GRIFF THE INVISIBLE * * *

Ryan Kwanten.

Sería un poco injusto calificarla simplemente como "Kick-Ass" a la australiana (curiosamente, ambos filmes fueron producidos en 2010). La verdad, esta película, aunque considerablemente más pequeña en su producción, tiene un giro todavía más psicológico y emocional, llevado a cabo inteligentemente. 

THE NUN * *

Taissa Farmiga.

Después de ver The Conjuring 2, muchos nos quedamos en ascuas por saber más sobre la demoniaca monja (con rostro de Marilyn Manson) que se aparecía en las visiones y pesadillas de Lorraine Warren (Vera Farmiga). A pesar de no aparecer mucho en aquel filme, la monja en cuestión consiguió atrapar nuestra atención, engancharnos, y dejarnos con ansias por saber más sobre el personaje. Desafortunadamente, este nuevo spin off de la franquicia de horror de The Conjuring, (y que puede funcionar como una precuela), luego de los 2 no muy exitosos filmes de "Annabelle", es una decepción en muchos aspectos.

No es precisamente una mala película de espantos. Sin embargo, no te revela absolutamente nada nuevo ni interesante sobre la monja del título (Bonnie Aarons), ni trae a la luz información sobre quién es -o fue- realmente el personaje. Es cierto, al final de The Conjuring 2 se nos revelaba algo (es recomendable verla primero antes de La Monja), pero una película dedicada a "la monja" merecía hacerle más justicia y darle más espacio (apenas y sale algunos minutos). Es decir, que nos enganchara todavía más. Nada de eso sucede.

Dirigida por Coryn Hardy (coescrita por James Wan, el artífice detrás de The Conjuring e Insidious), la historia es como de receta de cocina. Al inicio, parece un plagio de El Nombre de la Rosa. Un sacerdote (Demian Bichir), y una joven novicia en espera de tomar sus votos (Taissa Farmiga), son enviados por el Vaticano a una remota abadía en Rumania, para investigar el suicidio de una monja en circunstancias misteriosas. En su camino se encontrarán con un joven francés (Jonas Bloquet), que les servirá de guía y poco más. A partir de ahí, luego de los primeros 30 minutos, la película no será más que una serie de sustos calculados y pensados para hacer saltar a la gente de sus asientos. Lo malo, es que el filme no te asusta tanto como debiera.

El filme es funcional hasta cierto punto, ya que si estamos esperando un relato interesante, o al menos medianamente entretenido, aquí no lo encontrarán. Hay buenas ideas que en papel tal vez sonaron terroríficas (¡Esa madre superiora toda de negro, con el rostro oculto y sentada todo el tiempo en una silla! ¡Por favor!), pero que en el filme fueron pobremente aprovechadas. El sacerdote de Demian Bichir es un personaje blando y débil, tendiendo al cliché del sacerdote torturado emocionalmente, y sin verdaderamente completar su misión. Y con el resto de los personajes es lo mismo. Basta de películas inspiradas en The Conjuring. 

THE WIFE * * * *

Glenn Close y Jonathan Price.

Las malas noticias no llegan siempre por teléfono y cuando uno está dormido. Para Joe Castleman (Jonathan Pryce, genial) el teléfono sonará, temprano por la mañana, para darle la mejor noticia de su carrera como escritor: ha sido galardonado con el premio Nobel de Literatura. Junto a Joan, su esposa (maldición, cómo es que no vemos más seguido a Glenn Close en cine, está fantástica), festejará como niño brincando en la cama, antes de salir a Estocolmo a la ceremonia de premiación. El problema, es que no todo brilla en su matrimonio como parecería. Desde el primer minuto de The Wife, nos vamos adentrando en la a veces amarga, a veces alegre vida del maduro matrimonio. Descubriremos el desgaste emocional que viven, y que recibir un premio Nobel no es tan excitante como uno imaginaría.

En este vaivén narrativo, en el que viajamos entre el pasado, en donde través de flashbacks atestiguamos cómo Joe (Harry Lloyd) y Joan (Annie Stark, hija de Glenn Close) se conocieron y enamoraron a principios de los 1960, y el presente, descubriremos un hecho que dará un giro descomunal a la trama, y sacudirá intensamente la carrera del escritor. El detonante será un joven escritor y periodista (Christian Slater), quien vive acosándolos para arrancar secretos y confidencias para las memorias que planea escribir sobre Joe.

The Wife es un filme sobre el significado del éxito en el mundo del arte, con un mensaje en su tercer acto sobre el lugar de la mujer en el mismo. El pequeño cuadro de actores que gira alrededor de este gran tour de force formado por Jonathan Pryce y Glenn Close, se completa con Max Irons (hijo de Jeremy Irons), interpretando al frustrado hijo del escritor, quien sufre por no tener la atención y reconocimiento suficiente por parte de su padre.

Dirigida por el sueco Björn Rugen, el filme es un agridulce relato sobre la vida matrimonial durante la tercera edad, con resonancias al cine de Bergman, y que, por increíble que parezca, no es tan intelectual, o está muy adentrado en el tema de la literatura. No es que haya algo de malo en ello. De hecho, la película trata también -aunque no demasiado- sobre la creatividad y el oficio del escritor. Rugen se nota preocupado también por exhibir el mundo snob de los premios Nobel, desmitificándolos, mostrando lo vacío que pueden ser, y sin mucho significado.

MISSION: IMPOSSIBLE - FALLOUT * * * *

Tom Cruise con gasolina (y adrenalina) de sobra. 

