THE PRINCESS AND THE FROG * * * *

Musicalizada brillantemente, The Princess and the Frog retoma el clásico cuento de Cinderella y del príncipe convertido en rana, y lo ambienta en la Nueva Orleáns de los 1920.

No importa cuánto avance la animación en 3D y su impresionante realismo. The Princess and the Frog (2010) es una prueba más de que la animación tradicional en 2D puede seguir siendo atractiva e, incluso, impresionante, sin necesariamente verse anticuada. Por supuesto, las buenas historias siguen siendo parte medular. Al final, no importa si una película animada se ha realizado con las tecnologías digitales más avanzadas. Si no hay una buena historia de por medio, la película está condenada al fracaso.

The Princess and the Frog, dirigida y escrita por Ron Clements y John Musker (Hercules, Treasure Planet, Aladdin), retoma la historia clásica de la Cenicienta, así como la del príncipe convertido en rana (o sapo, lo que usted quiera) por un hechizo, que sólo el beso de una princesa puede romper. Los giros en estos relatos resultan divertidos e interesantes en partes iguales, todo en la forma de un musical en el que uno de los mensajes es que en el verdadero amor y amistad no existen barreras raciales o de clase social. Otro de sus mensajes -el favorito de la Disney-, es el poder de creer en los sueños. Para empezar, la historia está ambientada en un territorio que la Disney nunca había explorado antes: la Nueva Orleáns de los años 1920. El musical está formado por una ecléctica selección de estilos, que van desde el jazz Dixie Land, hasta la música cajun y hill billie, en una banda sonora compuesta en su totalidad por el famoso músico de jazz Randy Newman. Un cuento de hadas con sabor a jazz ha sido algo irresistible para mí. Todos y cada uno de los números musicales son estupendos.

Debo reconocer que la Disney sigue anclada en ciertos convencionalismos, como el infaltable personaje tragicómico al que le pasa todo, un cocodrilesco homenaje a Louis “Satchmo” Armstrong, quizás el más famoso trompetista de jazz de todos los tiempos. Louis (voz de Michael-Leon Wooley), un cocodrilo que sueña con tocar jazz sin asustar al resto de los músicos, se une al grupo encabezado por Tiana (voz de Anika Noni Rose) y el príncipe Naveen de Maldonia (voz de Bruno Campos). Tiana y Naveen (mezcla de latino, algo de árabe y un estilo cómico a lo Roberto Benigni), han quedado convertidos en ranas por culpa de un hechizo creado por un brujo vudú (voz de Keith David). Ambos se aventuran por un peligroso pantano para buscar la ayuda de una bruja cajun, Mamma Odie (voz de Jenifer Lewis), quien, a través de un gran número musical, les dirá que la respuesta está “trabajando y buscando con mucho esfuerzo”. No suena de mucha ayuda, es cierto.

La película estuvo nominada en la pasada entrega de los Oscares a “Mejor Película Animada”, así como a “Mejor Canción Original”. The Princess and the Frog me resultó divertida, y su recreación de época me ha parecido simplemente impresionante. Tiene algunos detalles gastronómicos bien reflejados, como la constante presencia de los beignés o pan endulzado con miel y azúcar, típico del sur de los Estados Unidos. Como rana, el príncipe acaba siendo muy cómico, al provocar risas por todas las desgracias que le ocurren. Por el contrario, Tiana resulta más conmovedora. No nada más lamentamos su desgracia de verla convertida en rana al besar a Naveen, con tal de perseguir el viejo sueño de su padre (voz de Terrence Howard, y por cierto, Oprah Winfrey dio voz a la madre) de abrir un restaurant, sino por la entereza que muestra en su “pegajosa” aventura (hay un gag constante en referencia a tener la piel siempre cubierta de “moco”). El personaje más esteriotipado acaba siendo una luciérnaga cajun, Ray (¿En homenaje a Ray Charles?), quien, simbólicamente, es la “luz” que los irá guiando por el pantano. Ray es como un quijotesco personaje de cara loca, que anhela reunirse algún día con su “Dulcinea”, es decir, su fallecido amor de nombre Evangeline, quien vive en el cielo convertida en estrella.

En estos tiempos, creer que no hay intervención digital en una película de animación tradicional como The Princess and the Frog, es engañarse. El merito de los realizadores ha sido disimularlo lo mejor posible, y que no se rompa la ilusión de estar viendo una película clásica de la Disney realizada a la vieja usanza. Si bien el productor ejecutivo ha sido John Lasseter, productor y realizador de muchas películas de la Pixar, no existen aquí las pretensiones de alcanzar esos niveles. Ni cuando el reloj marca la medianoche (porque aquí también, a la medianoche, cierta magia acabará o surtirá efecto), se rompe el encanto. Es verdad, la Disney no hace más que retomar y retomar viejas fórmulas, trabajarlas una y otra vez. Pero cuando se alcanzan los niveles de producción y musicalización de The Princess and the Frog…¿Por qué habría uno de quejarse?

++ Próximamente en DVD. Entre los extras se podrán encontrar escenas eliminadas (en forma de story boards) comentadas por los realizadores, el vídeo musical de Ne Yo, así como un montón de trailers de estrenos de la Disney en DVD y Blue Ray. Entre las novedades se encuentra el trailer de Tangled, adaptación del cuento de "Raspunzel", la próxima producción animada de Walt Disney Animation Studios.

EN EL MUSEO

La exposición "Los Cisnes Salvajes. Detrás de Cámaras" trata sobre el trabajo de la reina Margarita II de Dinamarca (tercera de izquierda a derecha), en la adaptación al cine, diseño de arte y vestuario, del cuento clásico de Hans Christian Andersen.

El Museo Franz Mayer de la Ciudad de México, dedica una pequeña exposición al cine danés que, irónicamente, no tiene por lo regular cabida en las salas comerciales de este país. Se trata de "Los Cisnes Salvajes. Detrás de las Cámaras", una rápida pero interesante mirada a una parte de la producción de esta adaptación del famoso cuento de Hans Christian Andersen al cine. Lo que más me ha llamado la atención, es que la exposición está dedicada al trabajo que la reina Margarita II de Dinamarca llevó a cabo para la película, no nada más adaptando el cuento de Andersen, sino diseñando el vestuario y el arte del filme.

