NOPE

DESENCUENTROS LEJANOS DE NINGÚN TIPO.   
Daniel Kaluuya y Keke Palmer.

Bienvenidos a la Dimensión... Jordan Peele. De nuevo, un título obscuro e indescifrable. ¿Podrían ponerse los títulos de los filmes de Jordan Peele más crípticos y misteriosos? Desde Get Out, su primer largometraje, pasando por Us (el cual, más allá del obvio "Nosotros", el título tenía otros significados), ahora Nope simplemente te deja nuevamente con un gran signo de interrogación en el rostro. Debe haber algo más allá del obvio significado, "No". Tenemos un filme sobre ovnis y una amenaza extraterrestre, sin un título que incluya la palabra "invasión", "espacio", o "extraterrestre". Es un milagro que en México no le pusieron "Nope: Ataque Extraterrestre", o algo por el estilo. Y no es que el título que al final le pusieron aquí, "¡Nop!", esté mejor o ayude mucho.

Nope es un filme sobre ovnis fuera de toda fórmula o convención, extraño, y que, viniendo del creador y productor de la nueva serie de la "Dimensión Desconocida" (en Prime Video), no es de extrañar que se sienta como un episodio de poco más de dos horas de dicha serie. La peli no podría empezar de la forma más bizarra, mostrando a un chimpancé trayendo terror a un set de televisión, fuera de control y matando a varios asistentes (imaginemos a César, del Planeta de los Simios, en modo asesino). Luego, nos vamos al desierto, en el rancho propiedad de una familia de afroamericanos dedicados a entrenar caballos para producciones de tele y cine. Justo ahí empieza una lluvia de objetos, directa del cielo, cayendo fierros, cosas metálicas, y otros objetos. El fenómeno tendrá consecuencias trágicas para la familia.

Si como espectadores esperamos tener una explicación de todo esto más adelante, lo siento, no la hay. Pero la cosa no suena tan frustrante como parece. Nope estuvo nominada al Oscar a Mejor Película este año, pero en lo personal, si bien su premisa es interesante (un filme sobre ovnis que no sea del todo de ciencia ficción), no me pareció tan buena como Get Out o Us. Así como E.T. trata sobre unos niños lidiando con la separación de sus padres, Nope (¿el título serán las iniciales de algo?) es sobre la fama a temprana edad y niños convirtiéndose en celebridades (el personaje de Steven Yeun es la representación de ésto). Pero también es sobre dos hermanos, interpretados por Daniel Kaluuya y Keke Palmer, quienes durante la trama estrechan un lazo familiar perdido y roto. El primero, siendo toda seriedad y poco sociable, y la segunda, parlanchina, sociable, y amigable.

A escena entra un tipo (Brandon Perea), empleado en una tienda de electrónica, quien luego de que los hermanos Haywood decidan comprar e instalar un sistema de cámaras para el rancho, en un abrir y cerrar de ojos se involucrará con ellos en una investigación amateur, para indagar sobre fenómenos ovni y los avistamientos en el cielo de un objeto extraño. Este objeto es, simplemente, una nube, pero no cualquier nube. La nube es extraña, siempre está presente en el mismo punto del cielo, lugar del que no se mueve ni desaparece.

Mención especial merece Michael Wincott (The Crow, 1492) a quien no veía desde hace siglos en un filme, interpretando aquí a un director de cine con vena experimental y sensacionalista, dispuesto a documentar el extraño fenómeno. El director monta con los Haywood todo un dispositivo de cámaras, incluyendo una enorme cámara arcaica, para evitar que el ovni interfiera con cualquier sistema electrónico.

Nope no me terminó intrigando tanto como esperaba, con todo y lo interesante que pueda sonar su premisa, y su reparto desempeñándose estupendamente. Es un filme "de momentos" que no acaba siendo la suma de sus partes. Es cierto que las escenas del chimpancé son sumamente escalofriantes, y la escena del show con el caballo sirviendo como carnada del ovni es intrigante, y es verdad también que el filme cierra con unas escenas alucinantes del ovni (ya el hecho de tener un ovni que es como una aspiradora gigante de humanos es intrigante), pero el problema es que no todo se siente que encaje bien.

Jordan Peel, al menos yo creo, quiso hacer el filme más original sobre ovnis tan esforzadamente, que el resultado no ha sido uno de esos filmes que se queden contigo. Un filme de ovnis sin la mínima presencia de aliens no se siente completo. Digo, hasta Close Encounters of the Third Kind tenía aliens unos minutos antes de terminar.
En HBOMax y a la renta.

MINIONS: THE RISE OF GRU

 

Los orígenes de Gru.

 No importa mucho que tan buena o regular sea la historia, siempre los Minions estarán ahí para salvar el número con tan sólo hacer acto de presencia en pantalla. Esta entrega puede que sea un filme algo flojo en
comparación a la anterior. Creo que ahora los guionistas se esfuerzan demasiado para querernos atrapar con la historia de un Gru niño queriendo -pero no pudiendo mucho- convertirse en villano. Pero las risas están garantizadas, y la verdad me dolió la cara de tanto reirme.
A la renta y en Netflix.

BLONDE

LOS CABALLEROS LAS PREFIEREN... Ana de Armas como Marilyn Monroe.

