SABIAS QUE...

Dedico el "Sabias que..." a la bella y talentosa actriz Keira Knightley:

+Keira Knightley nació el 26 de marzo de 1985, en Teddington, Middlesex, Inglaterra. Su madre es Sharman Mcdonald, una escritora de teatro y novelista escocesa, y su padre es Will Knightley, un actor de teatro. En realidad, el nacimiento de Keira fue producto de una "apuesta" que Sharman hizo con su esposo. La pareja ya tenía un hijo, Caleb, nacido en 1979. No podían permitirse, económicamente hablando, tener otro miembro en la familia, por lo que Sharman dijo: "Si vendiera otro libreto, podríamos tener otro bebé". Lo vendió.

+En la escuela Keira tuvo problemas de aprendizaje. Con trabajos podía memorizar una palabra, así que recurría a los "audiolibros", para aparentar que leía. Esto siempre lo consideró como dislexia.

+Desde niña quiso ser actriz, así que pidió a sus padres que le consiguieran un agente. Su madre prometió conseguirle uno siempre y cuando, durante el verano, se pusiera al corriente en sus estudios. La carrera de Keira como actriz empezó en el programa televisivo "Royal Celebration", en 1993, y sólo podía hacerlo durante el verano, de común acuerdo con sus padres. Si fallaba en un examen, no podría continuar actuando.

+Su primer trabajo de importancia en cine fue en "Star Wars: Episode I", en 1998, como una de las dobles de Natalie Portman, quien interpretó a la Reina Amidala. Luego de un telefilme, y la película  "The Hole" (el cual atrajo la atención de la industria fílmica), su siguiente papel notable fue en "Bend it Like Beckham" en 2002. Para este papel tuvo que entrenar con Simon Clifford, entrenador del Manchester United, durante 20 semanas. "Al final, Keira pudo hacer cosas que jugadores de primera liga no pueden", dice Clifford.

+Keira nunca abandonó sus estudios mientras filmaba, los cuales incluían cursos de Historia del Arte, Civilizaciones Clásicas y Literatura Inglesa. Sin embargo, su intensa dedicación al estudio le impedía hacer amigos y se sentía profundamente deprimida. Para entonces ya había filmado "Pure" (2002) y se encontraba en la post producción de "Bend It Like Beckham". Un buen día, exhausta de tratar de mantener su vida profesional y escolar a la par, Keira tomó la difícil decisión de dejar la escuela. 

+Su buena racha en cine no se detuvo al dejar la escuela. Poco después, fue elegida para protagonizar "Pirates of the Caribean", junto a Johnny Depp. Keira era una gran fan de Johnny, al grado de tener posters de él en su cuarto. Las primeras lecturas del guión fueron en el "Viper Room", bar que pertenece a Johnny, quien ya tenía puesta la dentadura dorada que usaría para le personaje de Jack Sparrow. Después de saludarse, lo primero que le dijo Keira fue "¡Mierda, mira tus dientes!".

+Entre las películas posteriores de Keira Knightley se encuentran: "Love Actually" (2003), "King Arthur" (2004), "The Jacket" (2005), "Domino" y "Pride and Prejudice" (idem), Atonement (2007) y "The Duchess" (2008). Se tenía previsto que para el 2010 Keira participara en una nueva versión de "My Fair Lady", la cual se ha atrasado, aparentemente, hasta el 2012. Nada ha sido confirmado. 

THE FIGHTER * * * *

Mark Wahlberg y Christian Bale en "The Fighter".

Desde un principio, sabemos hacia dónde nos conducirá una historia como la narrada en The Fighter (2010). Por supuesto, no lo diré, pero no es difícil adivinarlo en una trama edificante protagonizada por un boxeador. ¿Ya lo adivinó? Si no, tal vez no ha visto, por ejemplo, “Rocky”. Lo interesante es ver cómo nos es narrada toda esta historia, basada en la vida del boxeador Micky Ward, encarnado por Mark Wahlberg, en plena forma para el papel.

El realizador David O. Russell retoma la fórmula “Rocky”, y consigue una película sobre boxeo en la que ha sabido mezclar elementos de melodrama familiar con logrados toques de humor. Es una contendiente en la próxima entrega de los Oscares, con 7 nominaciones, entre las que se incluye “Mejor Película”, “Mejor Director”, “Mejor Guión”, “Mejor Actriz” y “Actor de Reparto”. Sinceramente, dudo que sea ganadora en las tres primeras categorías. Sus posibles premios estarán para las actuaciones, en donde es indudable que Christian Bale y Melissa Leo, son fuertes candidatos para llevarse una estatuilla dorada. Lo mejor del filme es la actuación de Christian Bale, quien se roba la película con una potente actuación y una complexión tan delgada como la que lució en “The Machinist”.

Micky Ward y Mark Wahlberg son amigos en la vida real, desde principios de los 1990, época en la que se ambienta el filme. Wahlberg fue entrenado por el mismo Ward, con intensas jornadas de ejercicio. En la película, Christian Bale es la fuerza histriónica, mientras Wahlberg es la fuerza física. El hilo conductor de la historia, es la realización de un documental sobre Micky y su medio hermano Dicky (Bale). Este último tuvo su momento de gloria como boxeador, y ahora como entrenador, la vida profesional de Dicky se encuentra afectada por las drogas y ocasionales crímenes. Dicky es un tipo fuera de control, inmaduro y completamente loco. Desde el primer plano, con Dicky y Micky sentados en un sillón y hablando frente a la cámara, sabemos que será el primero quien llevará la batuta en la película.

Micky es la total contraparte de Dicky, un tipo deportista, tranquilo, tímido y con deseos de triunfar. Quiere seguir los pasos de su hermano, pero quiere hacerlo bien. Sin embargo, su vida no es tan perfecta. Micky vive dominado por su madre/manager (Melissa Leo), y además, intenta ser un buen padre para su hija, a la que apenas ve debido a su intolerante ex pareja. Cuando conoce y empieza a salir con una atractiva bartender, Charlene (Amy Adams, también nominada al Oscar), encontrará en ella una motivación para salir adelante en el boxeo. Aunque esto tal vez amenace la unión familiar del matriarcado en el que se encuentra envuelto Micky, rodeado de un grupo de tías que juzgan y observan cada uno de sus movimientos.

Tanto Micky como Dicky se encuentran viviendo sus propias luchas internas. Micky está divido entre el amor a Charlene y las presiones de su chantajista madre, además de la mala racha que está teniendo en el ring. Mientras, Dicky batalla con su adicción al crack, que lo hunde más y más. Debo decir que para ser una película de boxeo, The Fighter (un título que se puede tomar en muchos sentidos) me entusiasmó más en su parte melodramática que en la boxeística. David O Russell es un realizador ingenioso para darle a sus películas cierto atractivo visual, como lo demostró en “Three Kings”. En ese sentido, me gustó cómo usa la cámara digital para filmar las peleas de box, llevándola en cada esquina del ring, arriba y abajo del mismo. Se nota la inspiración incluso en “Raging Bull” (esos close-ups cada vez que se dan derechazos a la cara). Son entretenidos esos momentos en la película, pero no tan emocionantes como en la mencionada película de Scorsese, o incluso como en las peleas de “Rocky”.