Titulada originalmente De vilde svaner ("The Wild Swans", por su título internacional), y dirigida por Peter Flinth y Ghita Norby, la exposición cuenta con el vestuario del reparto principal, acompañado por las pruebas fotográficas hechas a los actores. Por otro lado, también se puede ver un material que, al principio, puede resultar desconcertante: un conjunto de collages de mediano formato, que en realidad, son los escenarios utilizados en la película.

En la última parte de la exposición, podemos ver un pequeño documental sobre el "detrás de cámaras", en el que nos damos cuenta que la reina Margarita y los realizadores llevan a cabo un experimento similar al de Eric Rohmer en "L'anglaise et le duc" (2001), donde los escenarios eran pinturas. En la película "The Wild Swans", los actores trabajaron frente a pantallas verdes, en donde se montaron digitalmente los escenarios, realizados previamente con la técnica del decoupage (una forma de collage), y se les dieron además una cualidad tridimensional.

El cuento narra cómo los hermanos de la princesa Elisa, son convertidos en cisnes por la nueva esposa de su padre, una reina sumamente celosa. Hasta el momento, la película no tiene fecha de estreno en España. La exposición estará abierta del 5 de marzo al 23 de mayo.

Para mayor información, visitar la página del museo, así como la página oficial de la película (sólo en danés)

Still donde se muestra uno de los escenarios digitalizados, previamente realizado con la técnica del decoupage.

EL CARTEL

ALICE IN WONDERLAND * * * (y * * * * para el cartel del personaje de Alice)

Me pongo al corriente con carteles de estrenos pasados. Para Alice in Wonderland, de Tim Burton, se realizó una pequeña serie de carteles de personajes, algunos carteles para el estreno y unos teasers. Los carteles de personajes me parecieron lo mejor de toda esta serie, dedicados a promocionar la versión en 3D de la película. Se crearon carteles para Alice, Mad Hatter (por cierto, algunos dicen que en el cartel Johnny Depp se parece a Elijah Wood), The Red Queen, The White Queen, así como a los gemelos Tweedledee y Tweedledum. La idea básica de estos carteles, fue realizar un fondo con un tema visual trabajado en patrones (a manera de papel tapiz), como un símbolo que les identificara a cada uno de inmediato: sombreros, corazones rojos y blancos, teteras, tazas y, para el caso de Alice, un cerrojo. Luego del cartel de Mad hatter (con un juego de explosivos colores pop y sombreros formados en una secuencia en espiral), el mejor es el de Alice. No nada más utiliza este cartel, de manera muy original, el cerrojo como elemento identificativo del personaje (el portal que la lleva a Wonderland), sino por su juego de escalas. La taza y el plato forman parte del escenario en el que se encuentra una diminuta Alice, de pie justo al centro del plato, con la taza inclinada al fondo. Cada detalle del retoque está sumamente cuidado, en el reflejo del color verde en los zapatos, en la taza y el plato. La pose de Alice es punto y aparte. Su actitud es como de haber sido descubierta al levantar la taza, mirándonos tímidamente. Aunque Alice es el personaje principal, su retrato no es de gran formato como el de los otros personajes.

En cuanto a los carteles del estreno, no son más que un adelanto de la visión de Tim Burton para Wonderland, escenificando, en composiciones sencillas pero cuidadas, algunas partes de la historia. Lo que caracteriza a estos carteles, es que predominan las formas orgánicas de la vegetación (muchas lineas curvas, quebradas, volúmenes en los hongos, etc) en el que se sienten envueltos los personajes. Hay sensaciones cromáticas contrastantes en los carteles, entre lo grisáceo de las atmósferas y el colorido de la vegetación. Para finalizar, aunque resulta atractiva su propuesta de hacer quebradiza e inestable la tipografía del título, dándole un toque mágico y étereo, es el tipo de letra que siempre usa Tim Burton en muchos carteles de sus películas (Corpse Bride, por ejemplo). Por cierto, el enorme hongo ha servido como punto de unión para dos carteles.

BROTHERS * * * 1/2

De los carteles recientes más interesantes, se encuentra el de Brothers, dirigida por Jim Sheridan. El cartel es una aséptica propuesta cromática con un enorme fondo blanco, prácticamente envolviendo a los personajes. El colocar en perfil a los tres protagonistas, Tobey Maguire, Natalie Portman y Jake Gyllengaal frente al fondo blanco, les da una especie de desnudez simbólica, como en los clásicos experimentos fotográficos de Richard Avedon. El mismo efecto se percibe en este cartel, uno que descontextualiza a los personajes de cualquier ambiente y los coloca en una suerte de dimensión celestial. Otro aspecto atractivo en el diseño del cartel (realizado por el despacho Ignition Print), es el efecto fragmentado en la parte derecha, en el área que cupa Jake Gyllengaal, y que atravieza a Natalie Portman. El simbolismo más común que se pretende crear con este efecto, es el de las vidas y/o almas fragmentadas, uno de los temas de la película. Y este efecto lo han llevado los diseñadores a la tipografía del título y que se refuerza con el tagline “There are two sides…to every family”. La propuesta visual del cartel no podría ser más fría, junto a la limpieza estética que proyecta, con mucho espacio en su parte superior gracias a la composición en "T" que se ha elegido, con el título y los créditos al centro. En el cartel español, el diseño del título proyecta una sombra con el título en español (Hermanos), y se ha retocado para darle una tonalidad más cálida a las fotografías, cosa que rompe con la intención estética deseada en el cartel.

PEANUTS, EL CINE Y LOS MEDIOS

(Publicada originalmente el 12 de marzo de 1963)

Me temo que por primera vez tengo que ponerme del lado de Lucy. Son muy conocidos los casos en que los artistas "pierden suelo", y todo buen soporte les parece poca cosa para trabajar. Poca cosa frente a lo que exige Linus en esta tira. No creo que Rimbaud se haya puesto tan exigente, como Linus, con el papel en el que escribía sus poemas. Digamos que Linus necesita "aterrizar" y Lucy le ayudará a poner los "pies en la tierra."

TORRENTE, EL BRAZO TONTO DE LA LEY * * 1/2

Santiago Segura y Tony Leblanc en "Torrente, el brazo tonto de la ley", una parodia del thriller policiaco hollywoodense y las buddy movies.

