PEANUTS, EL CINE Y LOS MEDIOS

(Publicada originalmente el 26 de diciembre de 1962)

A una semana de Navidad, regalos y la llegada de Santa Claus, no faltan los problemas con cosas que tienen que cambiarse en las tiendas, ropa que no te ha quedado o... juguetes descompuestos. En el caso de Linus, no nada más ya ha descompuesto un juguete, sino que tiene que enfrentar el vergonzoso problema de escribirle a su abuelo para agradecérselo. ¿Qué se dice en estos casos? Pobre, no quisiera estar en su lugar. Ah, y de nuevo me olvido...¡Feliz Año Nuevo a todos los lectores!

...y a continuación, una despedida del año muy al estilo de Snoopy. Envidio su realismo y despreocupación.

CLOUDY WITH A CHANCE OF MEATBALLS * * * *

En Cloudy with a Chance of Meatballs, se imagina un escenario apocalíptico y distópico a causa de...una lluvia de comida chatarra.

Dentro de un año que ha destacado por ofrecer magníficas películas animadas, como Up y Coraline, todavía queda espacio para una producción de la casa Sony Pictures Animation, Cloudy with a Chance of Meatballs (2009). A nivel técnico, no hay duda que esta casa productora ha ofrecido buenos trabajos como Monster House y otros no tanto, como Open Season (y secuelas en DVD). Para el 2011, ya preparan la primera adaptación al cine de The Smurfs en animación tridimensional. Con la adaptación del libro infantil escrito por Judi y Ron Barrett, esta productora ofrece una película con un sorprendente equilibrio entre historia y trabajo visual.

Su historia es una revisión más del relato sobre los “genios incomprendidos”, de los nerds eternamente rechazados (como en Meet The Robinsons, producida por la Disney), pero en esta ocasión, se ha combinado el tema adicional del amor paternofilial, que acaba siendo conmovedor hasta su resolución. La dirección está a cargo de Phil Lord y Chris Miller, y su mayor logro ha sido crear un panorama apocalíptico nunca antes visto en una película: la humanidad en peligro por una peligrosa lluvia de comida gigante.

La crítica hacia los excesos del consumo de comida chatarra, el desperdicio y, porqué no, la comida transgénica, se siente directo, en su máxima expresión, cada vez que vemos gigantescos hot cakes caer sobre las casas, donas enormes rodar por las calles a punto de aplastar a las personas, o un peligroso tornado de spaghetti y albóndigas arrasando con todo a su paso. La comida nunca se había visto tan abrumadoramente convincente, deliciosa y, al mismo tiempo, amenazadora en una película animada. Tal es el panorama de un gris y aburrido pueblo, instalado en una isla perdida en el mapa, que ha vivido de consumir sardinas toda la vida. Flint Lockwood (voz de Bill Hadder), un desastroso pero genial aspirante a inventor, llega con el propósito de hacer funcionar un aparato capaz de transformar el agua en comida.

Me parece que entre los tantos puntos a favor de la película, está el hecho de no sentirse el peso comercial de tener un elenco de voces “estelar”. Anna Faris, por ejemplo, da voz a una atractiva aspirante a reportera, que se avergüenza de decir cosas inteligentes y que tiene un pasado oculto, que al ser revelado nos lleva directo al corazón de la historia: el ser auténtico. Entre las voces también se cuenta a James Caan, Bruce Campbell y, resucitado del panteón de estrellas olvidadas de los 1980, Mr. T, con un trabajo genial y a la altura de las circunstancias. Esto ayuda, además, a que Cloudy with… se perciba como una película sin pretensiones y divertida.

Visualmente Cloudy no deja de ser surrealista. Hay un momento en que se convierte en una suerte de parodia del cine de ciencia ficción. Orbitando alrededor de la Tierra, el invento de Flint se transforma en una albóndiga gigante, en cuyo interior habita, además de un ejército de pollos rostizados, un “cerebro maestro”, que es el que produce la comida. Es la clásica trama de una película de ciencia ficción serie B, en el que existe una amenaza científica y tecnológica fuera de control para la humanidad. Sólo que aquí es en versión buffet de comida de centro comercial, o como el engordado y, literalmente, “hambriento” de poder gobernador del pueblo (Campbell) ordena a la máquina de Flint: un buffet de todo-lo-que-puedas-comer estilo Las Vegas.

Pero no todo es tan delirantemente inquietante en Cloudy. Existen paisajes que son -y han sido- la fantasía de todo niño, como ver toda tu calle cubierta no de nieve, sino de helado de tres sabores, un arcoiris de frijoles de dulce, un palacio de gelatina amarilla, o en mi caso, hot cakes gigantes (miel de maple y mantequilla incluida) y rebanadas de pizzas enormes.

++Lo mejor: su elenco de voces originales y la estupenda manera de trasladar una trama fantacientífica serie B a un universo infantil.
++Lo peor: ciertas ausencias en el "menú", como tacos gigantes o, como Anna Faris menciona en una entrevista, burritos.

DOWN BY LAW * * * *

Tom Waits, John Lurie y Roberto Benigni en Down by Law, una inusual buddy movie bellamente fotografiada.

Jim Jarmusch es capaz de moverse con una insólita facilidad dentro de cualquier género cinematográfico posible. Basta ver una de sus primeras películas, como Down by Law (1986), para darse cuenta que casi no hay imposibles para Jarmusch. En esta película, el realizador norteamericano rompe la fórmula clásica de las buddy movies, donde no son dos sino tres personajes, diametralmente opuestos, los que tendrán que formar forzadamente un equipo de prófugos, que han caído en prisión por trampas que les ha tendido el destino.

Todo está envuelto en su primera parte en un formato de film noir, gracias a la bella fotografía en blanco y negro de Robby Müller, con un relato ambientado en una Nueva Orleáns irreconocible. Una Nueva Orleáns poblada de prostitutas, mafiosos y locutores de radio aficionados al alcohol. Jamás he sido admirador del actor/comediante italiano Roberto Benigni o de sus películas, pero debo reconocer que aquí se roba la película como un torpe pero bienintencionado tipo. Su personaje está más allá de toda probabilidad de encontrarse en un escenario de este tipo, pero ahí está, y caerá en prisión junto al desafortunado DJ, Zack (Tom Waits ¿quién más?) y un proxeneta venido a menos, Jack (John Lurie). Robert (Benigni), es un “homicida imprudencial”, que llega para traerle suerte a los otros dos e “iluminar” su camino, con su carisma y personalidad extrovertida, hablando un pésimo inglés pero ganándose su confianza.

En manos de Jarmusch, Benigni resulta soportable y gracioso, en especial, en esos momentos en que, evidentemente, el realizador lo deja improvisar a sus anchas. En aquella escena, mientras Robert cocina un conejo, Benigni me tuvo escuchándolo con gran atención la historia de su familia y sus hermanos en Italia, y su receta para preparar conejo. Lo que logra en general Jarmusch, es una gran “comedia de arte”, una fábula sobre la amistad con momentos de auténtica comicidad, y citas inevitables (tratándose de Jarmusch) a escritores famosos como Walth Withman o el poeta Robert Foster. Y todas ellas en… ¡italiano!