Es la historia de Dicky la que acabó atrapándome más, ese eterno adolescente al que parece le quedan dos neuronas en la cabeza y que lucha, no nada más por ayudar a Micky a ser campeón, sino por no derrumbarse por culpa de las drogas. En efecto, es una trama edificante en dos bandas. The Fighter es una película disfrutable, pasable y notablemente actuada, aunque no siento que sea de esas películas que arrasarán en los Oscares. Pero vamos, ya tiene su lugar en el subgénero de las películas de boxeo.

++Lo mejor: La actuación de Christian Bale.
++Lo peor: Que sus momentos menos memorables son arriba del ring. 

MEGAMIND * * * *

 "Megamind" vuelve a demostrar que los villanos también tienen corazón.

La más reciente producción animada de la casa Dreamworks, Megamind (2010) parte de una premisa interesante y atractiva: los superhéroes están cansados y tienen ya poco o nada que contar. Tal y como sucedió en “Despicable Me”, los villanos demuestran ser multidimensionales, más complejos y capaces de mostrar un lado humano inesperado. Además, Megamind deja patente una verdad que ha estado presente, desde siempre, en las historias de superhéroes: estos no pueden existir sin los villanos y viceversa.

En Megamind tenemos un superhéroe, Metro Man (voz de Brad Pitt), toda una celebridad en Metro City. Más que un superhéroe, Metro Man es como una superestrella, amado por todos los ciudadanos. A primera vista, es como una cruza de Elvis con Superman. Y ya que hablamos de Superman, la película es una especie de parodia del “Hombre de Acero”, sólo que contada desde el punto de vista de su villano, el Megamind del título (voz de Will Ferrell), quien le hace honor a su nombre con su enorme cabeza. Es como ver a Lex Luthor, con facciones de Jim Carrey, una inmensa cabeza y piel azul.

De nuevo, la historia parte de la inevitable realidad de los genios atormentados y rechazados desde su infancia. La diferencia aquí, es que Megamind es un genio fallido. La película comienza con un prólogo bastante gracioso, en donde vemos cómo Metro Man y Megamind son rivales desde la infancia, desde que fueron enviados por sus respectivos padres a la Tierra en pequeños cohetes. El primero es el favorito de la clase y la maestra, admirado por todos gracias a su carisma e improbable facilidad para resolver toda clase de problemas usando sus superpoderes. En pocas palabras, Megamind ha crecido bajo la sombra de la popularidad de Metro Man.

Como villano Megamind tampoco ha tenido mucha suerte. Todo le sale mal y al revés. Con decir que su guarida secreta, no es tan secreta como quisiera. Una bella reportera, Roxanne Ritchie (voz de Tina Fey), a la cual no es difícil encontrarle una inmediata semejanza con Louisa Lane, es una de las más fervientes admiradoras de Metro Man. En tanto, Hal (voz de Jonah Hill), el camarógrafo que acompaña a Roxanne, está enamorado de ella, tratando infructuosamente de llamar su atención.

El gran drama comienza cuando, por primera vez, uno de los planes de Megamind para destruir a Metro Man resulta exitoso. Como es de esperarse, el haber matado al héroe más querido de Metro City provocará que todo mundo odie a Megamind. Pronto se da cuenta que su vida no tiene sentido como el nuevo y aburrido gobernante de Metro City. Al final, Megamind necesita a Metro man, alguien con quien pelear, con quien probarse a sí mismo.

La película está dirigida por Tom McGrath (Madagascar y secuela), y tiene un toque de melodrama existencialista muy logrado. Acabé sintiendo empatía por Megamind, además de lástima por ser el villano fracasado sin poder encontrar su lugar en el mundo, sin nadie más que su pez asistente, Minion (voz de David Cross). Llega un momento en que ya no sabe qué es. ¿Sigue siendo el “malo”? ¿Está en camino a volverse bueno? ¿Entrará en crisis por ello? Su plan para conquistar a Roxanne -como casi todos los que ha tramado- sabemos de antemano que está condenado al fracaso. Incluso aquí también sentimos simpatía por el villano cabezón. Su plan de crear un nuevo superhéroe con el cual volver a pelear, corre el peligro de salirse de control.

Una de las cosas que más consigue McGrath, como sucedió en Madagascar, es la magnífica interacción de los personajes. Ese triángulo amoroso que se forma va evolucionando hacia una complejidad impredecible. Una complejidad que no se ve perturbada por la súbita vuelta de tuerca que tiene el filme en su tercer acto. “Megamind” es una película divertida, un efectivo entretenimiento familiar que ofrece humor y acción al mismo tiempo, pero que se preocupa en todo momento por sus personajes, sin descuidarlos nunca. Ahí está el principal acierto de los guionistas Alan J. Schoolcraft y Brent Simmons. ¿Acabará la tendencia de volver la mirada a los villanos en el cine animado con “Megamind”? Si se siguen teniendo ideas originales y sin muchas pretensiones como en este caso, creo que no.

THE WRESTLER * * * *

Mickey Rourke demuestra que sigue siendo un gran actor en "The Wrestler".

Adentrarse en el mundo de la lucha libre en cine no tiene por qué ser siempre cómico. Es cierto, este espectáculo barato da pie a ello. Desde Nacho Libre (2006), de Jared Hess, una comedia paródica de la lucha libre mexicana, no recuerdo haber visto otra película que se adentrará en estos espectáculos, calificados por muchos como un deporte. The Wrestler (2008), dirigida por Darren Aronofsky, retoma el tema de la lucha libre con un enfoque melodramático, sensible y algo realista. Es un título directo, sencillo y sin complicaciones. La película narra la historia de un maduro luchador, interpretado por un Mickey Rourke dispuesto a recuperar la antigua gloria que lo consagró como uno de los grandes actores de los 1980. Su gran interpretación lo llevó a ser nominado al Oscar a “Mejor Actor” en 2009.

Antes de ser el gran actor que es, Mickey Rourke se dedicó al boxeo, fasceta deportiva que retomó a principios de los 1990. Esto lo desvió drásticamente de la actuación, y le dejó la cara lastimada e irreconocible que todos conocemos hoy. Su interpretación de Randy “The Ram” es casi autobiográfica. Su luchador, que lleva encima su antigua fama y prestigio (curiosamente, como famoso luchador en los 1980), no dejó de recordarme al vaquero boxeador y alcohólico que interpretó en “Homeboy”, en 1988. Este vaquero, como Randy, tenía una condición incapacitante que amenazaba con alejarlo del ring. El vaquero tenía una fractura craneal, que le hacía ver borroso. Randy ha sufrido un infarto luego de un sádico espectáculo en el ring, en donde hubo golpes reales con sillas, mesas, una escalera y hasta grapas.

Randy vive en una casa rodante. A pesar de su intimidante pinta de rockero Heavy Metal, gusta de jugar con los niños vecinos. Mientras ellos ya juegan con Play Station, Randy sigue usando su viejo Nintendo. Su casero lo ha dejado fuera por no pagar la renta, y Randy tiene que pasar la noche en su van. La lucha libre no le deja lo sufficiente para vivir, ni las ocasionales firmas de autógrafos, donde se toma fotos con fans a quienes, discretamente, les cobra. Así, Randy tiene que buscar trabajos ocasionales en un supermercado, mientras su tiempo libre lo pasa en un club de strippers, en donde tiene una atractiva amiga, Cassidy (Marisa Tomei, escultural).

