BIG MAN JAPAN * *

El realizador Hitoshi Matsumoto dirige, escribe y protagoniza
la fallida parodia "Big Man Japan".

El cine japonés siempre se ha caracterizado como el mayor productor de “monster movies”. Fueron los creadores de Godzilla (o Gojira, en japonés), ese inmenso reptil dinosáurico, que a veces se comporta como enemigo destructor, y otras como amigo y héroe. Ha sido enfrentado con innumerables criaturas gigantes, incluído King Kong, el gorila gigante de Hollywood, en “Kingu Kongu tai Gojira” (1962). Big Man Japan (Dai-Nihonjin, 2007) es un homenaje paródico a esas películas de antaño serie B, que sigue tan vigente en aquel país como hace 50 años. Su problema, es que el homenaje no funciona como tal la mayoría del tiempo.

El Big Man Japan del título, es en realidad Masaru Daisato (Hitoshi Matsumoto, también realizador del filme) un tipo pobrediablezco, white trash, a quien casi todo Japón odia por el daño que causa al medio ambiente. El motivo, es la enorme cantidad de energía eléctrica que usa para transformarse, precisamente, en el gigantesco “Big Man Japan”. Masaru proviene de un antiguo linaje de hombres capaces de convertirse en gigantes. Sólo que él no es tan popular como sus abuelos.

Nuestro antihéroe, en su faceta de Big Man Japan, se dedica a defender Tokio de monstruos gigantes, cuyo origen jamás nos es explicado. Las peleas son televisadas como si fueran peleas de box o lucha libre, y la gente hace apuestas. La rutinaria estructura de la película, un “mockumentary” sobre la vida de Masaru, nos presenta unas 4 o 5 peleas, precedidas de una inútil explicación sobre el monstruo que estamos por ver, sus poderes y puntos débiles. Cuando estos mueren, su espíritu sube al cielo. ¿Por qué? Sólo Matsumoto, guionista del filme, lo sabe.

Nunca he digerido mucho el humor japonés. Big Man Japan tiene mucho de ese humor “indigesto” para mí. Las criaturas y el mismo Big Man, están impresionantemente animados. Este ultimo luce increíblemente realista, casi humano. Sin embargo, las criaturas parecen sacadas de la peor serie animada “manga”, diseñadas como por un niño (creo que esa cruza de humano con iguana australiana y pollo, es el peor). Las peleas son aburridas, algo lentas, nada emocionantes y lo más extraño es que nunca vemos gente alarmada correr, el ejército, la policia,… nada. Son escenarios urbanos práticamente desérticos.

¿Hay algo que valga la pena en este bodrio? Si, la última parte, una graciosa parodia de las películas de Godzilla y mega robots. Aquellas en donde tipos disfrazados caminaban sobre maquetas, luchando en medio de edificios de cartón, todo ensalzado con efectos especiales realizados con 3 yenes. Como corto funcionaría estupendamente.

++ "Big Man Japan" tuvo su premiere en el Festival de Cannes 2007. No tiene aún estreno programado en España.

SURVIVAL OF THE DEAD * *

Kenneth Welsh tiene una sorpresa a los zombies de "Survival of the Dead".

En una entrevista, George A. Romero confesó que, francamente, ya no sabía cómo titular a su más reciente película de zombies, Survival of the Dead (2009). “Nada más sabía que tenía que ser algo ‘of the dead’”, dijo Romero. Al final, se le ocurrió agregar “survival”, luego de un proceso reflexivo que está de más mencionar en esta reseña. Lo cierto, es que ese mismo sentimiento de incertidumbre y vaguedad prevalece en la película. El de pensar “Romero ya no sabe qué más hacer con sus zombies”. ¿Se ha agotado por fin la saga de zombies contada por Romero? Viendo los resultados de esta película, creo que sí.

No he visto el filme anterior, “Diary of the dead” (2007), pero al parecer “Survival…” es como una secuela de aquel. En esta ocasión, Romero toma prestado del western todo lo que puede, ambientando la historia en una isla del norte de los E.U. En ella tenemos a dos grupos en conflicto, uno liderado por Seamus Muldoon (Richard Fitzpatrick), que busca, no exterminar, sino proteger a los zombies que han llegado a la isla. ¿La razón? Tiene la esperanza de encontrar una cura para los seres queridos que han sido convertidos en zombies. Su hermano, Patrick O’Flynn (el canadiense Kenneth Welsh con acento escocés), es expulsado de la isla por Seamus, al mostrar aquel sus intenciones de matar zombies.

Por supuesto, la aventura comienza cuando O’Flynn pretenda regresar a la isla, junto a un pequeño grupo de militares encabezado por el Sargento Nicottine Crokett (James Van Sprang, quien también aparece en “Land of the Dead” y “Diary of the Dead”), una chica a la que llaman “Tomboy” (Athena Karkanis), el latino de rigor, Francisco (Stephano Di Matteo), la hija de O’Flynn (Kathleen Munroe) y un chico que se agrega al último (Devon Bostick).

En esta película no se siente tanto esa característica “orgánica” de los zombies de Romero. El maquillaje sigue siendo bueno, pero la tecnología digital en algunas escenas es demasiado evidente, al grado que hace lucir ciertas escenas más bien acartonadas y falsas. La trama es cansada, avanza a tropiezos y sin rumbo. En mucho se debe a la total falta de química entre los personajes. Lo peor, es que la mayoría de los personajes son un total cliché, empezando por O’Flynn (el cliché del marino-viejo-lobo-de-mar) y el mismo Seamus (el cliché del marshall autoritario y radical de antiguo western de matiné).

Los zombies se llegan a percibir más como meros adornos en toda la película. No son tan terroríficos ni temibles, como lo que acostumbra ofrecernos Romero. La pequeña parte instalada en Delaware, al inicio, tiene una secuencia buena, intensa y terrorífica, la única que vale la pena. Nuestros protagonistas buscan abordar el barco de O’Flynn, con la amenaza de tener zombies incluso dentro del agua. En la isla, Romero pierde fuerza y la película peligra al centrar todo en el conflicto entre los hermanos. Los zombies lucen tan simples, perdidos en un escenario como sacado del “mundo Marlboro”, que llegan a dar pena. La escena de la chica zombie (no diré su identidad, por supuesto) a caballo, es algo de lo peor (¿Autoparódico? No creo), en lo que puede ser la más floja de las películas de Romero.

++ "Survival of the Dead" fue proyectada en el "Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya" 2009. A la fecha no ha tenido estreno en las salas comerciales de España. 

PREMIOS IMPAWARDS 2010.

"Rabbit Hole", ganador del premio al "Mejor Poster"
en los IMPAWARDS 2010.

