Y...¿CÓMO LE PONEMOS?

"Me pregunto por qué ya no sentiré los párpados. Por cierto ¿quién te dijo que estaba sonriendo?"

Esta semana se estrena lo que pueden considerar muchos fans de Michael Jackson (entre los cuales me incluyo), como su última e inconclusa obra: el documental sobre la gira mundial que nunca pudo iniciar, debido a su muerte el pasado junio. Me refiero a “Michael Jackson’s This is it”. Por esos días, escuchamos de Michael Jackson, conocido como el “Rey del Pop”, hasta el cansancio. Debo confesar que yo quedé saturado. Tengo ganas de ver esta película, aunque no me corre prisa. En general, no es más que una forma de seguir haciendo negocio con la imagen y música de Jackson, aún después de su muerte. Un negocio en el que saldrán ganando muchos, empezando por los miembros sobrevivientes de su familia. Como sea, la película se estrenará sin título en español, cuando en otros países se apegaron a una traducción exacta, como México, en donde se titulará “Michael Jackson, Esto es todo”. Me gusta como suena. Si le interesa, en Grecia se titulará “I teleftaia synavlia tou Michael Jackson”.

Y hablando de explotar comercialmente fórmulas e ideas, vamos ahora con la sexta (sí, escuchó bien…SEXTA!!!) entrega de la franquicia SAW. Yo me he quedado en la segunda película, y hasta ahora no me ha interesado seguir viéndo las secuelas. Lo cierto, es que seguiremos teniendo SAW para rato, como para romper un record y superar a la franquicia de Friday the 13th. En España jamás se ha intentado hacer una traducción, adaptación o, por lo menos, un título en español alternativo. Incluso, he escuchado en la radio pésimas pronunciaciones del título en inglés. Debo confesar que hacer una adaptación de este título puede ser algo difícil. Su traducción es simplemente “Sierra” o “Serrucho” (o cualquier herramienta de este tipo). Para los que ya han visto la primera película, el título parte de esa escena en que uno de los protagonistas, encerrado en un baño, tiene que recurrir a una medida extrema. Diré nada más que tiene que usar una sierra para liberarse de su trampa, aunque no de la manera que muchos podrían imaginar. En México debo admirar el título que idearon, comercialmente viable y atractivo: “Juego Macabro”, mientras que en Argentina se pensó en algo parecido, “El Juego del Miedo”. En fin, el caso es que en estas películas siempre es la misma premisa, sólo que se cambian ambientes y personajes. Aunque debo reconocer que sus carteles son estupendos.

Seguimos con otra película sin título en español. Se trata de Scar, thriller dirigido por un tal Jed Weintrob, y protagonizada por un montón de actores desconocidos. La traducción del título, “cicatriz”, daba para mucho en un título en español. Y no me refiero a títulos con palabras cliché, como “Cicatriz Mortal”, “Cicatriz Fatal” y cosas parecidas. La trama da para algo como “Cicatrices del Pasado”, pero creo que suena muy cliché también. Bueno, lo más sencillo siempre es lo más efectivo, y yo la hubiera titulado nada más como “Cicatrices”. De todas maneras, la película tiene pésimas valoraciones y, por si le interesa, también estuvo disponible en 3D. Es una película del 2007, ¿para que se habrán molestado los distribuidores?

Me gustó el título en español que ha quedado para la comedia romántica (500) Days of Summer, es decir, “(500) Días Juntos”. Por supuesto, un mejor título hubiera sido (500) Días con Summer, que en realidad es el nombre de la chica protagonista, interpretada por Zooey Deschannel. Pero es un buen título de todas maneras.

Finalizamos con los títulos buenos y/o menos conflictivos. La esperada película de Terry Gilliam, The Imaginarium of Dr. Parnassus, última película protagonizada por Heath Ledger, ha quedado como “El Imaginario del Doctor Parnassus”. Eden a l’Ouest, película de Costa Gavras, ha quedado bien como “Eden al Oeste”. Millenium 2: Flickan som elkte med elken, segunda parte de la trilogía “Millenium”, se titulará en español “Millenium 2: La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina”. Es un buen título, ha pesar de no apegarse mucho al título internacional, “The Girl who Played with Fire”, es decir, “La chica que jugaba con fuego”. Finalmente, y como preámbulo al estreno de la tercera parte de Toy Story, se estrena la versión en 3D de la primera película “ Toy Story in 3D”. En español ha quedado como “Toy Story en 3D”. Nunca se optó por titularla “Historia de Juguetes”, en el ya lejano estreno de la primera versión, luego de su éxito internacional. Después de lo bien que funcionó el título en inglés en todo el mundo, sería absurdo discutirlo a estas alturas.

TRAINSPOTTING * * * * 1/2

Danny Boyle logró en "Trainspotting" combinar ambientes opresivos, humor y escenas delirantes, en una de las mejores películas de la década de los 1990.

En su momento, se publicitó a Trainspotting (1996) como el “Clockwork Orange de los noventa”. A parte de que ambas historias son los retratos decadentes de un grupo de jóvenes, creo que apenas y tiene algo que ver una película con otra. No he leído la novela homónima escrita por Irvine Welsh, de la que publicó hace algunos años la secuela, "Porno". Se dice que Danny Boyle podría volver a repetir como director en su posible adaptación al cine. Por lo pronto, puedo decir que Trainspotting es una magnífica película de corte independiente, que consigue ser un crudo retrato de la juventud consumida por las drogas.