++Disponible en The Criterion Collection, región 1, con un disco adicional pleno de extras. Algunos extras son tan extraños, como grabaciones de llamadas telefónicas que Jarmush sustuvo con Waits, Lurie y Benigni con motivo de la edición en DVD de la película. No se encuentra editada en DVD en España.

SHALLOW GRAVE * * * *

Christopher Eccleston, Kerry Fox y Ewan McGregor como 3 amigos entrañables en "Shallow Grave", cuya amistad se tambalea por culpa de una millonaria suma de dinero.

Después de una trayectoria como realizador televisivo, Danny Boyle debutó con la que es una de sus mejores películas, Shallow Grave (1994). Pequeña en apariencia y sin tender mucho a la narración caótica de Trainspotting, su siguiente película, Danny Boyle experimentó en Shallow Grave con un relato de misterio que arrancaba con una premisa por demás interesante: el hallazgo de un cadáver con una maleta llena de dinero en un espacioso apartamento, que comparten 3 amigos, uno de ellos una chica de buen ver (Kerry Fox). Los amigos se encuentran buscando un cuarto compañero con quien compartir el lugar, apenas amueblado y con espacio de sobra. La historia tiene mucho de Agatha Christie y algo también de Alfred Hitchcock, en donde Boyle juega con la doble personalidad de uno de los personajes, cuya conducta toma un giro insospechado de 360 grados.

Danny Boyle ya dejaba ver los que serían ciertos elementos comunes en su filmografía: un personaje que se redime al final, el accidental encuentro de una cuantiosa suma de dinero, que pondrá de cabeza la vida de todos y cada uno de los personajes, así como el inicio de la narración con frases memorables como “dicen que un amigo es para siempre”. Uno de los personajes nos cuenta la historia desde ultratumba, y lo que nos queda después es entregarnos a la historia para desentrañar el misterio de lo que le ha pasado a este narrador y, además, ver qué pasara con una amistad tan entrañable luego de encontrar miles y miles de libras en una maleta.

Lo que mejor consigue reflejar Danny Boyle, es una constante sensación claustrofóbica dentro del apartamento, lugar donde se desarrolla la mayor parte de la historia. Con el tiempo, lo importante no será desentrañar el misterio de quién es el hombre muerto y cómo murió (algo que de todas formas nunca queda aclarado), sino descifrar las personalidades de los amigos, interpretados también por Ewan McGregor y Christopher “Doctor Who” Eccleston, en medio de sus constantes cambios. No es que Boyle haya reinventado el cine británico de gángsters o de suspenso con Shallow Grave, pero marca la diferencia gracias a su sencillez narrativa y el uso inteligente de ciertos elementos genéricos de aquel cine, incluyendo la comedia juvenil, lo que la hace un trabajo original y rescatable.

PEANUTS, EL CINE Y LOS MEDIOS

(Publicadas originalmente el 21 y 22 de diciembre de 1962)

Las cartas a Santa Claus no suelen ser fáciles de realizar. Normalmente, hay que hacer uso de una gran memoria para recordar todos los regalos que uno quiere recibir, y no tanto de si se ha sido bueno o malo durante el año. Aquí tenemos a Lucy escribiendo una carta a Santa Claus, y para no complicarse tanto la vida con estos menesteres, ha tomado una solución práctica y segura. ¿Qué niño no lo ha hecho? Ah, por cierto,...¡Feliz Navidad a todos los fieles lectores de este blog!

REVOLUTIONARY ROAD * * * *

En Revolutionary Road (2008) Sam Mendes consigue un elegante y, a la vez, estremecedor retrato de un matrimonio en decadencia.

No he leído Revolutionary Road, libro de Richard Yates, considerado como una de las mejores novelas de la posguerra. Pero está en mi lista de pendientes. Al menos Stephen King, en su columna para el Entertainment Weekly de esta semana, ya lo ha colocado en su lista de los mejores libros del año. Además menciona que, si uno puede, mejor se salte la adaptación al cine realizada por Sam Mendes. King considera que es una adaptación “pálida”.

Como sea, confiando en las grandes capacidades como realizador que tiene Sam Mendes, he decidido ver primero la película y leer el libro más tarde. Mi primera impresión del trabajo de Mendes, es que Revolutionary Road (2008), la película, es un trabajo logrado y digno de verse; una de sus mejores películas desde American Beauty (1999).

La película reúne nuevamente a Leonardo DiCaprio y Kate Winslet, luego de haber trabajado juntos en Titanic hace poco más de diez años. Para sorpresa mía, no esperaba ver un trabajo histriónico más sólido y poderoso de esta pareja de actores. Si en Titanic derramaban miel desde el primer momento en que se veían, en Revolutionary Road exudan autenticidad, dolor, sufrimiento y una ocasional felicidad, como el joven matrimonio que vive en la idílica tranquilidad de los suburbios en Connecticut. Su felicidad gradualmente se va colapsando junto a un sueño en común: mandar todo al diablo e irse a vivir a Paris para iniciar una nueva vida. O como Frank Wheeler (Di Caprio) dice en una escena, para “huir del vacío desesperanzado de la vida”. En pocas palabras, lo que desean es huir del aburrimiento y el hastío de su rutinaria vida matrimonial.

El escenario principal es el hogar de Frank y April (Winslet), en el que Mendes nos hace testigos íntimos de cómo su matrimonio se va destruyendo, del vaivén emocional de ambos y de sus discusiones acaloradas. La casa se convierte en una prisión emocional, y este inteligente y maduro retrato del lado más obscuro de un matrimonio acaba siendo intrigante. En la película vemos la destrucción del núcleo familiar idealizado en el Estados Unidos de los 1950 (por cierto, la ambientación es de primer nivel. ¿Dónde conseguirá Mendes esos impresionantes autos de época para sus películas?), que al principio Sam Mendes nos muestra en esos viajes monótonos que hace Frank a la ciudad, para trabajar en una empresa aburrida en la que su padre trabajó también lo hizo 20 años atrás. April, una frustrada aspirante a actriz, ha tenido que convertirse en ama de casa.

Creo que lo mejor en Revolutionary Road son sus magníficas actuaciones. Si bien Leonardo DiCaprio ofrece una inmejorable actuación como el explosivo Frank, no es sino Kate Winslet quien lo supera, encarnando a la emocionalmente inestable April, compleja, impulsiva y al mismo tiempo frágil. Y aquí el aborto, más que ser un tema es una idea, que ensombrecerá aún más la ya deteriorada relación matrimonial de Frank y April. De hecho, es Kate Winslet quien tiene la mejor escena de la película, mientras vemos cómo la falda de April, quien mira a través de una ventana, se va ensangrentando poco a poco.