Como cada año, doy a conocer los ganadores de los IMPAWARDS (Internet Movie Poster Awards), página especializada en posters de películas. El premio al "Mejor Poster" se lo ha llevado el cartel de "Rabbit Hole", protagonizada por Nicole Kidman y Aaron Eckhart. El poster recurre a la estrategia de fragmentar el espacio, para dar la impresión de un espejo fragmentado. En cada espacio vemos una progresión gradual, que van de imágenes de tristeza hasta que, en la parte media, vemos imágenes emocionalmente más cálidas y románticas. La progresión es igualmente tonal, donde la tristeza es azulada, mientras que la felicidad es de una paleta más cálida. El rostro de Nicole Kidman se forma, en la  mitad del cartel, con otras tres imágenes, pero coinciden para expresar una emoción, digamos, "climática". Es un magnífico poster, con impacto y atractivo visual. Su trabajo tipográfico es sutil y no compite en lo absoluto con el resto del cartel. Sus fuertes competidores -al menos para mi gusto-,  fueron los carteles de "127 Hours" y el de "I'm Still Here", este último con el retrato de un barbado e irreconocible Joaquin Phoenix, con el título de la película con el efecto de estar saliendo de su rostro. 

El resto de los nominados se puede ver aquí.

A continuación, el resto de los premios:

+"Mejor Cartel Teaser (Anticipatorio)": "Harry Potter and the Deathyl Hallows. Part 1" Nominados.
+"El Peor Cartel": "Takers". Nominados.
+"Mejor Poster de un Blockbuster": "Inception". Nominados.
+"El Poster Más Gracioso": "Despicable Me". Nominados. 
+"El Poster Más Valiente": "Buried" (teaser). Nominados.
+"El Poster Más De Miedo": "The Human Centipede". Nominados. 
+"Mejor Serie de Posters de Personajes": "Kick Ass". Nominados. 
+"Tagline Más Gracioso": "I can't see through walls but I can kick your ass", de "Kick Ass". Nominados.
+"Tagline Más Serio": "You don't get to 500 million friends without making a few enemies", de "The Social Network". Nominados.
+"El Peor Tagline": "The truth is not what you know. It's what you believe", de "Ondine". Nominados.
+"Mejor Poster para TV": "House". Nominados.
+"Mejor Poster con Movimiento" (en realidad son anuncios en formato de cartel): "The Other Guys". Nominados.
+"Mejores Posters Internacionales". Ver la selección aquí.
+"Premios No tan Serios". Ver la lista de premiados aquí.

PEANUTS, EL CINE Y LOS MEDIOS

Tira publicada originalmente en marzo de 1964.

El cine es a veces uno de esos placeres culpables que no se pueden evitar. En esta tira, Charlie Brown pasa por un torturante sentimiento de culpa, justo antes de comprar su entrada para el cine. Algunos piensan en qué película verán mientras hacen fila, otros en qué comprarán en la tienda para comer y algunos en qué lugar les gustaría sentarse. Charlie Brown piensa en todo lo que debería estar haciendo, en vez de ir al cine. Al menos ahí estará Linus para tranquilizarlo. 

AN EDUCATION * * * 1/2

Carey Mulligan y Peter Sarsgaard en "An Education".

En el estreno de An Education (2008), mucho se comentó que Carey Mulligan era una especie de nueva Audrey Hepburn. La época en la que está ambientada la película, es decir, los 1960, tal vez propiciaron estos comentarios que algunos críticos empezaron a esparcir. Me gustó la actuación de Carey Mulligan en la película, saca adelante su papel con mucho brío y carácter. Aunque tampoco me pareció para una nominación al Oscar por “Mejor Actriz”. De hecho, tal vez fue exagerado nominar a la película en la categoría de “Mejor Película”.

No quiero decir que “An Education” sea una mala película. Al contrario, es un trabajo que vale mucho la pena apreciarse. Su cuadro de actores es atractivo, en especial, Alfred Molina, como el contradictorio, escandaloso y dominante padre de nuestra protagonista, Jenny (Mulligan). Luego, tenemos al misterioso bon vivant David, interpretado, igualmente con suma eficacia, por Peter Sarsgaard, con todo y acento londinense. David hechiza con su encanto y carisma no nada más a Jenny, sino a toda su familia, formada también por su tranquila y sonriente madre (Cara Seymour).

Desde que aparece David, sabemos que hay algo “malo” en él. Jenny lo conoce en un día lluvioso, mientras carga su cello al salir de la escuela. Olvidando el viejo consejo de “nunca hables con extraños”, y menos aceptar subirse a su auto, Jenny accede que David la lleve a su casa. Jenny es una chica preparatoriana, excelente estudiante, de los que siempre están dispuestos a contestar todas las preguntas del maestro. Su mayor sueño –y el de su padre- es ir a estudiar inglés en la Universidad de Oxford. Ah, y además viajar a Francia.

Jenny adora el francés, la música francesa y casi todo lo que tenga que ver con Francia. Para ella, París es el lugar más excitante, divertido, vibrante y romántico que exista en el mundo. Jenny anhela dejar atrás la aburrida y gris Inglaterra. En el momento en que Jenny accede subir al auto de David, mientras observa a una madre cruzar la calle con una carreola bajo la torrencial lluvia, su verdadera aventura comenzará.

La aventura romántica de Jenny la llevará a plantearse sus prioridades en la vida, a vivir emociones que nunca había sentido antes. Junto al grupo de amigos de David (Dominic Cooper y Rosamund Pike), Jenny tomará unas cuantas lecciones en lo que David llama la “escuela de la vida”.

An Education está dirigida por la danesa Lone Scherfig, de cuya filmografía nada más conozco “Wilbur wants to kill himself” (2002), un buen melodrama con toques de humor negro. La dirección de Scherfig en An Education es cuidada, solvente y muy correcta. El guión es del británico Nick Hornby (autor de la entretenida “About a Boy”), basado en las memorias de Lynn Barber. Sherfig ofrece un relato sobre la maduración de una chica, que se desvía temporalmente del camino para vivir una experiencia que le abrirá los ojos.

Lo mejor en la actuación de Carey Mulligan es toda la inocencia que transmite sin mucho esfuerzo. La visión de Francia de Jenny es idealizada, como la de una imagen de postal. Una en la que Jenny se ve a sí misma paseando cerca de la torre Eiffel, mirando el río Sena desde la ventana, andar en bicicleta y escuchar jazz.