El escenario es la ciudad de Edinburgh, Escocia, en donde un grupo de jóvenes se reúne en un apartamento con un solo fin: consumir heroína, inyectarse la droga hasta que queden casi inconscientes. Hay un par de escenas que, con sencillos recursos, reflejan el “viaje” que hace Mark Renton (Ewan McGregor) bajo los efectos de la droga, una de ellas icónica del cine de los 1990. La escena es simplemente asquerosa (no se recomienda estar comiendo al momento de verla), cuando Renton se sumerge en un retrete (en el “peor baño de Escocia”) para rescatar un par de supositorios. No podía haber una mejor imagen simbólica, con todas sus sarcásticas intenciones, para reflejar el hundimiento de Renton en su adicción a la heroína.

“Escoge una vida, escoge un trabajo, escoge un hogar con el cual empezar,…” es la frase con la que Mark abre la película, mientras es perseguido por los guardias de una tienda. Lo que viene, es el camino -o apenas el comienzo de ese camino- que Mark emprende para encontrar una salida a las drogas. En ese camino veremos las aventuras de Mark con sus amigos, con quienes forma un puñado de inútiles, que gustan de ir a la disco, al pub, intentar ligar, jugar billar y ver, de vez en cuando, cómo uno de sus sociópatas amigos, Begbie (Robert Carlyle) se enfrasca en peleas por cualquier cosa.

Nunca vemos el porqué de la adicción de Mark, de sus amigos, Sick Boy (Johnny Lee Miller) y Spud (Ewen Bremner), sino las consecuencias. Mientras, vemos cómo otro de ellos, Tommy (Kevin McKidd) acaba convertido en un nuevo adicto a la heroína, con consecuencias fatales. Los ambientes que logra crear Danny Boyle son opresivos, especialmente en una delirante escena dentro de la habitación de Mark, luego de intentar desintoxicarse.

Las drogas son un personaje más en la película. Para salir del agujero en el que se encuentra atrapado Mark, las drogas también juegan un papel importante hacia el final. A pesar de todo, el relato, como en todo el cine de Danny Boyle, esta dosificado con humor e ironía, y hay diálogos que nos hacen sentir como en una película de Quentin Tarantino. Trainspotting es como la cara opuesta a, por ejemplo, Requiem for a Dream, otra película sobre los fatales efectos de la droga en la juventud, aunque más cruda y sin la comicidad que Boyle consiguió imprimir a su adaptación del libro de Welsh.

++Disponible en edición austera y una edición especial para coleccionistas. Esta última, además de tener estuche metálico, contiene el montaje definitivo del director. Entre los extras se pueden encontrar una entrevista con el director Danny Boyle, con los productores Andrew Mac Donald y John Hodged así como con el autor del libro original, Irvine Welsh. Además, contiene el trailer original, biografías, 9 escenas eliminadas, audiocomentario de la película, el "Cómo se hizo Trainspotting" y un exclusivo libreto de 16 páginas.

PEANUTS, EL CINE Y LOS MEDIOS.

(Publicada originalmente el 12 de octubre de 1962)

Seguimos con los mensajes de la mamá de Linus. En esta tira, ha encontrado un mensaje nuevo en su almuerzo. En realidad,no hay nada nuevo en el mensaje, aunque esta vez Charlie Brown ha hecho una interesante observación. Bueno, Linus tiene que desestresarse de alguna forma, con toda esa responsabilidad que lleva encima. Y que mejor que abrazar una manta.

EL CARTEL

NEW YORK, I LOVE YOU * * *

De los dos carteles que se produjeron para New York, I love you, sólo uno llamó mi atención. El otro repetía, en esencia, la misma idea del cartel de Paris je t’aime: la imagen cliché del corazón, trabajada en forma de varias imágenes aglutinadas de la Torre Eifell. De hecho, me gustó aquel cartel de Paris Je t’aime , más que las convencionales ideas para New York, I love you. El cartel que me gustó, fue uno que, si bien recurre a la imagen cliché de la Estatua de la Libertad, me agradó por su aire bohemio e informal. La imagen parece una pintura al gouche, y justo en la antorcha se ha colocado la imagen de un corazón. La combinación de colores es atractiva, y lo mejor es que logra transmitir un ambiente romántico y nocturno. El acomodo de todos los créditos quizás sea lo menos atractivo, con los nombres de los actores en la parte superior, y el resto de los créditos encima de la estatua. En resumen, un cartel de esos que te esperas encontrar en un café (ninguno perteneciente a una franquicia, aclaro) agradable de ver y que tiene su encanto.