++ Los extras incluyen escenas inéditas y un documental sobre el detrás de cámaras. Disponible en Blu-ray.

AVATAR * * * *

Avatar es un espectáculo visual sin precedentes, en el que James Cameron imagina un "western" en un planeta habitado por seres con gran consciencia ecológica.

A más de diez años de haber dirigido Titanic (1997), en su momento la película más cara de la historia del cine, James Cameron regresa con Avatar (2009), una mastodóntica producción, con un arsenal técnico detrás nunca antes visto. Se estrena tanto en versión en 3D como en versión bidimensional, y para la primera tuvo que ser filmada con dos cámaras al mismo tiempo. Tal vez de ahí el hecho que las escenas en las que aparecen actores de carne y hueso luzcan algo acartonadas e, incluso, “tiesas” en su dirección. Por otro lado, Avatar está realizada con la técnica de animación con la cual fue creado Golum en The Lord of the Rings, o el nuevo King Kong, es decir, el motion capture, donde el o los actores usan un traje especial cubierto de sensores, que capturan cada movimiento corporal, incluyendo gestos y movimientos faciales. En ese sentido, esperamos bastantes nominaciones a los Oscares del próximo año en rubros técnicos, incluyendo sonido.

Puede afirmarse que Avatar es, en su mayor parte, una película animada. La trama se desarrolla en el planeta Pandora, y para darse una idea cómo es visualmente este lugar basta imaginarse una mezcla de alguna “isla misteriosa” habitada por criaturas prehistóricas (la Isla Skull donde habita King Kong cuenta), con la Tierra Media de The Lord of the Rings y, además, agregue algún planeta alienígena imaginado por George Lucas para su nueva trilogía de Star Wars. Y todo en Pandora está generado digitalmente, incluyendo sus bellos paisajes. Nada en este planeta deja descansar nuestras pupilas, ni siquiera durante las escenas nocturnas, donde su jungla queda convertida en un escenario pop de luces ultravioleta. Sus habitantes más evolucionados son los Na’vi, unos seres con un diseño ecléctico, que lucen como elfos de piel azulada y rayada con facciones felinas y ojos gatunos. Lo mejor, es que miden casi 3 metros.

Avatar es un espectáculo visual sin precedentes. Cameron presume un soberbio manejo de los más sofisticados efectos visuales y de animación. Los Na’vi son una creación de alto nivel técnico. Cada uno lleva no nada más la voz, sino también las facciones y gestos originales de los actores. Cada detalle está cuidado al máximo, incluido los brillos de los ojos y todo lo que se refleja en ellos. No hay un solo elemento en el diseño de Pandora que pase desapercibido, desde su vegetación hasta su variada fauna, que incluye versiones alienígenas de lobos, hienas, una especie de triceratops gigantescos, panteras, caballos e iguanas voladoras. Los Na’vi son los guardianes de toda esta naturaleza espacial, a donde llega el ejército estadounidense con fines de conquista y de arrasar con todo.

Hay que reconocer que lo que logra Cameron concibiendo este visualmente rico universo, no lo consigue tanto en cuanto a historia se refiere. Lo que hace es simplemente mezclar un western (Dances with Wolves, por ejemplo) con una historia de ciencia ficción, ubicada en otro planeta. Los Na’vi son una versión alienígena de alguna tribu de indios norteamericanos, con todo y dialecto nativo. Como en el siglo XIX terrícola, los Na’vi serán las víctimas del inevitable choque cultural y expansionismo norteamericano. Lo que sí me ha parecido interesante es la premisa, que tiene que ver con (y aquí viene el toque a lo Michael Crichton) la idea de crear réplicas o clones de los Na’vi para infiltrarse en su tribu y espiarlos, pero también aprender de sus costumbres y tradiciones.

Tomando ADN de los Na’vi, los científicos crean un “avatar”, al cual Jake (Sam Worthington), un joven ex marine en silla de ruedas, se puede conectar mientras está dormido y durante el sueño ser como un Na’vi e interactuar con ellos. Quien hace una aparición estelar es Sigourney Weaver, como la científica desarrolladora de la tecnología de los avatares, quien hace su primera aparición en un filme de ciencia ficción desde la última película de Alien. Es gracias al avatar que Jake puede librarse de la silla de ruedas y volver a caminar y , por supuesto, conocer a una atractiva na’vi, Neytiri (Zoe Saldana). Ahí es donde radica lo más rescatable de la historia concebida por James Cameron, y que debe mucho a la premisa de Matrix. En otro contexto, tal premisa hubiera podido ser todavía más interesante, uno quizás con menos peso mercadológico.

Es verdad que Avatar está lejos de ser la película más original de la década, o incluso la mejor película del año. Uno de sus problemas, es que a lo largo de la película no se deja de sentir el incómodo deja vú, de haber visto ya esto o aquello en otra parte, o mejor dicho, en otras películas. Aunque también es verdad que la película es irresistible y, en general, es amable con su público. A pesar de pequeños destellos de violencia (algunos soldados atravesados por lanzas y flechas, y poco más), es de lo más familiar. Tiene un intencional y bienvenido mensaje ecologista, y una de sus escenas más impresionantes es la agonizante y simbólica caída de un árbol gigante, junto a la batalla final, donde todas las fuerzas de esta naturaleza alienígena se unen contra un par de villanos caricaturescos, interpretados por el eterno villano del cine Stephen Lang y Giovanni Ribisi, dispuestos a acabar con todo en Pandora.

+Lo mejor: el diseño del planeta Pandora y de todos sus habitantes.
+Lo peor: que todo parece ya haber sido visto antes.

LIBROS: STANLEY KUBRICK'S NAPOLEON: THE GREATEST MOVIE NEVER MADE

Siguiendo con las excelentes novedades editoriales de la prestigiosa casa Taschen, uno de sus últimos lanzamientos del año es "Stanley Kubrick's Napoleon: The Greatest Movie Never Made". La edición es magnífica y original: una serie de diez libros empacados en uno más grande de pasta dura, que reproduce un libro sobre la historia de Napoleón.

En general, este proyecto editorial documenta la historia de la película sobre Napoleón que Stanley Kubrick quiso filmar. La edición se ha limitado a sólo 1,000 ejemplares, y está pleno de información e imagenes sobre un proyecto fílmico que los editores han calificado como "la gran obra maestra jamás filmada".

Los libros incluyen una edición facsimilar del guión, así como la vastísima información que Kubrick recopiló en la preproducción, como miles de fotografías de locaciones, así como diapositivas sobre imaginería relacionada con Napoleón. Kubrick planeaba filmar su gran épica sobre el emperador después de "2001: A Space Odyssey". Sin embargo, era tan ambicioso el proyecto (incluía una gran investigación y asesoría de un especialista de Oxford), que estudios, como MGM y United Artists, decidieron no arriesgarse, al considerar que esta clase de biopics estaban pasadas de moda.