La experiencia de ver “An Education” es el de una “bomba de tiempo” a punto de explotar. Hay algo “sospechoso” en David, se siente desde el inicio, el tipo es demasiado perfecto. Afortunadamente, esto no hace a la película tan predecible como uno se imaginaría. Lo mejor, es la manera en cómo Schefig nos muestra esa bomba detonar, enfrente de todos. El tercer acto es edificante, y en el mismo las pequeñas pero estupendas actuaciones de Emma Thompson, como la directora del colegio de Jenny, y de Olivia Williams, como su maestra, son decisivas.

++ El DVD y el Blu-ray incluyen escenas eliminadas, comentarios del director (Lone Schertig) y de los actores (Carey Mulligan y Peter Sargaardd), "Así se hizo 'An Education'", El estreno de "An Education": Sobre la alfombra roja.

BRONSON * * * 1/2

Tom Hardy es el desquiciado Michael Peterson en "Bronson".

Por algún medio escuché el comentario de que Bronson (2008) era el “A Clockwork Orange” del nuevo milenio, o algo parecido. Quien asegura esto tal vez se ha dejado llevar por muchas comparaciones sin mucho sentido. Pudo haber sido el uso de la música clásica que hace su realizador, el danés Nicolas Winding Refn, en varias escenas; que su personaje principal, el “Bronson” del título, sobrenombre de Michael Peterson (enérgica interpretación de Tom Hardy), regresa a prisión una y otra vez. “Soy incapaz de permanecer fuera de la cárcel”, confiesa en su narración en off.

La película está basada en la vida de Michael Peterson, quien en 1974 fue a dar a prisión, por primera vez, por haber robado una oficina de correos. Esa sería la primera de tantas reincidencias de Peterson. Como el Alex de “A Clockwork Orange”, Michael Peterson provenía de un núcleo familiar promedio en los suburbios de Londres. Un buen día se descarriló y empezó una vida delictiva que parecía no tener fin. El problema, al menos el mayor de todos , es que “Bronson” no es cualquier presidiario, sino uno en extremo violento y difícil, al grado que se le tiene que encerrar en una jaula y aislarlo. Es como una bestia sin control.

Al salir de prisión, Michael entra al mundo de las peleas callejeras. Por consejo de su “manager”, toma un nombre artístico, uno “vendible”, “Bronson”. El tipo se enfrenta con todo, incluso dos hombres al mismo tiempo, y a veces, con perros rottweillers. Queda claro que Michael “Bronson” Peterson es una fiera, sin total control de sí mismo, y pasó a la historia como el presidiario más costoso en la historia del Reino Unido. Michael fue considerado un problema social, que el gobierno prefirió echarlo a la calle que seguirlo manteniendo dentro de prisión.

La extravagancia de Winding Refn, es que Michael nos cuenta la historia desde un escenario teatral, como si fuera un comediante y maquillado como un mimo, frente a un público que ocasionalmente le aplaude. Calvo y con su gran bigote, Michael habla directamente a la cámara, sarcásticamente, sobre su vida.

No considero que la película sea exactamente fallida, pero si creo que a Refn le ha faltado un poco de disciplina a la hora de armar la película. Como película, “Bronson” tiende al caos. Es un filme experimental muy interesante, pero su estudio del personaje se queda a medias. No he logrado entender del todo a Michael como personaje, de dónde proviene tanta ira y violencia, y es porque Refn no le brinda esa oportunidad.

Hay un momento en que Bronson inicia un taller de arte, a manera de terapia. Parece que en ese momento empezaremos a compenetrar más en él como personaje. Incluso, la secuencia animada es lograda, con música de Léo Delibes de fondo. Desafortunadamente, no es suficiente, acaba muy pronto y nuevamente vemos a Bronson como un toro desbocado. Creo que el problema principal, es que Refn prefiere quedarse más en los desplantes de locura de Bronson, que en otra cosa.

Por su parte, la actuación de Tom “Inception” Hardy es poderosa, sencillamente fenomenal, de sus mejores trabajos. Su transformación física incluyó un fuerte entrenamiento y ejercicio en el gimnasio. Visualmente, la película tiene muchos momentos atractivos, no nada más por los fotomontajes sino por la atmosférica iluminación, lograda por el director de fotografía Larry Smith.

++ "Bronson" fue proyectada en el "Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya" en 2009. A la fecha no ha tenido estreno comercial en las salas españolas, ni ha sido editada en DVD.

THE GREAT BUCK HOWARD * * * 1/2

Colin Hanks, Emily Blunt y John Malkovich en "The Great Buck Howard"

Dejando de lado la obviedad de ver en la misma película juntos a Colin Hanks y a su padre, Tom Hanks, interpretando precisamente a un padre e hijo, The Great Buck Howard (2008) es un filme interesante. Para empezar, tenemos a John Malkovich interpretando brillantemente al “Gran Buck Howard”, un mago tratando de rescatar sus glorias pasadas. Buck fue un popular mentalista, con numerosas intervenciones en el programa de Johnny Carson, pero en la actualidad ni siquiera Jay Leno tiene tiempo para recibirlo en su programa.

El personaje de Buck Howard está inspirado en un mentalista real, El Gran Kreskin, quien aún vive. Como se muestra en la película, Kreskin siempre tuvo que lidiar con un problema: la credibilidad de su público. De hecho, la película está basada también en las experiencias que tuvo su realizador, Sean McGinly, trabajó como manager del Gran Kreskin. En el filme, Buck se hizo famoso por un número simple, pero que tiene su grado de dificultad. Al azar, un miembro de su público escondía un billete, mientras Buck se encontraba de espaldas, sin mirar. Antes, pedía a cinco personas del mismo público pasar tras bambalinas, para que comprobaran que el mentalista no tenía ningún dispositivo electrónico que lo ayudara, o que alguien le dijera quién tenía el billete. Luego, tenía que adivinar quién tenía dicho billete en el menor tiempo posible. A pesar de que siempre adivinaba dónde se encontraba el billete, hubo quienes siempre dudaron de su capacidad, y pensaban que alguien le ayudaba vía un audífono.

Colin Hanks interpreta a Troy Gable, un chico que ha desertado de la universidad para convertirse en el asistente de Buck Howard. Al principio, Troy tiene que soportar los malos tratos y desplantes de divo de Buck. Pero con el tiempo, habrá algo en el mentalista que empezará a despertar una simpatía hacia Troy. ¿Cuál? Nunca estuve del todo seguro. ¿Troy ve en Buck una especie de figura paterna? Bueno, Buck está lejos de ser el mentalista más simpático o carismático del mundo. Muy rara vez gusta de dar fotografías autografiadas en blanco y negro, y las de color las deja para casos “muy especiales”. Es posible que Troy vea en Buck a un padre, ya que si algo aprende el chico en su aventura, aspirante además a convertirse en escritor, es responsabilidad, constancia y disciplina. En el camino, Troy conocerá a una guapa publirrelacionista (Emily Blunt), quien se integra al staff de Buck para crear estrategias que le ayuden en su nueva gira a ser captado por los medios.

