MICMACS * * * *

El fantástico y ecléctico equipo de "Micmacs".

Jean Pierre Jeunet y Marc Caro son mis favoritos, dueños de una visión única, rica, imaginativa y sumamente audaz. En muchos casos, sus propuestas visuales y conceptuales superan totalmente sus historias. Mis filmes predilectos siempre han sido “Delicatessen” y “The City of Lost Children”, hasta que Jeunet empezó a suavizarse con “Amelie”, de todas formas un muy disfrutable filme (¿Tuvo que ver el hecho de que Caro ya no colaboró con Jeunet desde entonces?). Pasó un tiempo considerable (casi 5 años), entre “A Very Long Engangemente” y su más reciente película, Micmacs (2009), una formidable aproximación al género de las caper movies.

Bazil (Danny Boom, keatoniano y luciendo versátil), ex empleado de un video club, debe vivir con una bala alojada en su cabeza. Su infancia fue traumática, luego de haber perdido a su padre en la guerra. Por azares del destino, Bazil conoce a un ecléctico y versátil equipo estilo Mission Impossible, pero como concebidos por Terry Gilliam con una buena dosis de LSD. El reparto incluye a dos grandes veteranos del cine francés, Jean-Pierre Marielle y André Dussollier, este último como el villano de la historia, un fabricante de armas. De hecho, la misión del grupo será destruir a este y otro fabricante de armas, ambos competidores, quienes son los fabricantes de la mina que mató al padre de Bazil.

Otra de las cosas que sabe hacer bien Jeunet, es elegir a su reparto. Aunque aquí tenemos nuevamente a su actor fetiche, el “carilindo” Dominique Pinon, el resto del reparto tiene nuevas y frescas colaboraciones. Danny Boom es el protagonista, y su actuación es más física que otra cosa. Como en todos los filmes de Jeunet, cada plano está compuesto con sumo cuidado y lleno de detalles interesantes (texturas, iluminación, extraordinario diseño de arte, etc.). Micmacs no es visualmente tan espectacular como las anteriores películas de Jeunet, pero es creativa, imaginativa y divertida. Es un espectáculo circense lleno de personajes marginales. Parece una cruza entre el Cirque Du Soleil, las películas de Ocean’s Eleven y alguna caper movie de Jules Dassin, todo con un aire surrealista.

POSSESSED * * * * *

Joan Crawford y Van Heflin en "Possessed".

Possessed (1947) está considerada como una película clave del film-noir. Además, una película clave en la filmografía de Joan Crawford, en donde estuvo  dispuesta a “desglamorizarse” con tal de darle realismo a su personaje. La historia tiene un sabor a la literatura “pulp” de Raymond Chandler. La muerte “accidental” de un personaje, ahogado en un lago enmedio de la noche y en condiciones misteriosas, es chandleriano. ¿La muerte ha sido realmente accidental o provocada? Es el misterio de este filme dirigido con maestría por Curtis Bernhardt.

Las escenas que abren el filme son memorables. Crawford caminando en las calles desoladas de Los Angeles, con la mirada perdida, perturbada y tan solo diciendo el nombre de “David” obsesivamente, son la introducción de una historia de amor enfermiza. Desde un hospital psiquiátrico, con Louise (Crawford) en total estado catatónico, nos sumergimos en un flashback que nos lleva a ser testigos de cómo esta cuidadora de la esposa enferma de un hombre de negocios, es abandonada por David (Van Heflin). Este será el inicio de los problemas y de la enfermiza obsesión de Louise, la principal sospechosa de la muerte de la mujer enferma que cuidaba. Esto, al menos, a los ojos de la hija (Geraldine Brooks), quien ve con total recelo el que Louise se case con su ahora viudo padre.

Van Heflin interpreta lo que algunos críticos han llamado un “homme-fatale”. Este quintaescencial film-noir da la vuelta a la clásica formula del film-noir, en donde la mujer es la causante de las turbulencias en el personaje masculino protagónico. Su actuación es igual de excelente. Aquí, Joan Crawford hizo mancuerna nuevamente con el productor Jerry Wald, con quien ya había trabajado en “Mildred Pierce” (Ganadora del Oscar a “Mejor Actriz” 1945). Bernhardt consigue un inquietante estudio de una mente esquizofrénica y obsesiva, con escenas que están a mitad de la realidad y de las imágenes creadas por la mente de Louise. Estupenda e imprescindible. 