Esta edición quizás es tan ambiciosa como la misma película, ya que incluye material tan valioso como las pruebas de vestuario, borradores del guión, correspondencia, etc., abarcando los libros cada tema por separado. Lo curioso, es que además incluye acceso a una base de datos en la web, con las 17,000 imágenes sobre el archivo que Kubrick recopiló sobre Napoleón.

El proyecto está editado por Alison Castle, quien se encargó de la edición de otro libro sobre Stanley Kubrick en Taschen, "The Stanley Kubrick Archives". Si desea adquirir esta joya cuesta nada menos que $700.00. Para más información, consultar la página web de Taschen.

QUOTES

"A todo policia le gusta fumarse un purito de vez en cuando. No nada más vivimos de café y pizza frios".

"Mientras filmaba 'Revolutionary Road', me dí cuenta que era como el otro lado de la misma moneda. Los personajes (en Away we go) tienen que lidiar con los mismos temas, sólo que aquí es desde un ángulo cómico. La filmé al mismo tiempo que 'Revolutionary Road', y fue como una especie de alivio. No me tuve que preocupar tanto por ángulos, iluminación, tomas, etc." Sam Mendes, sobre "Away We Go", su más reciente película.

"Excepto por 'Barney Miller', nunca he visto un programa donde los policias tengan un bonito día, se puedan sentar y tomar una taza de café. La mejor película sobre el trabajo de policias es 'The French Connection'. Te sientas mucho, tomas café frío y comes pizza fría. Tanto ser policia como ser actor requiere de mucha disciplina." Dennis Farina, quien antes de ser actor de cine y televisión fue policia en Chicago, en una entrevista para la revista "Cigar Aficionado", en su edición de agosto de 1999.

"Estaba haciendo algo que pensaba que podría tener cierto impacto algún día. En muchos sentidos, son realmente estas fotografías las que me mantuvieron activo creativamente". Dennis Hopper, sobre la publicación de su libro "Photographs, 1961-1967".

"Decirme a mí que me tome vacaciones de hacer cine, es como decirle a un niño que se tome vacaciones de jugar." Stanley Kubrick.

PEANUTS, EL CINE Y LOS MEDIOS

(Publicada originalmente el 7 de diciembre de 1962)

Seguir la filosofía de Linus puede ser sabio la mayoría de las veces. Estoy de acuerdo con él: hay que ver la vida como un libro, donde cada página es como un día. Y yo no me sentiría tan triste como Charlie Brown en esta tira. Al fin y al cabo... ¿quién no tiene "errores de impressión" en todas y cada una de las páginas de sus propios "libros"?

... y además, ayudaré a Shroeder y a Snoopy, aunque sea un poco, esparciendo la noticia de que nada más faltan unas cuantas horas para el cumpleaños de Beethoven.

EL CARTEL

WHAT JUST HAPPENED * * * 1/2

Existen varias versiones del cartel de What Just happened. El japonés, por ejemplo, agrega varios quotes (al menos eso creo que son), y un par de imágenes, tanto de Sean Penn como de Bruce Willis, sobre el fondo. Por su parte, el cartel español modifica completamente el fondo, al ponerlo de color blanco y con los créditos de los actores en forma ondulante alrededor del retrato de Robert De Niro. De alguna forma le imprimen más tensión al gesto calculador que exhibe. Y lo curioso, es que elimina ese boleto de cine que lleva pegado en la boca, evidentemente, hecho por fotomontaje. Diseñado por el despacho Crew Creative Advertasing, el cartel original es mejor y mucho más “limpio” gráficamente hablando. Lo mejor, es que a pesar de ser un cartel seco y frío, empezando por el gesto de Robert De Niro, creo que la simple diferencia la marca esa entrada de cine que lleva en la boca, y que lleva impreso “Admit Nothing”. Dicho elemento le imprime al cartel un aire tragicómico, que te despierta la curiosidad por ver la película. No necesitas ni siquiera leer una sinopsis, para darte cuenta que se trata de una historia relacionada con Hollywood, las películas y sus entretelones. Ahora, la fría paleta azulada se encuentra en casi todo el cartel, desde el fondo hasta la camisa de De Niro, e incluso, en casi la totalidad de la tipografía. Ayuda a remarcar ese tono tragicómico antes mencionado. Todo esto en el cartel español ha sido eliminado. Igual y pensaron que entre más y mejor se viera el rostro de De Niro, resultaría mucho mejor y más vendible el cartel. El tagline es muy sugerente: “In Hollywood, everyone can hear you scream” (En Hollywood, todos pueden escucharte gritar).

ARMORED * * * * 1/2

Vamos ahora con otro de los mejores y más interesantes carteles de la semana. El cartel de Armored atrapó mi atención desde el principio. En primer lugar, por ese inusual y arriesgado punto de vista cenital que maneja. La composición es perfecta, una especie de “triángulo invertido”. En la parte de abajo un camión blindado, con algunos billetes saliendo de la puerta abierta; en la parte de arriba un grupo de asaltantes: un ladrón en cada lado sostiene una escopeta hacia el centro, en donde vemos... el revolver del líder. Esta lectura del cartel nos lleva del revolver al tagline “To Protect and Serve Yourself”. Diseñado por el despacho The Arterie, el cartel te transmite de inmediato la sensación de thriller urbano. Como fondo queda, irremediablemente, el asfalto de la calle, lo que le da al cartel unas texturas atractivas en conjunto, con las sombras que proyectan los demás elementos, lo que le da una serie de tonalidades muy interesantes. El cartel nos hace testigos directos del asalto, desde un punto de vista algo vertiginoso. Nos sentimos ocultos ante la mirada de los asaltantes. En resumen, un cartel gráficamente genial y, al mismo tiempo, atractivo comercialmente. Remata con una tipografía metálica inclinada estupenda, que nos recuerda el tema al que hace alusión el título de la película, al camión “blindado”. Sin duda, mucho mejor que el otro cartel, más convencional, con los personajes agrupados frente a un camión blindado, posando de frente, que fue usado en España.

SABIAS QUE...

Dedico el "Sabias qué..." de esta semana al realizador Tim Burton, uno de mis predilectos, que a su vez complementa algunos datos curiosos que ya he mencionado sobre el también escritor, animador e ilustrador en otras secciones.

-Tim Burton sufre de una extraña especie de autismo, llamado Síndrome de Asperger. Esta clase de autismo se caracteriza por conservar habilidades linguísticas y cognitivas. Un par de síntomas comunes en personas con este síndrome, es que tienen dificultades para socializar y una atípica forma de usar el lenguaje.

-En su época de estudiante fue campeón de waterpolo y natación.

-Gusta de vestir de negro, simplemente porque considera que no es muy bueno combinando colores.

-Tiene una peculiar fascinación por los payasos.

-Considera al actor Vincent Price uno de sus más grandes héroes. Muchos personajes de sus películas llevan el nombre "Vincent".

-El actor Johnny Depp, a quien no nada más considera un gran amigo sino un valioso colaborador, es el padrino de su hijo Billy-Ray Burton.