 

Fue una injusticia que Ana de Armas no haya tenido una nominación al Oscar. Una película que tal vez no sea para fans de Marilyn Monroe, ya que no ofrece el retrato más halagador de la leyenda del cine. Quizás Ana de Armas no tenga esa misma personalidad que hacia que Marilyn Monroe llenara la pantalla, pero hay escenas en donde el parecido es impresionante (como en esa escena que recrea un número musical de Some Like it Hot, de Billy Wilder).

A pesar de que se nota que Andrew Dominik no se decidió entre hacer un filme en blanco y negro o a color, Blonde es un estudio de personaje brutal y sensible, ocacionalmente difícil de ver, no muy sólido en su narración, pero notablemente actuado.
En Netflix

PINOCCHIO

 

Tom Hanks como Geppetto.

Luego de adaptaciones de clásicos animados de Disney con actores de carne y hueso, como Aladino, la Bella y la Bestia, Mulan, etc, toca el turno ahora a Pinocho. Esta versión sigue casi al pie de la letra la historia del filme animado original, con las inevitables adiciones, uno o dos personajes extras, y un cambio crucial en el hada azul, interpretada por una actriz de color, Cynthia Erivo, con una interpretación genial de la canción clásica "When you wish upon a Star".

Al ser dirigida por Robert Zemeckis, también es inevitable no tener a Tom Hanks en el reparto, encarnando a Geppetto, con la sensibilidad y calidez paternal que nada más él sabe agregar a una actuación. Mientras, Joseph Gordon Levit hace un trabajo magnífico también dando voz a Pepe Grillo. Pero quien resulta una revelación es Benjamin Evan Ainsworth, quien da voz a Pinocho, el cual suena casi idéntico a la voz del filme original de 1940. Este nuevo filme no supera al clásico, por supuesto (el cual me di a la tarea de volver a ver), obra maestra de la animación de Disney, pero logra capturar mucho de su encanto y magia propia, con todo y que ahora tengamos a un Pinocho capaz de mover sus piernas a gran velocidad y que salga en una secuencia bebiendo cerveza de raíz.
En DisneyPlus.

DOCTOR STRANGE IN THE MULTIVERSE OF MADNESS

 

NUEVA CITA CON EL DOCTOR. Benedict Cumberbatch

El nombre del Dr. Strange se está convirtiendo en sinónimo de multiversos, y en esta secuela propiamente dicha del filme del 2016, el doc regresa nuevamente (Benedict Cumberbatch) acompañado, aunque no del Hombre Araña. Ahora tenemos a un desfile de superhéroes de la Marvel, aunque no con las caras que conocemos en cine (hay una aparición sorpresa), incluyendo Wanda Vision (esta sí interpretada nuevamente por Elizabeth Olsen).

Y es que este es un filme de multiversos, y antes de que nos empiece a dar un dolor de cabeza, vale decir que en manos de Sam Raimi (director de la primera trilogía del Hombre Araña) el asunto no podría ser más que interesante. Aunque el filme es algo largo, y que hay momentos en que su ritmo narrativo se siente divagante, visualmente es todo un espectáculo, con un toque surreal y de humor negro propio de Raimi.
En DisneyPlus.

TOP GUN: MAVERICK

SON OF A GUN.  Tom Cruise regresa como Maverick.

 

A mi lista de deseos tengo que agregar ver, algún día, Top Gun: Maverick en pantalla IMAX (tengo entendido que estuvo disponible una versión en dicho formato). Durante las dos veces que vi el filme, que marca el regreso de Tom Cruise como Pete "Maverick", 36 años después del estreno de Top Gun, solamente tuve en la cabeza un filme, Hell's Angels (1930). En este filme de Howard Hughes (de los primeros filmes sonoros), sobre batallas de aviones durante la Primera Guerra Mundial, Hugues sólo tuvo una cosa en mente: el mayor realismo posible, colocando cámaras en aviones antiguos para ponernos justo ahí, frente al piloto. En Top Gun: Maverick tenemos una experiencia similar. A diferencia del filme original, la experiencia al ver la película es la de estar encima de los aviones (fueron colocadas cámaras fuera de los mismos) y dentro de las cabinas, viendo el paisaje pasar por detrás de los pilotos, o escuchando cada ruido dentro (botones, palancas, controles,...todo).

La historia es lo de menos, con todo y que tocará las cuerdas más sensibles de muchos quienes crecimos viendo este filme (vibrarán al escuchar nuevamente el tema musical), ya que lo mejor son las escenas de las batallas de los aviones, los cuales, además de poderosos, lucen bellos, sumamente cinéticos. Y si hay alguien que sabe cómo actuar a mil por hora (sea en moto, coches de carreras, o como aquí, aviones) o a la velocidad del sonido, ese es Cruise. De lo mejor del 2022.
A la renta.

AVATAR: THE WAY OF WATER

 

100% NA'VI. Sully (Sam Worthington) regresa para una nueva batalla.

James Cameron nos lleva de regreso a Pandora, y aunque le tomó más de diez años, parece haber querido compensar la espera con un poco más de metraje. En Avatar: The Way of Water, volvemos a vivir algo visualmente espectacular como en Avatar (2009), la primera entrega, pero al cuadrado. Es evidente que 10 años de avances tecnológicos están plasmados aquí, en 180 minutos de pesado metraje. Sí, son demasiados, y quizás muchos saldrán del cine viendo azul por todos lados.