WHEN SATURDAY COMES * * * 1/2

Sean Bean en "When Saturday Comes" (1996)

Este es un típico melodrama futbolero británico, que nos presenta a Sean Bean como un aspirante a convertirse en jugador de primera división. Para ser exactos, su sueño es llegar a formar parte del Sheffield United (Sean Bean, de hecho, es originario de Sheffield), y en la película veremos el arduo camino que debe seguir para lograrlo. Curiosamente –bueno, no tanto- no es Sean Bean quien brilla en esta película, sino el recientemente fallecido Pete Postlethwaite. Bean (futuro actor secundario de Lord of the Rings), es cierto, tiene una aceptable actuación y realmente me hizo creer en su interpretación, en su torturante vida familiar junto a su padre que no cree en él, así como en los exhaustivos entrenamientos a los que se somete. Pero algo tiene Postlethwaite que siempre que interpreta a una figura de autoridad (un entrenador de futbol en este caso), siempre hace vibrar y temblar la tierra en cada escena. Es un maestro en esta clase de personajes, y quien salva este predecible pero visible filme.

EL CARTEL

Cartel de "My Soul to Take" (2010)

My Soul to Take  * * * 1/2

La película según he escuchado está mala, pero el poster de My Soul to Take me ha parecido lo más interesante de lo estrenado en España esta semana. La imagen del grupo de actores se funde con el título de la película, lo que da un efecto gráfico atractivo. Luce como un mezcla de colores acuarelados, entre el color negro y el rojo. El efecto además es inquietante. Fusiona simbólicamente a los personajes con un destino fatal, que proviene precisamente del color rojo sangriento. Me parece acertado el uso de un fondo blanco. Es un gran soporte, para que cromáticamente resalte cada detalle y textura de este efecto pictórico en el cartel, incluídos esos rayones que rodean la imagen. No es el gran cartel que uno esperaría para una película de horror, especialmente una de Wes Craven, pero llama la atención el intento de sus diseñadores (el despacho Cold Open) por seguir más un camino artístico y minimalista, enfocado también a experimentar con la tipografía.

PEANUTS Y LOS MEDIOS.

En esta tira, Snoopy hace una interesante valoración de la televisión. Aparentemente, todo parece estar bien. La televisión es tan inofensiva para él, que incluso puede ser un "estimulante para la creatividad". Es cierto, tiene razón, la tele puede hacer eso. Sus problemas comienzan con lo más básico, el encenderla. Creo que el problema que plantea se acabaría teniendo a su disposición un control remoto. Aunque siento que si lo tuviera, querría que alguien se lo pasara o lo buscara por él. Uno de tantos problemas que plantea la tecnología a veces.

THE SOUND OF MUSIC * * * 1/2

Julie Andrews en "The Sound of Music".

La historia narrada en The Sound of Music (1965) no podía ser más predecible. A pesar de todo, su tercer acto tiene un par de sorpresas que le quitan de encima un poco de miel y melcocha. Junto a Mary Poppins y Victor Victoria, The Sound of Music es de los mejores musicales protagonizados por Julie Andrews. Robert Wise hizo de esta historia (de casi 3 horas de duración), ambientada en Salzburgo, Austria, antes de la ocupación de Hitler, un disfrutable musical donde casi ningún personaje se queda sin la oportunidad de cantar. Julia Andrews no nada más dio voz sino personalidad a canciones pegajosas como “Do-Re-Mi” (la cual canté hasta al hartazgo en el colegio), “The Sound of Music” y “Edwelweiss”, con música de Richard Rodgers y letras de Oscar Hammerstein, las cuales eran o pretendían ser inspiracionales.

Se echa en falta coreografías más complejas y atractivas (Wise dirigió uno de los mejores musicales del cine, “West Side Story”). Pero eso no impidió que Wise se llevara el Oscar a Mejor Director. Como en Mary Poppins, Julie Andrews, una chica en proceso de convertirse en monja, llega a una residencia para ser la tutora de 7 niños con fama de problemáticos. Era difícil creer que la guapa Charmian Carr aparentara 16 años (en realidad tenía 23), pero en general el grupo de niños era carismático.

Lo que no es complicado predecir, es que la vocación religiosa de Maria, nuestra tutora en cuestión, se verá a prueba cuando conozca al padre de familia, el capitán Von Trapp (Christopher Plummer, con impecable acento británico y…cantando). Aunque su diseño de producción es algo pobre, el filme tiene pintorescos paisajes de la campiña austriaca, así como un simpático número musical protagonizado por marionetas. Un cuento de hadas -nazis incluídos- en toda la extensión de la palabra.