Me siento culpable. Con Torrente, el brazo tonto de la ley (1998), primera película sobre el decadente policia madrileño creado e interpretado por Santiago Segura, me he reído. No a carcajada suelta, pero hubo algunos gags, diálogos y personajes bizarros, que acabaron por hacerme reír. En sí, Torrente es una caricatura vulgar y misógina, pero si hay un logro en esta famosa creación del, de todas formas, fuera de lo común Santiago Segura, es que está pensado para que nos burlemos de todas sus desgracias. Torrente es una parodia del típico thriller policiaco hollywoodense, hace mofa de los convencionalismos del género y su personaje intenta ser una especie de antihéroe.

Lo gracioso de José Luis Torrente, es que parece todo menos policia; un tipo que vaga por bares de tapas y calles de Madrid luciendo más como un pobre diablo que otra cosa. A pesar de haber sido echado del cuerpo policiaco 3 años atrás, en su cabeza Torrente cree que sigue siendo un policia, con misiones que cumplir y todo. Está de más decir que Torrente es una película escrita y pensada para un público masculino, además de que está años luz de ser un trabajo con una mínima calidad cinematográfica. Pero no nos pongamos tan exigentes con una comedia descerebrada que no pretende ser más que eso, y que tampoco demandará verse una segunda o tercera vez.

José Luis Torrente va por las calles en un auto viejo, escuchando flamenco y es un acérrimo seguidor del "Atleti" de Madrid. De lejos, califica para ser el epítome del nacionalista español hasta la médula. Torrente vive con su anciano padre (Tony Leblanc), y lo utiliza para ganar dinero, sacándolo a pedir limosna en una silla de ruedas. Mientras, el tipo va en busca de aventuras, y en su camino se topara con Rafi (Javier Cámara), inocente, tímido y con gafas de considerable graduación, encargado de llevar el negocio familiar de pescadería. En resumen, Torrente y Rafi serán un “dúo dinámico” venido a menos; la pareja perfecta para parodiar, de paso, las buddy movies policiacas: el “maestro” (Torrente) enseñando al tal vez no tan inocente “alumno” (Rafi), quien desea convertirse en policia.

La trama es lo de menos. Siendo Torrente radical en su nacionalismo (“Estamos llenos de negros y árabes cada vez más…”), su misión será desmantelar una red de narcotráfico, en la que inmigrantes chinos están involucrados, junto a una mafia local. Mientras, vemos cómo Rafi es el personaje más interesante, al ser el que va tomando más confianza y seguridad en sí mismo, Torrente, por el contrario, al final seguirá siendo el mismo pobrediablezco y lastimero tipo de siempre. En la escena final la película se cae rotundamente (la escena dentro de la ambulancia, poco antes de los créditos), y por otro lado, Torrente decepciona como personaje, al ser completamente unidimensional. Dentro de toda su decadencia, defectos y miserias típicamente masculinas, no tiene alguna otra cualidad a la cual podamos asirnos. Es verdad, es una caricatura; es verdad que todavía tiene cierto sentido del deber, pero,… ¿Eso es todo lo que Torrente nos puede ofrecer? Como dije, tal vez esté exigiendo demasiado.

++ Disponible en una edición especial del 10° aniversario, con extras como el trailer cinematográfico, spots de TV, el "Cómo se hizo", videoclips, escenas inéditas, galería, "Más sobre Torrente: El director", los actores y "Torrente y los Goya".

SHUTTER ISLAND * * * * 1/2

Mark Ruffalo y Leonardo DiCaprio en "Shutter Island", una fascinante historia hard boiled detectivesca, con un inesperado toque de suspenso psicológico.

Por más que lo intenté, no pude leer “Shutter Island”, escrito por Dennis Lehane (también autor de Mystic River) antes de ver la adaptación de Martin Scorsese al cine. Seguro la leeré, aunque por lo pronto puedo decir que, como película , Shutter Island me ha parecido magnífica. No es lo mejor que ha hecho Scorsese a la fecha, pero el filme es notable. Lo suyo es el cine de gángsters, pero el intento de Scorsese por sumergirse en una historia hard boiled detectivesca, con un intrigante toque de suspenso psicológico, es una muestra más de que el realizador puede moverse sin problemas en cualquier terreno, siempre y cuando haya mentes enfermizas y criminales de por medio en la historia.

Shutter Island también es una muestra de que la mancuerna que ha formado con Leonardo DiCaprio es una de las más sólidas. Leonardo DiCaprio ha logrado las mejores actuaciones de su carrera junto a Scorsese, y en Shutter Island aquel vuelve a conseguir una actuación que alcanza cotas altas. Seguir una trama que está instalada todo el tiempo dentro de una isla, en la que se ubica un hospital para criminales con enfermedades mentales, puede ser una tarea que no se antoja mucho seguir. Por lo tanto, toda la fuerza de la película radica en las potentes actuaciones de todo su reparto. En Shutter Island, prácticamente toda la acción sucede dentro de la mente convulsa y torturada del personaje interpretado por DiCaprio, el policia federal Teddy Daniels. A través de escenas de un delirio surrealista, buñuelianas me atrevería a decir, nos iremos enterando del pasado militar de Teddy y el por qué vive cada noche teniendo pesadillas. Las más recurrentes, son sobre su entrada junto a una tropa para liberar un campo de concentración.

El año es 1954, y junto a su nuevo compañero, Chuck (Mark Ruffallo), Teddy llega a la isla para investigar la misteriosa desaparición del hospital de una peligrosa asesina. Pero como sucedió con el personaje de Jack Nicholson en The Shining, el irrespirable y tétrico ambiente del lugar empieza a despertar en Teddy fantasmas del pasado, visiones terroríficas y la perturbadora e imaginaria presencia de su esposa fallecida (Michelle Williams). No ayudará mucho la hermética y sospechosa actitud del doctor que dirige el hospital (Ben Kingsley, inmejorable como siempre), y no pasará mucho para que Teddy se entere de que posiblemente en el hospital esté internado el asesino de su esposa.

Para muchos, el principio de Shutter Island ha resultado lento y cansado. Incluso, para una periodista del Entertainment Weekly, a la película le ha sobrado metraje. Al menos para mí, que disfruto mucho de la literatura hard boiled y el film noir, la primera hora, aunque se dedica a seguir las mayores convenciones de estos géneros: los hallazgos de pistas, largos interrogatorios de los policias, sus diálogos tratando de embonar las pistas, etc., lo más atractivo de esta parte es que se inclina más por la descripción psicológica de Teddy. Es tan brillante como la descripción que Scorsese hizo del obsesivo compulsivo Howard Hughes en The Aviator.