Lo cierto, es que es indispensable ver el filme en el cine, en la pantalla más grande posible, para darse cuenta que esta saga (calificada por muchos como "Pitufos en el Espacio" o "Pocahontas en el Espacio"), si bien tiene un estreno tardío, Cameron lo hizo sintiéndose cien por ciento seguro de que nos ofrecería el mejor show posible. La verdad sea dicha, hay momentos en el filme en los que se te cae la quijada y se te salen los ojos por el realismo impresionante alcanzado.

Pero no todo es tan perfecto en Avatar 2 como su caprichoso detalle visual, y ambiciosa capacidad para asombrarnos. Su duración desafía nuestro nivel de tolerancia física para estar sentados en nuestras butacas por 3 horas. El inicio nos pone al corriente de forma express, con lo que ha pasado en todos estos años desde el primer filme. Jack Sully (ahora sólo la voz de Sam Worthington), renunció a su vestidura humana por su avatar para convertirse en un na'vi de pies a cabeza. Sully ha llevado una vida feliz y próspera junto a Neytiri (voz de Zoe Saldaña), con quien ha procreado una familia, formada tanto por hijos naturales como por otros por adopción. Una de las hijas es Kiri, hija adolescente de la doctora Grace Augustine, interpretada por Sigourney Weaver en el primer filme, quien da ahora voz a Kiri usando unos muy juveniles tonos adolescentes.

A la familia se ha unido un chico humano, Miles "Spider" Socorro (Jack Champion), adoptado por Sully y Neytiri, quien como una especie de Mowgli blanco, va por toda la jungla pandoriana colgado de lianas, y brincando de un árbol a otro. De hecho, resulta difícil de creer que Spider sea hijo del villano de la historia, Quaritch (ahora sólo voz de Stephen Lang). Quaritch también se ha despojado de su cascarón humano, para convertirse en un na'vi. La familia se completa con Lo'ak (voz de Britain Dalton, y voz de Chloe Coleman de niño), Neteyam (voz de Jamie Flatters), y Tuktirey (voz de Trinity Bliss), esta última la más joven.

Una situación crítica ha provocado que la familia tenga que dejar la selva, y mudarse lejos, a la costa, para pedir asilo a los metkayina, tribu que vive dentro y fuera del mar, también azules pero de tonalidad más clara. Las dificultades vendrán, no sólo para que Sully y familia sean aceptados, sino para sus hijos el tener que convivir con los jóvenes metkayina, quienes les harán burla y acoso por ser diferentes.

A partir de aquí, la historia empieza a ponerse letárgica, es decir, hay lapsos en la trama sin que suceda nada realmente interesante, mientras los na'vi se adaptan a su nueva vida. Todo será problemas entre los jóvenes, dificultades con los jefes y padres metkayina (voces de Kate Winslet y Cliff Curtis), estos últimos tratando de ser los seres más pacíficos y tolerantes. Los hijos na'vi padecen y reciben injustas reprimendas, pero también descubren el mundo submarino. El toque ecologista de la historia entra aquí, en donde, junto a la destrucción de los bosques y selvas por parte del ejército de los humanos, en el océano la cosa no va mejor. Una especie de ballenas está sufriendo algo cercano a un exterminio.

Mientras esperamos a que algo pase, y sintiendo que la acción todavía está lejos de venir, el espectáculo visual submarino es de dejarte boquiabierto. Cameron nos lleva -casi- de vuelta al abismo (como en su filme de 1989), recreando un fondo oceánico extraterrestre verdaderamente fantástico.

Fuera de eso, la fórmula de la historia termina siendo algo similar a la del primer filme, sólo que más hinchada. Me quedé con curiosidad por saber más de los metkayina, por saber más quiénes son realmente, y no nada más con el hecho de que una de sus niñas es capaz de comunicarse con las ballenas. El gran enfrentamiento llega hasta el final, el cual por supuesto será naval, con dosis de tiempo extra, y no hay duda de que el tiempo deja de sentirse tan pesado como antes llegados a este punto. Entre peleas y cañonazos, hay situaciones interesantes, decisiones importantes por tomar, y las inevitables tragedias. Para mí, Avatar 2 pudo haber durado unos 30 minutos menos, y hubiera sido una película de invierno más aguantable para pasar la tarde.
Próximamente en Disney Plus.

THE BATMAN

SOY VENGANZA.                       Robert BATtinson

 Preguntarnos cuántas reencarnaciones de Batman seguirá habiendo en el futuro es

algo imposible de responder. Aunque tuve mis dudas cuando escuché, durante los

primeros meses de la pandemia, que Robert Pattinson sería la nueva encarnación del

"caballero de la noche", al final decidí darle el beneficio de la duda. Mi veredicto es que,

aunque está lejos de ser mi Bruce Wayne/Batman favorito, Pattinson cumple, con todo

y que no consigue llenar completamente el bati-traje, al menos físicamente. Pero ¿qué

se yo? Tal vez este look flacucho de Batman fue precisamente la intención de Matt

Reeves (realizador de la reciente saga del Planeta de los Simios), director de este

nuevo filme.

Es la primera vez que se agrega un "El" al título, como si lo que estuviéramos a punto

de ver fuera algo completamente distinto a los anteriores filmes de Batman (incluyendo

Lego Batman). Y así es, ya que desde el inicio de la película (la más larga que ha

habido del superhéroe, con cerca de 3 horas de duración) el mensaje es más que claro:

este es un nuevo Batman. Además, el filme de Reeves es con seguridad el más oscuro

del superhéroe a la fecha. Creo que es más obscuro que los 3 filmes de Christopher

Nolan juntos.