SWEET DREAMS * * * 1/2

Jessica Lange como Patsy Cline en "Sweet Dreams".

Esta biopic televisiva (producida por HBO nada menos) sobre la famosa cantante de country Patsy Cline, no podría ser más convencional. Esto al menos en su estructura, su producción y su narrativa. Lo que acaba ensalzándola es su edición musical, así como su par de actores principales. Jessica Lange está insuperable en su retrato de la cantante (sin duda es más atractiva que Patsy Cline), quien inició su carrera musical a mediados de los 1950. En tanto, Ed Harris (¿será su cabello o habrá usado peluquín?), está magnífico en su interpretación del segundo esposo de Cline, Charlie Dick. Lo que no es tan convencional, es la personalidad de la celebridad musical retratada. Cline, a diferencia de otros músicos, no padeció alguna adicción al alcohol o las drogas. Su problema fue vivir bajo el yugo del violento Charlie, un borracho, mujeriego y golpeador tipo, que se encargó de hacerle la vida miserable a la cantante. En ese sentido, con su facha adusta, Ed Harris está espléndido para el papel. Un aspecto inquietante de la vida de Cline, es cómo su vida estuvo al filo del peligro, la primera vez en un accidente automovilístico, y la segunda -esta sí trágica-, en un accidente de aviación en 1963, que le costó la vida. Karel Reisz (Saturday Night and Sunday Morning) dirige, y lo que más intriga es saber si Charlie siempre vivió celoso del éxito de su esposa, sintiéndose a la sombra de su fama.

BEFORE THE DEVIL KNOWS YOU'RE DEAD * * * *

Ethan Hawke y Phillip Seymour Hoffman planearán un inusual robo
en "Before the Devil Knows You're Dead".

Todo empieza como un simple plan, aparentemente sencillo, rápido y sin complicaciones. Como casi todos los planes. A lo largo de la original narrativa de Before the Devil Knows You’re Dead (2007), nos iremos enterando qué pasó antes y después de un robo, desde el punto de vista de cada uno de sus personajes involucrados, directa o indirectamente. El último filme del recientemente fallecido Sidney Lumet, cuenta cómo dos hermanos, Andy y Hank (Philip Seymour Hoffman y Ethan Hawke, respectivamente) planean robar la joyería de sus padres, escapar con el botín y esperar que el seguro resuelva el problema después.

Este thriller es una diabólica inmersión en la parte más obscura de las enfermizas relaciones de una familia, cuyos lazos están destruídos desde hace mucho. El robar el negocio familiar es poco más que una travesura para Andy, el mayor y con más malicia, quien tratará de convencer, a como de lugar, a su más inocente hermano menor Hank, torpe, inseguro y fácilmente manipulable. Ethan Hawke interpreta brillantemente su personaje, capaz de transmitir todas y cada una de aquellas características con ese permanente estado de juvenil incertidumbre que siempre lo ha caracterizado.

Cada salto en la narración es revelador. Gracias a esta estrategia, podemos conocer más de cada personaje, en un remolino de hechos y circunstancias, que cuentan la historia casi en tiempo real. Before the Devil parece una película filmada hace 30 años o más, con su fotografía deslavada y que luce arcaíca. Es algo tarantinesca, escapa de lo lineal y convencional. De hecho, el reparto es de lujo. Phillip Seymour Hoffman es la “oveja negra”, casado con una atractiva mujer (Marisa Tomei). Como el gran actor que es, Hoffman consigue hacer de su personaje una conflictiva masa de emociones, que luce tan natural como siempre en las películas que protagoniza.

Lumet ha concebido una intrigante película. Sus raíces se encuentran en el film noir. Albert Finney tiene una soberbia actuación, al grado de robarse la película, especialmente, en el controversial final. Lo notable es ver cómo Lumet mantiene este rompecabezas narrativo de suspenso en completa coherencia. Cada punto de vista ofrece un detalle nuevo y diferente. El dilema moral del relato deja mucho que discutir. Hay un autor intelectual y otro material del crimen. ¿Es justo que sólo sea uno de los hijos el que pague caro por ello?

HEREAFTER * * *

Matt Damon es un atormentado psíquico en "Hereafter".

La última gran película de Clint Eastwood que ví fue Gran Torino (2008). Luego, algo pasó con el viejo vaquero. Se suavizó y sentimentalizó. Invictus me pareció un buen filme, aunque no a la altura de su filmografía. Ahora, creo que me gustó menos Hereafter (2010), su incursión en un tema paranormal. Tiene un buen inicio (¡Ese tsunami!), un interesante planteamiento de personajes, pero la película va alentándose hasta que, al final, se pone inexplicablemente sentimental y cursi. La resolución luce como sacada de algún comercial de Coca-Cola. No parece que estamos viendo una película de Clint Eastwood.