THE UGLY TRUTH * * *

No me molestaré en comentar el cartel que se ha utilizado para promocionar The Ugly Truth, más que convencional y trillado. Sin embargo, sí comentaré uno de esta misma película, poco divulgado y que me parece más interesante. Como siempre, es el cartel teaser, que parte de la idea de la señalética que se utiliza en los baños para hombres y mujeres. Sobre el icono de la mujer, se ha colocado un corazón en la cabeza, y en el icono del hombre se ha colocado también un corazón pero,…en los genitales. Es una simbología sencilla pero efectiva, que utiliza un corazón (símbolo del amor) para establecer un claro contraste entre las sensibilidades y emociones femeninas y masculinas. ¿La mujer es más emocional y cerebral, mientras que el hombre es más…”genital” cuando del amor se trata? Como este espacio no alcanza para tan complicado dilema, tan sólo diré que existe un par de versiones más de este mismo cartel: uno con Katherine Heigl sustituyendo el icono femenino y sosteniendo el corazón, y otro con Gerard Butler sustituyendo a su vez al icono masculino. Ah, por cierto, nada más aclarar que también nosotros tenemos sentimientos a veces.

ORPHAN * * *

El cartel de Orphan es un rígido retrato de la niña protagonista, Isabelle Fuhrman. Lo que inmediatamente llama la atención, es el duro rostro de la niña. A través de una serie de desenfoques, realizados digitalmente, se juega con el simbolismo de los misterios que esconde el personaje. El juego cromático me parece bueno, una combinación de tonos verdes del fondo con el azul del vestido, que armonizan al ser colores complementarios. Es un cartel que está lejos de cualquier pretensión estética o artística, por supuesto, pero funciona para una película de suspenso paranormal. El rostro de la Fuhrman se te queda grabado en la cabeza, con su mirada directa y desafiante. El retoque fue lo suficientemente cuidadoso, para lograr un efecto entre natural y artificial, en especial, en las áreas del rostro. Mientras, la combinación de fuentes de luz, una detrás de la actriz y la otra cayendo desde arriba sobre su rostro, acentúan todavía más el aura de misterio. El tagline es bueno: “There’s something wrong with Esther” .

Y...¿CÓMO LE PONEMOS?

"¡Oh no! Espero que esta no sea otra película de zombies".

Tenemos una semana tranquila en cuanto a títulos fallidos se refiere. Tan sólo un par de películas se han quedado sin título en español. Empezamos con New York, I love you, una serie de cortometrajes que imitan la idea de Paris, je t’aime. Ahora, como el título indica, el motivo principal es la ciudad de Nueva York. ¿Qué caso tiene discutir ahora? Si Paris, je t’aime se quedó sin título en español en el momento de su estreno, ¿por qué no iba a ocurrir lo mismo con New York, I love you. En México Paris, je t’aime se tituló “París te amo”, y no dudo de que, si se llega a estrenar New York I love You en aquel país, podría llevar como título “Nueva York te amo”. A ver qué tal le va. Por lo pronto, un dato curioso es que Natalie Portman ha participado en ambas producciones, y ahora lo hace en un corto dirigido por Mira Nair. ¿Qué cómo se ha titulado en Francia? "New York, je t’aime".

Luego tenemos The Frost, película del catalán Ferran Audí, y realizada en coproducción entre España y Noruega. Aquí tenemos un título complejo, más metafórico, en el sentido de que “frost” va más allá de su común significado de “congelamiento” de un objeto. Invita más a pensar en un “congelamiento” emocional, ya que la trama narra cómo un matrimonio se derrumba luego de la muerte de su único hijo. En el poster español, entre paréntesis, hay un título alterno, “La Escarcha”, que extrañamente no se está utilizando comercialmente.

Terminamos con los títulos menos conflictivos. La comedia romántica The Ugly Truth, protagonizada por Gerard Butler y Katherine Heigl, ha quedado como “La Cruda Realidad”, mientras que la película de suspenso sobrenatural, Orphan, dirigida por el catalán Jaume-Collet Serra, ha quedado sin problemas como “La Huérfana”. Carriers, trabajo en Hollywood de otros catalanes, Àlex y David Pastor, se ha titulado bien como “Infectados”.

DETRÁS DE LA CÁMARAS

"Fue una historia conjunta... Ricardo Franco nos agarró a Jordi Molla, otro pollino como yo, y a mí, y a Maribel Verdú, que lo mismo, y nos dio la vuelta, fue un rodaje terrorífico, te decías: pero este tío, ¿qué está haciendo? Y de todas formas, si yo hubiera conseguido dar un paso adelante más con ese personaje, ya no habría sido 'La Buena Estrella', que es una película maravillosa, sino algo absolutamente maravillosísimo. [...]

Esa película fue muy importante para mí, sí, porque... Ricardo estaba muy mal cuando la hizo. Y las reuniones que teníamos con él eran increíbles, una persona que sabe que va a morirse dice todo lo que piensa, le importa un pimiento todo... Te decía las cosas más auténticas y más tremendas. Y eso fue una especie de terapia de grupo para nosotros, supuso efectivamente un cambio profesional. Nos dimos cuenta de que, en el fondo, esto es muy sencillo: o te das prisa en hacer las coas bien, en el caso de que tengas alguna deuda pendiente, o lo mismo te pasa lo que a Ricardo y te mueres."

Extractos de una entrevista realizada por la escritora Rosa Montero al actor Antonio Resines, en el que habla sobre su trabajo con el fallecido realizador Ricardo Franco en "La Buena Estrella". La entrevista fue publicada en el suplemento de "El País Semanal", el 18 de agosto del 2002.