Resignado a retirarse de la lucha libre, Randy decide arreglar muchas cosas en su vida. Como a veces sucede en las películas sobre hombres arriba de los 60, con sus carreras en peligro por alguna adicción (recordar a Jeff Bridges en “Crazy Heart”) o por alguna enfermedad que les tiene al borde la muerte, nos enteramos que Randy tiene una hija (Evan Rachel Wood) a la que no ha visto en años y con la que desea reencontrarse.

En muchos momentos de la película, hay un tratamiento de documental que no hace más que reforzar el toque realista que Aronofsky le da a la película. Esto es cuando Randy está dialogando con tipos que, a primera vista, se nota son luchadores profesionales. Se aprende mucho de este universo viendo The Wrestler, de este circo formado por sangre, sudor y auténticos personajes. Porque aparentemente, si como luchador no te inventas un personaje, digamos, vendible, estás condenado al fracaso. Antes de cada espectáculo, los luchadores dialogan y se organizan entre sí respecto a los movimientos y coreografias que realizarán en el ring.

Randy es calmado, tranquilo, pero como veremos en cierta escena, hay un monstruo durmiendo dentro de él, capaz de despertar en las situaciones más estresantes. Bueno, creo que cualquiera en su lugar perdería los estribos si tuviera que lidiar con un montón de clientes molestos. Y hay un aspecto intrigante de la personalidad de Randy: esa tendencia a autolastimarse, a cortarse a sí mismo. Es un aspecto de su personalidad que está ahí presente, pero no sabemos exactamente qué lo conduce a hacerlo.

The Wrestler es la historia de un gigante caído, de un luchador que es incapaz de encajar en el mundo real. El mundo fuera del ring le queda demasiado grande. No funciona en él. No funciona como padre, ni para tratar de conquistar a una chica como Cassidy. Y su última lucha no será allá afuera, sino en el ring.

"INSIDE SIX ACTORS' MINDS"

Los más importantes nominados a "Mejor Actor/Actriz"
en la más reciente edición de "Newsweek".

Aun hay tiempo para adquirir el último número de la revista "Newsweek", y leer el artículo "Inside Six Actors' Minds", una mesa redonda con los actores y actrices más importantes nominados a "Mejor Actor/Actriz" en la próxima entrega de los Oscares. 

El artículo está complementado con magníficos retratos tomados por el fotógrafo Dan Winters. Es una tradición del "Newsweek" hacer esta clase de entrevistas, con los nominados tanto en las categorías de "Mejor Director" o, como en este caso "Mejor Actor/Actriz". En la mesa redonda de este año participan Nicole Kidman, nominada por su trabajo en "Rabbit Hole", Colin Firth, nominado por su actuación en "The King's Speech", James Franco por "127 Hours", Natalie Portman (evidenciando su embarazo) por "Black Swan", Michelle Williams por "Blue Valentine", y Annette Bening por "The Kids Are All Right". 

Sin intenciones de revelar mucho, adelanto que las entrevistas revelan datos curiosos sobre algunos de ellos. Por ejemplo, Natalie Portman, egresada en Psicología en Harvard, conoció a los gemelos Winklevoss, quienes acusaron de plagio a Mark Zuckerberg; Nicole Kidman sufrió una fractura de costilla durante la filmación de "Mouline Rouge", o que James Franco fue usuario de "Facebook" por unos cuantos minutos. "No quería mezclar en mi lista de amigos también a mis maestros, y que leyeran sus tonterías". 

Para ver algunos vídeos de esta mesa redonda, ir a la página oficial de la revista.  Las fotografías del artículo pueden apreciarse aquí.  

DESPICABLE ME * * * *

Gru (Steve Carell) y su ejército de minions en "Despicable Me".

Lo primero que llama la atención en Despicable Me (2010), es su personaje principal. Puede sonar muy obvio, pero hay ocasiones en que el personaje principal de una película animada, puede pasar completamente desapercibido, o ser opacado por algún secundario. En Despicable Me, el personaje principal es un villano de nombre Gru (genial Steve Carell), y como tal es toda una creación, no nada más visualmente, sino en toda su personalidad. A primera vista parece el tío Fester de “The Adams Family”, pero de nariz ganchuda, alto y de semblante escabroso. Sabemos de él lo suficiente, o más bien, lo necesario. No sabemos a ciencia cierta de dónde proviene, pero su acento suena ruso. Aunque su madre (voz de Julie Andrews) suena perfectamente normal.

Gru es un ser alienado de la sociedad. Lo que menos quiere es agradar a los demás. Vive en una casa gris y obscura, con el césped seco, contrastando con las coloridas casas de su vecindario. En efecto, Gru es un misántropo de pies a cabeza, pero también es un genio consumado. Sin embargo, Gru no está tan solo como parece. Debajo de su casa, el villano tiene su laboratorio, en donde trabajan centenares de criaturas amarillas con forma de píldoras, llamadas minions. De los minions todavía sabemos mucho menos. ¿De qué están hechos? ¿De dónde vienen? Lo que se puede suponer, es que son creaciones del mismo Gru. Es lo menos importante, ya que son muy graciosos, y en muchos momentos amenazan con robarse la película. Son pequeños y tienen su propio dialecto. Ah, lo olvidaba, Gru también tiene un asistente, este sí humano, Dr. Nefario (voz de Russell Brand), un anciano pero eficiente científico, al menos cuando no le falla el oído.

Despicable Me quizás sea la película animada más divertida del 2010. Como es usual, tenemos la historia del niño nerd; tímido pero genial, capaz de inventar cosas extraordinarias. El problema de Gru, es que de niño fue ignorado completamente por su madre (esto lo sabremos en fugaces flashbacks). Con seguridad, ese es el origen de su amargura y de querer hacer el mal. Sus días grises parecen desaparecer cuando se cruzan en su camino tres niñas huérfanas, Margo (voz de Miranda Crosgrove), Edith (voz de Dana Gaier) y la pequeña Agnes (voz de Elsie Fisher), una adorable niña, fanática de los unicornios de peluche. Gru decide adoptarlas, o más bien usarlas, para llevar a cabo su plan de sabotear los planes de su archinémesis, Vector (voz de Jason Segel), un villano nerd y más joven que Gru, cuya última proeza ha sido robar las pirámides de Egipto plastificándolas y desinflándolas.

El plan de Gru para recuperar su muy atrofiado prestigio como villano, es robar la Luna, usando un láser reductor. La película está escrita por Sergio Pablos, Ken Daurio y Cinco Paul, y el dilema de Gru en la historia será elegir entre el amor paternal que está empezando a sentir por las tres niñas, o rescatar su carrera criminal. Tal vez pueda hacer ambas cosas. La aventura consiste en averiguarlo, y ver cómo los minions lo ayudarán.

Hay una tendencia ahora en las películas animadas por inclinarse, repentinamente, por los villanos, como en Megamind (2010), la más reciente producción de la Dreamworks. Los superhéroes se han agotado, o tal vez ya se ha contado todo lo que se debía contar de ellos, aparentemente. En Megamind hay un superhéroe, ególatra cansado de la fama (estilo Elvis). Despicable Me es una producción algo más pequeña, producida por “Illumination Entertainment” en colaboración con la Universal. Su diseño y animación no serán tan impresionantes ni hiperrealistas como en las películas de la Pixar, pero resultan agradables, y su animación es sumamente efectiva y graciosa. Nada más los minions son una galería de rutinas slapstick que parecen no tener fin, y cada uno goza de personalidad propia. Parecen todos iguales, pero no lo son. En el DVD hay algunos cortometrajes dedicados nada más a estas píldoras vivientes.