¿Qué le falta hacer a Tom Cruise en una película de Misión Imposible? Cuando creemos que ya lo ha hecho todo (ha realizado una peligrosa escena de acción colgado de un avión en pleno vuelo, ha escalado rascacielos y montañas, etc?, siempre regresa, como una especie de "capitán peligro" del cine de acción, con una nueva forma de jugársela. ¿Le falta caer por las cataratas del Niágara? O mejor aún ¿realizar una escena de acción en el espacio, orbitando la Tierra? En Mission: Impossible-Fallout, la última película de la saga, Cruise ahora pilotea un helicóptero entre montañas, hace una escena de acción junto a Henry Cavill en caída libre desde un avión, realizó una persecución en moto por estrechas calles de París, y en Londres saltó de un edificio a otro, cosa que le costó una fractura de tobillo.

La entrega de Cruise es tal al realizar las películas de Misión Imposible, que te acabas rindiendo completamente al espectáculo que ofrecen. Fall Out es seguramente la mejor película de acción del año, con escenas que te dejan con la quijada colgando. En pos del mayor realismo posible, la multimillonaria estrella de Hollywood siempre ha decidido hacer sus propias escenas de acción peligrosas, sin la ayuda de dobles que se rompan los huesos por él.

Christopher McQuarrie, director de Rogue Nation, la anterior película, regresa en la dirección, y en Fall Out vemos la continuación de los acontecimientos de Rogue Nation. Solomon Lane (Sean Harris, todavía muy tenebroso), líder de la organización terrorista "El Sindicato", ahora en una prisión de alta seguridad, busca seguir llevando a cabo sus planes con un atentado nuclear. Por si fuera poco, la existencia del IMF sigue estando amenazada por su mala reputación de saltarse reglas, no respetar la autoridad, y poner en riesgo la seguridad nacional.

Ethan Hunt (Cruise) y sus colegas, Benji (Simmon Pegg), y Luther (Ving Rhymes) deberán viajar a Europa en una ultima oportunidad para probar que están del lado del gobierno y que quieren ayudar. En París, deberán negociar la posible extradición de Solomon en una delicada operación, bajo la supervisión de un agente de la CIA (Henry Cavill). Rebeca Ferguson regresa como Ilsa, de nuevo en el doble papel de amiga-enemiga, y el lado femenino se acentúa más con la adición de Vanessa Kirby (de The Crown), como la lideresa de una organización criminal secreta.

Cualquiera podría argumentar que las películas de Misión Imposible son, esencialmente, lo mismo, una tras de otra. De Fall out puede decirse que es la misma gata,... pero mucho mejor revolcada. De alguna forma (más dólares en el presupuesto) los realizadores siempre se las arreglan para hacer de cada episodio de Misión Imposible un gran suceso, el evento del año; con algo nuevo, que quieras o no atrapa tu atención. Crean un magnetismo cargado de adrenalina que te jala al cine, te sienta en la butaca, y te tiene pegado a ella sin problemas,con las uñas clavadas en el asiento.

Tom Cruise está loco, y el gancho cada dos o tres años que regresa con una nueva misión, es ver o preguntarse ¿ahora cómo arriesgará el pellejo para que los espectadores vayan a dejar millones y millones de dólares en la taquilla, y ver excelente cine de acción en su máxima expresión?

ANTMAN AND THE WASP * * *

Evangeline Lilly y Paul Rudd.

Sabíamos que Ant-Man regresaría en una secuela, y que no lo haría solo. Ant-Man and the Wasp, secuela de Ant-Man (2015), viene cargada del doble de diversión y acción. Contrario a franquicias más poderosas y épicas (como la de Avengers, en donde Ant-Man ha tratado de encontrar su lugar), la saga del "hombre hormiga" todavía no tiene esos alcances. Pero ya tiene su público, y ha probado ser un entretenimiento familiar noble, funcional, veraniego, al que vale la pena darle una oportunidad. Su humor en general es gracioso, y la experiencia acaba siendo divertida si se tiene la actitud apropiada.

Dirigida nuevamente por Peyton Reed, el lado femenino de la historia tiene más peso que en la anterior película. Evangeline Lilly vuelve como Hope, el interés romántico de Scott Lang/Ant-Man (Paul Rudd), quien usando la tecnología desarrollada por su papá, el Dr. Hank Pymm (Michael Douglas), se convertirá en The Wasp. El Dr. Pym está decidido a encontrar a su esposa, Janet Van Dyne (Michelle Pfiffer), la primera en vestir el traje de la "avispa", quien si recordamos el primer filme acabó atrapada y miniaturizada en el plano subatómico. Mientras tanto, Scott sigue luchando por encontrar el balance apropiado entre ser un buen super héroe y un padre, cosa que no tendrá fácil al tener que enfrentar a una nueva némesis, el Dr. Bill Foster (Laurence "Matrix" Fishbourne), el protector y suerte de padre adoptivo de Ava (Hannah John Kamen, de "Ready Player One" y "Game of Thrones"), una chica mutante con el poder de volverse invisible y hackear sistemas con sus poderes electromagnéticos.