INGLOURIOUS BASTERDS * * * * *

En "Inglourious Basterds", Quentin Tarantino reescribe la historia del Tercer Reich, de una forma paródica, violenta y que homenajea al cine en su muy particular manera.

Después de un periodo letárgico luego del irregular díptico Kill Bill, en el que vimos películas experimentales y paródicas, como Death Proof y Grindhouse, Quentin Tarantino está de regreso con Inglourious Basterds (2009). Y lo hace -no podría ser de otra manera- nuevamente con intenciones experimentales y paródicas, sumergiéndose ahora en el subgénero de las películas “What if…?”, es decir, películas que, basándose en hechos históricos, proponen una versión alterna, el qué hubiera sucedido si ciertos hechos hubieran seguido otro camino.

Inglourious Basterds es la mirada de Tarantino a la Segunda Guerra Mundial, los Nazis y el Tercer Reich. No lo hace con el rigor histórico que uno podría esperar. Tarantino ha afirmado en entrevista, que odia las biopics y películas históricas. En Inglourious Basterds, Hitler no muere en su bunker, sino en un atentado exitoso junto a Goebbels. No está planeado con una operación llamada “Valkyrie”, sino la operación “Kino”, y todo ocurre dentro de un cine. Porque por difícil que pueda parecer, Inglourious Basterds es un homenaje al cine antiguo de los años 1930 y 1940, con menciones especiales a Leni Riefenstahl (la cineasta favorita de Hitler y el Tercer Reich), así como G. W. Pabst. Incluso, hay escenas con montones de posters de películas, unas reales y otras salidas de la imaginación de Tarantino.

La película, salida de un guión que Tarantino escribió en la década de los 1990, que se quedó estancado hasta que lo rescató hace un par de años, está formada por un par de historias paralelas, narradas con un vigor sorprendente. Aunque luce inspirada en The Dirty Dozen (de Robert Aldrich, producida en 1967), la película nunca pierde sentido ni fuerza, con una idea argumental de lo más políticamente incorrecta: un escuadrón formado por soldados judeo-americanos (los “Inglourious Basterds“, del título), comandados por Aldo “The Apache” Raine (Brad Pitt), se embarcan hacia la Francia invadida por Hitler, con un solo propósito: matar nazis y cortarles el cuero cabelludo. Es una suerte de resistencia “apache”, en el que no cabrá la piedad para todo nazi que caiga en sus manos.

Es la historia “oficial” contada por un Tarantino que juega mezclando géneros, usando de fondo una, como siempre, ecléctica banda sonora, con mucho Ennio Morricone. Si bien Tarantino deseaba que Morricone compusiera una banda sonora original, parece que el compositor italiano no pudo cumplirle y aquel tuvo que conformarse con buscar música del antiguo Morricone. La película abre con “The Green Leaves of Summer”, de Dimitri Tiomkin y Paul Francis Webster, en la secuencia de créditos, para luego iniciar con una escena que, a pesar de estar ambientada en la campiña francesa, no deja de sentirse como inspirada en un spaghetti western. Luego, la película se convierte en una mezcla de historia de espionaje, parodia política, con ese caricaturesco retrato de Hitler (Martin Wuttke) y melodrama. Este arranca con la historia de una niña francesa, Shosanna, que huye de morir asesinada, y acaba convertida en la guapa propietaria de un cine (Mélanie Laurent), donde para colmo, Goebbels quiere estrenar su primer largometraje, protagonizado por un supuesto héroe de guerra (Daniel Brühl, genial hablando un perfecto francés).

Lo mejor, es que Tarantino huye de los clichés. Sus nazis están interpretados por auténticos alemanes y el “villano” de la historia es un austriaco, Christoph Waltz. De hecho, la verdadera estrella no es Brad Pitt, sino Christoph Waltz, quien se roba la película como el coronel Hans Landa. No hay nazis interpretados por británicos, como siempre sucede en el cine de Hollywood. La película, apegándose a un paradójico realismo, está hablada en alemán, inglés, francés y algo de italiano.

Sin revelar mucho de la historia, diré nada más que, después de una larga escena dentro de una cantina (inspirada por igual en el western), con diálogos largos y entretenidos como sólo Tarantino sabe escribirlos, la mejor escena tiene lugar al final, dentro de un cine en llamas. El cine acaba convertido en un infierno, en donde vemos montones de celuloide quemándose. Uno puede preguntarse ¿Tarantino querrá decir con esto, simbólicamente, que el cine tradicional está muerto? ¿Su próxima película será en formato digital?

Lo mejor: Christoph Waltz, como un genial detective nazi, que gusta de beber leche y de los buenos postres.
Lo peor: Que nos faltó ver morir también al Dr. Josef Mengele, y quizás también a Heinrich Himmler.

DENNIS HOPPER PHOTOGRAPHS: 1961-1967

Seguimos con más novedades de la prestigiosa casa editorial Taschen. Se acaba de editar un interesante libro sobre la poco conocida faceta fotográfica del actor de cine Dennis Hopper. El libro, Dennis Hopper Photographs: 1961-1967, es una recopilación de fotografías sobre lo que al actor de Rebel Without a Cause y Easy Ryder, le gustaba captar durante eventos y lugares a los que asistía (cenas, fiestas, bares, galerías, corridas de toros en Tijuana, México, etc), así como en los sets y locaciones de sus películas. Entre las personalidades que captó se encuentran Tina Turner, Andy Warhol, Martin Luther King, entre otros. La recopilación está realizada por el galerista Tony Schafrazi y el mismo Hopper, además de incluir una biografía escrita por la periodista Jessica Hundley y ensayos introductorios del mismo Schafrazi.