Los villanos también lucen en extremo diferentes. El Acertijo (Paul Dano, transmitiendo

esa cualidad enfermiza tan característica de él), quien luce más como una especie de

terrorista, se encuentra secuestrando políticos corruptos en ciudad Gótica, dejando, por

supuesto, un acertijo en la escena del crimen. Ahora Batman trabaja más cerca que

nunca del comisionado Gordon (Jeffrey Wright), sólo que en las escenas de crimen que

investigan más que hablar se murmuran uno al otro sus puntos de vista. Gordon sigue

siendo el protector de Batman, éste último sin la simpatía de la policía, al considerar

que interfiere en las investigaciones.

The Batman no está lejos de ser un filme de gángsters, más al estilo de lo que Tim

Burton quiso hacer en el primer filme de 1989, pero con un toque a la Scorsese. La

película es un verdadero neo-noir, con un Bruce Wayne con look emo, y una relación

algo más lejana y tensa con Alfred (Andy Serkis, el Alfred más joven que ha habido en

un filme de Batman). Luego tenemos al Pingüino (un irreconocible Colin Farrell,

enfundado en maquillaje para hacerlo lucir con sobrepeso), más cercano a parecer el

Al Capone interpretado por Robert De Niro en Los Intocables, que el tradicional

Pingüino de nariz larga, sombrero de copa, y bastón. Farrell ofrece una actuación

fenomenal, una completa transformación física, pero desafortunadamente el personaje

no tiene mucho que hacer en la trama.

Por su parte, Pattinson como Batman (quien aquí se llama a sí mismo "venganza") le

da al superhéroe una cualidad de vampiro (algo de experiencia tiene al respecto), no

únicamente visible en su semblante, sino también como ser de alma torturada,

sobrellevando emocionalmente la muerte de sus padres. Este es el filme en donde se

muestra un lazo emocional entre Bruce y Alfred más cercano al de padre e hijo.

Por último está Gatúbela (Zoë Kravitz), igualmente con un look alejado de lo tradicional.

Es la menos, digamos, "gatuna" de todas las Gatúbelas, con un traje más parecido al

de una vengadora nocturna, usando una especie de pasamontañas con orejitas

puntiagudas. Es la segunda Gatúbela "de color" en cine, junto a la Gatúbela que antes

interpretó Halle Berry en Catwoman (2004).

The Batman puede verse como una extensión de lo que Christopher Nolan hizo

anteriormente en sus 3 películas sobre el superhéroe. Tal vez no hay mucho de nuevo,

al menos, visualmente hablando. Es un Batman con la voz menos aguardientosa y

cavernosa, y también tenemos a un Bruce Wayne menos glamoroso y más sombrío. La

película me pareció demasiado larga, pero lo más distintivo de la misma es que trata de

alejarse de las convenciones del género de superhéroes. Tal vez divida a los fans, pero

será la predilección de los amantes de los film noir.

En HBOMax.

GUILLERMO DEL TORO'S PINOCCHIO

 

CON SAVIA EN SUS VENAS.  Pinocho regresa en stop-motion.

Creo que no había visto una versión animada en stop motion de Pinocho (personaje creado por el italiano Carlo Collodi en su novela "Las aventuras de Pinocho") desde "La navidad de Pinocho" (1980), la cual marcó mi niñez. ¡Recuerdos, dulces recuerdos! Una película algo musical y cargada de pura magia navideña, con Pinocho interactuando con Santa y sus renos. Cuando me enteré que Guillermo del Toro, director más especializado en relatos fantasmagóricos, así como fantasías góticas y obscuras, iba a realizar una película de Pinocho animada en stop motion no lo podía creer. La animación no es precisamente un género abundante en su filmografía. Pero qué se yo, siempre hay una primera vez, y para ser la primera el filme (estrenado en Netflix la víspera de Navidad pasada) superó mis expectativas.

De hecho, del Toro estaba compitiendo con otra peli de Pinocho nueva, la nueva versión de Disney, con actores de carne y hueso, de su clásico animado de 1940 (disponible en Disney Plus). Sin embargo, el Pinocho de Guillermo del Toro (por cierto, así es como se titula la nueva película del director mexicano), es arena de otro costal.

La historia de este nuevo Pinocho está ambientada poco antes de la Segunda Guerra Mundial, en la Italia gobernada por Il Duce Mussolini (quien hace una aparición especial nada halagadora). No es de extrañar este escenario, ya que del Toro ha inscrito este filme en una especie de trilogía sobre el fascismo, junto a El Espinazo del DIablo y el Laberinto del Fauno. Confieso que desde el primer minuto ya estaba diciendo "Mamma mia!".

Geppetto (voz de David Bradley), quien parece una figura tallada en madera, experimenta una terrible tragedia con la pérdida de un ser querido cerca de un árbol. Justo de este árbol, Geppetto, carpintero y fabricante de juguetes y relojes, embriagado y sufriendo de depresión, tomará la madera para hacer un muñeco que sea la viva imagen del ser que ha perdido. Todo esto ocurre durante una noche tormentosa, siendo Geppetto como un doctor Frankenstein a punto de fabricar su monstruo.