Contrario a Megamind, no hay superheroes aquí, sólo villanos peleando entre sí. No hay buenos ni malos, sólo un par de egos compitiendo entre sí. Aunque tal vez no sea del todo cierto ésto último. Despicable Me es la historia de un villano en camino hacia la redención, gracias a que unas niñas llegan a despertar una parte sensible oculta dentro de él. Si hay héroes –o heroínas- en Despicable Me, esas son Agnes, Edith y Margo.

++ El DVD incluye: Avances de juegos, comentarios de los directores Chris Renaud y Pierre Coffin,  minipelículas de los minions, "El Mundo de Gru, Mi Villano Favorito", "Ritmos Villanos y Esfuerzo Global". El Blu-ray incluye todo lo anterior y además "Golpes Despreciables", "Gru el Constructor de un Cohete", "El Gran Secreto de Miss Hattie para hacer Galletas", comentario por el director y los minions, las voces de "Despicable Me", etc. 

THE SOCIAL NETWORK * * * *

Jesse Eisenberg tiene el mejor trabajo de su carrera en "The Social Network".

A primera vista, parecería que una película como The Social Network (2010) es una revisión tediosa y rutinaria sobre un complejo mundo digital. Algo hay de eso. Estamos ante una película que trata sobre el fenómeno global del Internet y la revolución de las redes sociales. Sin embargo, creo que ese es un tema secundario en esta película, la más reciente de David Fincher. El fenómeno de “Facebook” como red social, es el eje para hacer una crónica sobre el ascenso al poder de su fundador, Mark Zuckerberg, interpretado maravillosamente por Jesse Eisenberg, ese actor especializado en chicos nerds y “geeks”. Podría ser el retrato de cualquier poderoso empresario. Lo que al final comparten los presidentes de compañías multimillonarias, es el saber mover las piezas, como en un juego de ajedrez, para ascender al poder, sin importar a quien tengan que borrar del panorama.

Soy usuario de Facebook desde hace cerca de 3 años. Mi experiencia en esta red social, me ha dejado ver que puede ser una gran herramienta de comunicación, que te pone en contacto con gente que no has visto en años, o con totales extraños que comparten tus mismos intereses. Y así como puede unir, Facebook también puede alienar, separar y sembrar distancias entre las personas. Como toda tecnología e invento, lo importante es saberlo usar. Aún sigo aprendiendo. The Social Network presenta una premisa interesante: ver cómo Zuckerberg, el creador de esta poderosa e interactiva red social, una revolucionaria herramienta de comunicación, era un ser misántropo, alienado, sin muchas habilidades con las chicas y sin muchos amigos. La película cuenta cómo para obtener el mayor control y poder de Facebook, Zuckerberg estuvo dispuesto a sacrificar a los contados amigos que lo ayudaron moral y económicamente en su aventura, como Eduardo Saverin (estupendo Andrew Garfield), el cofundador de Facebook y mayor socio de Zuckerberg.

Otra cosa curiosa, es ver cómo –y esto lo estoy suponiendo- de alguna forma Zuckerberg y “Facebook” le dieron el “visto bueno” al filme. Esto debe haber sido así, ya que el logo y nombre de Facebook aparecen a lo largo de la película. Tenemos una película que va sin miedo y con riesgos al grano, retratando en todo su esplendor nombres y hechos reales. La película está basada en el libro escrito por “Ben Mezrich”.

Todo empezó con el “robo”, por parte de Zuckerberg, de una idea supuestamente “original”: la creación de una red social exclusiva de la universidad de Harvard, creada por los hermanos gemelos Cameron y Tyler Winklevoss (Armie Hammer). La red social sería exclusiva para alumnos de Harvard, y cuando los hermanos Winklevoss escucharon de una gran “proeza” de Zuckerberg: “hackear” el sistema de la universidad y publicar encuestas con fotos de chicas, para votar por la más fea y la más guapa, deciden reclutarlo. Esto, por cierto, como venganza de Zuckerberg en contra de su ex novia.

La idea de esta red social no es tan original como parece. No soy un experto en el tema, pero tengo entendido que quien empezó todo esto de las redes sociales fue Tom Anderson, creador de “My Space”, la primera red social verdaderamente popular. El tipo tiene la nada despreciable cantidad de 11,913,599 amigos en su página. ¿No sería Tom Anderson quien debería de estar demandando a los Winklevoss y a Zuckerberg? No lo hizo, ni creo que sea el billonario que es ahora Zuckerberg. La prensa apenas y le hace caso. Lo cierto es que ahora “My Space” se parece cada vez más a “Facebook”, aunque su ventaja es que puedes personalizar mucho mejor tu página en cuanto a diseño, y no hay límite para la cantidad de “amigos” que puedes agregar. Pero bueno, me estoy desviando algo del tema.

La estructura de la película es compleja, difícil de seguir si no se pone la atención necesaria. Su edición es extraordinaria, y si no obtienen una nominación al Oscar Kirk Baxter y Angus Wall, algo andará mal –como siempre- con los miembros de la Academia. La narración es laberíntica, te lleva del presente al pasado en flashbacks, y luego al presente nuevamente, con el juicio a puerta cerrada en contra de Zuckerberg por parte de los Winklevoss y Saverin. Los hechos están hilvanados y encadenados de una manera atractiva, en donde una frase puede unir una escena del pasado con el presente.

Como decía, la actuación de Eisenberg es, sin temor a exagerar, la mejor de su carrera hasta el momento. El Zuckerberg que vemos en pantalla es un ser frío, calculador y sin muchos escrúpulos. En el camino se encontrará con el fundador de Napster, Sean Parker (Justin Timberlake), demandado en numerosas ocasiones por permitir descargar música por Internet sin pago de derechos de autor. Ambos compartirán la misma visión empresarial. No hay final feliz, sino uno más bien abierto. Al final, no vemos sino el rostro del desencanto, gris y frío, de una juventud solitaria, vulnerable ante un tecnología fuera de su control.

EL CARTEL

"Monsters" tiene un par de carteles interesantes. El mejor de ellos es, como siempre, un cartel teaser. La idea no se siente muy original, ya que es obvio que la principal fuente de inspiración han sido los carteles de “District 9”. De hecho, hay un cartel, en formato vertical, que emula completamente la idea de crear una señalética, con un icono con la figura de un alien, y que en sí es un letrero de advertencia de peligro: “Extra-terrestrial Infected Zone”.  El cartel teaser fue diseñado por el despacho “Kellerhouse Inc.” (responsables también del cartel de “The Killer Inside Me”), cuyo estilo para diseñar tiende mucho a mezclar cierto estilo abstracto, con fotografias y tipografias innovadoras. En este cartel, hay una interesante combinación de elementos, con una ilustración que representa una especie de grafitti o pintura en aerosol sobre una pared metálica. La idea es conjuntar la silueta de una ciudad, una máscara antigas, de cuyos visores salen unos tentáculos extraterrestres, y encima de la ciudad el título del filme en rojo.  Además, el cartel mantiene una sensación urbana, de destrucción y caos. El juego de escalas entre los elementos, da la idea de que la ciudad es invadida y atacada, al tener los tentáculos como base. Todo el trabajo es frío, neutro cromáticamente, y transmite un mensaje efectivo sin necesidad de fotografías. Es decir, al primer vistazo sabemos que estamos ante el cartel de una película de invasiones extraterrestres.