Pero lo especial de este libro, es que es una edición limitada de 1,500 ejemplares, cada uno firmado por Dennis Hopper. El libro está escrito en inglés, alemán y francés. ¿Su costo? $700.00 dlls.

Más información en la página oficial de Taschen.

PEANUTS, EL CINE Y LOS MEDIOS.

(Publicada originalmente el 10 de octubre de 1962)

Ocasionalmente, a la mamá de Linus le da por ponerle recados dentro de su almuerzo. Lo malo, es que esos recados tienden a ser cartas en las que su mamá le recuerda constantemente los sacrificios que hace ella y su papá para que vaya a la escuela. No hay nada peor que recibir un almuerzo cariñosamente preparado por tu mamá, y después leer un recado como el de esta tira. Digo, a cualquiera se le cortaría el hambre. Seguiré dando cuenta de futuros mensajes que Linus reciba en su almuerzo.

JUANA LA LOCA * * 1/2

En "Juana La Loca" (2001), la vida de esta reina queda reducida a los tormentos románticos y celos enfermizos que le provocó su marido, Felipe "El Hermoso".

No soy fervorosamente exigente con las películas de tema histórico. Entiendo que en esta clase de películas, como Juana La Loca (2001), de Vicente Aranda, no se puede estar 100 por ciento apegado a la realidad histórica. A veces, es necesario dramatizar la historia real, hacer cambios en ciertos aspectos, exagerar y todo lo que pueda caber en la creatividad de un guionista. El problema con esta versión de la torturada vida de una de las hijas de los Reyes Católicos, Isabel y Fernando, que a la muerte de la primera se convirtió en Reina de Castilla y Aragón, así como una de las soberanas con más poder en Europa, adolece de creatividad y una historia más interesante.

Protagonizada por Pilar López de Ayala, actriz favorita de Vicente Aranda, la película tiene un gran trabajo de sus actores. Pilar hace un magnífico trabajo interpretando a la atormentada princesa y, más tarde, reina. La locura que imprime a su Juana es enfermiza, perversa y con una pizca de ridícula inverosimilitud que no le hace tanto daño al filme, como el hecho de poder descubrir que su esposo, el archiduque Felipe de Flandes (el italiano doblado al español Daniele Liotti), apodado “el Hermoso”, le es infiel con sólo oler su cama.

Las dificultades del guión, escrito por el mismo Aranda, es que en la película todo lo interesante en la vida de Juana se reduce a, precisamente, su locura. La teoría que se aventura es que Juana enloqueció por las constantes infidelidades de Felipe, cosa que no la deja vivir tranquila, enferma de celos y sin posibilidad de gobernar. De alguna forma, parece que la inquietud por llevar al cine la vida de Juana “La Loca” fue quizás por los estrenos, unos años antes, de Elizabeth (1998), de Shekhar Kapur (esta sí, en verdad, interesante dramatización de la vida de la reina Elizabeth I de Inglaterra), y en parte también, por Shakespeare in Love (idem), que tenía como marco de referencia la época de Elizabeth. La diferencia es que Elizabeth, como reina, fue infinitamente más interesante que Juana “La Loca”.

El trabajo de Aranda llega a estar más cercano a una telenovela “histórica”. Toda posibilidad de desarrollar una historia más atractiva, se desperdicia por concentrarse más en los tormentos románticos de Juana, en sus ridículos intentos por celar a Felipe (hay que ver la escena cuando se siente, ingenuamente, feliz por haberle logrado provocar celos) y, en resumen, en cómo es capaz de humillarse con tal de llamar la atención de su marido. En serio, todo lo interesante son las investigaciones aburridas que hace Juana para descubrir las infidelidades de su marido. El cliché llega con la más poderosa de las amantes de Felipe, una hermosa chica morisca (la bella modelo y actriz italiana Manuela Arcuri), que para colmo es aficionada a la brujería. Esta “malévola” chica dará varios dolores de cabeza a Juana y...otra clase de dolores a Felipe.

Lo extraño de todo es que, a pesar de estos ficticios triángulos amorosos, el guión intenta ser algo didáctico, con una narración en off que nos cuenta fechas y sucesos con una precisión de libro histórico. Lo más interesante de Juana despierta tarde, hacia el final, con una fortaleza y cordura de verdadera reina, que se nos da a cuenta gotas y de manera apresurada.