Sinceramente, sigo sin encontrar una pizca de talento en Colin Hanks. En sus buenos años, Tom Hanks (productor de la película, por cierto) era, al menos gracioso. Un actor que sabía desenvolverse bien en comedias. Colin Hanks no tiene un solo momento que valga la pena rescatar en la película. Al final, es John Malkovich el alma y motor del película, quien la dota de fuerza, algo de humor y vulnerabilidad. Emily Blunt tiene una buena actuación por igual. Los mejores momentos es cuando vemos a Buck arriba del escenario, tratando de sacar adelante un show barato y de atrapar la credibilidad de su público. Es genial su retrato del showman que se niega a envejecer, a reconocer que ya es cosa del pasado y que ha caído en el olvido.

El problema de Sean McGinly es que falla en algo crucial: hacer entrañable la relación entre Troy y Buck. Algo extraño, sobre todo viniendo de sus vivencias personales. Es claro que McGinly ha tratado de evitar todo viso de sentimentalismo, aunque siento que se ha ido totalmente al extremo. Si por algo es rescatable el trabajo de McGinly, además de la gran actuación de Malkovich, es que no es cualquier filme de magos, ilusionistas y mentalistas. Hay una magia escondida, a la que le cuesta mucho trabajo relucir. Eso sí, algo que me ha gustado es que nos quedamos con la duda sobre cómo Buck realiza su gran truco de adivinación. Ni el mismo Troy logra saberlo. Hay muchas teorías y suposiciones, pero la verdad sólo la tiene el “Gran Buck Howard.”

++"The Great Buck Howard" aún no ha tenido estreno comercial en las salas de cine españolas.

DOUBT * * * *

Meryl Streep y Amy Adams tienen muchas dudas en "Doubt".

Doubt (2008) es una película filmada y fotografiada con tal elegancia (nada menos que por Roger Deakins), que uno casi acaba por olvidar uno de sus temas incómodos: la pederastia. Su duelo de actuaciones es tan fenomenal, que parece querer alejarnos de otro de sus temas importantes: los prejuicios. La historia es una adaptación de una obra teatral escrita por su realizador, John Patrick Shanley, inspirada precisamente en sus propias vivencias dentro de una escuela dirigida por religiosas, a mediados de los 1960.

El reparto está encabezado por Meryl Streep, cuya actuación le dio una nominación al Oscar a “Mejor Actriz”, el cual no ganó, a pesar de su magistral transformación en la amargada monja directora de la escuela. Meryl Streep encarna a la hermana Aloysius, una de esas directoras de escuela que inspiran terror en todos los alumnos. De hecho, no nada más Meryl Streep estuvo nominada al Oscar, sino también Philip Seymour Hoffman, quien interpreta al sacerdote de la parroquia escolar, y Amy Adams, en una de las mejores actuaciones de su carrera, como la dulce y tierna hermana-maestra James.

No nada más la hermana Aloysius mantiene con severa disciplina a los alumnos de su escuela. El grupo de hermanas de la orden también vive bajo su estricto mando, al grado de que en la mesa no se puede hablar durante la cena, a menos que ella así lo mande, por ejemplo, para comentar el sermón del padre Brendan (Hoffman). Cada movimiento en la escuela es observado por la hermana Aloysius, cada comportamiento, por extraño que pueda ser, en la iglesia, es vigilado por ella. El padre Brendan ha estado en su mira, y ciertas cosas de él le han comenzado a despertar sospechas.

El arranque de la historia tiene cuando el primer y único alumno negro (Joseph Foster) que ha tenido la escuela hasta entonces, parece perturbado y triste, luego de regresar de la oficina del padre Brendan. Esto será motivo suficiente para que la hermana James se alarme y empiece a pensar lo peor. Mientras, para la hermana Aloysius no habrá duda que el chico ha sido abusado sexualmente por el padre Brendan.

El guión no es tan directo como lo soy al describir la historia. En la escena donde los tres se reúnen en la oficina de Aloysius por primera vez, se construye una gran tensión a base de un ataque de insinuaciones y sospechas incontenible. Toda una serie de comportamientos ambiguos tiene lugar en esta escena, al grado de que uno no sabe de qué lado estar. No se sabe qué creer o en quién confiar. Muchas cosas e información se reservan aquí. Pero a pesar de que el silencio y titubeos del padre Brendan podrían señalarlo como culpable, así como la gran confianza y experiencia en estos casos de Aloysius, además del silencio del chico involucrado, el caso es que la verdad nunca está ni estará clara.

Más que una película sobre la pederastia en sacerdotes católicos, Doubt es una película sobre la intolerancia, representada en la figura de la hermana Aloysius. Es una película sobre prejuicios y sospechas infundadas. Doubt no nos va a dar respuestas satisfactorias respecto a lo que sucedió realmente. Nos deja las conclusiones a nosotros como espectadores, con tantas dudas como las que tiene Aloysius. Su sistema ético, moral y de valores se pone a prueba por primera vez en toda su vida religiosa. ¿Podemos culparla después de todo lo que confiesa haber visto y oído en su carrera escolar y religiosa? No, al menos yo no lo hice. Mucho menos después de escuchar esa plática que tiene con la madre del chico negro, interpretada estupendamente por Viola Davis, nominada al Oscar a pesar de aparecer en el filme unos cuantos minutos.

Soplan vientos fuertes, tan fuertes que hacen caer las ramas de los árboles. Y esto lo nota Aloysius, justo cuando empieza a sospechar de Brendan. Al final, vemos cómo ese árbol caído será como la misma fortaleza de Aloysius cayendo, presa de un montón de dudas y remordimientos.

++El DVD incluye de extras el detrás de cámaras con entrevistas al reparto y el trailer.

COLD SOULS * * * *

Paul Giamatti se somete a un tratamiento de extracción de almas en "Cold Souls".

Un actor del calibre de Paul Giamatti no podría tener un reto más interesante que en Cold Souls (2009). Me refiero a interpretarse a sí mismo. Ya lo hizo John Malkovich brillantemente en “Being John Malkovich”. Es curioso, pero en Cold Souls su realizadora, Sophie Barthes, trata de hacer un ejercicio cinematográfico al estilo Spike Jonze-Charlie Kauffman, con una historia de corte existencialista del tipo “Being John Malkovich”.