-Es fanático del cine de "Bollywood".

-Admira las películas de "El Santo", el luchador mexicano enmascarado.

-En Londres es propietario de tres casas con su actual pareja, la actriz Helena Bonham Carter, todas ellas juntas. Helena es dueña de la casa ubicada enmedio, que a su vez está conectada a la casa de Burton en la parte de atrás. La casa frontal no tiene un dueño en específico.

Y... ¿CÓMO LE PONEMOS?

"Aprovecharé que está distraído para..."

La temporada navideña ha comenzado oficialmente. Es la temporada en que tienen su estreno los blockbusters de la temporada invernal, como Avatar, la fantástica aventura en 3D que le tomó a James Cameron cerca de 10 años producir y llevar a la pantalla, a estrenarse mundialmente la próxima semana. En tanto eso ocurre, echemos un vistazo a los escasos estrenos internacionales de esta semana. Empezamos con What just happened, la nueva película protagonizada por Robert De Niro y dirigida por Barry Levinson. No me desagrada del todo su título en español, “Algo pasa en Hollywood”, que no es más que una variación ampliada de su traducción correcta, “Lo que acaba de pasar”. Debo reconocer que la adaptación no está del todo mal, ya que la traducción exacta hubiera quedado un poco larga. Agregarle la palabra “Hollywood” no hace más que darle más “sabor” y gancho comercial. La película no tiene tan buenas valoraciones, y de hecho, Robert De Niro la filmó antes de Righteous Kill, que se estrenó muchísimo antes. Barry Levinson no es un director del cual me agrade mucho su trabajo, con una que otra película “visible”, como Rain Man. Aquí van algunos títulos de la película en otros países. Como dato cultural, el título internacional “largo” es con signo de interrogación.

Disastro a Hollywood - Italia
Inside Hollywood - Alemania(dubbed version)
Koita ti egine – Grecia
Pânico em Hollywood - Portugal
Panique à Hollywood - Francia
Pikantne Hollywoodske price - Croacia

Terminamos con los títulos que han quedado bien. Armored, de Nimród Antal (Kontroll), protagonizada por Matt Dillon y Laurence Fishbourne, que ha quedado como “Blindado”. Luego tenemos Le hérisson, de la joven realizadora Mona Achache, y que ha quedado bien como “El erizo”.

THE GOLDEN AGE OF COMEDY

En el documental "The Golden Age of Comedy" se hace una somera revisión de la comedia cinematográfica en los años 1920 y 1930.

El documental dirigido por Robert Youngson en 1957, The Golden Age of Comedy, es una entretenida y muy interesante revisión de la comedia cinematográfica de los años 1920. Como documental, el trabajo de Youngson es sumamente valioso. Por un lado, hace una revisión completa sobre la comedia y sus comediantes en -como la narración en off lo dice-, “the roaring twenties”, y además, es una película que nos permite apreciar el análisis que se hizo en las postrimerías de los 1950 sobre la comedia cinematográfica estadounidense treinta años atrás.

Las estrellas del documental son Oliver Hardy y Stan Laurel. Para Youngson, estos dos comediantes fueron los que marcaron el standard de las buddy movies en los 1920, que hasta ahora se ha mantenido casi intacto. La figura de Hal Roach, con quien Youngson hizo tratos para que le facilitara material, productor de muchos cortos de Laurel y Hardy, es tratada con solemnidad. Roach fue responsable de hilarantes películas, como La Batalla del Siglo (1927), corto que rescataba la ya desgastada fórmula de la “comedia del pastelazo” de una manera brutal, como en la batalla de pasteles que tiene lugar en plena calle, y que va creciendo conforme se involucran más transeúntes. Otro corto genial que presenta el Youngson es “Two Stara” (1928), otra batalla campal entre automovilistas en una carretera provocada por Oliver y Stan, caracterizados como marineros, por su curiosidad de saber la causa del embotellamiento. Esto desencadena una guerra de destrucción de autos entre todos los presentes, hasta que un policia llega para intentar, inútilmente, ponerle freno a la disputa. Es una interesante película con un graciosamente violento slapstick, que con seguridad, fue de las más costosas filmadas por Oliver y Stan.

Youngson hace un repaso también de los trabajos del legendario Mack Sennett, otro gran representante del slapstick, así como de las estupendas parodias fílmicas de Will Rogers, en donde se aprecian sus logradas burlas al “Robin Hood” de Douglas Fairbanks, así como a las aventuras del vaquero Tom Mix, parodiando su estrafalaria forma de montar y cabalgar.

El documental goza de un buen ritmo. La narración en off arroja muchos datos interesantes sobre lo que se va presentando, como los trágicos destinos de Carole Lombard en un accidente de avión, de quien presenta su graciosa actuación como una guapa velocista, y el de Harry Langdon, un comediante a quien los críticos calificaban como “el cara de niño”. Según Youngson, Langdon sabía “complementar lo triste con lo cómico”, un comediante completo de quien presenta su personaje de un recién casado viajando en un tren con su esposa, causando muchas molestias a los demás pasajeros.

Otra actriz que podemos ver en el documental es Jean Harlow. Aunque la especialidad de Harlow nunca fue la comedia, aquí vemos una extraña actuación de ella haciendo sus “pininos” en una pequeña interpretación junto a Laurel y Hardy en “Double Woopee” (1929). Ambos interpretan a unos porteros de hotel, quienes reciben a la rubia actriz sin darse cuenta que la puerta del taxi se ha llevado parte de su vestido.

Muchos comediantes legendarios aparecen también en el documental. Bill Turpin, con su característico ojo cruzado, bigote alborotado y un rostro que con sólo verlo arranca risas (¡Esa manera en que lo ahorcan desde una ventana por error en una de sus películas!); los torpes Keystone Cops y sus memorables persecuciones a pie y a caballo, el elegante y bigotudo Charley Chase (desanudando la cola a un león agradecido), o el también memorable Billy Bevan. Hay una sección dedicada a los “animales comediantes”, como el perro pinto “Cameo” (según Youngson, nunca le llegó a los talones a Rin Tintín), que aquí presenta su perruna actuación en un corto como, primero, un tramposo perro en una partida de pocker, y luego, como el héroe que avisa a la policía por una pelea… que él mismo ha provocado.

El único pero que le termino poniendo a este, de todas formas, logrado documental, tiene que ver con su narración en off. Llega un momento en que se siente demasiado, digamos, explicativa sobre las imágenes que nos presenta. Son bien recibidos todos los valiosos datos, pero hay explicaciones que resultan demasiado obvias sobre lo que uno está observando. Son algo molestas y distraen bastante. Pero vale mucho la pena para todos los aficionados –como yo- a la buena comedia y a su historia.

