TARZAN THE FEARLESS * * 1/2

Julie Bishop y Buster Crabble en "Tarzan the Fearless".

Está lejos de ser como una de las clásicas películas de Tarzan protagonizadas por Johnny Weissmuller. Sin embargo, Tarzan the Fearless (1933) tiene todo lo que un simple y ordinario filme de aventuras de bajo presupuesto -aquellos de matinee- debe tener. Aquí Tarzan es interpretado por Buster Crabbe (quien también interpretara a Flash Gordon en muchas ocasiones), y el tipo no hace otra cosa más que dar vida a una especie de parodia del “Rey de la Jungla”. Vamos, el Tarzan que el director Robert F. Hill nos presenta es poco más que un cromagnon con cerebro de neanderthal. Esta película forma parte de una serie de pequeños filmes de Tarzan (varios actores encarnaron al “hombre mono”), en donde hasta el famoso grito del héroe sonaba ridículo. Algo como un aullido, nada relacionado con el resonante grito cantor de Weissmuller.

Aquí, la historia cuenta cómo una expedición por la selva de África, que incluye una pareja de novios (Julie Bishop y Edgar Woods), así como unos guías sospechosos, se toparán con Tarzan y con una misteriosa secta egipcia, que resguarda en una caverna ídolos, tesoros y esmeraldas. Así como la película tiene cosas graciosas (unas involuntarias, otras intencionales), también tiene vibrantes escenas de leones entrenados “luchando” con dobles. Lo verdaderamente gracioso será ver a Tarzan “evolucionar”, de ser como un bebé balbuceante, inocente cuando se queda a solas con Mary (Bishop), sin hacer lo que muchos pensariamos que debería hacer. Un puro entretenimiento palomero, sin pretensiones y barato de los años 1930.

MONSTERS VS. ALIENS * * * 1/2

"Monsters vs Aliens" es un homenaje paródico al cine serie B. 

Monsters vs Aliens (2009) es un homenaje, animado e infantil, a los filmes clásicos serie B de monstruos y ciencia ficción. Todo está integrado para que el filme funcione sin muchos problemas. A los aficionados a este subgénero, no les sera difícil identificar claras referencias a Attack of the 50 Foot Woman, The Blob y The Fly (todas de 1958); Creature from the Black Lagoon (1954) y a las monster movies japonesas. La idea de esta producción de la Dreamworks, dirigida por Rob Letterman y Conrad Vernon, no es volverlos una amenaza para la humanidad, sino ponerlos al servicio de la misma.

La premisa consiste en crear un grupo de élite, formado por freaks y monstruos. Una desafortunada chica, Susan (voz de Reese Witherspoon) es golpeada por un meteorito justo el día de su boda con un comentarista del clima televisivo (voz de Paul Rudd). El accidente la convierte en una gigantezca mujer con una fuerza descomunal. Instalada en un cuartel militar ultrasecreto, Susan sera rebautizada como Ginormica. Bajo el mando de un general (Kiefer Sutherland), Susan se unirá a un grupo de monstruos, formado por Link (Will Arnett) un monstruo mezcla de simio y reptil, la masa verde gelatinosa B.O.B. (Seth Rogen), un científico loco con cuerpo de cucaracha (Hugh Laurie), producto de un fallido experimento genético, y una oruga gigante.

Juntos deberán enfrentar la amenaza extraterrestre de Gallaxhar (Rain Willson), y su invasión de robots para conquistar el mundo. Hay un homenaje también al Dr. Strangelove de Kubrick, en esa sala secreta donde el presidente de los E.U. (Stephen Colbert), un total estúpido, se reune con sus colaboradores. Es aquí donde el buen humor creado por la agradable química entre el equipo de monstruos, decae por culpa de gags y bromas que apenas y hacen esbozar una sonrisa. Lo mismo en ese otro “homenaje” a “Close Encounters of the Third Kind”, cuando el presidente trata de comunicarse usando un sintetizador con uno de los robots alienígenas.