Falsas pistas, falsos culpables, ambientes opresivos, giros inesperados, etc., Shutter Island evoluciona hasta un punto en que todo mundo es sospechoso. Teddy no podrá confiar en nadie, ni siquiera en él mismo, ni en lo que ve, siente, piensa o percibe, como en las buenas historias de misterio. Cuando llega un momento en que a uno se le puede acabar la paciencia, cuando la locura de Teddy es tal que ya no hay nada más para él de dónde asirse, llega el final revelador, de esos de los que no se puede contar ni insinuar absolutamente nada. De hecho, una de las mejores escenas está precisamente en esta parte, un flash-back que nos aclara todo de una vez por todas. Es cierto, al final quedan algunas preguntas al aire. No dejé de sentir que la película hubiera podido quedar mejor resuelta. Algo que nada más podré saber hasta que lea el libro de Lehane.

++Lo mejor: la descripción psicológica que hace Scorsese de Teddy Daniels.
++Lo peor: Sentir al final que algo ha quedado sin resolverse del todo.

THE INFORMANT! * * * 1/2

Matt Damon, con un evidente sobrepeso para su personaje, tiene una estupenda actuación en "The Informant!"

The Informant! (2009), dirigida por Steven Soderbergh, empieza como una parodia (con todo y música chusca), sin un rumbo del todo definido sobre lo que nos trata de contar. La historia arranca con el pretexto de contarnos la gran importancia de la lisina, una proteína que se extrae del maíz y que se usa como endulzante de “un montón de cosas”. The Informant! conserva ese tono paródico hasta el último minuto, con todo y que se nos va revelando, minuto a minuto, la enfermiza e inestable naturaleza de su personaje, Mark Whitacre (Matt Damon, estupendo). Al principio, sentí que estaba a punto de perderme entre las explicaciones que Mark nos va dando sobre esta proteína en su narración en off. Aunque créame, las cosas irán tomando sentido, e iremos conociendo quién es realmente Mark.

Estamos prácticamente a merced de Mark en el transcurso del filme. Creeremos lo que él quiere que creamos. Detrás de su facha de impecable empleado de la empresa ADM, dedicada a extraer la lisina y comercializarla, se esconde un tipo inquietante, que siempre tiene algo que esconder. The Informant! es una película con momentos graciosos, que intenta parodiar películas de espionaje de una forma que no es muy obvia. Los mejores momentos son durante las operaciones especiales que Mark llevará a cabo con la ayuda de un agente del FBI (Scott Bakula), soportando este último, estoicamente, la total falta de cuidado, profesionalismo y discreción que el primero tiene en el caso que quieren denunciar: los tratos ilegales que la ADM está haciendo con una empresa japonesa competidora.

La intención principal de Soderbergh no es tanto crear una buddy movie, sobre la dupla dispar que se hace la vida imposible, pero que en el fondo se estima. Jamás existe una intención clara de Mark por formar una amistad con el agente especial. La película recuerda mucho a “The Insider” de Michael Mann. Los personajes de ambas películas incluso son científicos. También se perciben ecos de “Catch me if you can”, de Steven Spielberg. Como aquellas, The Informant! también está basada en un caso real, adaptando a su vez el libro homónimo de Kurt Eichenwald. El caso es que, si bien en The Informant! estamos ante un tipo que cometió uno de los mayores fraudes y robos a una empresa a mediados de los 1990, Mark no me ha parecido el personaje brillante que uno supondría. Es verdad, Mark es hábil en el arte del engaño, pero acaba siendo patético hasta la última escena, con una o dos sorpresas bajo la manga.

La banda sonora es de lo más ecléctica: música groovy al estilo de la trilogía de “Ocean’s Eleven”, un par de piezas que suenan a “Tijuana Brass”, etc. Mientras, la magnífica fotografía de Peter Andrews (el pseudónimo de Soderbergh para su crédito de cinefotógrafo), es una agradable combinación de luces suaves y ambientes cálidos. Mark no será un genio, pero su personaje es perfecto para una película que, en la primera mitad, es una disfrutable parodia de corte independiente, con todo y tener a Matt Damon en el papel principal, mientras en la segunda mitad, es un pequeño estudio sobre la personalidad de un mentiroso patológico.

++El DVD únicamente incluye escenas eliminadas.

2046 * * * *

Tony Leung repite como el Sr. Chow en "2046".

El título de 2046 invita a pensar en una película futurista, pero no es así. Hay algo de ciencia ficción futurista, no voy a negarlo, pero esta nada más existe en la mente de su protagonista, Chow-Mo-wan (Tony Leung), el famoso personaje que Wong Kar Wai presentara por primera vez en 1990 en la película A Fei zhen chuan (Days of Being Wild). De alguna manera, 2046 (2004) es una secuela de In the Mood for Love (Fa yeung nin wa, 2000), aunque resulta muy diferente el Sr. Chow de 2046. Sigue sobreviviendo como periodista, aunque ahora tendrá una marcada debilidad por las mujeres y la vida nocturna. Una de sus víctimas será una bella chica, Bai Ling, quien se prostituye en el mismo hostal donde se hospeda Chow, interpretada soberbiamente por Zhang Ziyi.

El 2046 del título, es el número del cuarto que ocupa Bai Ling en este hostal, y además servirá para que Chow cree un mundo futurista en una novela que se encuentra escribiendo. El universo que crea está poblado por androides y personas que tratan de llegar a un lugar calificado como “2046”, un idílico sitio en donde creen encontrar la felicidad, amor y los “recuerdos perdidos”. Muchos han estado ahí y simplemente desean regresar. Aunque suene atractiva esta idea, no es más que un homenaje a “Alphaville” de Godard, con su universo futurista poblado por gente robótica privada de emociones y sentimientos. No tendrán mucho parecido las historias de 2046 y Alphaville, pero tienen en común personajes huyendo de un mundo futurista en busca del amor. El diseño de producción en esta parte fantástica de 2046 es bueno, los escenarios digitales aceptables y con imágenes muy bellas, pero la consideré poco más que estorbosa para lo que realmente resulta interesante en la película: las aventuras y desventuras de un Sr. Chow ambiguo, impredecible y lleno de sorpresas, interpretado con la misma eficacia de siempre por Tony Leung.