Es un deleite ver a Paul Giamatti, incluso, burlarse de sí mismo en muchos momentos. La historia no se sostiene mucho, pero plantea una premisa que tiene mucho de donde explotarse: qué tanto somos alma y qué tanto cuerpo físico. La película juega con una idea vista anteriormente en “Eternal Sunshine of the Spotless Mind”, con todo y máquinas más cercanas a la ciencia ficción, capaces de jugar con el destino de un ser humano. Aquí, una empresa ofrece un servicio de extracción e intercambio de almas, y Giamatti no tardará en caer en la tentación de hacer uso del servicio, luego de leer un artículo al respecto en la revista “New Yorker”.

Más que abordarse desde un punto de vista serio y profundo, Barthes se aboca a abordar el tema de una manera desenfadada y divertida. En la película, Paul Giamatti se encuentra tratando de sacar adelante la obra teatral “Uncle Vanya”, de Anton Chejov, pero tiene problemas para conectar con su personaje, debido a que se siente deprimido y desencajado.

Cuando se entera de la existencia de la empresa, dirigida por el Dr. Flinstein (David Strathairn), Paul Giamatti se someterá a un tratamiento en el que sólo se le extrae una parte de su alma, para así quitarse de encima la pesadez moral y emocional que lleva a cuestas. Las almas parecen aquí como una colección de rocas, de diferentes tamaños y colores. El alma de Giamatti luce como una haba. Paul no tardará en sentir cierta mejoría, pero a los ojos de su esposa (Emily Watson), el actor empieza a comportarse extraño, a sentir que no es el mismo de siempre.

Suena divertido, y lo es. El asunto no podría tomarse de otra forma, aunque despierta preguntas como: ¿Someterse a un tratamiento así no significaría la muerte? ¿De ser extraída un buen porcentaje de nuestra alma podríamos seguir vivos? El guión, escrito por la misma Barthes, resuelve esta cuestión de una forma genial. Al plantear el hecho de que si nuestra alma –o parte de ella- fuera extraída, seríamos como una especie de seres incapacitados, como vegetales, sin emociones, sentimientos y parte de nuestros talentos desaparecerían. La escena en la que Paul y su esposa se encuentran cenando con unas amistades es hilarante. Paul come como un animal y responde de manera insensible a los problemas que cuentan sus acompañantes.

No todo es perfección en esta compañía. Detrás se encuentra una compleja red de tráfico de almas en Rusia, donde se encuentra una máquina similar (las causas nunca se explican), a la que acuden personas que quieran donar sus almas. La esposa del dueño (Katherin Winnick), una pseudo actriz rusa de telenovelas, está en busqueda del alma de un talentoso actor. Nada exigente, la chica pide el alma de Al Pacino. Cuando una atractiva traficante rusa (Dina Korzun) cometa el grave error de llevarle el alma equivocada (¿Adivina de quién), las cosas se complicarán para todos.

Tanto visual como argumentalmente, Cold Souls tiene un sabor de película de “autor”, como de película de ciencia ficción de los 1970. El diseño de la máquina “extractora de almas” es retro, que luce más cercana a una máquina para sacar tomografías en hospitales. No hay efectos digitales sofisticados, ni mucho menos. La película de Barthes es de ideas, de personajes, más experimental; interesada en actuaciones y en la interacción de los personajes. La película se torna en su segunda mitad (la ambientada en Rusia) solemne, fría y deja algo de su humor inicial. Sin embargo, no deja de valer la pena ver a un Paul Giamatti movido por tormentos actorales que se sienten auténticos.

++En España, "Cold Souls" tan sólo ha sido proyectada en el "Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya" en el 2009. Hasta el momento no ha tenido estreno comercial en cines, ni ha sido editada en DVD. 

SABIAS QUE...

Dedico el "Sabias que..." a la bella y talentosa actriz Keira Knightley:

+Keira Knightley nació el 26 de marzo de 1985, en Teddington, Middlesex, Inglaterra. Su madre es Sharman Mcdonald, una escritora de teatro y novelista escocesa, y su padre es Will Knightley, un actor de teatro. En realidad, el nacimiento de Keira fue producto de una "apuesta" que Sharman hizo con su esposo. La pareja ya tenía un hijo, Caleb, nacido en 1979. No podían permitirse, económicamente hablando, tener otro miembro en la familia, por lo que Sharman dijo: "Si vendiera otro libreto, podríamos tener otro bebé". Lo vendió.

+En la escuela Keira tuvo problemas de aprendizaje. Con trabajos podía memorizar una palabra, así que recurría a los "audiolibros", para aparentar que leía. Esto siempre lo consideró como dislexia.

+Desde niña quiso ser actriz, así que pidió a sus padres que le consiguieran un agente. Su madre prometió conseguirle uno siempre y cuando, durante el verano, se pusiera al corriente en sus estudios. La carrera de Keira como actriz empezó en el programa televisivo "Royal Celebration", en 1993, y sólo podía hacerlo durante el verano, de común acuerdo con sus padres. Si fallaba en un examen, no podría continuar actuando.

+Su primer trabajo de importancia en cine fue en "Star Wars: Episode I", en 1998, como una de las dobles de Natalie Portman, quien interpretó a la Reina Amidala. Luego de un telefilme, y la película  "The Hole" (el cual atrajo la atención de la industria fílmica), su siguiente papel notable fue en "Bend it Like Beckham" en 2002. Para este papel tuvo que entrenar con Simon Clifford, entrenador del Manchester United, durante 20 semanas. "Al final, Keira pudo hacer cosas que jugadores de primera liga no pueden", dice Clifford.

+Keira nunca abandonó sus estudios mientras filmaba, los cuales incluían cursos de Historia del Arte, Civilizaciones Clásicas y Literatura Inglesa. Sin embargo, su intensa dedicación al estudio le impedía hacer amigos y se sentía profundamente deprimida. Para entonces ya había filmado "Pure" (2002) y se encontraba en la post producción de "Bend It Like Beckham". Un buen día, exhausta de tratar de mantener su vida profesional y escolar a la par, Keira tomó la difícil decisión de dejar la escuela. 

+Su buena racha en cine no se detuvo al dejar la escuela. Poco después, fue elegida para protagonizar "Pirates of the Caribean", junto a Johnny Depp. Keira era una gran fan de Johnny, al grado de tener posters de él en su cuarto. Las primeras lecturas del guión fueron en el "Viper Room", bar que pertenece a Johnny, quien ya tenía puesta la dentadura dorada que usaría para le personaje de Jack Sparrow. Después de saludarse, lo primero que le dijo Keira fue "¡Mierda, mira tus dientes!".

+Entre las películas posteriores de Keira Knightley se encuentran: "Love Actually" (2003), "King Arthur" (2004), "The Jacket" (2005), "Domino" y "Pride and Prejudice" (idem), Atonement (2007) y "The Duchess" (2008). Se tenía previsto que para el 2010 Keira participara en una nueva versión de "My Fair Lady", la cual se ha atrasado, aparentemente, hasta el 2012. Nada ha sido confirmado. 