Paul Rudd sigue mostrando lo cómodo que se siente en su fasceta cómica. Es un actor bueno para la comedia, que no se toma muy en serio así mismo (hay una escena en que, sin revelar demasiado, hace una rutina cómica con un lado femenino muy marcado). Lo malo en esta secuela, es que no hay tanto de Ant-Man miniaturizado como en la primer película (que era de lo más divertido y rescatable), sino más del héroe en versión gigante. Michael Peña como Luis, el mejor amigo de Scott, tiene ahora el doble de tiempo y más espacio para desenvolverse, aunque llega un momento en que quizás acaba siendo demasiado.

Ant-Man es un buen entretenimiento de fin de semana clasificación AA. Advertencia: hay que quedarse hasta el final de los créditos para poder ver lo que viene en la tercer película.

PHANTOM THREAD * * * *

Vicky Krieps y Daniel Day Lewis 

Ojalá y Daniel Day Lewis nunca se retire de la actuación, como lo ha afirmado anteriormente. En Phantom Thread Daniel Day Lewis (nominado al Oscar este año a Mejor Actor) está en todo su esplendor, el más reciente ejemplo de lo que un actor de su calibre puede conseguir. En la segunda colaboración del actor británico con Paul Thomas Anderson (la primera fue en There Will be Blood en 2007), tenemos una historia romántica agridulce, masoquista, y tortuosa, además de un estudio de personaje impecable.

Daniel Day Lewis interpreta a Reynolds Woodcock, un diseñador de modas, reconocido genio del gremio durante la década de los 1950, en Inglaterra. Entre sus clientes se cuentan incluso miembros de la realeza. Cuando en su vida parece no haber cabida para una relación, aparece Alma (Vicky Krieps), una mesera, quien con tan simbólico nombre llega a poner de cabeza el aparentemente perfecto, limpio, e impecable mundo de Reynolds. Ambos empiezan un romance de altas y bajas, estira y aflojes, que tomará giros de cuento de hadas obscuro, bastante retorcido, y poco convencial. Lo que menos acaba siendo su relación es una experiencia romántica y edulcorada. Lesley Manville como Cyril, la seria, adusta, y refinada hermana y asistente de Reynolds, está sencillamente fantástica. Pero si en algo destaca Paul Thomas Anderson es en su gran dirección de actores, específicamente, en conseguir otro memorable trabajo de Daniel Day Lewis. Su actuación es pura perfección, y como en cada una de sus películas se siente detrás de cada detalle, de cada gesto, de su voz, un magistral y minucioso trabajo.

INCREDIBLES 2 * * * * *

En Incredibles 2, Papá Increíble tendrá que quedarse en casa. 

Incredibles 2 es tan buena como su antecesora, The Incredibles (2004), quizás un poco mejor. Más acción,una impecable animación, y ahora un tema algo más controversial. Instalada en los 1960, Incredibles 2 tiene un giro feminista, con el tema de la mujer desarrollando un lado profesional dentro del típico núcleo familiar. La Sra. Increíble (también conocida como la "Chica Elástica", con voz de Holly Hunter) emprende una nueva faceta profesional al tener que salir a trabajar, mientras que el Sr. Increíble (voz de Craig T. Nelson) tendrá que quedarse en casa a cuidar de los niños, ayudarles en sus tareas, y de otras labores domésticas.

El gobierno está cansado de los daños colaterales que los supers (como son llamados los superhéroes en este universo) están causando, por lo que sus actividades han sido declaradas como ilegales. Están costando muy caro al gobierno y a los ciudadanos que con tanto celo y sacrificio se dedican a defender. Entra a escena Winston Deavor (Bob Odenkirk, de Breaking Bad y Better Call Saul), un rico empresario, quien de niño admiraba a los supers y está dispuesto a ayudarlos a limpiar la injusta reputación de causar más daño que bien. Ayudado por su hermana (Catherine Keener), este mogul altruista y fan de los supers (posee aviones, yates, etc.) enrolará a la super mamá en una especie de programa de alta tecnología, en donde la lucha contra el mal estará controlada por alta tecnología que mantendrá los daños urbanos al mínimo. ¿Y el Sr. Increíble? Pues descubrirá que ser mamá y ama de casa es un trabajo que requiere de algo más que fuerza sobrehumana y superpoderes, en su intento de criar y cuidar a sus retoños, la chica invisible Violet (voz de Sarah Vowell), el super veloz Dashiel (voz de Huck Milner) y Jack Jack, el bebé (Eli Fucile).

Jack Jack acabó robándome el corazón, quien ahora se ha convertido en un gran "roba-escenas". Los que vimos el primer filme sabemos que Jack Jack tiene superpoderes, pero su propia familia lo desconoce. En esta segunda película, la mayoría de las bromas y escenas graciosas giran alrededor de este hecho. Cuando Bob, su papá, descubra que Jack Jack es tan poderoso como cualquiera de ellos, será algo más problemático que escuchar la primera palabra de un bebé normal. Sin embargo, sigo creyendo que los principales superpoderes del bebé son el ser tierno, gracioso, y de lo más encantador. Jack Jack puede transformarse en monstruo, multiplicarse a sí mismo, moverse a través de varias dimensiones, convertirse en gigante y en una antorcha humana.

Nuevamente dirigida por Brad Bird, ahora tendremos más "supers" y anacronismos al estilo del primer filme. Por ejemplo, las instalaciones secretas en donde vive Edna (voz del mismo Brad Bird), diseñadora de los uniformes de los Increíbles, se ven demasiado modernas y de alta tecnología para la época. Es decir, es una mezcla de diseños retro y ultramoderno que acaban por darle al filme un sabor atemporal. En cuanto a Edna, sigue siendo de los personajes más graciosos, aunque me sigue causando algo de problemas su concepción, ya que sigue el clásico estereotipo de una mujer asiática. Con todo, es graciosa, con actitud, fuerza, seguridad, y lo mejor de todo, es memorable, aunque desafortunadamente no tiene suficiente tiempo en pantalla como en la primer película. Por el contrario, Lucius (Samuel L. Jackson), o "Frozone", amigo de la familia, tiene más participación y oportunidad de echar una mano "muy fría" a sus amigos superhéroes cuando lo necesiten.