Wong Kar Wai entrega nuevamente una historia romántica poblada de personajes atormentados por el amor, en una serie de mini historias que tienen el hostal como escenario común, y a Chow como catalizador de todas ellas. A veces tuve la sensación de estar viendo una calca de In the Mood of Love. Wong ha filmado 2046 de una forma prácticamente similar a In the Mood for Love, cosa que está lejos de ser un defecto, ya que lo mejor en 2046 es seguir viendo sus encuadres maravillosamente compuestos, marca inconfundible del realizador. Es un deleite apreciar cada toma, donde la luz y el juego de reflejos es siempre un elemento primordial.

Si a este magistral trabajo fotográfico de Christopher Doyle y Pung Leung Kwang (fotógrafo en In the Mood for Love) agregamos una hipnotizante banda sonora a cargo de Shigero Umebayashi, y la canción “Siboney” interpretada por Connie Francis (que acaba convertida en leit motif sonoro), 2046 termina siendo una película más que recomendable para aquellos que hayan disfrutado In the Mood for Love. Vemos también aquí la década de los 1960 a través de los ojos de Chow, y la escuchamos a través de sus oídos. 2046 es, incluso, un poco más subida de tono, más tormentosa y, la verdad sea dicha, quizás un poco más misógina. Todas las mujeres sufren por culpa de los hombres, y la que no es prostituta es una experta apostadora, Su-Li Zhen (sí, el mismo nombre del personaje de Li Gong en In the Mood for Love), que ha perdido una mano por culpa de alguna “mala” apuesta. Si hay algún personaje femenino complejo e íntegro, es el de la hija del dueño del hostal (Faye Wong), atrapada en la red de un amor imposible con un japonés y que tiene talento para escribir.

¿Habrá una cuarta película sobre las aventuras románticas del Sr. Chow?. Es posible. En tanto, yo seguiré quedando atrapado en esos rincones y espacios que Wong Kar Wai sabe magistralmente encerrar en cada toma.

++Disponible en una edición especial con 2 discos. Entre los extras incluye: filmografías, ficha técnica, ficha artística, galería animada, entrevistas y perfil W.K.W. "La Utopía", "El músico de la imagen Christopher Doyle", "La seducción Maggie Cheung", dossier de prensa en imagen, tráiler y trailer oculto, carteles internacionales, premios y nominaciones.

PEANUTS, EL CINE Y LOS MEDIOS.

(Publicada originalmente el 5 de marzo de 1963)

¿Quién ha dicho que los perros no tienen voz ni voto? Aquí está Snoopy para probar todo lo contrario. En esta tira sale en la defensa de los animales y cómo son retratados en los dibujos animados. Tiene razón, muchos lucen muy estúpidos, pero hay otros que sacan a relucir cierta inteligencia de vez en cuando. Y nadie como Snoopy, quien se da su tiempo para usar su máquina de escribir ocasionalmente, y adoptar varias identidades. ¿Su carta será tomada en cuenta? ¿Los productores televisivos han tomado en cuenta alguna vez al televidente? Difícilmente, pero la esperanza muere al último.

PREMIOS OSCAR 2010

"¡Te estoy mirando James! ¡Te estoy mirando!"

Entre apuestas, predicciones y muchas expectativas, la entrega de los premios Oscar tuvo lugar ayer domingo 7 de marzo, en una ceremonia más bien desangelada y que se caracterizó, más que nada, por haber sido apresurada. Tan sólo hubo un número musical y no muchas sorpresas. Si por algo destacaron estos premios Oscar, es que, por primera vez en la historia de la Academia, le fue otorgado a una mujer el premio a Mejor Director. Kathryn Bigelow se llevó el premio a Mejor Director por su trabajo en The Hurt Locker, una película, irónicamente, protagonizada en su mayoría por un reparto masculino, cuya trama trata sobre un desactivador de bombas en la guerra de Irak.

Pero la mayor sorpresa de la noche, es ver que Avatar no ha conseguido llevarse el Oscar a Mejor Película, contrario a todas las expectativas. James Cameron, su realizador, tuvo que conformarse nada más con premios en categorías técnicas, incluyendo uno que me dejó boquiabierto, el de Mejor Fotografía. Según la Academía, el trabajo de fotografía de Avatar estuvo muy por encima del realizado en The White Ribbon, de Michael Haneke. Fuera del gran trabajo de iluminación realizado por Mauro Fiore en Avatar, y de algunos paisajes muy bellos, no me pareció del todo redonda su cinefotografía y digna de un Oscar. El Oscar a Mejor Película -como todo mundo ya lo sabe- ha sido también para The Hurt Locker, algo que al final me ha dejado satisfecho. La credibilidad de la Academia hubiera sido puesta en duda (como en tantas otras ocasiones) de haber premiado a Avatar, que si bien me gustó, no era digna de ganar el premio. La ciencia ficción tendrá que esperar un poco más.

Otro aspecto que hizo historia, fue la conducción por dos anfitriones, Steve Martin y Alec Baldwin. No habrán tenido la versatilidad de Hugh Jackman, anfitrión el año pasado, que cantó y bailó, pero tanto Martin como Baldwin tuvieron buena química en el escenario. No dudaron en hacer bromas de todo tipo a buena parte de los asistentes. Y al respecto, quien ha robado cámara ha sido George Clooney, quien lució serio desde el principio y prácticamente toda la ceremonia, algo que seguramente se debió a que ni Martin ni Baldwin fueron de su agrado. A pesar de todo, hubo momentos graciosos, como Ben Stiller maquillado como un Na'Vi de Avatar y bromeando con un James Cameron dispuesto a pasarla bien, así como un sketch (uno sólo en toda la ceremonia) de Steve Martin y Alec Baldwin parodiando a "Paranormal Activity".

La presencia española se dejó ver y sentir. La cámara tomó en varias ocasiones juntos a Penélope Cruz y a Javier Bardem. Antonio Banderas llegó luciendo una larga barba (seguramente para algún personaje en el que se encuentra trabajando), mientras que Pedro Almodóvar entregó el premio a Mejor Película Extranjera a Juan José Campanella por "El Secreto de sus Ojos", junto a Quentin Tarantino. Fue un momento irónico y extraño, ya que muchos críticos argumentan que Almodóvar hubiera podido estar entre los nominados en dicha categoría por "Los Abrazos Rotos", cosa que no sucedió debido a que no fue propuesta a tiempo a la Academia.