Matt Damon regresa a colaborar con Clint (luego de Invictus) interpretando a un triste y solitario psíquico, capaz de comunicarse con los difuntos en el más allá. Más que ser un don, para George es una terrible carga, una condena, casi una enfermedad que causa que todos se alejen de él, especialmente chicas guapas (Brice Dallas Howard interpreta a una posible conquista). Esto tiene a George alejado de su antigua profesión de ayudar a los vivos a comunicarse con los muertos.

Siento que Clint es letárgico como narrador de historias paralelas. Junto a la historia de George en San Francisco, tenemos otra de una periodista y escritora francesa (Cécile De France) quien ha tenido una “experiencia cercana a la muerte” luego de sobrevivir un tsunami, y una más sobre unos niños gemelos, ambientada en Londres. Uno de ellos muere trágicamente, mientras el otro vive un terrible duelo y desea comunicarse con él. Las historias acabarán coincidiendo. Hay instantes con algo de humor, otros conmovedores. El problema en general, es que el filme es tan lento como sombrío, sin que las historias realmente atrapen debido a su total falta de fuerza.

++El DVD incluye ¡Tsunami! Recreando un desastre, Las localizaciones de Más allá de la vida – eligiendo a los personajes que no hablan y La experiencia Eastwood. Además de lo anterior, el Blu-ray incluye: ¿Hay vida más allá de la muerte? Profundizando en Más allá de la vida, Vínculo de gemelos,  Franceses hablando en francés, ¿Por qué la luz blanca? El factor Eastwood y Clint y el casting.

TARZAN'S REVENGE * * 1/2

Glenn Morris y Eleanor Holm en "Tarzan's Revenge"

En esta ocasión, Tarzan es interpretado por el atleta Glenn Morris (el cuarto, junto a Weissmuller, en interpretar al “Rey de la Jungla”). Aunque agrega un poco más de dignidad al personaje, luego de ver la penosa e involuntariamente graciosa versión de Buster Crabbe en “Tarzan the Fearless”, Glenn Morris carece de esa apariencia “salvaje” que sí tenía aquel, a pesar de su gran condición física. En Tarzan’s Revenge (1938) tenemos un Tarzan más ecologista y protector de la naturaleza, dispuesto a rescatar a los animales atrapados por un excéntrico excursionista (George Barbier). Este ha llegado junto a su esposa (Hedda Hopper) y su guapa hija, Eleanor (Eleanor Holm) al África en safari. Tarzan no tardará en caer rendido bajo los encantos de Eleanor, la cual además estará en la lista de prospectas del villanezco Ben Alleu Bey (C. Henry Gordon), una especie de maraha o príncipe árabe con un harem de 100 esposas. El filme es entretenido, promete algunas risas y humor inocente, escenarios exóticos y el chimpance que acompaña aquí a nuestro héroe es más simpático. Hay instantes en que Tarzan se debatirá entre su cariño a los animales y su amor por Eleanor. El tendrá una difícil decisión, ella no tanto, teniendo un cobarde y poco aventurero prometido a su lado (George Meeker).

BUS STOP * * *

Esta es una de las películas “menores” de Marilyn Monroe. No contiene alguna canción memorable interpretada por ella, y la mayor parte del tiempo su actuación está –por decirlo de alguna forma- fuera de registro. Bueno, de todas formas esta es una comedia de “grandes” sobreactuaciones por parte de su par de protagónicos. Junto a Marilyn, quien aquí interpreta a Cherie, una cantante de salón de cuarta categoría, Don Murray sobreactuaba hasta la exasperación en su papel de Bo (extrañamente nominado al Oscar), un joven cowboy que jamás ha visto la civilización. Sin embargo, ambos se sienten dolorosamente disfrutables, exageradamente teatrales (el filme es una adaptación de la obra teatral de William Inge), desde que se encuentran en Phoenix, a donde Bo ha llegado para participar en un rodeo. Ahí, sólo una cosa tendrá Bo en mente: casarse con Cherie en contra de su total voluntad. Cherie y Bo tienen tanto en común pero, al mismo tiempo, tantas diferencias, que resulta difícil imaginar el forzado happy end que la historia acaba teniendo. Joshua Logan (Camelot) tiene varios logros en Bus Stop (1956), uno de ellos es el atractivo diseño de arte, el crear un verdadero estado de psicosis en esa obsesiva, enfermiza persecución de Bo contra la vulnerable Cherie, así como la gran actuación de Arthur O’Connell, la paternal voz de la razón del bestial Bo. O’Connell es quien debió haber estado nominado al Oscar.