Como nota final, Jonathan Banks (también de Breaking Bad y Better Call Saul) sustituye al fallecido Bud Luckey, quien daba voz al jefe de policia Rick Dicker, amigo de los Increíbles. En resumen, Incredibles 2 está cargada de más acción, personajes, más Jack Jack, una trama más compleja, así como un inteligente y sensible mensaje sobre lo valioso que es el trabajo en equipo; de que una familia es más poderosa si está unida.

ISLE OF DOGS * * * * *

Aventura peluda en stop motion con sabor japonés.

Isle of Dogs, segunda película animada dirigida por Wes Anderson (The Grand Budapest Hotel), es maravillosa y nadie que se precie de ser aficionado al cine animado debería perdérsela. A diferencia de Fantastic Mr. Fox, la anterior aventura animada dirigida por Anderson, basada en la novela homónima escrita por Roald Dahl, Isle of Dogs es una historia original (escrita por Anderson, en colaboración con Jason Schwartzman, Roman Coppola y Kunichi Nomura).

En medio de un panorama dominado enteramente por la animación digital, es grandioso ver que todavía hay directores y productoras interesados en la animación tradicional en stop motion (cuadro por cuadro y con modelos a escala). Isle of Dogs es un trabajo versátil, ya que mientras el 70% de su animación es en stop motion, el resto es una mezcla de animación dibujada a mano retocada digitalmente,

Instalada en Japón, Isle of Dogs tiene algo de crudeza y violencia, pero su historia sobre un niño, Atari Kobayashi (Koyu Rankin), y su perro, Spots (voz de Liev Schreiber), tiene un encanto que atraerá tanto al público infantil como al adulto. En medio de una crisis sanitaria en la ciudad de Megasaki, Atari se embarca en una aventura para tratar de encontrar a su adorado Spots, El pobre can ha sido expulsado, junto a toda la población de perros, a una isla debido a que todos han sido infectados por una especie de moquillo. Dicha orden ha sido decretada por el gobernador Kobayashi (Kunichi Nomura), de hecho el tío de Atari.

El dictatorial gobernador Kobayashi desciende de una linea de gobernantes quienes, desde tiempos feudales, se han caracterizado por su amor a los gatos y odio a los perros. Es posible que el virus haya sido creado por el mismo gobierno de Kobayashi para deshacerse de los perros, al menos, según las investigaciones del profesor Watanabe (Akira Ito) y su asistente (Yoko Ono).

El reparto de voces es excelente, y como puede esperarse, de actores habituales en el universo fílmico de Anderson. Edward Norton, Jeff Goldblum, Bob Balaban, y Bill Murray interpretan a una pandilla de perros con mucha química y carisma, que ayudarán a Atari a encontrar a Spots. F. Murray Abraham y Tilda Swinton dan voz a dos perros que servirán de guías, y nos llevarán de la mano en su narración de la historia (¡qué mejor voz que la de Abraham para ello!). Bryan Cranston da voz a Chief, un perro callejero, que jamás ha tenido un dueño, y afirma jamás obedecerá órdenes de humano alguno.

Isle of Dogs es fantástica por donde quiera que se le mire. Su relato sobre la intolerancia está escrita estupendamente. Hay un momento en que parece que la película se convertirá en "La Dama y el Vagabundo" versión Wes Anderson, pero afortunadamente no es así. Lo mejor, es que mientras la mitad de sus diálogos están en japonés y sin subtítulos (algunos de ellos traducidos por una intérprete con la voz de Frances McDormand), esto último no es un problema. Las acciones y eventos que vemos avanzan y se entienden por su propia lógica, gracias a la gran dirección de Anderson. Para que nos entendamos, Isle no es un relato convencional, el cual para ser honesto me tuvo atrapado desde el principio hasta el final.

La película está más dentro del cine animado menos comercial, más "de autor" y más artístico (no esperen verla abarcando salas y salas de cine como The Incredibles 2, su estreno ha sido muy limitado). En ese sentido, el diseño de arte es maravilloso e impresionante. Los modelos están quisquillozamente construídos (incluso cada pelo de los perros tiene movimiento y transmite vida). Hay algo de humor caricaturezco, pero funciona excelentemente, considerando que es un filme protagonizado casi en su totalidad por perros. Un humor con pocas pulgas.

BRIGSBY BEAR * * *

Kyle Pope.

Para tener una definición aproximada de Brigsby Bear, basta imaginar una mezcla de Room (2015), con The Disaster Artist, y un toque The Boy in the Plastic Bubble (de 1976, con John Travolta). Dirigida por Dave McCary (director de algunos cortometrajes y guionista de Saturday Night Live) Brigsby es de esas historias sobre perseguir los sueños sin que nada te detenga. Pero desafortunadamente, después de su primer acto la película toma un camino más fácil y digerible del que uno hubiera podido imaginar. Es decir, más que ser un estudio psicológico sobre el confinamiento de un personaje desde su niñez, Brigsby Bear termina convirtiéndose en una extraña, pero pasable y entretenida historia sobre la improbable y extraña amistad entre dos personajes.