Por otro lado, el cartel del estreno usa una atractiva imagen, que sigue manteniendo oculta la identidad de los extraterrestres, el cómo lucen realmente. El cartel apuesta por la narración de dos protagonistas caminando en un escenario apocalíptico, de destrucción, grisáceo y envuelto de humo. La fecha invertida en el lado superior izquierdo le da más realismo a la imagen, como si estuvieamos viendo una fotografía testimonial. Incluso, uno de los actores sale del encuadre. Me ha gustado la idea de un encuadre inclinado, que como es habitual, transmite una idea psicológica de inestabilidad, aunque en este caso contribuye a esa idea realista de un testimonio documental. De fondo, vemos un letrero a lo “District 9”,  sobre la advertencia de peligro extraterrestre. Su color rojo le da un contrapunto cromático interesante, para equilibrar toda la paleta grisácea y neutra.  El tagline en todos los carteles es “Now it’s our turn to adapt”, mientras el diseño tipográfico tiene el sello tan distintivo de la “Kellerhouse”, la geometrización, la simpleza y la intención de romper con el trazo. 

Uno de los carteles de "Monsters", inspirado en la idea del letrero e iconografía
creados para "District 9".

THE KILLER INSIDE ME * * * * *

Kate Hudson y Casey Affleck en la perturbadora "The Killer Inside Me".

Con The Killer Inside Me (2009), Michael Winterbotton ha conseguido su primer gran obra maestra. Adaptar un libro como “The Killer Inside Me”, escrito por Jim Thompson en 1952, una obra considerada casi como “maldita” en la literatura “underground” en los 1950, se nota que no ha sido difícil para Winterbottom. La novela no tardó en asociar el nombre de Thompson con la “roman noir”, es decir, la “novela negra”. De todas formas, Winterbottom ya había dirigido películas provocadoras aunque no tan logradas, como por ejemplo, 9 Songs.

Tengo pendiente leer “The Killer Inside Me (lo tengo esperando en mi librero), pero tengo entendido que la novela de Thompson es una obra maestra del género de “crimen y misterio”, una obra hardboiled llena de una violencia que muchos han calificado de insoportable, al menos como es mostrada en el filme. La historia se siente muy cercana a “No Country For Old Men”, de Cormac McCarthy. Ambas están situadas en el sur de Estados Unidos, y tienen como protagonista a un asesino serial. Además, comparten una violencia cruda, sin concesiones para el lector/espectador. De hecho, Jim Thompson escribió dos guiones para Stanley Kubrick, “The Killing” y “Paths of Glory”.

Es la primera vez que la novela de Thompson es adaptada al cine. Su narración en primera persona tiene la voz de Casey Affleck, quien interpreta al sheriff Lou Ford, de un pueblito sin identificar en Texas. Detrás de su facha inocente, inofensiva, no tardará en revelarse un personaje perturbador, con un lado obscuro que deja manifiesto a los pocos minutos de empezada la película. Todo empieza cuando le es encargado echar del pueblo a una sensual chica, Joyce Lakeland (Jessica Alba), a quien acusan de prostitución y de atentar contra la moral. La manera de resolver el problema no dejará de sorprender, cuando Lou inicie con la chica una relación con toques sadomasoquistas.

The Killer Inside Me no es una película fácil de digerir. Se le ha calificado incluso de misógina, cosa que, al menos para mi, está lejos de ser. Contiene un par de escenas de extrema violencia, filmadas sin mayores reservas, en las que Winterbottom busca impactar al espectador mostrando los asesinatos de dos mujeres de una manera sádica, rara vez vista en películas. El director se asegura de que estas muertes luzcan lo más realistas posibles. El rostro de una de estas mujeres, queda totalmente desfigurado a golpes.

Esta violencia forma parte de la personalidad del filme. Casey Affleck hace un gran trabajo interpretando a Lou, un sujeto que se nos irá revelando como un psicópata con un pasado turbulento. La historia es una entramada investigación, que tiene que ver con el dinero que se le daría a Joyce para dejar el lugar. El caso de los asesinatos atrae la atención de un detective privado (genial Elias Koteas), quien se pierde un poco hacia el final, y un agente del FBI (Simon Baker), para descubrir al asesino. De quien menos se sospechará es del sheriff, pero el pueblo es demasiado pequeño, incluso para Lou.

La película tiene un soundtrack estupendo, con música de la época como rockabilly, country, rock and roll, etc. Winterbottom demuestra una gran habilidad para la construcción del suspenso, y así como no tiene reservas para la violencia que exhibe, tampoco lo es para la parte erótica. Creo que desde “Almost Famous”, no veía una actuación del calibre que ofrece aquí Kate Hudson, su trabajo más maduro y arriesgado. No es la Kate Hudson a la que estamos acostumbrados, la de comedias románticas estúpidas del mainstream hollywoodense. Vemos a una verdadera actriz, físicamente transformada en una bella chica de cabello obscuro, la prometida de Lou de hecho, quien no tarda en sospechar de su infidelidad con Joyce.

El suspenso de “The Killer Inside Me” no revela muchas sorpresas en cuanto al desarrollo de hechos se refiere. Sabemos quién es el asesino desde el principio. El verdadero suspenso de este magnífico y moderno “film noir”, es el ir descubriendo quién es realmente Lou, con toda su fría y enfermiza personalidad que esconde debajo de su disfraz de eficiente servidor de la ley. Lou es un tipo que de niño fue capaz de violar a una niña de 5 años.

Una película como esta tal vez sea mejor recibida no nada más por gente de amplio criterio, sino por aquella (como quien esto escribe) que sea aficionada a este tipo de historias de cine negro, a la literatura hardboiled, como la de Dashiel Hammett y Raymond Chandler. Es la película más dura y arriesgada del versátil Michael Winterbottom. Como director entiende que más que mostrar una violencia gratuita, está mostrando un aspecto intrigante de Lou como personaje. Gracias a eso entendemos más los mecanismos de su mente como criminal.

LOS ABRAZOS ROTOS * * * *

Penélope Cruz y Lluís Homar en "Los Abrazos Rotos".

Almodovar no deja de sorprenderme. Es un gran cineasta, fiel a un estilo propio y a sus temas. Su más reciente película, "Los Abrazos Rotos" (2009), es un logro más dentro de su filmografía. Una película sobre obsesiones, relaciones enfermizas, homosexualidad, la creatividad y, como es costumbre, el cine dentro del cine. Es cierto, puede sonar repetitivo, pero lo genial es la manera en cómo el realizador manchego se las arregla para presentarnos estos temas de distinta forma, contarlos desde otro punto de vista y perspectiva sin agotarlos.