Guillermo del Toro codirige el filme junto a Mark Gustafson, este último con antecedentes en animación (trabajó junto a Wes Anderson en Fantastic Mr. Fox), y lo que ambos tuvieron claro fue hacer de este un Pinocho nunca antes visto, uno más obscuro y surreal, y con cambios drásticos, por ejemplo -y nada más revelaré este detalle nuevo- en lugar de tener a la clásica Hada Azul, aquí tenemos a una especie de dios/diosa (voz de Tilda Swinton) que vendrá de visita a la casa de Geppetto, para concederle una nueva oportunidad de ver al ser que perdió, trayendo a la vida el muñeco que dejó inconcluso. Pinocho (voz de Gregory Mann, estupendo) luce aquí sin pintar, no muy perfecto, con sus brazos y piernas pareciendo un poco ramas torcidas.

Partes del filme fueron animadas y realizadas en Guadalajara, y en general la calidad de la animación es de un nivel de sofisticación de alto nivel y detalle. Nada más la iglesia del pueblo, en donde tiene lugar una de las escenas más significativas del filme (Gepetto se encuentra trabajando en un Cristo enorme, al cual Pinocho se acerca a preguntarle "¿Por qué si eres de madera como yo todos te quieren y a mí no?"), tuvo que rehacerse varias veces y en varias escalas. Una iglesia medieval, con sus diseños góticos, además de frescos en sus muros con un detalle impresionante y realista.

Hay otros escenarios magníficamente hechos, como ese circo (en donde Del toro pone algo de inspiración fellinesca) a donde llega Pinocho, para encontrarse con el villano de la historia, Volpe (voz de Christoph Waltz), retratado aquí como un verdadero empresario del espectáculo, explotador y lleno de codicia. El filme, de hecho, es algo musical, siendo del Toro el coautor de todas las canciones, con música del genial Alexandre Desplat, la mayoría muy melódicas y melancólicas. En lugar del zorro y el gato clásicos de la historia, culpables de la perdición de Pinocho, aquí ambos están representados en la figura de Spazzatura (voz o, más bien, ruidos guturales de Cate Blanchett), un mono tuerto que no habla, pero que será un personaje decisivo en su particular forma de comunicarse.

Un tema que creo nunca se había tratado antes en un filme de Pinocho es la muerte y la resurrección, y el hecho es que aquí a nuestra marioneta no nada más le crece la nariz al decir mentiras, sino que puede regresar de la muerte una y otra vez. Y ver el más allá a través de los ojos de Guillermo del Toro es realmente aventurarse dentro de la madriguera del conejo. Solamente revelaré que este mundo está custodiado por una diosa de la Muerte, también con la voz de Tilda Swinton.

Me olvidaba del compañero inseparable de Pinocho, tan sólo llamado Grillo (voz de Ewan McGregor), que luce más como un insecto parlanchín, con una boca apenas visible, completamente lejos de lucir como los Grillos anteriores, más caricaturezcos y antropomórficos. La broma constante para Grillo, es el hecho de que, como narrador de la historia, no siempre es escuchado por los demás, y no ve cercana la oportunidad para poder cantar.

Lo sé, lo sé, el filme suena a todo menos a Pinocho, pero lo interesante es que del Toro supo conservar el espíritu de la historia original, incluyendo partes memorables, como la secuencia dentro de la ballena gigante. También es interesante la forma de haber pasado todo por el filtro de Frankenstein, como el personaje que no encuentra su lugar en el mundo, que es rechazado por los demás por ser diferente, y que incluso el sacerdote del pueblo (voz de Burn Gorman) lo verá como un monstruo diabólico.

En su segunda mitad, el filme se transforma en una pequeña película de guerra, mostrando niños siendo reclutados para formar parte del ejército. Irónicamente, tal vez este sea el lugar en donde Pinocho se sienta mejor. ¿Será del gusto de todos esta nueva versión? ¿Cómo verán aquellos que crecieron leyendo el libro, o con el filme de Disney en sus memorias, esta nueva revisión de un clásico? Hasta el momento, no he escuchado o leído algo negativo. Por lo pronto yo, quien también leyó el libro y creció viendo sus versiones animadas, terminé adorando este filme. Es toda una obra maestra de la animación, el cual, con seguridad se llevará el Óscar el próximo Marzo.
En #Netflix

ELVIS

EL RETORNO DEL REY. Austin Butler y Tom Hanks.

 

 Algo ha llovido desde que vi la miniserie en donde Jonathan Rhys Meyers interpretó a Elvis (llamada, precisamente, Elvis). Quizás eso nuble un poco mi juicio, pero luego de ver este caleidoscópico y luminoso torbellino de biopic sumamente musical, me arriesgo a decir que la interpretación de Austin Butler del Rey es superior. Es verdad que, en comparación, pierde mucho en rostro, pero gana en varios otros aspectos.

Esta es la revisión de Baz Luhrmann del ícono musical, un recorrido exhaustivo en donde no nada más mis ojos vibraron, sino también mis oídos. Además de hacer una ultra condensada revisión de la vida de Elvis, desde sus orígenes hasta su -lo diré, no es spoiler- muerte en 1977, Luhrmann (como evidente amante de la música) nos lleva de la mano por la historia de la música pop y rock, desde el Blues y R&B, hasta el nacimiento del Rock 'n Roll.