Siendo apenas un bebé, James (Kyle Pope) fue secuestrado en el hospital por un matrimonio (Mark Hamill y Jane Adams), para vivir encerrado toda su vida, sin poder poner un pie fuera de su casa (situada en medio del desierto), con la excusa de que el aire es tóxico. A sus casi 30 años, James sigue siendo como un niño, y se vuelve fanático de un programa infantil, "Brigsby Bear", sobre un oso y sus aventuras fantásticas. No solo James tiene cada episodio grabado en viejos VHS, sino que cuenta con un canal estilo youtube en donde reseña cada episodio, y se comunica con otros posibles seguidores del show. Tan sólo diré que James acaba siendo rescatado, confrontado con un mundo del cual desconoce todo, y reunido con sus verdaderos padres 30 años después. No he revelado casi nada, ya que la cosa apenas comienza.

La película está bien, pero pudo haber estado mejor. Creo que la premisa, después de los primeros 15-20 minutos, daba para una historia mucho más interesante. Sin embargo, Dave McCary se conforma con conseguir un filme gracioso, medio conmovedor, sobre la creatividad y el amor al cine (estilo también "Be Kind Rewind"). El mensaje es nunca dejar de creer en lo que te gusta (en este caso, en "Brigsby Bear"). Lo malo, es que el filme acaba siendo una simple historia sobre el "niño que todos -o casi todos- llevamos dentro", lo genial que es externarlo, y la autenticidad.

James nunca dejó de creer en el oso, y por ello quiere realizar un filme homenajeando a su héroe, algo así como "Brigsby Bear: the movie", uniendo fuerzas creativas con un chico de 19 años, Spencer (Jorge Lendeborg Jr.). Greg Kinnear hace un pequeño papel de detective, con un giro sorpresivo y chuzco. "Brigsby" tiene otro mensaje: cualquiera puede hacer una película, sin necesidad de ir a la escuela de cine. Basta con tener un poco de imaginación, un personaje principal raro y excéntrico para dirigirla, suficiente utilería de segunda mano, algunos amigos dispuestos a trabajar de gratis, y la simple voluntad de hacerlo.

SOLO: A STAR WARS STORY * * * 1/2

Aldren Ehrenreich es el joven Han Solo. 

La producción de Solo: A Star Wars Story, tuvo una trayectoria accidentada. Luego de que Phil Lord y Chris Miller (directores de The Lego Movie) fueran despedidos del proyecto a medio camino, Ron Howard entró a escena a finalizar el filme (se dice que volvió a filmar casi el 70 por ciento de lo ya rodado). Luego, estaba el asunto de quién interpretaría al joven Han Solo, el icónico mercenario-vaquero-espacial de la saga original, que fuera interpretado por Harrison Ford hace cuatro décadas.

El papel acabó en manos del no muy conocido Aldren Ehrenreich (al menos, antes de ver su excelente actuación en "Hail, Caesar", yo jamás había escuchado de él), con los nervios y escepticismo de muchos fans (incluyéndome a mí), respecto a si era o no la elección correcta. Tal vez no se parezca mucho a Harrison Ford, pero el caso es que Ehrenreich consigue una muy buena interpretación sin ser del todo una imitación obvia de la actuación de Ford. Es cierto, se nota que estudió los gestos, movimientos y forma de hablar del Solo original, pero la verdad el tipo aporta algo nuevo y pone de su propia cosecha a su versión del personaje.

Ron Howard no es extraño del todo a este género. Tiene algo de experiencia en el cine fantástico (Willow) e historias ambientadas en el espacio (Apollo 13). Howard sabe darle a este primer "spin off" de Star Wars un auténtico toque de películas de aventuras espaciales y ciencia ficción de matineé (al estilo Flash Gordon). Solo es un western ambientado en "una galaxia muy, muy lejana", y tiene también mucho de películas de gángsters y heist movies (películas de grandes robos). Tiene en contra el hecho de estar deslavada de religión jedi, o algo que tenga que ver con "la fuerza".

Sin embargo, Solo tiene algo del espíritu de los filmes clásicos de Star Wars. Hay dos principales motivos para ver el filme: ser testigos de cómo Han conoció a su inseparable y peludo camarada Chewbaca (Joonas Suotamo), y ver cómo se hizo del Halcón Milenario, la icónica nave en la que viaja a la velocidad de la luz. También hay otro acontecimiento que presenciar, y es cómo Han conoció a Lando Calrissian (Donald Glover, también estupendo). Aquí comprobamos que cuando Han le dijo a Lando en El Imperio Contrataca "El Halcón te lo gané de manera justa", era cierto. Bueno, más o menos.

Woody Harrelson está bien en su interpretación de Beckett, una especie de forajido, que servirá de "mentor" para Han. Siendo en esencia un western, Solo tiene una secuencia de "gran robo al tren", espectacular y bien ejecutada. Junto a Val (Thandie Newton), y Rio Durant (voz de Jon Favreau), Beckett se dedica a robar y contrabandear para un jefe gangsteril, Dryden Vos (Paul Bettany). Emilia Clark (de Game of Thrones) interpreta a Qui'ra, el interés romántico de Han, a quién este último se encuentra buscando luego de haber sido separados. Al final, siendo el único personaje femenino, Qui'ra tiene algunos giros sorpresivos y lados fuertes. Y hay otro lado femenino en el filme, representado en la androide L3 37 (voz de Phoebe Waller-Bridge), carismática y valiente.