TARZAN THE FEARLESS * * 1/2

Julie Bishop y Buster Crabble en "Tarzan the Fearless".

Está lejos de ser como una de las clásicas películas de Tarzan protagonizadas por Johnny Weissmuller. Sin embargo, Tarzan the Fearless (1933) tiene todo lo que un simple y ordinario filme de aventuras de bajo presupuesto -aquellos de matinee- debe tener. Aquí Tarzan es interpretado por Buster Crabbe (quien también interpretara a Flash Gordon en muchas ocasiones), y el tipo no hace otra cosa más que dar vida a una especie de parodia del “Rey de la Jungla”. Vamos, el Tarzan que el director Robert F. Hill nos presenta es poco más que un cromagnon con cerebro de neanderthal. Esta película forma parte de una serie de pequeños filmes de Tarzan (varios actores encarnaron al “hombre mono”), en donde hasta el famoso grito del héroe sonaba ridículo. Algo como un aullido, nada relacionado con el resonante grito cantor de Weissmuller.

Aquí, la historia cuenta cómo una expedición por la selva de África, que incluye una pareja de novios (Julie Bishop y Edgar Woods), así como unos guías sospechosos, se toparán con Tarzan y con una misteriosa secta egipcia, que resguarda en una caverna ídolos, tesoros y esmeraldas. Así como la película tiene cosas graciosas (unas involuntarias, otras intencionales), también tiene vibrantes escenas de leones entrenados “luchando” con dobles. Lo verdaderamente gracioso será ver a Tarzan “evolucionar”, de ser como un bebé balbuceante, inocente cuando se queda a solas con Mary (Bishop), sin hacer lo que muchos pensariamos que debería hacer. Un puro entretenimiento palomero, sin pretensiones y barato de los años 1930.

MONSTERS VS. ALIENS * * * 1/2

"Monsters vs Aliens" es un homenaje paródico al cine serie B. 

Monsters vs Aliens (2009) es un homenaje, animado e infantil, a los filmes clásicos serie B de monstruos y ciencia ficción. Todo está integrado para que el filme funcione sin muchos problemas. A los aficionados a este subgénero, no les sera difícil identificar claras referencias a Attack of the 50 Foot Woman, The Blob y The Fly (todas de 1958); Creature from the Black Lagoon (1954) y a las monster movies japonesas. La idea de esta producción de la Dreamworks, dirigida por Rob Letterman y Conrad Vernon, no es volverlos una amenaza para la humanidad, sino ponerlos al servicio de la misma.

La premisa consiste en crear un grupo de élite, formado por freaks y monstruos. Una desafortunada chica, Susan (voz de Reese Witherspoon) es golpeada por un meteorito justo el día de su boda con un comentarista del clima televisivo (voz de Paul Rudd). El accidente la convierte en una gigantezca mujer con una fuerza descomunal. Instalada en un cuartel militar ultrasecreto, Susan sera rebautizada como Ginormica. Bajo el mando de un general (Kiefer Sutherland), Susan se unirá a un grupo de monstruos, formado por Link (Will Arnett) un monstruo mezcla de simio y reptil, la masa verde gelatinosa B.O.B. (Seth Rogen), un científico loco con cuerpo de cucaracha (Hugh Laurie), producto de un fallido experimento genético, y una oruga gigante.

Juntos deberán enfrentar la amenaza extraterrestre de Gallaxhar (Rain Willson), y su invasión de robots para conquistar el mundo. Hay un homenaje también al Dr. Strangelove de Kubrick, en esa sala secreta donde el presidente de los E.U. (Stephen Colbert), un total estúpido, se reune con sus colaboradores. Es aquí donde el buen humor creado por la agradable química entre el equipo de monstruos, decae por culpa de gags y bromas que apenas y hacen esbozar una sonrisa. Lo mismo en ese otro “homenaje” a “Close Encounters of the Third Kind”, cuando el presidente trata de comunicarse usando un sintetizador con uno de los robots alienígenas.