EL CARTEL

MOON * * * *

Los ganadores del Festival de Sitges 2009 se han anunciado hoy domingo. La gran ganadora ha sido Moon, de Duncan Jones, y a mi parecer, también su cartel se merecería un premio. Diseñado por el despacho Cardinal Communications USA, el cartel es una obra minimalista muy inspirada en el arte cinético de los 1950-1960. La imagen de Sam Rockwell es la misma tanto en este cartel como en el cartel teaser. En el primer caso, se ha colocado encima de una gran circunferencia, con un diseño de círculos concéntricos que están inspirados en el arte cinético. El arte cinético estaba basado en figuras geométricas con esta clase de diseños, que creaban un efecto óptico que sugería movimiento. El círculo no nada más denota a la Luna, sino que connota otra serie de aspectos, como la locura en la que acaba encerrado el personaje principal, quien se encuentra trabajando en el “otro lado" de la Luna. En el espectador poco acostumbrado a ver esta clase de efectos, puede causar incluso mareo ver este diseño, tan sencillo pero, al mismo tiempo, complejo en su realización. Tenemos además un denso fondo negro en el resto del cartel en referencia al espacio. Mientras, arriba, vemos el nombre de “Sam Rockwell” en blanco, precedido por otras tres repeticiones del nombre, en colores que se degradan del gris al negro. El tagline me gusta: “950,000 miles from home, the hardest thing to face… is yourself “. Por otro lado, el cartel teaser vale la pena. Su idea es convertir las elaboradas formas de un circuito en un atractivo fondo. El diseño simboliza también el encierro del personaje en su estación lunar, en compañía tan sólo de una maquina parlante, Gerty.

AGORA * * 1/2

El cartel de Agora me ha parecido convencional, pero con algunos aspectos rescatables. Es un clásico trabajo de fotomontaje y retoque digital, que tiene como tema el paisaje de la antigua ciudad de Alejandría, con el personaje de Rachel Weisz observándolo de espaldas. Al fondo, se alcanza a ver el famoso Faro de Alejandría, junto a un atardecer. Si bien no me ha parecido muy inspirado el cartel, además de que lo siento parecido a la portada de una novela, extrañamente funciona, al igual que sus carteles de personajes. Quizás esto tenga que ver con su propuesta romántica y evocativa, que recuerda, en parte, al arte prerafaelista del siglo XIX. Lo mejor del cartel, es la parte superior, en donde vemos cómo el cielo se va transformando en un espacio estrellado. El título del filme, con un diseño tipográfico inspirado en el alfabeto griego, no hubiera podido quedar mejor en otro lugar. El planeta Tierra como letra "O" es una idea buena, con un efecto de neblina alrededor magnífico. Me gustaron los elementos utilizados en el tagline, aunque la manera en que están escritos no es nada original: “One Woman, One City, One Civilization, One Planet”.

Y...¿CÓMO LE PONEMOS?

"Sabes, mi carrera de actor está empezando a parecerse a eso en el plato."

Empiezo publicando este texto, enterándome que Moon, largometraje de Duncan Jones, hijo del músico, cantante y, ocasionalmente, actor, David Bowie, ha sido la gran ganadora en el Festival de Sitges 2009. Moon se ha llevado los premios a "Mejor Película", "Mejor Diseño de Producción", "Mejor Actor" para Sam Rockwell y "Mejor Guión". Tenemos una semana con varios títulos sin traducción al español. El primero, precisamente, es Moon. La película de Jones es un claro homenaje a Solaris, filme indispensable de ciencia ficción dirigido por Andrei Tarkovsky, y con unas referencias también a 2001: A Space Odyssey. En España se dejó el título como Moon, y tal vez los distribuidores sintieron que era una simplonería titularla en español “Luna”. No le veo ningún problema a un título en español así, y hubiera requerido de mucha valentía por parte de una distribuidora el titularla “Luna”. Pero bueno, no es la primera ni la última vez que nos topamos con un dilema de este tipo. Ahora, si tanto les disgustaba dejarla como “Luna”, se hubiera podido pensar en títulos alternativos que involucraran dicha palabra, como por ejemplo, “Estación Lunar”. Como sea, Rusia optó por titularla Луна 2112, es decir, "Luna 2112", y Turquia “Ay”, que significa “Luna” en Turco. Es bueno ver que hay países con distribuidoras dispuestas a jugársela. Por ahora, adelantaré que su cartel es de lo más interesante esta semana.

El siguiente caso, a mi modo de ver, es el más grave, absurdo y risible de todos. Me refiero a Imagine That, la más reciente comedia de Eddy Murphy. En un derroche de originalidad e ingenio, la distribuidora española la ha dejado, simple y llanamente, como… “Imagine”. Seguramente han pensado (si es que piensan), “si hay una canción famosa titulada “Imagine”, ¿por qué no dejar el título de la película igual? La película ha tenido pésimas valoraciones y no ha convencido a nadie. “Imagina eso” o incluso nada más “Imagina”, hubieran sido un par de buenas opciones. Lo interesante, es que se dieron varias ideas alternativas en otros países. A continuación, unos ejemplos:

Dans ses rêves - Francia
Imagine that - Die Kraft der Fantasie – Alemania
Mi Papá y Nuestro Mundo Fantástico - Perú
Minha Filha é Um Sonho - Brasil
Seholország - Hungría
Wyobraz sobie - Polonia

Vamos ahora con G-Force, una comedia que mezcla animación digital con acción real. Este es uno de esos contados casos en los que se conserva el título en inglés, pero se añadé un título en español. El título en español ha quedado como "G-Force-Licencia para Espiar." No me ha parecido en lo absoluto original. La idea se toma, evidentemente, de una película de James Bond, “Licence to Kill”. La historia no parece nada relacionada con una historia de James Bond. Aunque no la he visto, parece más inspirada en algo cercano a "Mission Imposible". En algunos países de Sudamérica, como Venezuela y Perú, se ha respetado la traducción como “Fuerza G”, que suena atractivo para una película de corte familiar como esta. A continuación, algunos ejemplos de títulos en otras latitudes, donde veremos que, en algunos países de Europa Oriental , hay casos similares al de España.