Casi olvido mencionar que en este viaje tenemos a un narrador confiable -o tal vez no- en la figura de su representante, el coronel Tom Parker, interpretado por otro Tom de apellido Hanks, en donde este último muestra una capacidad camaleónica que pocas veces vemos. Hanks hace un acento obscuro, pero sin duda no americano, que delata de inmediato los verdaderos orígenes de Parker. Levantándose de su cama en un hospital en Las Vegas, afectado de salud y avejentado, Parker empieza a contar su historia, sobre cómo se inició en el showbusiness, explicando que todo el secreto está en saber uno o dos trucos; en saber crear ilusión y fantasía. De ahí, Parker continuará con su historia con Elvis, cómo lo conoció y lo convirtió en estrella.

En Elvis el coronel supo ver ese truco al verlo actuar por primera vez y volver locas a decenas de chicas, poniéndolas en un estado histérico. Al ver los contoneos de cadera del juvenil Elvis (desde ese momento ganándose el apodo de "Elvis la Pelvis"), no nada más las chicas se desmayaban sino que incitó al escándalo, por ser considerado demasiado inmoral y provocativo para aquellos inocentes años 1950. Durante la primera mitad del filme Luhrmann hace de esto todo un tema.

El mismo Parker se da cuenta que había creado un monstruo que se estaba empezando a salir de control. A diferencia de la miniserie, el amor de Elvis a su madre (muy bien Helen Thomson) en la película no está tan acentuado. A la muerte de aquella, Luhrmann muestra a un Elvis llorando desconsolado, como niño lastimado y vulnerable, con la oportunidad para Parker de convertirse en figura paterna. El padre de Elvis (Richard Roxburgh, viejo colaborador de Luhrmann) en el filme será más un fantasma, apenas visible, lejano y poco comunicativo.

El coronel Parker de Tom Hanks me pareció más interesante que el de Randy Quaid en la miniserie (tal vez este último no tuvo suficiente espacio para desarrollar más el personaje), y en el filme es como el titiritero bajo cuyo control se encuentran los hilos de su creación. Bajo maquillaje y prostéticos Hanks se transforma, tiene una actuación formidable (creo que merecía una nominación al Oscar), y encarna al hombre con la visión suficiente y la estrategia adecuada para crear una leyenda, que poco a poco se le iría de las manos a mediados de los 1960 (el especial de Navidad por TV es, según el filme, la pauta de una eminente separación).

Con una duración de poco más de 2 horas y media, no creo que haya sido tarea fácil el condensar la vida de Elvis. ¿Y qué hay de Austin Butler? El tipo simplemente está fantástico, y es evidente que su principal tarea fue estudiar a Elvis por completo, así como revisar horas y horas de metraje documental, sus conciertos, y películas. He leído una o dos críticas sobre lo demasiado simplificada que luce la faceta cinematográfica de Elvis en la película, la cual no será tan brillante como la musical, pero es verdad que merecía un poco más que simples guiños a filmes clave, como Viva Las Vegas o Jail House Rock (ni siquiera hay unos segundos recreando el número musical clásico). Tampoco Luhrmann profundiza mucho más en la ambición de Elvis por ser un gran actor como su ídolo, James Dean.

Es comprensible que, siendo Luhrmann el director, la brújula haya ido más en la dirección del Elvis musical, de sus abusos con las drogas, y su autodestrucción y decadencia. Algo tuvo que ver ese mefistofélico coronel Parker, quien terminó explotándolo. Más que para fans de Elvis, el filme es también para los fans del cine de Luhrmann, dispuestos a subirse a su montaña rusa y no tener un descanso en este viaje a Graceland.
En HBOmax

BULLET TRAIN

 

A TODA...BALA.             Brian Tyree Henry y Brad Pitt.

 

 

A pesar de estar basada en un best seller escrito por Kotaro Isaka, Bullet Train luce como un filme con un guión que fue rechazado por Guy Ritchie. Podría jugar con varias teorías del rechazo: porque su trama está confinada a desarrollarse dentro de un tren bala japonés, o por que simplemente las grandes velocidades no son lo suyo. No sé, estoy nada más jugando un poco. Sin embargo, en manos de David Leitch, el material encuentra su camino en la forma de un hiperactivo, hiperveloz, y muy parlanchín thriller para matar una tarde dominguera.

También la influencia de Tarantino es bastante palpable, especialmente en tener algunos personajes que pasan un considerable tiempo teniendo largas conversaciones sobre cualquier tonteria. Me refiero a los personajes de Tangerine (Aaron Taylor Johnson) y Lemon (Brian Tyree Henry, con un excelente acento cockney), hermanos de hecho. Entre sus temas de conversación se encuentran pláticas profundas y filosóficas sobre Tomás la locomotora (estrella de un programa infantil), por ejemplo, y cómo cada persona puede ser definida según el carácter del trenecito en cuestión. Incluso, Lemon, fan del trenecito, usa una hoja de estampas del personaje para ilustrar su teoría.

Luego de leer lo anterior, quien se anime a ver el filme puede empezar a hacerse una idea del nivel del guión de Bullet Train, en cuya autoría el mismo Isaka estuvo involucrado junto a Zak Olkewicz. No quiero decir que la película sea para niños, sino que estamos ante una historia que no presume tener un IQ elevado, ni un nivel intelectual para romperse el coco. Lo cierto, es que tenemos un filme para palomear por poco más de dos horas, ensuciarse los dedos con queso de nachos, y reir por momentos durante poco más de dos horas.