A continuación, una pequeña lista con los principales premiados:

Mejor Película: The Hurt Locker
Mejor Director: Kathryn Bigelow, por The Hurt Locker
Mejor Actor: Jeff Bridges, por Crazy Heart
Mejor Actriz: Sandra Bullock, por The Blind Side
Mejor Guión: Mark Boal, por The Hurt Locker
Mejor Actor de Reparto: Christoph Waltz, por Inglourious Basterds
Mejor Actriz de Reparto: Mo'Nique, por Precious
Mejor Película Animada: Up

...y una lista de mis premiaciones "no tan serias" de la entrega de los Oscares 2010:

+El más gracioso: Ben Stiller maquillado como un na'vi para entregar el premio a "Mejor Maquillaje". "Lo extraño es", dijo Stiller, "es que Avatar ni siquiera está nominada a Mejor Maquillaje".
+El mejor perdedor: James Cameron, quien demostró una sincera alegría al ver que su ex, Kathryn Bigelow, había ganado el premio a "Mejor Director".
+El más serio: ¿Alguien logró captar el momento exacto en que Clooney se enfadó con Steve Martin y Alec Baldwin? Creo que fue entre una broma a Meryl Streep y otra a Kathryn Bigellow. No estoy seguro, pero fue por una broma a una mujer. George apenas y esbozó una sonrisa en toda la ceremonia.
+La peor corbata: la de Robert Downey Jr., parecia de mago de fiesta infantil.
+El más emotivo: Jeff Bridges con su discurso dedicado a su padre y actor, Lloyd Bridges, y a su madre y actriz, Dorothy Dean Bridges.
+El que se quedó sin palabras a mitad de discurso: Jeff Bridges nuevamente, quien ya no sabía a quien más agregar a su lista de agradecimientos.
+Los mejores tórtolos: Penélope Cruz y Javier Bardem.
+El gran ausente: gana de nuevo Jack Nicholson. ¿Que pasa que ya no invitan a Jack?
+Las mejores gafas para sol: las de T. Bone Burnett.
+El momento más emotivo (y nostálgico): el homenaje que realizaron actores que trabajaron con el fallecido realizador John Hughes.
+Las más guapas: Charlize Theron, Kate Winslet, Meryl Streep y Helen Mirren.

+El mejor vestido: George Clooney y Steve Martin.
+El más desaliñado: Quentin Tarantino.
+La más desaliñada: Sarah Jessica Parker, despeinada, en extremo bronceada y mascando chicle.
+La mejor vestida: Meryl Streep y Jennifer Lopez.
+La más extravagante: Sandy Powell, ganadora del premio a "Mejor Diseño de Vestuario".
+La más confundida: Sandra Bullock, cuando al entregar el premio a "Mejor Fotografía" se descontroló al ver que no pasarían escenas de los filmes nominados.
+La gran omisión: Farrah Fawcett, olvidada durante el homenaje a las personalidades y celebridades fallecidas.
+El peinado más extraño: Quentin Tarantino (que no es sorpresa) y Sandra Bullock, con una raya que iba sin rumbo definido por su cabeza. Se veía guapa de todas formas.
+Las mejores (y más auténticas) lágrimas: las de Gabourey Sidibe, mientras escuchaba sentada las palabras de admiración por parte de Oprah Winfrey. ¡Bueno, bueno está bien! Las lágrimas de Sandra Bullock durante su discurso también me llegaron a lo más profundo.
+El más ansioso: Tom Hanks, lanzando de golpe y sin previo aviso el nombre de la película ganadora a "Mejor Película".
+El mejor estornudo interrumpido: Bueno, algo así hizo Kristen Stewart cuando apareció en escena junto a su compañero de reparto en New Moon, Taylor Lautner. Igual y fue un eructo.
+El mejor anuncio de nominados: El de las películas animadas, con sus protagonistas (Coraline, Mr. Fox, Mr. Fredricksen, etc.) diciendo unas palabras antes de anunciar el premio.
+El momento más bizarro: Steve Martin matando unas medusas voladoras tridimensionales con un insecticida.
+La mejor burla: la que hicieron Steve Martin y Alec Baldwin a George Clooney. En lugar de decirle alguna broma, sólo se le quedaron viendo fijamente y haciendo gestos.
+La mejor barba: Antonio Banderas, luciendo una barba robinsoncrusoneana.
+El más canoso: Pedro Almodovar, estaba casi irreconocible.
+El más nervioso: los argentinos Nicolas Schmerkin (ganador a "Mejor Corto Animado") y Juan José Campanella (ganador a "Mejor Filme Extranjero") quienes mostraron serias dificultades para decir su discurso en inglés. "¡Qué dificil es hacerlo en inglés", dijo alguno de ellos.
+El más torpe: uno de los productores de "The Cove", documental premiado, quien dejó caer su Oscar con tal de extender una manta con un número SMS. Al final, ni se vió lo suficiente por televisión, y creo que sólo lo alcanzaban a ver los de la primera fila. Pero se agradece la iniciativa.

PREDICCIONES 82 ENTREGA DE LOS PREMIOS OSCAR 2010

Poster de la "82 Entrega de los Premios Oscar", con sus dos anfitriones, Alec Baldwin y Steve Martin.

A menos de dos horas de que comience la ceremonia de la entrega número 82 de los premios Oscar, hago publicas mis predicciones de los principales premios. No he visto muchas de las películas, así que para muchas categorías me serviré de lo que he podido escuchar, leer y, mayormente, de mi instinto cinematográfico. La ceremonia estará conducida, por primera vez en la historia de los premios, por dos anfitriones, Steve Martin y Alec Baldwin, de quienes seguramente podremos esperar buenas bromas y comentarios graciosos (especialmente del primero).

Por otro lado, la ceremonia se podrá seguir por Catalunya Ràdio a partir de las 2 de la mañana (madrugada de lunes), en una transmisión conducida por el periodista y crítico Ferrán Auberni. Al mismo tiempo, se harán enlaces con el corresponsal de la estación de radio en los Estados Unidos, Xavier Vilà, quien tendrá entrevistas a invitados especiales, como Roger Julià, quien ha trabajado como compositor musical en la ceremonia, así como en la banda sonora de "The Hurt Locker". Otro invitado será Leo Sánchez, quien ha trabajado en producciones animadas de la casa Disney.