Solo es buena, pero no es nada extraordinario. Acaba siendo entretenida y funcional. Le falta algo más de la emoción que sí tuvo, por ejemplo, Rogue One, así como más presencia de la figura de un villano. Solo es otra demostración de cómo Disney está tratando de extraerles todo el jugo posible a los personajes creados por Lucas, explotándolos al máximo. ¿Pero hay de qué quejarse al respecto? El filme es satisfactorio y cumple. ¿Acaso George Lucas no hizo lo mismo con los reestrenos de sus "ediciones especiales" de la trilogía clásica hace ya dos décadas? Es un negocio muy redondo, y así ha estado funcionando desde hace tiempo.

DEADPOOL 2 * * * *

Ryan Reynolds es Deadpool.

Reseñar una película de Deadpool puede ser una experiencia similar a entrar a un laberinto. No se sabe exactamente por dónde empezar o qué camino tomar. Habrá un momento en que uno se sienta atrapado y sin salida, pero lo cierto es que uno acabará lo suficientemente entretenido mientras encontramos la salida. Algo es cierto, entre Deadpool (2016) y la muy esperada secuela, Deadpool 2 (2018), apenas hubo tiempo para respirar y prepararnos para su regreso. Sin embargo, aquí está de vuelta el superhéroe (interpretado con la misma frescura y espontaneidad por Ryan Reynolds), parlanchín, sarcástico, con toda su irreverencia, cáustico humor (tal vez su mejor súper poder), y rompiendo la "cuarta pared" tanto como sea posible.

En principio, Deadpool 2 es tan caótico como el primer filme, tal vez ofreciendo demasiado de lo bueno. Luego de abrir con una genial secuencia de créditos (inspirada en las secuencias de créditos de James Bond), desde el inicio ya te estás riendo. Hay que advertir que Deadpool 2 no acaba siendo mejor que la primer película, pero sí igual de buena. El factor sorpresa ya no está presente. Deadpool 2 está saturada de buenos chistes, mucho slapstick, excelentes gags, y humor negro. El héroe chamuscado ("te pareces a Freddy Krueger", le dijo T.J. Miller en la primer película, quien interpreta a su mejor amigo), capaz de regenerar sus extremidades amputadas (hay una escena hilarante en la que somos testigos de cómo se regeneran sus piernas), e imposible de matar. O al menos, eso creíamos hasta ahora.

Deadpool sigue siendo muy gracioso, el alma de la fiesta. La película está plagada de mucha acción, y violencia gráfica (a tal grado, que el filme ha sido clasificado para mayores de 15 años). Deadpool sigue negándose a pertenecer a los X-Men, prefiriendo mantenerse al margen. No los necesita, ya que decide formar su propio grupo de anti-héroes, la "Fuerza X", integrada por Domino (Zazie Beetz), Zeitgeist (Bill Skarsgard), Vanisher (Brad Pitt, en un cameo que sólo los buenos observadores podrán identificar), y Bedlam (Terry Crews), con el propósito de proteger a un niño mutante, Firefist (Julian Dennison), quien ha sufrido de abusos por parte del director del orfanato en donde vive (Eddie Marsan).

Al principio ocurre una tragedia que mejor no revelaré para no estropearle el show a los fans. Sólo diré que este acontecimiento despierta en Wade/Deadpool los suficientes sentimientos paternales para proteger al chico del villano en turno, Cable (Josh Brolin). La película, en ciertos momentos, se siente demasiado llena, a punto de reventar. Aunque tenemos nuevos personajes, nuevas caras, y nuevas situaciones, en Deadpool 2 no hay algo significativamente nuevo. El personaje ha evolucionado un poco. Además de toda la explosiva y pirotécnica acción, David Leitch, quien ha tomado las riendas en la dirección, pone aquí y allá algunos momentos trascendentales, que involucran a Vanessa (Morena Baccarin), ahora su esposa.

Las actuaciones son muy buenas. Reynolds sigue genial. No dice sus diálogos, los dispara a discreción, en un personaje que ha hecho ya suyo. Josh Brolin, con todo y su rostro pétreo, consigue darle cierta humanidad a su villano. Su Cable es una especie de combinación de John Connor y Terminator. Hay algo que decir de Deadpool 2, y es que es mitad una parodía de los filmes de los X-Men (sigue habiendo escenas dentro de la mansión del profesor Xavier, incluyendo cameos de algunos X-Men), mitad una parodia de las películas de Terminator, y también, en cierta medida, una autoparodia del mismo Ryan Reynolds (las últimas escenas, antes del cierre de créditos, lo dicen todo).

Deadpool sigue siendo el personaje que no encaja en ningún lugar, que no necesita de nadie, un lobo solitario. Parte de su evolución, es que Deadpool empieza a mostrar lados vulnerables. Al final, sabe que no puede engañarse a sí mismo. Negasonic (Brianna Hildebrand), y el gigante metálico Sergei (Thayr Harris) están de regreso, para demostrarle nuevamente a nuestro héroe que trabajar en equipo, aunque sea de vez en cuando, no te hace menos heróico

THE DISASTER ARTIST * * * *

James Franco interpreta a Tommy Wiseau, director de "The Room". 