Bullet Train (por cierto, desde hace poco disponible en HBO Max también), me pareció más Guy Ritchie que Tarantino, con el nivel de entretenimiento del primero, pero sin mucho de la inteligencia y audacia de un filme escrito por el segundo. Para que se hagan una idea más clara, es como si ambos la hubieran dirigido, sólo que sin ponerse de acuerdo en varias cosas, cada uno insertando aquí y allá cosas sin mucho sentido. Por ejemplo, esa historia de fondo en la que se cuenta la historia de Lobo (interpretado sin problemas por Bad Bunny, ya que nada más dice una o dos líneas), un narco mexicano y pasajero del tren por motivos que serán revelados más adelante en la trama. Dicha secuencia termina siendo demasiado larga, y como ésta hay otros largos flash backs explicando, en la forma de mini relatos, contando historias de mafiosos rusos, yakuzas, y samurais.

Brad Pitt es quien abre el filme, caminando por las calles de Tokio, y escuchando por algún dispositivo una voz femenina (Sandra Bullock, más en voz que en cuerpo y alma), dirigiendo la operación para recuperar un portafolio en poder de Tangerine y Lemon, quienes a su vez, se encuentran escoltando al hijo de un poderoso mafioso ruso, conocido como la Muerte Blanca, teniendo que asegurarse de que llegue sano y salvo a cierto punto en Rusia. El hijo es interpretado por Logan Lerman, quien por cierto apareció junto a Pitt en Fury. ¿Coincidencia? No creo, por que luego también aparecerá Channing Tatum, quien -¡oh sorpresa!- apareció recientemente junto a Sandra bullock en Lost City. Por eso, Bullet Train es como una fiesta a donde los amigos de los amigos asistieron para hacer cameos extendidos.

La otra historia que empieza a mover las cosas dentro del tren es la de Kimura (Andrew Koji), un hombre buscando cobrar venganza contra la Muerte Blanca, por un ajuste de cuentas del pasado. Su problema, es que Prince (Joey King), una chica viajando en primera clase, no tan inocente como parece, complicará los planes de aquel.

Todo lo anterior es acelerado por un ritmo en crescendo, en donde la acción sube a un paso algo irregular debido a largos flashbacks. Una serpiente suelta ataca a algunos pasajeros desprevenidos, mientras que el portafolio termina siendo un macguffin que desatará, en resumen, el Big Bang dentro del tren. Si hay algo que distingue al filme, es el ser gráficamente violento, chuzco, y con mucho humor negro. Algo chusco, por ejemplo, es un melenudo Michael Shannon como la Muerte Blanca, apenas creíble como mafioso ruso. A pesar de todo este hiperveloz caos, con peligro de descarrilarnos y perdernos en algún enredijo del guión, es que termina siendo entretenido, bizarro por completo en su final.
En HBOMax y a la renta.

LUCK

Un gato negro...de la suerte.

 

https://www.imdb.com/title/tt7214954/ Me costó algo de trabajo conectar con el universo presentado en el filme, uno en donde las dos fuerzas dominantes son la buena y la mala suerte, está poblado por leprechauns, gatos, dragones, unicornios y, eso sí, mucho mucho verde. Sin embargo, sus personajes principales, una chica con toda la mala suerte del mundo y un gato negro, tuvieron al final química y emotividad suficientes para atraparme. Además, su animación es increíble. 

En Apple TV Plus

THE BULLET TRAIN

A TODA... BALA

   

: https://boxd.it/qW26 Me pareció más Guy Ritchie que Tarantino, y aunque el guión no tiene mucho del ingenio e inteligencia de este último, sí tiene la cualidad de entretenimiento palomero del primero. Al final, lo que salva a este tren de descarrilarse, es que, a pesar de sentirse como una fiesta, a donde los amigos de los amigos están invitados (si sale Brad Pitt, es seguro que veamos a Sandra Bullock), la película, con todo y lo saturada e hiperviolenta que es, me entretuvo las dos veces que la vi. A la renta.

RRR

Ram Charan y N.T. Rama Rao Jr.

 

RRR recaudó nada más en la India la nada despreciable cantidad de 72 millones de rupias en el momento de su estreno (la cifra ha crecido hasta alcanzar, aproximadamente, las 3,500,000,000 de rupias en su totalidad), y no es de extrañarse. La película es una épica de 3 horas de duración, y no pertenece a Bollywood, sino a Tollywood, aquel que está producido en lengua Telugu. RRR está completamente hablado en lengua telugu, sólo que la versión estrenada en Netflix (al menos en México) sólo puede verse doblada al hindi. Sin embargo, dicho aspecto no va en detrimento del verdadero espectáculo que termina siendo RRR, que significa "Rise, Roar, Revolt", aunque según avanza la historia dichas letras van tomando otros significados.

El título tal vez suena demasiado simple para el calibre del filme, dirigido por S.S. Rajamouli (guionista de Baahubali, otra super épica de gran presupuesto), el cual mezcla ficción y realidad de una forma fantástica. RRR te engancha a tu asiento desde los primeros minutos, justo cuando su ritmo frenético se empieza a establecer. Son los años 1920, durante el colonialismo inglés en la India. Frente a un cuartel militar se encuentra un grupo de gente protestando, cuando uno de los manifestantes arroja una piedra a los militares y huye despavorido. Uno de los generales se ofrece a perseguirlo y atraparlo, pero uno piensa "imposible, no lo logrará, hay demasiada gente". No arruinaré la sorpresa para quienes no hayan visto el filme, tan sólo diré que es una de las mejores presentaciones de un personaje que jamás haya visto antes, impresionante y sorprendente.

