida), de Marilia Roche, Luis Felipe Hernández, Alexandre Baxter, Joao Flores, Maria de Fátima Augusto, Leandro BHL, Armando Mendz i Cristiano Abud (Brasil), ha sido escogido Mejor Documental Latinoamericano. Y el Premio Tercer Ojo al mejor documental experimental se ha entregado al corto A ilha da boa vida, de Merces Tomaz Gomes (Portugal) sobre las calles de Bombay.

Y como cada año, el Premio del Público reconoce la obra documental que más expectación y satisfacción ha suscitado entre los asistentes. En esta séptima edición del Docúpolis, el documental escogido por la audiencia ha sido Djiarama de Chus Barrera y Alicia Fernández Carmena.

PREMIOS COMPETICIÓN OFICIAL:
· Premio Docúpolis al mejor documental: Welcome Europe - Bruno Ulmer (Francia) · Mención especial del jurado al mejor documental: The Mother’s House - François Verster (Sudáfrica) · Premio Ópera Prima ex aequo: Encounter Point - Julia Bacha y Ronit Avni (EEUU) // A verdade do gato - Jeremy Hammers (Bélgica)
· Premio Gran Angular al mejor corto: ShantyGARDENtown - Cagla Zencirci y Guillaume Giovanetti (Francia) · Premio OFF DOCÚPOLIS: Roaming Around (Callejeando) - Brigitte Maria Bertele (Alemania)
PREMIOS HONORÍFICOS :
· Premio al Mejor Documental de Derechos Humanos : A walk to beautiful (Camino a la belleza) - Mary Olive Smith (EEUU)
· Premio al Mejor Documental Latinoamericano: Descaminhos (Callejón sin salida) - Marilia Rocha, Luis Felipe Fernández, Alexandre Baxter, Joao Flores, Maria de Fátima Augusto, Leandro HBL, Armando Mendz i Cristiano Abud (Brasil).
· Premio Tercer Ojo al mejor documental experimental: A Ilha da boa vida - Merces Tomaz Gomez (Portugal) · Premio del Público: Djiarama - Chus Barrera y Alícia Fernández Carmena

TARZAN * * * 1/2

YO TARZÁN, TÚ JANE. El clásico de Edgar Rice Burroughs
en su primera versión animada por la Disney. 

Disney cerró el siglo XX con una adaptación animada, bastante libre, del relato de Tarzan of the Apes, novela escrita por Edgar Rice Borroughs, que pasó sin pena ni gloria por la cartelera comercial. Tarzan (E.U.,1999), con todo y tener la impecable manufactura visual acostumbrada en la Disney, una magnífica colaboración musical de Phil Collins con varias canciones (cantada incluso en español por el británico en la versión para Latinoamérica) y un casting de voces aceptable, no causó el impacto deseado por los realizadores.

Dirigida por Chris Buck y Kevin Lima, el primero realizador de la reciente Surf’s Up (2007) y animador en producciones como The Little Mermaid (1989) y Pocahontas (1995), y el segundo con menos experiencia en el medio (nada más ha sido animador en The Little Mermaid y dirigió 102 Dalmatians/2000), este filme animado de Tarzan se toma demasiadas licencias respecto a la historia original, aunque la verdad sea dicha, no son tan graves. Por ejemplo, el Tarzán versión Disney, nunca verá la civilización como en la novela de Borroughs, y además no será criado de bebé por un grupo de chimpancés, sino de gorilas, luego de extraviarse en una expedición donde perecen sus padres. Por lo tanto, tampoco esperemos ver a Cheeta, la inseparable chimpancé de Tarzán.

Tarzán (voz de Tony Godlwyn) verá interrumpida su salvaje y gorilesca vida, en el grupo liderado por el rey gorila, Kerchak (voz de Lance Henriksen), acompañado por su madre adoptiva Kala (voz de Glenn Close), cuando conozca a Jane (voz de Minnie Driver), la guapa hija del expedicionario y profesor Arquímedes Porter (voz de Nigel Hawthorne), acompañados por el temible cazador Clayton (voz de Brian Blessed), quienes buscan gorilas, el primero para estudiarlos, el segundo para cazarlos. Por supuesto, esto representará un gran desequilibrio, tanto físico como emocional, para el simiesco Tarzán, ya que por primera vez en su vida verá a un ser humano, que camina erguido y está vestido, descubriendo que no es muy diferente a ellos. Claro, Tarzán también conocerá el sentimiento romántico al encontrarse con Jane.

Estamos ante una adaptación dirigida al público infantil, asimilada, sencilla y con mensaje ecológico incluido: el hombre es el principal depredador de la naturaleza y que los gorilas están en peligro por su caza excesiva en África (quizás de ahí el cambio de chimpancés a gorilas), mensajes bienvenidos en un filme infantil. Además, me atrevería a decir que este Tarzán animado, con sus vertiginosas rutinas voladoras colgado en lianas, fueron el principal antecedente y fuente de inspiración para el Spiderman, de Sam Reimi, estrenado el 2002.

Como sea, la película es entretenida para un público no muy exigente, su técnica de animación es buena, aunque siento que el guión pudo haber estado mejor, que incluye la infaltable pareja “cómica” disneyana: un elefante y una gorila, además de que se pudo haber sacado más partido al personaje de Tarzán. Tal vez por ello el filme acaba siendo de lo más olvidable.