Los Abrazos Rotos tiene cierta inspiración, por ejemplo, en Peeping Tom (1960), cosa que el mismo Almodóvar ha confesado. La película empieza presentándonos a Harry Caine (Lluís Homar), un ex realizador de cine ciego, y que ahora se dedica al guionismo. Por supuesto, sabemos de antemano que este no puede ser su verdadero nombre. El tipo es ciego, pero sabe cómo llevar a una guapa chica que acaba de conocer a su apartamento, seducirla y tener relaciones con ella. El ser invidente no es una limitante para un hombre de la fortaleza que irradia Harry. Pronto aparecerá su asistente, Judit (Blanca Portillo), quien por la forma en como mira a Harry, es evidente que lo conoce a fondo. Hay complicidad en su mirada, que solo se consigue conociendo a alguien por mucho tiempo.

¿Quién es realmente Harry? ¿Cuál es su verdadero nombre? ¿Por qué se siente intimidado ante la aparición de Ray X (Ruben Ochandiano) un misterioso joven que le pide escribir un guión para su próxima película? La idea de Ray está llena de detalles que Harry conoce bien y le parecen familiares. Muchos misterios se irán revelando más adelante,  en un largo flash back que nos lleva a mediados de los 1990, en donde descubriremos que el nombre real de Harry es Mateo Blanco, cómo es que se quedó ciego, así como su trágica história romántica con Lena (Penélope Cruz), aspirante a actriz, durante la filmación de la que sería su obra maestra.

Si se ha visto suficiente cine de Almodóvar, no es difícil adivinar que Harry Cane/Mateo Blanco, no es más que su alter ego. Mateo es el mismo Almodóvar recordando sus viejas glorias, sus comedias coloridas, chifladas y protagonizadas por mujeres “al borde de un ataque de nervios.” Esa película que se encuentra filmando Mateo, se parece mucho a dos o tres películas que Almodóvar filmó en los 1980.

A lo largo del filme, las historias se entrelazan y los personajes se encuentran. Lena trabaja como secretaria y tiene que prostituirse en las noches. Cuando su padre enferme gravemente de cáncer, su poderoso y adinerado jefe, Jorge Martel (José Luis Gómez, estupendo), la ayudará trasladándolo al mejor hospital posible, ante la mirada sospechosa de su madre (Angela Molina). Pero estos favores cuestan, y Lena lo descubrirá cuando acabe irremediablemente involucrada con Martel, emocional, sentimental y profesionalmente. Vivirá vigilada por él en el set de filmación, a través de la molesta y constante  presencia de un joven documentalista, filmando y registrando todos y cada uno de sus movimientos.

"Los Abrazos Rotos" es un laberíntico relato, un doloroso melodrama romántico que es un homenaje de Almodovar al film noir y al amor fou. Algo que ya venía trabajando desde "Volver", su anterior película. Penélope Cruz tiene aqui uno de sus mejores trabajos con el realizador, junto a un reparto que se encuentra siempre a la misma altura. A pesar de los predecibles giros telenoveleros que tiene al final, toda la película, en su conjunto, es la intrigante y enfermiza crónica de un triángulo amoroso destinado al sufrimiento y la destrucción. Woody Allen trató el tema del director aquejado por una ceguera psicosomática en "Hollywood Ending", de una forma hilarante e irónica. Su director está condenado a dirigir una película en esas condiciones. Para Almodóvar, la ceguera de su realizador es más optimista, e igualmente nada incapacitante, a pesar de las limitantes que tiene para escribir y leer. 

No quiero colocarla entre mis películas favoritas de Almodovar, pero "Los Abrazos Rotos" es un trabajo destacable en su filmografía. Es un filme redondo y equilibrado, fotografiado magistralmente en esta occasion por el mexicano Rodrigo Prieto, y musicalizado estupendamente por su eterno colaborador Alberto Iglesias. De todas maneras, siento que ya es hora que Almodovar empiece a buscar nuevas caras para sus películas. Se está volviendo algo predecible ver a Penélope Cruz, Blanca Portillo, Lola Dueñas y ya no se diga a Chus Lampreave siempre en sus películas. Que bueno sería que en su próxima película, “La piel que habito”, Almodovar se arriesgara con un reparto completamente nuevo e inédito. Es casi imposible, ya que estará protagonizada por Antonio Banderas (con quien ha filmado varias películas en el pasado), pero es una buena señal ver a Elena Anaya por primera vez en una de sus películas.

++Disponible ahora en una edición para coleccionista en DVD. Incluye extras como el trailer, teaser, biofilmografías, escenas inéditas, el cortometraje "La concejala antropófoga", "Pedro dirige a Penélope" y galería de fotos. Algunos de estos extras también se incluyen en el Blu-ray. 

ANTICHRIST * * * 1/2

Charlotte Gainsbourg y Willem Dafoe  en"Antichrist".

Lars Von Trier siempre ha negado ser un provocador. Incluso, cuando lo entrevistan deja evidente su incomodidad cuando se lo mencionan. Con Antichrist (2009) de nuevo le han llovido a “l’enfant terrible” danés las críticas de provocador, añadiéndose además la de misógino. He visto dos veces la película, y no pude encontrar algún detalle, escena, imagen o diálogo, que me sugiriera cierta misoginia. Por supuesto, como casi todo el cine de Von Trier, Antichrist es una película complicada de ver, sin ser por ello lo mejor de su filmografía.

Von Trier se adentra ahora en una historia de horror, pero un horror psicológico, protagonizada únicamente por un matrimonio. La pareja está formada por un psicólogo (Willem Dafoe) y su mujer (Charlotte Gainsbourg),  en crisis debido a la pérdida de su pequeño hijo, muerto accidentalmente al caer por la ventana,  mientras ambos hacían el amor. La escena en donde vemos este accidente es la que abre la película, hermosamente filmada con sublimes edición y fotografía en blanco y negro.  Mientras, escuchamos de fondo  'Lascia ch'io pianga', del “Rinaldo” compuesto por Haendel, hasta que el niño cae de la ventana en la habitación de la pareja. Es difícil creer que no se den cuenta, pero el final tendrá un giro que nos aclarará muchas cosas.

Luego de enterrar a su hijo, la pareja (de quienes nunca sabemos sus nombres)  entra en un duelo tormentoso. El esposo intentará por todos los medios ayudar a que su esposa salga de una profunda depresión y neurosis. Cuando todo falle, el hombre intentará una terapia en el bosque, pasando unos dias en una cabaña donde alguna vez la mujer estaba llevando a cabo una investigación sobre la maldad en la mujer, brujería, satanismo, etc.

Antichrist esta permeada de una atmósfera ominosa y perturbadora. Con el paso del tiempo, vemos que la mujer en lugar de mejorar empeora, hasta caer presa de la locura. Hay una presencia maligna, casi diabólica, que los rodea. La película está llena de situaciones ambiguas al respecto, ya que no sabemos si todo es producto de la mente de los personajes, o realmente algo sobrenatural se ha posesionado de ellos. Nuestro psicólogo empezará a tener visiones de los “Tres Mendigantes”, en realidad, tres animales: un venado, un zorro y un cuervo, aparentemente una especie de mensajeros apocalípticos. No soy experto en Teología, ni nada parecido, pero es lo que se sugiere. O también, el hombre soñará que una lluvia de bellotas cae sobre él.