THE FIGHTER * * * *

Mark Wahlberg y Christian Bale en "The Fighter".

Desde un principio, sabemos hacia dónde nos conducirá una historia como la narrada en The Fighter (2010). Por supuesto, no lo diré, pero no es difícil adivinarlo en una trama edificante protagonizada por un boxeador. ¿Ya lo adivinó? Si no, tal vez no ha visto, por ejemplo, “Rocky”. Lo interesante es ver cómo nos es narrada toda esta historia, basada en la vida del boxeador Micky Ward, encarnado por Mark Wahlberg, en plena forma para el papel.

El realizador David O. Russell retoma la fórmula “Rocky”, y consigue una película sobre boxeo en la que ha sabido mezclar elementos de melodrama familiar con logrados toques de humor. Es una contendiente en la próxima entrega de los Oscares, con 7 nominaciones, entre las que se incluye “Mejor Película”, “Mejor Director”, “Mejor Guión”, “Mejor Actriz” y “Actor de Reparto”. Sinceramente, dudo que sea ganadora en las tres primeras categorías. Sus posibles premios estarán para las actuaciones, en donde es indudable que Christian Bale y Melissa Leo, son fuertes candidatos para llevarse una estatuilla dorada. Lo mejor del filme es la actuación de Christian Bale, quien se roba la película con una potente actuación y una complexión tan delgada como la que lució en “The Machinist”.

Micky Ward y Mark Wahlberg son amigos en la vida real, desde principios de los 1990, época en la que se ambienta el filme. Wahlberg fue entrenado por el mismo Ward, con intensas jornadas de ejercicio. En la película, Christian Bale es la fuerza histriónica, mientras Wahlberg es la fuerza física. El hilo conductor de la historia, es la realización de un documental sobre Micky y su medio hermano Dicky (Bale). Este último tuvo su momento de gloria como boxeador, y ahora como entrenador, la vida profesional de Dicky se encuentra afectada por las drogas y ocasionales crímenes. Dicky es un tipo fuera de control, inmaduro y completamente loco. Desde el primer plano, con Dicky y Micky sentados en un sillón y hablando frente a la cámara, sabemos que será el primero quien llevará la batuta en la película.

Micky es la total contraparte de Dicky, un tipo deportista, tranquilo, tímido y con deseos de triunfar. Quiere seguir los pasos de su hermano, pero quiere hacerlo bien. Sin embargo, su vida no es tan perfecta. Micky vive dominado por su madre/manager (Melissa Leo), y además, intenta ser un buen padre para su hija, a la que apenas ve debido a su intolerante ex pareja. Cuando conoce y empieza a salir con una atractiva bartender, Charlene (Amy Adams, también nominada al Oscar), encontrará en ella una motivación para salir adelante en el boxeo. Aunque esto tal vez amenace la unión familiar del matriarcado en el que se encuentra envuelto Micky, rodeado de un grupo de tías que juzgan y observan cada uno de sus movimientos.

Tanto Micky como Dicky se encuentran viviendo sus propias luchas internas. Micky está divido entre el amor a Charlene y las presiones de su chantajista madre, además de la mala racha que está teniendo en el ring. Mientras, Dicky batalla con su adicción al crack, que lo hunde más y más. Debo decir que para ser una película de boxeo, The Fighter (un título que se puede tomar en muchos sentidos) me entusiasmó más en su parte melodramática que en la boxeística. David O Russell es un realizador ingenioso para darle a sus películas cierto atractivo visual, como lo demostró en “Three Kings”. En ese sentido, me gustó cómo usa la cámara digital para filmar las peleas de box, llevándola en cada esquina del ring, arriba y abajo del mismo. Se nota la inspiración incluso en “Raging Bull” (esos close-ups cada vez que se dan derechazos a la cara). Son entretenidos esos momentos en la película, pero no tan emocionantes como en la mencionada película de Scorsese, o incluso como en las peleas de “Rocky”.

Es la historia de Dicky la que acabó atrapándome más, ese eterno adolescente al que parece le quedan dos neuronas en la cabeza y que lucha, no nada más por ayudar a Micky a ser campeón, sino por no derrumbarse por culpa de las drogas. En efecto, es una trama edificante en dos bandas. The Fighter es una película disfrutable, pasable y notablemente actuada, aunque no siento que sea de esas películas que arrasarán en los Oscares. Pero vamos, ya tiene su lugar en el subgénero de las películas de boxeo.

++Lo mejor: La actuación de Christian Bale.
++Lo peor: Que sus momentos menos memorables son arriba del ring. 

MEGAMIND * * * *

 "Megamind" vuelve a demostrar que los villanos también tienen corazón.

La más reciente producción animada de la casa Dreamworks, Megamind (2010) parte de una premisa interesante y atractiva: los superhéroes están cansados y tienen ya poco o nada que contar. Tal y como sucedió en “Despicable Me”, los villanos demuestran ser multidimensionales, más complejos y capaces de mostrar un lado humano inesperado. Además, Megamind deja patente una verdad que ha estado presente, desde siempre, en las historias de superhéroes: estos no pueden existir sin los villanos y viceversa.

En Megamind tenemos un superhéroe, Metro Man (voz de Brad Pitt), toda una celebridad en Metro City. Más que un superhéroe, Metro Man es como una superestrella, amado por todos los ciudadanos. A primera vista, es como una cruza de Elvis con Superman. Y ya que hablamos de Superman, la película es una especie de parodia del “Hombre de Acero”, sólo que contada desde el punto de vista de su villano, el Megamind del título (voz de Will Ferrell), quien le hace honor a su nombre con su enorme cabeza. Es como ver a Lex Luthor, con facciones de Jim Carrey, una inmensa cabeza y piel azul.

De nuevo, la historia parte de la inevitable realidad de los genios atormentados y rechazados desde su infancia. La diferencia aquí, es que Megamind es un genio fallido. La película comienza con un prólogo bastante gracioso, en donde vemos cómo Metro Man y Megamind son rivales desde la infancia, desde que fueron enviados por sus respectivos padres a la Tierra en pequeños cohetes. El primero es el favorito de la clase y la maestra, admirado por todos gracias a su carisma e improbable facilidad para resolver toda clase de problemas usando sus superpoderes. En pocas palabras, Megamind ha crecido bajo la sombra de la popularidad de Metro Man.