The Disaster Artist es de esas historias "basadas en hechos reales" que son difíciles de creer. Es difícil creer cómo Tommy Wiseau (James Franco, genial e irreconocible, luciendo como una colisión entre un joven Dennis Hopper, Steven Tyler, de Aerosmith, y Jim Morrison), su enigmático protagonista, logró que su película "The Room", considerada una de las peores películas jamas realizadas, fuera estrenada en tan sólo un cine. También es difícil de creer cómo Wiseau consiguió convencer a todo un equipo de profesionales del cine para que lo siguieran en esta aventura fílmica, que se anunciaba como desastroza y tortuosa a kilómetros de distancia. The Disaster Artist, otro de esos curiosos esfuerzos directoriales llevados a cabo ocasionalmente por James Franco, irremediablemente nos trae a la memoria Ed Wood, de Tim Burton (biopic en blanco y negro sobre Ed Wood, considerado el peor director de cine en la historia), la cual se nota que Franco tomó como principal fuente de inspiración.

James Franco consigue el retrato de un ser perturbador, loco, narcisista, posesivo, dominante, y desubicado. Aunque admitía provenir de Nueva Orleans, a la fecha siguen siendo un misterio los orígenes de Wiseau (invirtió 6 millones de dólares para "The Room", y nadie sabe de dónde provino tal financiamiento ni de dónde Wiseau, con su extraño acento, es originario). "Disaster" también es una celebración al pésimo cine, a las malas actuaciones, a los malos escritores, a los pésimos guiones e historias. En resumen, una oda al pseudoarte. Y claro, es una película sobre las amistades improbables, representada aquí en la amistad que Wiseau forma con Greg (Dave Franco, hermano de James), un chico de tan sólo 19 años, aspirante a actor, y que Tommy "adopta" como su acompañante en la aventura que deciden emprender en Los Ángeles.

Ver The Disaster Artist como una simple y típica historia sobre el "perseguir los sueños sin rendirse hasta cumplirlos", sería reducirla demasiado. Termina siendo más que eso. Seth Rogen (que siempre anda rondando en los filmes dirigidos y/o actuados por James Franco), interpretando al consultor en guión, está bien en plan serio. The Disaster Artist es divertida y extraña, de ese "cine dentro del cine" (con una de las escenas de sexo más incómodas y bizarras jamás vistas, que incluye el "derrière" de Franco en total close-up), que fascinará y atraerá a cinéfilos.

AVENGERS: INFINITY WAR * * * *

JUNTOS Y MUY REVUELTOS. Los Avengers y los Guardianes de la Galaxia
unen fuerzas contra una nueva amenaza. 

Las películas de los Avengers se sienten como una especie de reuniones familiares a gran escala. Nadie queda fuera de la lista de invitados. En Avengers: Infinity War, la tercera película de los superhéroes de la Marvel, tenemos otra de esas reuniones, pero en esta ocasión es una verdaderamente masiva y épica. En esta gran recaudadora de dinero (hasta este fin de semana ha recaudado alrededor del mundo 1 billón, 606 millones de dólares, nada más), los Vengadores han decidido olvidar sus diferencias vistas en "Captain America: Civil War". Además, se han colado a la fiesta los Guardianes de la Galaxia. Los universos de los Vengadores y los Guardianes se fusionan en Infinity War de forma afortunada, todos juntos y algo revueltos. Tenemos prácticamente dos películas en una, incluyendo una secuela de Guardians of the Galaxy, y con calzador han metido una "semi-secuela" de Black Panther.

Mientras DC Comics sigue luchando por ganarse la simpatías de críticos y cinéfilos, Marvel apuesta ahora por un híbrido descomunal. Se escucha como un banquete del que quizás salgamos indigestos, pero curiosamente, Infinity War termina siendo de las mejores películas de los Vengadores a la fecha. La excusa para juntar a todos estos personajes son las piedras "Infinity" (de las que ya escuchamos en las películas de los Guardianes). Ahora, Thanos (voz y rostro de Josh Brolin), el villano en esteroides, busca hacerse de toda la colección de 6 piedritas, para ponerlas en un puño dorado, y así conquistar el universo.

Dr. Strange (Benedict Cumberbatch) es la nueva adición al clan de los Vengadores (sustituyendo a Jeremy Renner y su Hawkeye, quien por alguna extraña razón no aparece), debido a que él posee una de las piedras. La otra está en poder de Vision (Paul Bettany). La invasión de Thanos a la Tierra es inminente. Los primeros en estar alertas son Iron Man (Robert Downey Jr.), Bruce Banner (Mark Ruffallo), y Spiderman (Tom Holland). Y digo Bruce Banner, por que una de las bromas recurrentes en la trama es su impotencia al no poder transformarse en Hulk.

A pesar de ser una película de los Vengadores, y que hay cosas importantes pasando con Thor (Chris Hemsworth, todavía con el look de cabello corto y parche de "Thor: Ragnarok"), con Tony Stark, quien tal vez no pueda asistir a su propia boda con Pepper Pots (Gwineth Paltrow), y Vision (para él sería fatal el perder la piedra que tiene incrustada en la frente), el verdadero centro dramático tiene que ver con los Guardianes. Gamora (Zoe Saldana), tiene un secreto de su pasado que complicará las cosas en su relación con Peter Quill (Chris Pratt), y claro, con el destino de la galaxia.

Es cuando nos damos cuenta que hay personajes multidimensionales y que nos importan. Al final, en este nuevo filme, dirigido por los hermanos Anthony y Joe Russo (directores de las películas del Capitán America "Winter Soldier" y "Civil War"), hay un buen balance entre acción, drama y humor, debido a que estamos frente a superhéroes que no se toman muy enserio a sí mismos, ni se dejan hundir tanto en sus conflictos. Toma nota DC Comics.