Muchas escenas están filmadas con cámara Phantom de alta definición, que logra un minucioso y detallado slow motion. También hay muchos efectos digitales. No hay mucho que contar en el filme, pero nosotros como espectadores tenemos mucho que apreciar en cada toma. La tercera parte sigue convenciones hollywoodenses del cine de horror, pero es claro que Von Trier lo hace de manera intencional. Aquí todo se convierte en el clásico juego asesino del “gato y el ratón”, con  sangrientas y sádicas secuencias (mutilación genital incluída,  mostrada en detallado close-up), que llega un momento en que no tiene mucho sentido.

Sin embargo, como el artista consumado que es, Von Trier se ocupa de filmar todo con una genial estética, como ese momento final en el que los Tres Mendigantes entran a la cabaña para presenciar (o provocar) el sacrificio que el  psicólogo tiene que hacer. ¿Está actuando concientemente? ¿Actúa bajo la locura que le producen las visiones, de las que nunca sabemos a ciencia cierta por qué son producidas?

Lars Von Trier afirma que Antichrist está inspirada en un momento de su vida en la que sufrió ataques de ansiedad, como los mostrados en el personaje de Charlotte Gainsbourg. Aunque también ha dicho que muchas imágenes están inspiradas en “viajes” chamánicos que ha experimentado. Como sea, Antichrist me pareció una buena película, artística y muy arriesgada. Al final, Von Trier la dedica a Andrey Tarkovsky. De hecho, todo el filme se siente así, “tarkovskiano”. Mi problema, fue tratar de entender nuevamente el por qué Von Trier siempre tiene que llevar sus personajes femeninos al límite; el por qué siempre gusta mostrarlos sufriendo lo indecible, casi como mártires. ¿Será algo que disfruta mostrar en su cine? 

++Disponible en una edición especial en DVD con extras como:  corto “Vigilancia” de Gonzalo Zona, el cómo se hizo, "El caos reina en el Festival de Cannes", entrevista a los actores, confesiones sobre la ansiedad, diseño de producción de “El Edén”, el sonido y la música de “Anticristo”, los "tres mendigos", el maquillaje y sus trucos, la maldad de la mujer y el estilo visual de “Anticristo”. Curiosamente, son prácticamente los mismos extras del DVD editado por "The Criterion Collection", así como el Blu-ray. 

NAKED LUNCH * * * 1/2

En "Naked Lunch" David Cronenberg se adentra en la delirante y retorcida mente
del escritor William S. Burroughs.

Naked Lunch (1991), largometraje del maestro del horror orgánico David Cronenberg, se reestrenó en España hace un par de años, para darle la amplia exhibición que no tuvo en su momento. Cronenberg tuvo dificultades para encontrar productores que se animaran a financiar esta adaptación de la novela homónima de William S. Burroughs, uno de los tres escritores representativos de la llamada "Generación Beat", junto a Jack Kerouac y Allen Ginsberg. Se decía que la novela era inadaptable al cine, y Cronenberg estaba acariciando el proyecto desde 1981. El alto contenido erótico y, en especial, de consumo de drogas en la novela, hacía difícil que el rodaje viera luz verde.

La novela contiene varias experiencias en la vida de Burroughs, como su etapa de traficante de drogas, que lo llevó a huir de la policía hasta México. En dicho país, el escritor siguió drogándose y ocurrió la trágica experiencia de asesinar imprudencialmente a su esposa, Joan, a quien mató de un tiro en la cabeza durante una fiesta. En un acto exhibicionista y estando ebrios, Joan se colocó un vaso con licor en la cabeza, para que Burroughs jugara a “Guillermo Tell” y le disparara.

El filme es una alucinante historia estilo film noir, en donde Cronenberg logra introducir con mucha facilidad sus preocupaciones temáticas sobre la carne, los delirios de la mente y su influencia en el cuerpo. Esto se concreta en las alucinaciones de Bill (Peter “Robo Cop” Weller), un escritor frustrado que trabaja como exterminador de plagas para ganarse la vida, debido a que, impulsado por su esposa, Joan (Judy Davis), empieza a inyectarse dosis del polvo insecticida. Luego de asesinar a Joan por accidente de un tiro en la cabeza, Bill huirá de la policia hasta África, aconsejado por una criatura mutante, en la forma de una cucaracha con cuerpo de máquina de escribir. La agrupación secreta Interzone, dedicada a la producción y tráfico de una droga hecha a base de ciempiés, y su jefe (Ian Holm), otro escritor, le ofrecen refugio e impulsan en su carrera literaria.

Son notorias las limitaciones que tuvo Cronenberg para adaptar esta complicada obra de Burroughs.  La  trama es algo plana, sin que nunca nos logremos involucrar mucho con el personaje de Bill, atestiguando su deterioro mental debido a su adicción a la droga del ciempiés. En un esquizofrénico escenario kafkiano, el escritor se imaginará como: un expulsor de veneno de insectos y un agente especial bajo las órdenes del monstruo en su misión para destruir a Interzone, mientras este último le dará consejos creativos para finalizar su libro.

El escenario de la ciudad musulmana en el que se mueve Bill, parece incluso creado por su propia imaginación. Él mismo es el probable protagonista de su propia obra, que no es más que una crónica del día a día en su fuga, encontrándose en ese mundo con una doble de Joan, de hecho esposa del líder de Interzone, a la que intentará salvar de caer víctima de las drogas y del hechizo de una bruja lesbiana.

Naked Lunch no pasa de ser una curiosidad en la filmografía cronenbergiana. Tal vez no haya sido lo  mejor para un reestreno en salas comerciales, pero no deja de ser fascinante por el intrigante viaje-revelación de la enfermiza y retorcida mente de un escritor.


++ "Naked Lunch" se encuentra descatalogada en España. Disponible en DVD región 1 y región 4. 

TOP 10 DEL 2010

"How to TrainYour Dragon" y "Toy Story 3"
ambas en mi Top 10 del 2010 y contendientes al Oscar. 

A continuación, doy a conocer mi Top 10 del ya prácticamente terminado 2010, que incluye lo mejor que pude ver este año. Hay 3 películas animadas en esta ocasión: "Toy Story 3", "Fantastic Mr. Fox" (la cual, aunque me encanta Roald Dahl, me ha parecido mucho mejor que el libro original), y "How To Train Your Dragon". La lista no tiene ningún orden de preferencia.  Para mis lectores residentes en México, hago notar que he incluido películas, como "I'm Not There", que tuvieron un estreno tardío en la Península Ibérica, mientras que otras, como "The Messenger", aun no han tenido estreno.

Más abajo, una lista con "Premios de consolación" y "Lo Peor". La primer lista, es para películas que, sin ser lo mejor, vale la pena al menos echarles un vistazo. En la segunda, hay algo de lo peor como de lo que es medianamente palomero.  

Lo Mejor:

1.- Toy Story 3

2.- Shutter Island

3.- Inception

4.- Fantastic Mr. Fox

5.- The Social Network

6.- The Messenger

7.- How to Train Your Dragon

8.- Kick-Ass

9.- I'm Not There

10.- Invictus


Premio de consolación para:

1.- Zombieland

2.- The Girlfriend Experience

3.- Astro Boy

4.- The Princess and the Frog

5.- Two Lovers

6.- Fireflies in the Garden

7.- Océans

8.- Shrek Forever After

9.- Megamind

10.- Chloe

11.- Alice in Wonderland


Lo peor (o no tan bueno)

1.- Survival of the Dead

2.- Dead Snow

3.- Cirque du Freak: The Vampire's Assistant

4.- The Blind Side

5.- The Rebound

6.- Letters to Juliet

7.- Clash of the Titans

CHLOE * * * *

Amanda Seyfried y Julianne Moore jugarán con fuego en "Chloe".