Como villano Megamind tampoco ha tenido mucha suerte. Todo le sale mal y al revés. Con decir que su guarida secreta, no es tan secreta como quisiera. Una bella reportera, Roxanne Ritchie (voz de Tina Fey), a la cual no es difícil encontrarle una inmediata semejanza con Louisa Lane, es una de las más fervientes admiradoras de Metro Man. En tanto, Hal (voz de Jonah Hill), el camarógrafo que acompaña a Roxanne, está enamorado de ella, tratando infructuosamente de llamar su atención.

El gran drama comienza cuando, por primera vez, uno de los planes de Megamind para destruir a Metro Man resulta exitoso. Como es de esperarse, el haber matado al héroe más querido de Metro City provocará que todo mundo odie a Megamind. Pronto se da cuenta que su vida no tiene sentido como el nuevo y aburrido gobernante de Metro City. Al final, Megamind necesita a Metro man, alguien con quien pelear, con quien probarse a sí mismo.

La película está dirigida por Tom McGrath (Madagascar y secuela), y tiene un toque de melodrama existencialista muy logrado. Acabé sintiendo empatía por Megamind, además de lástima por ser el villano fracasado sin poder encontrar su lugar en el mundo, sin nadie más que su pez asistente, Minion (voz de David Cross). Llega un momento en que ya no sabe qué es. ¿Sigue siendo el “malo”? ¿Está en camino a volverse bueno? ¿Entrará en crisis por ello? Su plan para conquistar a Roxanne -como casi todos los que ha tramado- sabemos de antemano que está condenado al fracaso. Incluso aquí también sentimos simpatía por el villano cabezón. Su plan de crear un nuevo superhéroe con el cual volver a pelear, corre el peligro de salirse de control.

Una de las cosas que más consigue McGrath, como sucedió en Madagascar, es la magnífica interacción de los personajes. Ese triángulo amoroso que se forma va evolucionando hacia una complejidad impredecible. Una complejidad que no se ve perturbada por la súbita vuelta de tuerca que tiene el filme en su tercer acto. “Megamind” es una película divertida, un efectivo entretenimiento familiar que ofrece humor y acción al mismo tiempo, pero que se preocupa en todo momento por sus personajes, sin descuidarlos nunca. Ahí está el principal acierto de los guionistas Alan J. Schoolcraft y Brent Simmons. ¿Acabará la tendencia de volver la mirada a los villanos en el cine animado con “Megamind”? Si se siguen teniendo ideas originales y sin muchas pretensiones como en este caso, creo que no.

THE WRESTLER * * * *

Mickey Rourke demuestra que sigue siendo un gran actor en "The Wrestler".

Adentrarse en el mundo de la lucha libre en cine no tiene por qué ser siempre cómico. Es cierto, este espectáculo barato da pie a ello. Desde Nacho Libre (2006), de Jared Hess, una comedia paródica de la lucha libre mexicana, no recuerdo haber visto otra película que se adentrará en estos espectáculos, calificados por muchos como un deporte. The Wrestler (2008), dirigida por Darren Aronofsky, retoma el tema de la lucha libre con un enfoque melodramático, sensible y algo realista. Es un título directo, sencillo y sin complicaciones. La película narra la historia de un maduro luchador, interpretado por un Mickey Rourke dispuesto a recuperar la antigua gloria que lo consagró como uno de los grandes actores de los 1980. Su gran interpretación lo llevó a ser nominado al Oscar a “Mejor Actor” en 2009.

Antes de ser el gran actor que es, Mickey Rourke se dedicó al boxeo, fasceta deportiva que retomó a principios de los 1990. Esto lo desvió drásticamente de la actuación, y le dejó la cara lastimada e irreconocible que todos conocemos hoy. Su interpretación de Randy “The Ram” es casi autobiográfica. Su luchador, que lleva encima su antigua fama y prestigio (curiosamente, como famoso luchador en los 1980), no dejó de recordarme al vaquero boxeador y alcohólico que interpretó en “Homeboy”, en 1988. Este vaquero, como Randy, tenía una condición incapacitante que amenazaba con alejarlo del ring. El vaquero tenía una fractura craneal, que le hacía ver borroso. Randy ha sufrido un infarto luego de un sádico espectáculo en el ring, en donde hubo golpes reales con sillas, mesas, una escalera y hasta grapas.

Randy vive en una casa rodante. A pesar de su intimidante pinta de rockero Heavy Metal, gusta de jugar con los niños vecinos. Mientras ellos ya juegan con Play Station, Randy sigue usando su viejo Nintendo. Su casero lo ha dejado fuera por no pagar la renta, y Randy tiene que pasar la noche en su van. La lucha libre no le deja lo sufficiente para vivir, ni las ocasionales firmas de autógrafos, donde se toma fotos con fans a quienes, discretamente, les cobra. Así, Randy tiene que buscar trabajos ocasionales en un supermercado, mientras su tiempo libre lo pasa en un club de strippers, en donde tiene una atractiva amiga, Cassidy (Marisa Tomei, escultural).

Resignado a retirarse de la lucha libre, Randy decide arreglar muchas cosas en su vida. Como a veces sucede en las películas sobre hombres arriba de los 60, con sus carreras en peligro por alguna adicción (recordar a Jeff Bridges en “Crazy Heart”) o por alguna enfermedad que les tiene al borde la muerte, nos enteramos que Randy tiene una hija (Evan Rachel Wood) a la que no ha visto en años y con la que desea reencontrarse.

En muchos momentos de la película, hay un tratamiento de documental que no hace más que reforzar el toque realista que Aronofsky le da a la película. Esto es cuando Randy está dialogando con tipos que, a primera vista, se nota son luchadores profesionales. Se aprende mucho de este universo viendo The Wrestler, de este circo formado por sangre, sudor y auténticos personajes. Porque aparentemente, si como luchador no te inventas un personaje, digamos, vendible, estás condenado al fracaso. Antes de cada espectáculo, los luchadores dialogan y se organizan entre sí respecto a los movimientos y coreografias que realizarán en el ring.

Randy es calmado, tranquilo, pero como veremos en cierta escena, hay un monstruo durmiendo dentro de él, capaz de despertar en las situaciones más estresantes. Bueno, creo que cualquiera en su lugar perdería los estribos si tuviera que lidiar con un montón de clientes molestos. Y hay un aspecto intrigante de la personalidad de Randy: esa tendencia a autolastimarse, a cortarse a sí mismo. Es un aspecto de su personalidad que está ahí presente, pero no sabemos exactamente qué lo conduce a hacerlo.

The Wrestler es la historia de un gigante caído, de un luchador que es incapaz de encajar en el mundo real. El mundo fuera del ring le queda demasiado grande. No funciona en él. No funciona como padre, ni para tratar de conquistar a una chica como Cassidy. Y su última lucha no será allá afuera, sino en el ring.