Además del crítico de cine Àlex Gorina, también participarán en el programa la crítica de cine Desiré de Fez, Àlex Pastor, escritor de la pelicula "Carriers", el periodista y cineasta Jordi Llompart, entre otros.

Sin más, aquí va mi lista:

+Mejor Película:
Avatar. Debería ganar: Precious.

+Mejor Director:
James Cameron, por Avatar.
Deberia ganar:
Kathryn Bigelow, por The Hurt Locker.

+Mejor Actor:
Jeff Bridges, por Crazy Heart.
Debería ganar:
Jeff Bridges, por Crazy Heart.

+Mejor Actriz:
Sandra Bullock, por The Blind Side.
Debería ganar:
Meryl Streep, por Julie & Julia.

+Mejor Actor de Reparto:
Christoph Waltz, por Inglourious Basterds.
Debería ganar:
Christoph Waltz, por Inglourious Basterds.

Mejor Actriz de Reparto:
Mo'Nique, por Precious.
Debería ganar
Mo'Nique, por Precious.

+Mejor Guión:
Mark Boal, por The Hurt Locker.
Debería ganar:
Quentin Tarantino, por Inglourious Basterds.

+Mejor Maquillaje:
Star Treck.
Debería ganar
Star Treck.

+Mejor Película Animada:
The Princess and the Frog
Debería ganar:
Up

Bueno,... que corran las apuestas.

SABIAS QUE...

Imagen de Alice in Wonderland (1903), primera adaptación al cine del libro de Lewis Carroll.

Con motivo del estreno de la nueva versión de Alice in Wonderland, dirigida por Tim Burton (aunque por lo que he leído y escuchado, la película es más una especie de secuela de la historia original), no está de más revisar algunos datos curiosos sobre la primera adaptación al cine del libro de Lewis Carroll, producida en 1903.

-La película fue producida en Gran Bretaña, 37 años después de que se publicará el libro de Carroll, y fue dirigida por Cecil Hepworth y Percy Stow.

-Su diseño visual estuvo basado en las ilustraciones originales realizadas por Sir. John Tenniels para la primera edición del libro.

-Para el reparto, Hepworth escogió a su esposa para el papel de La Reina Roja, a su secretaria de producción para le papel de Alicia, a su gato como Cheshire el Gato, y su perro también tuvo una participación. El mismo Cecil Hepworth interpretó a Frog Footman.

-Como dato curioso, el perro de Hepworth se convirtió en una verdadera estrella del cine británico en aquel entonces, al aparecer también en la película de persecución Rescued by Rover (1905).

-Si bien dura nada más 12 minutos, esta primera versión de Alice in Wonderland fue de las películas más largas en su momento. Para los estudios de Hepworth, la película fue una especie de superproducción para los estándares de esa época. A la fecha, sólo se conserva una copia de tan sólo 10 minutos, restaurada por el archivo nacional de la BFI (British Film Institute). La premiere de esta copia restaurada, se realizó en la British Library.

++Esta joyita se puede ver en la página de The Auteurs.

FOUR ROOMS * * 1/2

Tim Roth es lo más rescatable en Four Rooms, un proyecto irregular que debe verse con las neuronas relajadas.

Antes de escribir esta crítica, estaba tentado a calificar Four Rooms (1995) como una película rotundamente fallida, con todo y que Tarantino participó con un cortometraje, caótico y sin mucho sentido. Aunque pensándolo bien, sería injusto si califico así un proyecto que no pretende ser más que una reverenda tontería, con personajes e historias que sobrepasan los límites de lo estúpido. Hay que aceptarla como tal, ya que sólo así la experiencia de ver esta película camp, ambientada en un famoso hotel, será medianamente soportable. La actuación de Tim Roth, chaplinesca y keatonesca en partes iguales, interpretando al bell boy del hotel, es lo que acabó gustándome más en Four Rooms. Tim Roth casi te hipnotiza con su galería de gestos, voces y movimientos, dando vida a un tipo que finge ser estúpido pero que, al final, revela toda su malicia e inteligencia, especialmente cuando se trata de ganar dinero.

La película está formada por 4 cortometrajes, que narran 4 historias que suceden en el hotel la noche de Año Nuevo. Todas ellas tienen en común a Ted, el bell boy en cuestión, quien irá metiéndose en un enredo tras otro, saliendo más o menos airoso de todos ellos. La estafeta le es transferida por un anciano bell boy, quien presume haber sacado a pasear a Rin Tin Tin. Se trata de un hotel viejo, pero con cierto aire de leyenda e historia. Gracias a Ted, la película mantiene cierta unidad. De no ser por este personaje, Four Rooms acabaría ahogada dentro de su propia irregularidad, con un amplísimo reparto de caras famosas. Madonna, Lily Taylor (una actriz que normalmente me gusta mucho) y Valeria Golino, entre otras, protagonizan “The Missing Ingredient”, dirigido por Allison Anders, sobre un grupo de brujas que llegan al hotel para realizar un ritual. Como el título indica, habrá un ingrediente faltante, simplemente escatológico, y el mencionarlo sería ya revelar mucho de la trama y de cómo solucionaran el problema las brujas. Baste decir que Ted estará ahí para ayudarles.

Tanto “The Missing Ingredient” como el corto de Tarantino, “The Man From Hollywood”, son los dos trabajos menos logrados. El de las brujas intenta con muchos esfuerzos ser gracioso, cosa que no consigue en ningún momento, y es predecible, ya que juega con la vieja fantasia del bell boy enredado con una atractiva huésped. Como historia es más sólida que la dirigida por Tarantino. En esta última aparece Bruce Willis, nada más dando gritos por todo el cuarto, una atractiva actriz (Jennifer Beals) que de lejos pasaría por Uma Thurman, así como un insufrible actor latino (Paul Calderon), que todo el tiempo quiere hablar como negro. Es decir, nada más faltó John Travolta y Samuel L. Jackson para tener al reparto de Pulp Fiction. Lo único interesante aquí, es que se rescata un viejo juego visto en un episodio de “Alfred Hitchcock Presents: The Man From Rio” (en realidad, titulado “Man from South”, de 1960 y basado en una historia de…¡Roalh Dahl!), protagonizado por Peter Lorre y Steve McQueen. En el juego, Lorre apuesta que McQueen no podrá encender su encendedor 10 veces seguidas en un minuto. El corto se pierde entre la verborrea de Tarantino y del resto de los personajes, con una cámara que casi todo el tiempo está recorriendo la habitación, hasta que lo mejor, el desarrollo de la apuesta y su humor negro, queda reducida a unos cuantos minutos finales.