G-Force - Grecia y Turquía
Миссия Дарвина - Rusia
Força G-3D Brasil
Força-G - Portugal
Fuerza-G Argentina
G Burys - Lituania
G-Force - Agenten mit Biss – Alemania
G-Force - Salvatorii planetei - Rumania
G-Force - Specvieniba - Latvia
G-Force - Vel'mi zvlástna jednotka - Eslovaquia
G-Force - miniagentit 3D - Finlandia
G-gjengen – Noruega
M-Komando - Estonia
Mission G - Francia
Opération G-Force - Canadá
Zaloga G - Polonia

Seguimos con una caso en verdad singular, una película suiza que se ha quedado sin título en español. Me refiero a Un Autre Homme, del cineasta Lionel Baier. Es una lástima, ya que es una semana en la que la mayoría de los estrenos no son cintas de Hollywood comerciales, sino películas “de autor”. No hubiera estado mal titularla “Otro Hombre”, como se hizo en Argentina. El título internacional “Another Man”, respeta plenamente el título original en francés. Esperemos que, a pesar de este exabrupto, le vaya bien a esta película. Tiene una premisa interesante, que tiene que ver…con la crítica cinematográfica.

Terminamos con los filmes que han quedado bien titulados y/o sin mucho conflicto. Agora, la nueva película del cineasta chileno afincado en España, Alejandro Amenabar, conserva su título intacto. Esto no conlleva problema, ya que este vocablo griego es utilizado en español, y comercialmente suena magnífico. Lo mismo ha sucedido para la nueva película de Cédric Klapish, Paris, que conserva también sin problemas el titulo original. Lo mismo sucede para Katyn, estreno tardío de esta película del polaco Andrzej Wajda, cuyo título hace referencia a un bosque en donde ocurrió una masacre, perpetrada por el ejército ruso contra ciudadanos polacos en 1940.

PEANUTS, EL CINE Y LOS MEDIOS.

(Publicada originalmente el 8 de octubre de 1962)

Cuando se trata de estadísticas, quizás Linus no sea el más indicado para interpretarlas. Aquí, Charlie Brown le ha presentado estadísticas sobre la esperanza de vida de un bebé nacido en 1961. Sólo que es ahora Linus quien se ha tomado muy literalmente el lenguaje generalizado de las estadísticas. En fin, ¿quién puede creer en las estadísticas de todas maneras?

JOY DIVISION * * * *

"Joy Division" (2007), documental sobre esta gran banda de rock de Manchester, ofrece una magnífica combinación de hechos y personajes, con un lenguaje visual atractivo.

Antes de ver este convencional pero interesante documental sobre la banda Joy Division, quizás convenga ver antes 24 Hour Party People (2002), de Michael Winterbottom, un falso documental, que involucra a varios personajes relacionados, directa o indirectamente, con el surgimiento y éxito de la banda. Su protagonista, Tony Wilson, es fundador de la disquera “The Factory”, y de “The Hacienda”, un club en donde el grupo ofreció sus primeros conciertos. Pero eso no es todo, una vez que se hayan visto ambas películas, y si en verdad está interesado en el tema, puede ver todavía Control (2007), del fotógrafo vuelto cineasta Anton Corbijn (quien fotografió al grupo en varias ocasiones), una dramatización de la vida del grupo y su vocalista, Ian Curtis. Me falta ver Control, pero espero verla pronto.

En Joy Division, el documental, el tema principal -no podía ser de otra forma- es Ian Curtis, quien se suicidara ahorcándose el 18 de mayo de 1980, justo cuando la banda estaba en la cima. Dirigido por el cinefotógrafo, director de videos y ocasional documentalista Grant Gee, el documental, a pesar de ser una convencional sucesión de “cabezas parlantes” (todos sus entrevistados en un mismo estudio, con un fondo negro), tiene un lenguaje visual propio y original. Vale aclarar que no es el clásico documental que se puede ver en los canales musicales MTV o VH1. Las pretensiones de Gee van más allá de ofrecer una simple y llana exposición de hechos biográficos, fechas y lugares.

Lo que logra el realizador, responsable de videoclips para Radiohead y otros grupos, es desnudar la personalidad de Curtis y hacer una disección, casi caprichosa, de su torturada mentalidad. Pude tener una visión amplia de Curtis en todas sus etapas, desde que fue un humilde chico de Manchester, quien se unió a la banda, formada por Bernard Sumner, Peter Hook y Stephen Morris (quienes continuaron la banda sin Curtis bajo el nombre de “New Order”), respondiendo a un anuncio en el periódico. Además, el documental ofrece un panorama del Manchester que vio surgir a Joy Division, a mediados de los 1970, como una ciudad sucia, contaminada y en decadencia, pero que vería surgir a las mejores bandas del punk-rock británico de esa época.