Alluri Sitarama Raju (Ram Charan), es nuestro general en cuestión, pero entre los manifestantes se encuentra Komaram Bheem (N.T. Rama Rao Jr.), quien mira atónito la manera en que el primero se dispone a atrapar al agresor. Sólo que en la mirada de Komaram hay cierto reconocimiento en lo que observa.

Estamos ante uno de los filmes más espectaculares del año. Con todo y no ser 100 por ciento Bollywood, RRR tiene todo lo que puede esperarse en una producción del mainstream hindú, empezando por unos números musicales intensos, con coreografías y bailes que te quitan el aliento. Y lo mismo puede decirse de sus escenas de acción, las cuales, desde el arranque de la historia, con el encuentro de Alluri y Komaram, dos viejos y entrañables amigos, pero pertenecientes a mundos opuestos por completo, no obstruyen el desarrollo de la trama. Y esta última, considerando la duración del filme, no deja un cabo suelto.

Mientras Komaram es un humilde aldeano que habita en la jungla, y es capaz de pelear, cual Tarzán hindú, con enormes tigres, Alluri pertenece a la milicia británica y es visto como un traidor por la gente del pueblo al que alguna vez perteneció. En el mundo real, ambos personajes fueron figuras revolucionarias, pero nunca se conocieron. En el universo presentado en RRR ambos además tienen una fuerza y habilidades sobrehumanas.

La historia no tarda en convertirse en una de venganza, justo cuando Komaram, luego de un trágico incidente al inicio del filme, se da a la misión de rescatar a una niña que fue capturada de su aldea. Pero no lo tendrá fácil, ya que además de haber encontrado al objeto de su afecto en una guapa mujer británica, Jennifer (Olivia Morris), Alluri se encuentra investigando como infiltrado una revuelta, en donde se planea una conspiración en contra del ejercito británico, para derrocar a su principal jefe, Scott Buxton (Ray Stevenson).

Mientras todo esto que describo suena a una película tradicional de venganzas y rebeliones envuelta en la forma de un musical, RRR es un filme inclasificable. Hay una escena de acción que parece una mezcla de Jumanji con alguna otra como sacada de Avengers. Aunque suene ridículo, la secuencia es vibrante, emocionante, y espectacular, y sobre todo, muy cinética. Como todo el filme lo es en sí, el cual, dentro de su larga duración, contiene algo cercano a dos películas más, una de ellas una pequeña precuela sobre los orígenes de uno de nuestros héroes. Esta parte, que trata sobre la niñez de Alluri, ayuda a entenderlo como personaje y sus motivaciones, y a ver que tal vez no sea del todo el traidor que podríamos imaginar.

Y antes de que haya alguno que empiece a criticar al filme como una versión hindú de 300, con todo y peleas coreografiadas estilo Zack Snyder, donde cada golpe o espadazo es ralentizado para poder apreciarlo con lujo de detalle, S.S. Rajamouli ya nos ha enganchado con una historia mucho más interesante que la contada en 300. No trata únicamente sobre el significado de la amistad y lo que significa pertenecer a un pueblo, sino por sus revelaciones y vueltas de tuerca en su tercer acto, así como por el cierre del filme y su secuencia de créditos, formado por un número musical magnífico incluso en su diseño de arte.

⭐️⭐️⭐️⭐️⭐️
En Netflix

MALVERDE: EL SANTO PATRÓN

Pedro Fernández como Malverde.

  

 https://www.imdb.com/title/tt11874906/

Lo que pensé sería una serie histórica, terminó siendo más una telenovela que otra cosa. Estrenada recientemente en Netflix, y conformada por 80 episodios (voy en el 20), Malverde está instalada durante la época previa a la Revolución Mexicana, e intenta meter en el contexto la figura "ficticia" (¿o semi-ficticia?) de Jesús "Malverde" (Pedro Fernández), cuya existencia no está del todo comprobada. Malverde, cual Robin Hood mexicano, oculto en la campiña sinaloense con su banda de ladrones, se dedica a robar a los ricos para dar a los pobres. Por ello, es visto como un "santo patrono", misterioso, y al cual el presidente Diaz puso precio a su cabeza por sus actos casi "terroristas" en un pueblito del estado. Malverde es, incluso, un "amo del disfraz", capaz de pasar desapercibido entre los pobladores (¿En donde consigue sus disfraces y bigotes postizos? No está claro todavía)

Si bien su diseño de producción es, aunque televisivo, bueno y aceptable, la serie termina siendo toda una telenovela sin mucho de "histórica", con todo y que aparecen Pancho Villa y Emiliano Zapata. Además, es la típica producción en donde los morenos son los malos, aquí un villano más malo que el COVID y la influenza juntos, muy malo "ñaca-ñaca" (Luis Felipe Tovar), y los blancos son los buenos. Otros detalles también cuestionables, es el hecho de que, estando ambientada en Sinaloa, ningún personaje habla con el acento regional (ni siquiera nuestro héroe), quedando evidente que ni los directores ni los actores se tomaron mucho la molestia de intentar, al menos, imitarlo. Ni los indígenas yoremes en el programa hablan con algún acento. Es más, nuestro héroe, quien admite ser mitad indígena yoreme, mitad "blanco", tiene algún rasgo indígena o mestizo. ¿Llegaré al episodio 80? Quién sabe, los mantendré informados.

En Netflix.