PEANUTS, EL CINE Y LOS MEDIOS

(Publicada originalmente el 29 de noviembre de 1962)

Tener un amigo por correspondencia puede ser complicado a veces. Puede llegar a ser difícil encontrar las palabras adecuadas para disculparse por no haber escrito después de mucho tiempo, tal y cómo le sucede a Charlie Brown en esta tira. Hay que reconocerlo, incluso en los tiempos del e-mail, es difícil estar al día con la correspondencia electrónica.

... y mientras tanto, Shroeder sigue con su cuenta regresiva hacia el cumpleaños de Beethoven, con Snoopy como asistente. En realidad, ya nada más faltan 8 días.

EL CARTEL

IN THE LOOP * * * *

Del cartel de In the Loop me gustaron varias cosas. Para mi gusto, este es el mejor de la serie de carteles que se produjeron, en la cual se incluye una pequeña serie de 3 carteles que, de una manera no muy original, retoma el famoso cartel tricolor de Obama. Lo que más me gustó, en primer lugar, es que sigue manteniendo vigente la colorida propuesta basada en comedias de los 1960. Su marco blanco debe mucho a carteles de aquella época, así como su tipografía de diseño “groovy”, del cual llama la atención la doble "o" entrecruzada. Lo mejor, es que su idea es de lo más simple y graciosa al mismo tiempo. Te habla de una historia cómica al instante, de una parodia política y de espionaje de inmediato. Está realizado a 3 tintas: azul, negro y rojo, es decir, los colores tanto de la bandera de Estados Unidos como de Inglaterra. El punto cómico está en ese juego infantil del “teléfono”, hecho con un par de vasos y un cordón. En el centro el cordón están enrededado. Todo tiene un simbolismo tan efectivo, como el hecho de que el personaje británico es el que habla mientras que el estadounidense es el que escucha, o el estampado de las banderas en las corbatas de los personajes. No hay necesidad de usar más palabras o imágenes para captar el mensaje del tagline: “The Future of the World is on the Line”. Magnífico cartel.

CLOUDY WITH A CHANCE OF MEATBALLS * * 1/2

No he podido ver Cloudy with a Chance of Meatballs, pero he escuchado que es una película animada simpática, fresca, sin muchas pretensiones y muy surrealista (o "lyncheana", por citar al crítico Mark Kermode). Su cartel me parece que encaja en aquellos calificativos. El único “pero” que le pondría, es que sigue cierta tendencia en los carteles de películas animadas donde la composición debe ser siempre céntrica (Monsters vs Aliens, por ejemplo). Ha llegado a ser algo muy repetitivo en los carteles de películas animadas de hoy en día, y en el cartel de Cloudy… los dos personajes principales y el título de la película están al centro. Al final, lo que me ha gustado más, fue el punto de vista casi en contrapicado y a ras de suelo, con lo cual se da más impacto visual a las albóndigas que están cayendo del cielo, con todo y efecto barrido en cada una de ellas. El escenario es una calle con comida gigante, esparcida por todos lados (spaguetti, helados, donas, hot-cakes en el techo de una casa, etc.). En resumen, un cartel nada extraordinario, es verdad, pero agradable de ver.

SPANISH MOVIE *

Finalizo con el que quizás sea el peor cartel de la semana. Se trata de Spanish Movie, la muy “original” idea de parodiar filmes españoles de reciente producción (sí, ha adivinado, como "Scary Movie"). Además, el título no podría ser más "internacional". Si se llega a estrenar en México (al menos la enviarán directamente al DVD), igual y la titulan “Otra tonta película española de miedo” o algo parecido, ya que Scary Movie se tituló en México, en su momento, “Otra Tonta Película de Miedo”. Pero bueno, regresando al cartel, la “gran idea” fue colocar, dentro del más que trillado fondo blanco que se utiliza en carteles de comedias norteamericanas, al personaje del niño fantasma de "El Orfanato", haciendo la famosa grosería “del dedo” y con algo en la cabeza que, si no me equivoco, es un fregador de suelos. Arriba, en grande, está el título en tipografía roja, muy estilo “Scary Movie”. En fin, toda una basura, que no tiene nada de rescatable gráfica, artística o estéticamente. ¿Exigo mucho para un cartel de una película de estas características? Sí, tal vez. Y este es nada más el cartel teaser, porque el cartel del estreno no mejora mucho, a pesar de tener más personajes, incluyendo al fauno de “El Laberinto del Fauno”, recostado en el título, además de personajes paródicos de “El Capitán Alatriste”, “Mar Adentro”, “Volver” y “El Orfanato”.

SABIAS QUE...

Al final fue sólo un diente de oro. ¡Pero mira cómo brilla!

La palabra "ghibli", con la que Hayao Miyazaki bautizó a su famoso estudio de animación, no es una palabra japonesa sino de origen italiano. Significa "viento que sopla a través del desierto del Sahara", y la utilizaron los pilotos italianos en la Segunda Guerra Mundial, en referencia a sus aviones de reconocimiento. Precisamente, Miyazaki quería usar dicha palabra para simbolizar el rumbo que seguiría el trabajo de su taller de animación, una "nueva brisa".

El equipo del presidente de la Pixar, Ed Catmull, trabajó durante 20 años con expertos en software para desarrollar el código que hizo posible "Toy Story".

Steven Spielberg hace que su director de casting grabe todas las pruebas para no estar presente, ya que no quiere que su presencia intimide a los actores.

Tom Hanks basó varias características físicas de su personaje en "The Terminal" en el padre de su esposa, Rita Wilson.

Russell Crowe dejó de beber para entrenar en la preparación de su papel para "Cinderella Man", y además "el gladiador" se distrajo comprando... ropa para bebé.

Johnny Depp negoció con la Disney incluso cuántos dientes de oro podía llevar su personaje del pirata Jack Sparrow. Depp quería la boca entera.

ADVENTURELAND * * 1/2

Con una atractiva banda sonora, "Adventureland" cuenta con una historia más que predecible, sobre adolescentes tratando de encontrar su camino.

No he visto Superbad, anterior largometraje del realizador Greg Mottola. Al menos, por lo que pude ver en el trailer, es que los terrenos en los que gusta moverse temáticamente es la comedia juvenil, sobre el complicado proceso de chicos que están a punto de pasar de la adolescencia a la madurez. Lo asumo así, porque Adventureland (2009) trata precisamente de eso, un retrato sobre un chico preocupado por obtener su independencia del nido familiar, encontrar una universidad, escoger una carrera y un trabajo veraniego.

El protagonista, es el clásico chico nerd, nada agraciado, inseguro y torpe, James Brennan (Jesse Eisenberg), quien sueña con ser periodista. A pesar de ser inteligente y con mucho talento, con un currículum que incluye mucha experiencia en actividades escolares, James solamente consigue trabajo en un parque de diversiones de quinta categoría, llamado precisamente “Adventureland”. La historia avanza a pasos predecibles. El parque es el escenario perfecto para que James encuentre el amor, con una chica rebelde, llena de conflictos emocionales y aficionada al alcohol, Em, interpretada por Kristen Stewart (los distribuidores no pudieron haber elegido mejor momento para estrenar este filme, el mismo día que New Moon, también protagonizada por Kristen Stewart), quien ya debe saberse de memoria esta clase de personajes. Kristen luce tan natural en su personaje, que parece difícil imaginar que haya realizado algún ensayo previo.