Me gustaron mucho más el corto de Robert Rodríguez, “The Misbeheavers”, y el dirigido por Alexandre Rockwell, “The Wrong Man”. El trabajo de Rodríguez, protagonizado por una familia mexicana (con Antonio Banderas como el padre), es algo más redondo y políticamente incorrecto, con un par de niños bebiendo champaña, fumando, jugando con la jeringa de un junkie, el niño viendo un canal porno (en realidad nada más es Salma Hayek bailando en un diminuto traje) y…oliéndose los pies. Los niños hacen la vida imposible a Ted, y la gracia de todo reside en las llamadas constantes que le hacen a la recepción. El final tiene un buen ritmo y una edición trepidante, mientras que su revelador final (es decir, la fuente de ese mal olor) se extiende hasta fuera del hotel. Un grupo de chicas drogadas (Marisa Tomei entre ellas) juegan videojuegos en un apartamento. ¿Quién habrá dirigido este pequeño segmento? Es un misterio.

“The Wrong Man” tiene una historia inconsistente, y su gracia reside en darle vueltas y vueltas a su premisa: la confusión de un gángster borracho (David Proval), quien cree que Ted es el hombre con quien su esposa (Jennifer Beals) lo engaña, a quien tiene amarrada y amordazada a una silla. Aunque el realizador no consigue jamás llevar su premisa más allá de unos rutinarios diálogos, la mejor parte es la claustrofóbica escena en el baño, con una original manera de colocar la cámara. De hecho, si hay una idea central, no nada más en este, sino en todos los cortos, es precisamente lo claustrofóbico, el hecho de que Ted se vea metido en toda clase de embrollos dentro de los cuartos. “The Wrong Man” es el corto que mejor consigue transmitirlo.

++Four Rooms no se encuentra editada en DVD en España. Disponible en región 1 y en región 4.

EL CARTEL

THE LOVELY BONES * * * 1/2

No ha tenido mucho éxito con la crítica The Lovely Bones, la más reciente película de Peter Jackson. Unos han considerado sus imágenes del paraíso celestial, en el que se encuentra temporalmente su protagonista, alucinantes, mientras que otros las consideran algo estorbosas, excesivas. Su cartel me ha parecido rescatable, en especial, por su inquietante idea de colocarnos como testigos de una escena clave en la película. Emplea simbolismos antagónicos simples. La obscuridad que rodea al personaje de Stanley Tucci, el asesino, acentuado con un cielo tormentoso y nublado. En tanto, el personaje de Soairse Ronan está rodeado de una luz celestial, de nubes con la luz de un idílico atardecer. Parece además que la chica ha descendido del cielo. Es un cartel con texturas interesantes, lo que lo hace todavía más atractivo (la plantación seca del campo, las mismas nubes, los árboles, etc.). La identidad del asesino se nos oculta parcialmente, y en contraposición está la expresión asustada de la chica. De alguna forma, este gesto nos hace estár más compenetrados con ella, y sentirnos ocultos a la vista del asesino. La perspectiva y la composición hacen que Stanley Tucci luzca de mucho mayor tamaño, lo que hace sentir a la chica todavía más vulnerable. Pero también he leído comentarios que consideran que la figura de la chica luce desproporcionada por este mismo efecto, que sus piernas lucen excesivamente largas con respecto al resto del cuerpo. Es cierto, aunque no siento que esto le haga mucho daño al resultado final. Diseñado por Michael Pangrazio y el despacho BLT & Associates, el cartel resulta memorable por la recreación de la escena a través de fotomontajes, y la paleta purpúrea está inteligentemente usada para crear un efecto melancólico.

UN PROPHÉTE (* * * * para ambos carteles)

De Un Prophéte me han gustado tanto el cartel francés original, como el estadounidense. El primero tiene incluso un cierto aire nostálgico de algún cartel de la Nouvelle Vague. El retrato que domina el cartel, en blanco y negro en alto contraste, es gráficamente atractivo. Su rostro, dividido por la sombra del enrejado en prisión, es lo que llama la atención en el primer vistazo. Y el alto contraste hace que en verdad duela ver el rostro y lo haga más vulnerable. Su rostro es devorado por la obscuridad de ese espacio en el que se encuentra ubicado, y el marco, con una textura que le da un efecto desgastado y viejo, contribuye a enfatizar ese efecto de encierro.

El cartel norteamericano se mueve por otros terrenos. Si algo tienen en común, es su apuesta por retomar un estilo de diseño antiguo. La gran diferencia, es que en el segundo cartel el protagonista aparece en una actitud diametralmente distinta, amenazador, alerta, seguro de sí mismo y con un revólver en mano. La idea básica, es dividir el retrato con unas barras de forma irregular y rojas. Al menos ese es el efeto visual que da a primera vista. Observándolo mejor, se trata más bien de unir varios pedazos de una fotografía, virada al rojo y sobre un fondo blanco. El efecto es intrigante, remite de inmediato a un thriller de espionaje. Podrá verse muy simple, pero el diseño tipográfico del título es muy bueno, en especial, por que su tipografía está perfectamente pensada para que la “A” inicial se una con el fondo, al igual que la “T” final. El cartel español retoma el cartel norteamericano, pero deja de lado todo lo gráficamente interesante de este por una idea de lo más convencional. Si hay algo bueno en este cartel, es el diseño tipográfico, sobretodo por esa navaja en el lugar de la “O”. Otro cartel más para la portada del DVD.

PEANUTS, EL CINE Y LOS MEDIOS.

(Publicada originalmente el 25 de febrero de 1963)

Más vale tarde que nunca. Puede suceder que, meses después de Navidad, a uno se le olvide agradecer a uno o dos familiares que se molestaron en enviar un regalo por correo. Es extraño que Lucy no utilice el teléfono para darle las gracias a su abuela, pero lo que cuenta es la intención. Y no importa que su mamá haya tenido que insistir y recordárselo.