A QUIET PLACE * * * *

Emily Blunt y Millicent Simmonds.

A Quiet Place ha sido un fenómeno en taquilla desde su estreno en Estados Unidos. Es un filme realizado con una simpleza y sencillez sorprendentes, pero que no baja la guardia en cuanto a proveer de buenos sustos. La premisa tiene a sus personajes confinados a vivir un horror paralizante, limitante, en donde el hacer el menor ruido representa para ellos la muerte. Suena a horror de la vieja escuela. Sin embargo, John Krasinski, el director y protagonista, en su primer filme de horror, sabe cómo crear todo un ambiente y atmósfera amenazantes, al grado de que si la familia protagonista emite un simple suspiro acabará siendo la presa de unas criaturas alienígenas que han invadido nuestro planeta.

¿Cómo, cuándo, y por qué? No hay tiempo para muchas explicaciones, o historias de fondo. En hora y media se cuenta la lucha de la familia Abbott por sobrevivir en una granja. Krasinski, interpretando al padre de familia, prefiere concentrarse en los detalles más particulares sobre cómo cada uno de los miembros debe ser cuidadoso y permanecer en silencio lo más posible. En un abrir y cerrar de ojos estos aliens, ciegos pero con un sentido del oído super desarrollado, los podría matar. La familia se ha adaptado a vivir con esa amenaza a su alrededor. Vemos que han desarrollado un lenguaje de señas para comunicarse entre sí, y creado un sistema de luces alrededor de su casa para alertar de algún peligro.

La mitad del tiempo, A Quiet Place es prácticamente un filme silente. Emily Blunt (esposa de Krasinsky en la vida real), es la madre de familia. Junto a su hija (Millicent Simmonds, estupenda), y su hermano menor (Noah Jupe), todos llevan a cuestas la pena de haber perdido trágicamente a un miembro de la familia. Más que ser un filme de horror, A Quiet Place es una historia sobre el amor padre-hija, relación que acaba teniendo el mayor peso emocional. La hija sufre de sordera progresiva. Mientras, su papá se encuentra desarrollando mejores aparatos para que ella escuche mejor.

Aunque en total los personajes no dicen más que unas cuantas líneas, no hay necesidad de mucho diálogo. Krasinski sabe extraer de todos sus actores toda una ola de emociones en gestos, miradas, expresiones, y movimientos. La idea se siente muy estilo Cloverfield (y ya se habla de una secuela), pero considerando que aquella franquicia (iniciada por JJ Abrams) ha decaído debido al último filme producido por Netflix, tal vez A Quiet Place ha llegado a tomar su lugar. Tiene una idea original, con un buen desarrollo, y considerable peso emocional. Ojalá que de haber secuelas en el futuro (y es que quedan preguntas por resolver al final) continúe así.

READY PLAYER ONE * * *

VIRTUALMENTE LISTO.   Tye Sheridan 

Ready Player One es quizás la película que los amantes de la realidad virtual y los videojuegos estaban esperando. No será lo mejor de Steven Spielberg, pero el filme funciona. Spielberg ha confesado que gusta de jugar videojuegos, y en Ready Player One (adaptación de la novela de Ernest Cline, quien coescribió el guión junto a Zack Penn) sabe cómo sumergirnos profundamente en su universo virtual, plagado de referencias a la cultura pop y el cine de los últimos 40 años (muchas de ellas referencias directas a cintas dirigidas y/o producidas por Spielberg, como Back to the Future, Jurassic Park, etc.). La historia habla sobre una realidad que ya está aquí desde hace tiempo, y sobre un futuro no muy lejano: la gente viviendo dentro de una realidad artificial, generada digitalmente, con poco o nulo contacto físico.

En esta aventura futurista, Wade (Tye Sheridan), un chico que vive aislado del mundo y sumergido en la realidad virtual, acepta el reto de jugar un sofisticado videojuego diseñado por su gran ídolo, un genio tipo Steve Jobs, Halliday (Mark Rylance). Halliday es el creador de OASIS, un mundo virtual. Al morir, Halliday ha dejado un reto póstumo a los usuarios de OASIS, encontrar tres llaves, y ganar como premio toda su fortuna. Wade, Samantha (Olivia Cooke), y otros jugadores en forma de avatares, deben descifrar el gran misterio detrás de la vida de Halliday. Sorrento (Ben Mendelsohn), un antiguo colega de Halliday, ahora es su principal competidor al fundar una compañía fascistoide.

La película es como un entrecruce de Charlie and the Chocolate Factory, Jobs, A.I. (de Spielberg), Scott Pilgrim vs. The World (aunque deslavada de toda su irreverencia y humor), y Lego Movie. Hay personajes que usan pantallas virtuales con "coreografías de manos" al estilo de Minority Report (también de Spielberg). El tema sobre cómo la tecnología envuelve nuestras vidas se explora con eficacia. En el aspecto visual, la película es impresionante (con momentos de antología nostálgica, en donde se hacen presentes el Delorean, King Kong, un T Rex, y el robot de The Iron Giant). Sin embargo, aunque la sensación de aventura nunca se pierde, con momentos emocionantes, a veces el filme se siente atragantado en su propia pirotecnia visual, tendiente a lo caótico. La trama se pone por instantes confusa, y algo incoherente.