Los dueños del parque, son un matrimonio interpretado por esa dupla de comediantes extraída de Saturday Night Live, Kristen Wiig y Bill Hader, quienes están como personajes de relleno para los contados momentos cómicos, nada geniales ni mucho menos. Simplemente están presentes con la posibilidad de que puedan arrancarte una sonrisa. La historia está ambientada en 1987, y debo confesar que hubo momentos de Adventureland que me hicieron reír un poco. No creo que sea una comedia del todo dirigida para adolescentes del siglo XXI, debido a que está llena de referencias a los 1980, con las cuales tal vez sea difícil que se identifiquen o que reconozcan. Por ejemplo, la banda sonora está llena de canciones icónicas de aquella década, de grupos como The Cure, Velvet Underground, Falco y su famoso “Rock me Amadeus” (se usa hasta el hartazgo en uno de los juegos mecánicos del parque), Lou Reed, entre otros.

Adventureland tal vez sea más disfrutable para nostálgicos de la época. Por lo demás, su trama no tiene mayor complicación y avanza a paso más que seguro, poblada de drogas, alcohol y… vómito. El triángulo emocional-romántico no tarda en formarse entre James, Em y un tipo mucho mayor que ella (Ryan Reynolds), con quien está teniendo una relación. Es una película que forma parte de ese nuevo género de comedias que intentan hacer un retrato real y sin tapujos sobre la juventud, aunque esté ubicada más de 20 años atrás. Podremos esperar diálogos y bromas sexuales, así como mucha mariguana. Si bien me pareció una comedia pasable y visible, con todo y sus citas a Dickens, Herman Melville y Nicolai Gogol, no me pareció la gran película sobre jóvenes y sus problemas existenciales que pudo haber sido.

++Lo mejor: la banda sonora y la buena fotografía a cargo de Terry Stacey.
++Lo peor: su trama sin muchas ambiciones.

QUOTES

"¿Quién ha dicho que me parecía a Pepe Grillo?"

"Es una historia acerca de cómo nuestras expectativas pueden llegar a chocar con la realidad." Marc Webb sobre su más reciente película " (500) Days of Summer".

"Me gustó mucho. Es una de esas (películas) que te pone de buen humor." Rolf Gunnar Bjerkebaek, desde Facebook, sobre "Julie & Julia."

"I can say it took me by surprise, and really didn't expect to see that, but over all, its not a movie I want to see again but im glad I saw it." Pandy sobre "District 9."

"Una ridiculez total. No recordaba lo de la voz en off, pero es uno de tantos desaciertos. Con el grupo de amigos y amigas con quienes la ví salimos retitulándola: Juana la... ninfómana." Joel Meza sobre "Juana La Loca."

"Míralo, se parece a Pepe Grillo". Claudio, buen amigo, sobre el padre alienígena de "District 9".

PEANUTS, EL CINE Y LOS MEDIOS

(Publicada originalmente el 18 de noviembre de 1962)

Aquí tenemos otras estadísticas relacionada con los perros. Para Lucy y Charlie Brown parece increíble que se gaste casi la misma cantidad de dinero en cuidados médicos para humanos en los perros. Sin embargo, no han tenido mucho tacto para mencionar su admiración al respecto frente a Snoopy. Como decía antes... ¿quién puede creer en las estadísticas hoy en día?

... y seguimos con la cuenta regresiva de Shroeder para el cumpleaños de Beethoven. En realidad, ya faltan nada más 15 días.

EL CARTEL

AWAY WE GO * * * *

No ha tenido una gran respuesta de la crítica como ha sucedido con sus anteriores películas, pero el cartel de la nueva película de Sam Mendes, “Away we go”, merece una revisión. El cartel lleva su informal propuesta visual a su máxima expresión. Es un cartel donde no se vislumbra el más mínimo trabajo digital, que debe tenerlo, por supuesto, pero lo genial es que lo sabe disfrazar magníficamente. El cartel parece hecho completamente a mano, con rústicas técnicas de fotomontaje y de dibujo, poco más de lo que parecía un simple bocetaje. Con ese fondo dibujado a mano y con un dejo infantil bastante agradable, la idea es simbolizar los anhelos de un joven matrimonio, con la mujer embarazada. De hecho, el blanco y negro de las fotografías señala un aire nostálgico a todo el conjunto, y el retrazo a pluma que tienen las líneas principales de los personajes, le da otro aire muy singular al cartel: aquel de un niño jugando con las fotografías. En cuanto a la tipografía, me gustó el trabajar un estilo con volumen tridimensional, en esa clase de letras que uno siempre gusta de dibujar en pedazos de papel o en cuadernos. En resumen, un cartel del cual adivinas de inmediato que se trata de una película independiente, y que te trasmite un aire de inocencia y sencillez propios de una comedia romántica.

NEW MOON *

Los carteles que se han producido para New Moon me han parecido una simplonería. No hay ninguna muestra de originalidad, y mucho menos, creatividad. Inmediatamente se nota que se ha querido copiar a los carteles de Harry Potter, y al menos en este cartel que he elegido por ser el que más se ha popularizado, la disposición de los personajes es muy similar al de la última película de Harry Potter. Sin embargo, el cartel de Half-blood Prince me parece una obra maestra comparado con el de New Moon. El fotomontaje es de lo más elemental, y toda se limita a colocar de fondo una enorme Luna, con las nubes obscuras de rigor atravesándola, y abajo una fortaleza en una perspectiva muy forzada, que difícilmente se acopla con los demás elementos. Lo que me extraña, es que está diseñado por The Cimarron Group, un despacho que ha producido muy buenos carteles para películas como Syriana, War of the Worlds, Mr. Brooks, la nueva producción animada de Astro Boy, etc. Un cartel tan poco inspirado como éste, difícilmente me invita a ver la película. Si acaso, lo más inspirado es el diseño tipográfico de su título, todo en minúsculas con líneas en forma de cruz atravezándolo, con una pequeña Luna como soporte.

XTREMS * * * 1/2

Finalmente, el cartel de la nueva película de Abel Folk, Xtrems, que me ha parecido una pieza muy rescatable, en especial, por su composición. Me gustó la manera de solucionar la colocación de varios retratos en forma horizontal y compactándolos, de tal forma que no se nota en absoluto saturado. Los nombres de los actores y actrices están colocados con el apellido en línea vertical y el nombre en horizontal. Es un cartel con un diseño elegante, que de todas formas sabe transmitir la idea de una película cargada de personajes e historias psicológicamente complejos. El espacio de las sillas formadas en círculo, dentro una habitación limpia y casi vacía, es intrigante, y sirve para enmarcar el título de la película. Lo mejor, además, es la elección cromática, en esa paleta de tonos amarillos y sepias que se ha elegido. Da una sensación de neutralidad emocional y algo también de documental. En resumen, un cartel interesante y que no pasa inadvertido.