Con Chloe (2009), el realizador egipcio Atom Egoyan ha sido acusado de haberse traicionado a sí mismo, dirigiendo una película "de encargo". ¿Qué director no ha tenido que hacer películas "de encargo"? Hasta un director como Egoyan, con obras magníficas como "Ararat" y "Exotica" puede, en algún momento de su carrera, desviarse del camino. ¿Es una película muy lineal? Tal vez sí. ¿Una película -al menos para los niveles de Egoyan- algo tímida en su exposición de la sexualidad femenina?   Puede ser. El caso es que "Chloe", basada en el filme francés "Nathalie" (2003), dirigida y escrita por Anne Fontaine, es un trabajo de todas formas digno de verse.

Es extraño no ver a Elias Koteas, actor fetiche de Egoyan, interpretando algún papel. La película está escrita por Erin Cressida Wilson, autora de Secretary (2002) y Fur: An Imaginary Portrait of Diane Arbus (2006). Con Chloe, es cierto, parece que estamos lejos de estar viendo una película de Egoyan. La historia es, básicamente, un melodrama familiar, pone en la mira las relaciones disfuncionales entre un matrimonio y su hijo veinteañero. El acercamiento a una historia que parecería un melodrama hollywoodense, es genial y arriesgado. Tiene como centro la manipulación de las emociones a través de la fantasia y la imaginación. El catalizador es Chloe, una bella chica interpretada por la rubia Amanda Seyfried. Chloe es una prostituta, quien por azares del destino acaba encontrándose con Catherine (Julianne Moore, soberbia), una ginecóloga y madre de familia, en medio de una crisis matrimonial con David, su marido (Liam Neeson, estupendo). David es un académico universitario, que gusta ponerse amigable con toda chica que se le pone enfrente. O al menos así lo ve Catherine, quien no nada más lleva una fría y distante relación con su hijo aspirante a músico, Michael (Max Thieriot), sino que incluso tiene la idea de que su esposo le es infiel.

Catherine tendrá un plan, que será tan peligroso como emocinalmente masoquista. La deprimida esposa encargará a Chloe seducir a su esposo, sin reservas ni conseciones, para comprobar si este es capaz de caer en la tentación y serle infiel. Lo que al principio serán torturantes sesiones para Catherine, en donde escuchará lo que Chloe ha ido "logrando" con David, se irá convirtiendo en una obsesión para la doctora, dejando que todo vaya tan lejos como sea posible. Poco a poco, los relatos de Chloe le causarán una peligrosa fascinación sexual a Catherine, quien irá construyendo en su mente las infidelidades de su marido, con su propia imaginación y fantasias. Sin embargo, el plan se le irá escapando de las manos a Catherine, hasta quedar sin remedio atrapada en una red de manipulación emocional y psicológica.

Es verdad, tenemos una película eróticamente light para los estándares de Atom Egoyan. Lo que sabe hacer magnífícamente el realizador, además de lograr inolvidables actuaciones de todo el reparto, es un relato de constantes pulsasiones eróticas, de una creciente tensión sexual entre la obsesionada Catherine y la ambigua Chloe. Camaleónica, de mirada inocente y enormes ojos azules, Chloe, gradualmente, va sacando a relucir un lado obscuro. Amanda Seyfried, quien siempre me ha parecido mejor cantante que actriz, consigue un pathos intenso, una de sus mejores actuaciones a la fecha. Es un duelo actoral  magnífico, entre la siempre genial Julianne Moore y Amanda Seyfried.

No será la mejor película de Egoyan, pero está llena de elementos perdurables. Es admirable la dirección fotográfica de Paul Sarossy,  así como el uso de las locaciones de Toronto (ciudad constante en la filmografía del realizador). La banda sonora escrita por Mychael Danna es profunda y perturbadora en partes iguales. Como un relato maduro de sexualidades reprimidas, Chloe es una obra valiosa e interesante de Egoyan.

++Si quiere saber por qué Catherine y su hijo Michael llevan una relación fatal en la historia, aquí va una ayuda. En la versión final quedaron eliminadas algunas escenas, en la que Catherine cuenta a Chloe cómo hizo que Michael terminará una relación con su maestra de música, 10 años mayor que él. Por esta razón, Michael -aparentemente sin explicación alguna- se encuentra en la película sumamente distante y enfadado con Catherine.

CRIME SPREE * * *

Johnny Hallyday y Gérard Depardieu en la muy tarantinesca "Crime Spree".

No será el gran filme de gángsters, ni nada como hecho por Scorsese o Tarantino, pero Crime Spree  (conocida en Francia como "Wanted", 2003), es un simple churro palomero que, sorprendentemente, acabó entreteniéndome. La película está llena de clichés, lugares comunes y su más que evidente intento de copiar a Tarantino, con seguridad el mayor punto débil de la película, aunque a estas alturas ya no es para escandalizarnos.

Primer largometraje del guionista Brad Mirman, cuya especialidad ha sido el thriller en su corta y no muy destacable filmografía (Body of Evidence, The Piano Player, The Good Shepherd), en Crime Spree tenemos al más icónico de los actores tarantineanos, Harvey Keitel. El actor interpreta, sin mayor complicación, el papel de un capo de la mafia, el mayor atractivo del filme en medio de un reparto que logra sacar adelante sus papeles. Gérard Depardieu cumple sin mayores complicaciones en su personaje de jefe de una pandilla de ladrones ineptos.

Esta comedia gangsteril, sin más remedio, logró engancharme con su derivativa trama. Si uno va con el humor adecuado y sin muchas exigencias, encontrará divertidas varias de las situaciones y diálogos. Tenemos la clásica verborrea estilo Tarantino en la que se enfrascan los gángsters, junto al uso de canciones clásicas en momentos claves.

Luego de un fallido robo, Daniel (Depardieu) y una banda dispareja de ladrones. La pandilla está  formada por un tipo que gusta referirse a sí mismo en tercera persona; un algeriano que no habla jota de francés, otro más que primero golpea y luego pregunta, un tipo con complejo de Edipo que se siente psicólogo, y otro que tiene la ocurrencia de pedir vino en un restaurante americano de cuarta categoria. Todos ellos viajarán desde París a Chicago, por encargo de un líder mafioso quien les ha pedido que roben un collar.

Sin embargo, todo sale mal cuando, por equivocación, llegan a robar a la casa de Frankie Zammeti (Keitel), iniciándose así una mala racha para los fallidos ladrones, ahora en guerra con la mafia italiana de Chicago. Pero eso no es todo. Los inútiles empiezan a ser perseguidos hasta por el FBI, involucrándose además en el mercado negro del arte, por el robo de un cuadro de Van Gogh.

Mirman dirige la película con la mayor funcionalidad posible, y sin mucho estilo que digamos. La película pertenece siempre a Keitel, y el reparto se ve beneficiado por un grupo de buenos actores secundarios. Si en algo destaca Mirman, es en su guión, al que supo imprimirle un toque cómico sin muchas pretensiones.

++"Crime Spree" fue estrenada en el "Festival Internacional de Cinema Negre de Manresa", y también tuvo estreno comercial. Actualmente, se encuentra descatalogada en DVD.