Tenemos un filme tan lleno de estas referencias cinematográficas, que se acaba sintiendo poco original. Divertido y entretenido la mayor parte del tiempo, sí, pero predecible en la comicidad que intenta construir con su parodia al cine serie B. Es una lástima, porque parece que Letterman y Vernon tenían dos filmes distintos en mente, y que no supieron integrar del todo bien. Mientras la parte que trata sobre las proezas y aventuras del equipo de monstruos funciona excelentemente, cada uno tratando de encontrarse a sí mismo y de integrarse a la sociedad (la escena de acción en el puente es magnífica, la de la fiesta en el jardín muy graciosa), la parte del presidente y su equipo echa todo por la borda con su humor pueril. Y la de los tim-burtonianos extraterrestres (parecen sacados de Mars Attack) no ayuda mucho tampoco.

++El DVD incluye el documental detrás de cámaras, escenas eliminadas, story boards, etc.

MILK * * * 1/2

Sean Penn como el activista Harvey Milk.

Harvey Milk es recordado por haber sido un activista político, que luchó por el reconocimiento y respeto de los derechos de los homosexuales a finales de los 1970. Gus Van Sant, realizador declarado homosexual y que nunca deja de lado en sus películas personajes con estas características, realiza un homenaje en Milk (2008) al controversial Harvey Milk, provocador que convocó enormes marchas en las calles de San Francisco. El guión, escrito por Dustin Lance Black, ganó el Oscar a “Mejor Guión Original” en 2009. Además, Sean Penn se llevó la estatuilla dorada por su magistral interpretación de Harvey Milk, sin duda el máximo logro del filme.

Otro de los logros, es cómo Van Sant te lleva a dicha época valiéndose de una paleta de tonos suaves, azulados y algo neutros. Junto a Sean Penn, James Franco ofrece también una genial actuación como la pareja de Milk, Scott Smith. Son dos aspectos por los que vale la pena revisar la película. Actuaciones y estilo visual, prevalecen por encima de la historia y narración. Van Sant no es un gran narrador de historias, cosa que ya me ha dejado en claro definitivamente en la soporífera “Last Days” (2005). Lo que promete la película, es una nostálgica mirada, entre lo documental, el melodrama y un tratamiento realista, al trabajo de Milk, desde que abriera su tienda fotográfica, hasta su controversial elección como oficial de distrito, el primero abiertamente gay en la historia del estado.

No hay duda, al menos en mi opinión, que a Van Sant le falta ese toque especial que se necesita para darle a su película la fuerza de los mejores melodramas políticos. Esto al menos desde el punto de vista de la narración, de la historia, ya que el talento de Sean Penn hace que mantengamos el ojo abierto cada vez que Milk da un discurso, incluso en un momento en que ha sido amenazado de muerte si sube al estrado (Milk podría ser la versión gay del Willie Stark que Penn interpretó en “All the King’s Men”). Porque Milk es una especie de mártir de la intolerancia (asesinado en un arranque de locura por su principal competidor político) y así es retratado en el filme. La escena del asesinato es sumamente estilizada, filmada en ralenti y vista a través de una ventana. Milk es, en general, un drama panfletario que apela por la tolerancia.

++ Sin extras relevantes. El DVD región 4 incluye escenas eliminadas, detrás de cámaras, etc.

SPINOUT * *

Shelley Fabares y Elvis Presley en "Spinout".