Tenemos un filme tan lleno de estas referencias cinematográficas, que se acaba sintiendo poco original. Divertido y entretenido la mayor parte del tiempo, sí, pero predecible en la comicidad que intenta construir con su parodia al cine serie B. Es una lástima, porque parece que Letterman y Vernon tenían dos filmes distintos en mente, y que no supieron integrar del todo bien. Mientras la parte que trata sobre las proezas y aventuras del equipo de monstruos funciona excelentemente, cada uno tratando de encontrarse a sí mismo y de integrarse a la sociedad (la escena de acción en el puente es magnífica, la de la fiesta en el jardín muy graciosa), la parte del presidente y su equipo echa todo por la borda con su humor pueril. Y la de los tim-burtonianos extraterrestres (parecen sacados de Mars Attack) no ayuda mucho tampoco.

++El DVD incluye el documental detrás de cámaras, escenas eliminadas, story boards, etc.

MILK * * * 1/2

Sean Penn como el activista Harvey Milk.

Harvey Milk es recordado por haber sido un activista político, que luchó por el reconocimiento y respeto de los derechos de los homosexuales a finales de los 1970. Gus Van Sant, realizador declarado homosexual y que nunca deja de lado en sus películas personajes con estas características, realiza un homenaje en Milk (2008) al controversial Harvey Milk, provocador que convocó enormes marchas en las calles de San Francisco. El guión, escrito por Dustin Lance Black, ganó el Oscar a “Mejor Guión Original” en 2009. Además, Sean Penn se llevó la estatuilla dorada por su magistral interpretación de Harvey Milk, sin duda el máximo logro del filme.

Otro de los logros, es cómo Van Sant te lleva a dicha época valiéndose de una paleta de tonos suaves, azulados y algo neutros. Junto a Sean Penn, James Franco ofrece también una genial actuación como la pareja de Milk, Scott Smith. Son dos aspectos por los que vale la pena revisar la película. Actuaciones y estilo visual, prevalecen por encima de la historia y narración. Van Sant no es un gran narrador de historias, cosa que ya me ha dejado en claro definitivamente en la soporífera “Last Days” (2005). Lo que promete la película, es una nostálgica mirada, entre lo documental, el melodrama y un tratamiento realista, al trabajo de Milk, desde que abriera su tienda fotográfica, hasta su controversial elección como oficial de distrito, el primero abiertamente gay en la historia del estado.

No hay duda, al menos en mi opinión, que a Van Sant le falta ese toque especial que se necesita para darle a su película la fuerza de los mejores melodramas políticos. Esto al menos desde el punto de vista de la narración, de la historia, ya que el talento de Sean Penn hace que mantengamos el ojo abierto cada vez que Milk da un discurso, incluso en un momento en que ha sido amenazado de muerte si sube al estrado (Milk podría ser la versión gay del Willie Stark que Penn interpretó en “All the King’s Men”). Porque Milk es una especie de mártir de la intolerancia (asesinado en un arranque de locura por su principal competidor político) y así es retratado en el filme. La escena del asesinato es sumamente estilizada, filmada en ralenti y vista a través de una ventana. Milk es, en general, un drama panfletario que apela por la tolerancia.

++ Sin extras relevantes. El DVD región 4 incluye escenas eliminadas, detrás de cámaras, etc.

SPINOUT * *

Shelley Fabares y Elvis Presley en "Spinout".

Mi admiración hacia Elvis Presley siempre ha estado dividida. Mientras musicalmente para mí es una de las grandes leyendas del rock, cinematográficamente siempre fue un churrero. Bueno, eso sí exceptuamos Jailhouse Rock (1957), uno de sus 2 o 3 filmes visibles. Spinout (1966) es todo lo contrario. Dirigida por Norman Taurog (responsable de otros desastres protagonizados por el Rey, como G.I. Blues, masacrada por la crítica), la película es uno más de esos bodrios en los que las disfrutables actuaciones musicales de Elvis salvan todo. Ah, y claro, las chicas guapas que adornan los números musicales bailando a go-go. El resto, no es más que una historia nada complicada de seguir, muy estúpida humorísticamente hablando y predecible a cada segundo. Elvis es el líder de una banda de rock ambulante (su baterista es una chica) que un buen día es obligado por un hombre acaudalado (el actor televisivo Carl Betz) a tocar en el cumpleaños de su hija (Shelley Fabares), a cambio de una jugosa suma de dinero. La lucha de egos comenzará, hasta que el Rey es convencido de competir en una carrera de autos. Como siempre, no habrá mujer que no esté enamorada de Elvis, la carrera de autos es entretenida, pero el final de la película es de lo peor. En general, como ver un pésimo programa de comedia dominguero.