No es una película que endiose al grupo, a Curtis o al resto de sus miembros. Se nota que Grant Gee es un gran admirador de Joy Division, y en apenas su segundo documental su visión sobre el trágico destino de Curtis es limpia. Deja que sus excompañeros expresen su opinión al respecto. Curtis era un tipo talentoso para escribir canciones (“Love will tear us apart again” es considerada una de las mejores canciones del siglo XX); tal vez no tenía una gran voz pero si mucha fuerza escénica, y que padecía epilepsia. “Estábamos 50 por ciento enojados con él y 50 por ciento tristes. Pensaba ‘¿Cómo pudo ser tan estúpido para hacer esto?, pero también estábamos tristes por no haber podido hacer algo por él.”, confiesa el baterista Stephen Morris. Y una característica algo intrigante, es que la presencia de Deborah Curtis, esposa de Curtis, no participa con entrevista, sino con textos (seguramente extraídos de su libro biográfico), que se van colocando a manera de intertítulos. Un gran documental para los fans del grupo.

++Nunca estrenada en cine, el documental está disponible en una edición especial en DVD. Entre los extras incluye ficha técnica, ficha artística, biofilmografías, escenas eliminadas y el trailer.

EL CARTEL

THE INFORMANT * * * *

Como el cartel de Whatever Works, la nueva película de Woody Allen, me ha decepcionado, me lo saltaré y reseñaré uno mucho más interesante. Se trata del cartel de The Informant, de Steven Soderbergh. En esta ocasión, me ha gustado tanto el cartel teaser como el cartel del estreno. El primero, con un retrato de Matt Damon boquiabierto y sonriente, y que parece leer la palabra “Unbelievable…”, alineada a la izquierda, y más abajo, se sigue leyendo, “Matt Damon is The Informant!”. Por supuesto, el retrato no tiene nada de extraordinario, sino el juego tipográfico y su inusual manera de estar alineado a la izquierda. El poster parece inspirado en un spot televisivo. Pero el mejor para mi gusto, es el cartel del estreno, que también tipográficamente me parece muy bueno. En este caso, el cartel luce inspirado en los carteles de comedias y thrillers paródicos de los 1960. Las tipografías, (incluso la que se encuentra dentro de la sombra), lucen un diseño muy “groovy”, en la cómica informalidad de su diseño. Por otra parte, tenemos un juego de escalas simple y efectivo. Matt Damon, en menor tamaño, proyecta una sombra enorme, que en nada coincide con su pose triunfal. Es un cartel de una sobriedad cromática increíble (blanco como color principal, combinado con un gris obscuro, tomado del traje de Damon), ya que no minimiza la intención humorística. Tenemos aquí una caja tipográfica de créditos también alineada a la izquierda, y un tagline divertido: “Based on a tattle-tale” (Basada en un relato del chismorreo).

THE LIMITS OF CONTROL * * * *

Diseñado por el despacho The Refinery, el cartel de The Limits of Control, el nuevo filme de Jim Jarmusch, es otro caso de inspiración retro. El cartel retoma viejas ideas de carteles de thrillers de los 1970, y nuevamente, vemos un trabajo tipográfico notable. Prácticamente, toda la información escrita se ha colocado en la parte superior, y el título destaca gracias a su espectacular diseño en perspectiva y un denso volumen. Cromáticamente es elegante, sobrio, con el negro como color principal y una combinación de otros colores más neutros (en especial para el volumen, como grises y ocres en varias tonalidades) y un color terracota como segundo color predominante. La idea es que parezca como si vieramos a través de una mira telescópica, apuntando al actor Isaach de Bankolé. Y sí, debo admitir que esas estelas vibrantes que salen de la fotografía lucen muy “James Bond”. Me gustó igualmente el virado al rojo que se hizo del fondo de la fotografía (simbólicamente muy inquietante), y su tagline: “For every way in, there’s another way out” (Para todo camino de llegada, hay otro camino de salida”).

FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINEMA FANTÁSTIC DE CATALUNYA 2009 * * * *

Vamos ahora con el cartel del Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya (también conocido como Sitges Film Festival), 2009. Como es ya costumbre, el cartel está inspirado en algún filme icónico del género fantástico, horror y/o ciencia ficción. Este año toca a Alien (1978), de Ridley Scott, aquella película emblemática que combinaba magistralmente el horror y la ciencia ficción espacial. Dicen las malas lenguas que Ridley Scott está pensando dirigir próximamente una precuela. No le veo mucho el caso, a menos que tenga un pretexto verdaderamente extraordinario. Ya veremos. Por lo pronto, el cartel de Sitges 2009 retoma la imagen del huevo humeante y verde radioactivo del cartel original. La idea es colocar la icónica imagen de la iglesia de Sant Bartolomeu i Santa Tecla (otra costumbre en los carteles) dentro del huevo, mientras este es rodeado por la cola del “alien” (aunque parece la de Godzila, pero bueno). Me ha gustado la manera de retrabajar estos elementos fácilmente identificables por los cinéfilos. El cartel es 90 por ciento fotográfico, y el trabajo de fotografía y retoque digital son magníficos, en especial, por la manera de recrear el ambiente de la película. Lo demás, es simplemente el logotipo clásico del festival. Veremos qué sorpresas nos depara el festival con premiaciones y visitas especiales.