MUESTRA DE CINE ESPAÑOL 2009, CIUDAD DE MÉXICO.

"Forasters", de Ventura Pons, es uno de las platos fuertes en la segunda edición de la "Muestra de Cine Español", en la Ciudad de México.

Este viernes 27 de noviembre se ha inaugurado la segunda edición de la Muestra de Cine Español, 2009, en la Ciudad de México. Este es el primer festival de su tipo que tiene lugar en el país latinoamericano, y para esta segunda edición se han preparado varios eventos, como la visita de Juanma Ulloa y Mario Casanova, quienes presentarán su largometraje Distrito 14.

Entre las películas que conforman la programación del festival, se encuentran además La Vergüenza, del madrileño David Planell, Forasters, la nueva película del catalán Ventura Pons, Los Girasoles Ciegos, de José Luis Cuerda, La Teta Asustada, de la peruana Claudia Llosa, Camino, de Javier Fesser, entre otros títulos más.

Las sedes serán los complejos de Cinépolis Diana, Universidad y Perisur.

A este joven festival, aun le falta definir su imagen con la creación de un cartel, así como tener una mejor difusión, pero es sin duda una iniciativa magnífica que irá madurando con el tiempo. Para más información, visitar la página oficial del festival.

PEANUTS, EL CINE Y LOS MEDIOS

(Publicada originalmente el 16 de noviembre de 1962)

Por extraño que parezca, Linus ha sido castigado en esta tira. A todos nos ha pasado. Siempre hay 2 o 3 materias que odiamos en el colegio y que por más que queremos (o tal vez no) no las pasamos. Linus ha sido castigado aquí por sus bajas calificaciones en una de esas materias. Y la mejor forma de pasar una semana castigado sin salir, al menos en el caso de Linus, tal vez no sea la más ortodoxa.

LA SECUENCIA DE CRÉDITOS

Aunque me gustó poco o nada la película, la secuencia de créditos de Sphere (1998) sí me ha parecido un trabajo rescatable. Hay dos temas visuales que los diseñadores han aprovechado bien: el agua y, por supuesto, la esfera. En tanto, de fondo se usan ocasionalmente ilustraciones de la novela “20,000 Leguas de Viaje Submarino”, de Julio Verne, en específico, las del ataque del calamar gigante al Nautilus, la nave que comandaba el capitán Nemo en la novela. Esta obra de Verne se menciona brevemente en la novela de Crichton (no tiene tanto protagonismo como en la película), para darle un paralelismo con la situación crítica que están viviendo los científicos en el fondo del océano.

Junto a estas imágenes de la obra de Verne, la mayor parte del tiempo el color de fondo es negro. Además de darle cierta elegancia al diseño en conjunto, produce también una sensación de vacío, un simbolismo de incertidumbre y miedo hacia lo que no se ve. Esto también tiene una referencia simbólica con la obscuridad total del fondo del océano en el que viven los personajes de la novela, uno de los elementos clave que sirven a Crichton para construir el suspenso en su novela.

Lo mejor de la secuencia de créditos, es cómo los diseñadores han usado los movimientos de ondas acuáticas para crear texturas visuales interesantes, en donde se ven reflejados algunos créditos. La esfera se utiliza de la misma forma, sólo que la estrategia visual es hacerla invisible, digamos, de cristal, mientras vemos los créditos pasar lentamente a través de la esfera que, evidente, está girando. Aquí el trabajo de animación y tipografía es simplemente genial.

La secuencia de créditos se convierte en un juego de distorsiones tipográficas dentro de la esfera, que sirve de pantalla invisible, y que va avanzando al ritmo de la música de fondo, de tonos intrigantes y misteriosos. Un buen trabajo, en definitiva, cuyo notable grafismo y diseño tipográfico no se extienden a lo que después la película tiene que ofrecer.

LAS ESTADISTICAS

"¡Venga Tom! ¡Ya sal de ahí! ¡Nada más quiero un autógrafo! ¡Muuuuuu!"

A continuación las estadísticas de la semana.

7 los toros que se escaparon en plena locación de la nueva película que protagonizan Tom Cruise y Cameron Diaz, "Knight & Day", dirigida por James Mangold , y que se encuentra en filmación en España. En el lugar, convertido temporalmente en un "San Fermín", resultaron ligeramente heridas algunas personas. Cruise y Diaz llegaran a Cadiz el próximo fin de semana.

118.1 millones de dólares recaudó “New Moon” en su primer fin de semana de estreno, quedando en el número 1 del top 10 internacional de taquilla.

79 los años que tenía Edward Woodward al fallecer el pasado 16 de noviembre, quien interpretara al Sargento Howie en la versión original de "The Wicker Man (1973)".

4.5 millones de dólares tendrá que pagar Roman Polanski de multa para poder quedar nada más en libertad condicional.

700 las piezas que conforman la exposición "Tim Burton" en el "MOMA" de Nueva York.

30 minutos los que me tomó darme cuenta que la adaptación al cine de "Sphere", novela de Michael Crichton, era un tremendo despropósito.

TIM BURTON EN EL "MOMA" DE NUEVA YORK.

Tim Burton. Sin título (The Melancholy Death of Oyster Boy and Other Stories). 1982–84. Pluma, tinta china, marcador y lápiz de color sobre papel. De una colección privada y que forma parte de la exposición "Tim Burton", en el MOMA.

De nuevo las distancias geográficas están en mi contra. Se acaba de inaugurar el pasado domingo 22 de noviembre, en el Museum of Modern Art (MOMA) en Nueva York, una exposición retrospectiva sobre la carrera del realizador Tim Burton. Siendo uno de mis realizadores favoritos, tendré que conformarme con visitar la página web del MOMA. La exposición, titulada simplemente como "Tim Burton", revela a un Burton desconocido, uno que en sus inicios se dedicó a la animación trabajando en la casa Disney, así como un Burton escritor e ilustrador de sus propias historias.

Los relatos de Burton están caracterizados por el humor negro, poblados de personajes obscuros por igual. La exposición se nota vasta y muy completa para los seguidores de Tim Burton, que incluye cerca de 700 muestras de su trabajo, producidos desde su niñez hasta su etapa como realizador, en diferentes fascetas como dibujos, fotografías, story boards, marionetas, maquetas, etc., que sirvieron para materializar sus películas.

La exposición estará enmarcada por retrospectivas cinematográficas (muestra de filmes clásicos de fantasia y horror que han inspirado a Tim Burton), conferencias, visitas guiadas nocturnas en noviembre y diciembre (por cierto, ya están agotadas las entradas) y firmas por parte de Tim Burton (el pasado 18 de noviembre), tanto del catálogo de la exposición como del nuevo libro "The Art of Tim Burton".

La exposición estará abierta hasta el 26 de abril del 2010. Para más información, visitar la página oficial de la exposición.