"INSIDE SIX ACTORS' MINDS"

Los más importantes nominados a "Mejor Actor/Actriz"
en la más reciente edición de "Newsweek".

Aun hay tiempo para adquirir el último número de la revista "Newsweek", y leer el artículo "Inside Six Actors' Minds", una mesa redonda con los actores y actrices más importantes nominados a "Mejor Actor/Actriz" en la próxima entrega de los Oscares. 

El artículo está complementado con magníficos retratos tomados por el fotógrafo Dan Winters. Es una tradición del "Newsweek" hacer esta clase de entrevistas, con los nominados tanto en las categorías de "Mejor Director" o, como en este caso "Mejor Actor/Actriz". En la mesa redonda de este año participan Nicole Kidman, nominada por su trabajo en "Rabbit Hole", Colin Firth, nominado por su actuación en "The King's Speech", James Franco por "127 Hours", Natalie Portman (evidenciando su embarazo) por "Black Swan", Michelle Williams por "Blue Valentine", y Annette Bening por "The Kids Are All Right". 

Sin intenciones de revelar mucho, adelanto que las entrevistas revelan datos curiosos sobre algunos de ellos. Por ejemplo, Natalie Portman, egresada en Psicología en Harvard, conoció a los gemelos Winklevoss, quienes acusaron de plagio a Mark Zuckerberg; Nicole Kidman sufrió una fractura de costilla durante la filmación de "Mouline Rouge", o que James Franco fue usuario de "Facebook" por unos cuantos minutos. "No quería mezclar en mi lista de amigos también a mis maestros, y que leyeran sus tonterías". 

Para ver algunos vídeos de esta mesa redonda, ir a la página oficial de la revista.  Las fotografías del artículo pueden apreciarse aquí.  

DESPICABLE ME * * * *

Gru (Steve Carell) y su ejército de minions en "Despicable Me".

Lo primero que llama la atención en Despicable Me (2010), es su personaje principal. Puede sonar muy obvio, pero hay ocasiones en que el personaje principal de una película animada, puede pasar completamente desapercibido, o ser opacado por algún secundario. En Despicable Me, el personaje principal es un villano de nombre Gru (genial Steve Carell), y como tal es toda una creación, no nada más visualmente, sino en toda su personalidad. A primera vista parece el tío Fester de “The Adams Family”, pero de nariz ganchuda, alto y de semblante escabroso. Sabemos de él lo suficiente, o más bien, lo necesario. No sabemos a ciencia cierta de dónde proviene, pero su acento suena ruso. Aunque su madre (voz de Julie Andrews) suena perfectamente normal.

Gru es un ser alienado de la sociedad. Lo que menos quiere es agradar a los demás. Vive en una casa gris y obscura, con el césped seco, contrastando con las coloridas casas de su vecindario. En efecto, Gru es un misántropo de pies a cabeza, pero también es un genio consumado. Sin embargo, Gru no está tan solo como parece. Debajo de su casa, el villano tiene su laboratorio, en donde trabajan centenares de criaturas amarillas con forma de píldoras, llamadas minions. De los minions todavía sabemos mucho menos. ¿De qué están hechos? ¿De dónde vienen? Lo que se puede suponer, es que son creaciones del mismo Gru. Es lo menos importante, ya que son muy graciosos, y en muchos momentos amenazan con robarse la película. Son pequeños y tienen su propio dialecto. Ah, lo olvidaba, Gru también tiene un asistente, este sí humano, Dr. Nefario (voz de Russell Brand), un anciano pero eficiente científico, al menos cuando no le falla el oído.

Despicable Me quizás sea la película animada más divertida del 2010. Como es usual, tenemos la historia del niño nerd; tímido pero genial, capaz de inventar cosas extraordinarias. El problema de Gru, es que de niño fue ignorado completamente por su madre (esto lo sabremos en fugaces flashbacks). Con seguridad, ese es el origen de su amargura y de querer hacer el mal. Sus días grises parecen desaparecer cuando se cruzan en su camino tres niñas huérfanas, Margo (voz de Miranda Crosgrove), Edith (voz de Dana Gaier) y la pequeña Agnes (voz de Elsie Fisher), una adorable niña, fanática de los unicornios de peluche. Gru decide adoptarlas, o más bien usarlas, para llevar a cabo su plan de sabotear los planes de su archinémesis, Vector (voz de Jason Segel), un villano nerd y más joven que Gru, cuya última proeza ha sido robar las pirámides de Egipto plastificándolas y desinflándolas.

El plan de Gru para recuperar su muy atrofiado prestigio como villano, es robar la Luna, usando un láser reductor. La película está escrita por Sergio Pablos, Ken Daurio y Cinco Paul, y el dilema de Gru en la historia será elegir entre el amor paternal que está empezando a sentir por las tres niñas, o rescatar su carrera criminal. Tal vez pueda hacer ambas cosas. La aventura consiste en averiguarlo, y ver cómo los minions lo ayudarán.

Hay una tendencia ahora en las películas animadas por inclinarse, repentinamente, por los villanos, como en Megamind (2010), la más reciente producción de la Dreamworks. Los superhéroes se han agotado, o tal vez ya se ha contado todo lo que se debía contar de ellos, aparentemente. En Megamind hay un superhéroe, ególatra cansado de la fama (estilo Elvis). Despicable Me es una producción algo más pequeña, producida por “Illumination Entertainment” en colaboración con la Universal. Su diseño y animación no serán tan impresionantes ni hiperrealistas como en las películas de la Pixar, pero resultan agradables, y su animación es sumamente efectiva y graciosa. Nada más los minions son una galería de rutinas slapstick que parecen no tener fin, y cada uno goza de personalidad propia. Parecen todos iguales, pero no lo son. En el DVD hay algunos cortometrajes dedicados nada más a estas píldoras vivientes.

Contrario a Megamind, no hay superheroes aquí, sólo villanos peleando entre sí. No hay buenos ni malos, sólo un par de egos compitiendo entre sí. Aunque tal vez no sea del todo cierto ésto último. Despicable Me es la historia de un villano en camino hacia la redención, gracias a que unas niñas llegan a despertar una parte sensible oculta dentro de él. Si hay héroes –o heroínas- en Despicable Me, esas son Agnes, Edith y Margo.

++ El DVD incluye: Avances de juegos, comentarios de los directores Chris Renaud y Pierre Coffin,  minipelículas de los minions, "El Mundo de Gru, Mi Villano Favorito", "Ritmos Villanos y Esfuerzo Global". El Blu-ray incluye todo lo anterior y además "Golpes Despreciables", "Gru el Constructor de un Cohete", "El Gran Secreto de Miss Hattie para hacer Galletas", comentario por el director y los minions, las voces de "Despicable Me", etc.