Mi admiración hacia Elvis Presley siempre ha estado dividida. Mientras musicalmente para mí es una de las grandes leyendas del rock, cinematográficamente siempre fue un churrero. Bueno, eso sí exceptuamos Jailhouse Rock (1957), uno de sus 2 o 3 filmes visibles. Spinout (1966) es todo lo contrario. Dirigida por Norman Taurog (responsable de otros desastres protagonizados por el Rey, como G.I. Blues, masacrada por la crítica), la película es uno más de esos bodrios en los que las disfrutables actuaciones musicales de Elvis salvan todo. Ah, y claro, las chicas guapas que adornan los números musicales bailando a go-go. El resto, no es más que una historia nada complicada de seguir, muy estúpida humorísticamente hablando y predecible a cada segundo. Elvis es el líder de una banda de rock ambulante (su baterista es una chica) que un buen día es obligado por un hombre acaudalado (el actor televisivo Carl Betz) a tocar en el cumpleaños de su hija (Shelley Fabares), a cambio de una jugosa suma de dinero. La lucha de egos comenzará, hasta que el Rey es convencido de competir en una carrera de autos. Como siempre, no habrá mujer que no esté enamorada de Elvis, la carrera de autos es entretenida, pero el final de la película es de lo peor. En general, como ver un pésimo programa de comedia dominguero.

STAGE DOOR CANTEEN * * * 1/2

Katharine Hepburn, en su fugaz aparición en "Stage Door Canteen".

Esta es una de esas películas que fueron realizadas para levantar la moral del pueblo estadounidense durante la Segunda Guerra Mundial. La experiencia de ver Stage Coach Canteen (1943) es muy cercana a lo que sería ver un programa televisivo de variedades. No hay una historia lineal definida, sino varias, y todas tienen lugar en un sólo sitio, “Stage Door Canteen”, una especie de centro de entretenimiento para los soldados que realmente existió en Nueva York. Ahí se reúnen para ver estrellas de la farándula, “big bands” (las de Count Basie, Benny Goodman y Xavier Cugat tienen una participación), músicos (el violinista Yehudi Menuhin), cantantes de Broadway, comediantes, actores de teatro y cine, etc. Muchos de ellos se encuentran trabajando voluntariamente como camareras o sirviendo comida a los militares. La dirección es de Frank Borzage (A Farewell to Arms) y el puñado de mini historias tienen que ver con las conquistas de varios soldados con chicas aspirantes a convertirse en artistas. La principal cuenta el romance que surge entre “Dakota”, un soldado, y una guapa chica, el cual tendrá una resolución enmarcada con un muy patriótico mini discurso de Katharine Hepburn, uno de tantos cameos de la película, incluyendo Johnny Weissmuller y Harpo Marx.

MICHAEL CLAYTON * * * *

Tom Wilkinson y George Clooney en "Michael Clayton".

Una película como Michael Clayton (2007) pone de manifiesto cómo George Clooney es tan efectivo tanto en papeles cómicos como en “serios”. No es difícil tomar en serio a un actor como Clooney. Se dice que es tremendamente cuidadoso al elegir a los directores con los que trabaja, y en Michael Clayton ha dado en el clavo. El guionista Tony Gilroy (autor del guión de tres “Bourne”: “Identity”, “Supremacy” y “Ultimatum”, y de churros como “Armageddon”) tiene un destacado debut como director, con un thriller brillantemente dirigido y estructurado, por supuesto, escrito por él. Y ahí está George Clooney para darle rostro a un abogado especializado en “arreglar” situaciones y casos difíciles.

Hay un par de secuencias que dan fe de la gran capacidad como realizador de Gilroy. Una tiene como fondo un bucólico paisaje, con unos caballos en una colina (de hecho, es la escena que abre el filme), donde se detiene Clayton (George Clooney) en medio de la carretera abstraído por dicha imagen. Una explosión lejana se escucha. La escena muestra la horrible muerte de un personaje, el cual yace agonizante junto a un par de asesinos profesionales, quienes han realizado un trabajo limpio, silencioso y rápido. Son dos visos de maestría, de un realizador que sabe su oficio, así como desarrollarse en un género –el thriller- que acaba haciendo propio en la película.

La historia está algo inspirada en Hitchcock. Michael Clayton es el clásico personaje en medio de una serie de conspiraciones, una investigación y, por si fuera poco, la persecución de unos asesinos. Es adicto a las apuestas y quiere retirarse como dueño de un restaurante. Los asesinos tienen detrás una mente maestra, en la forma de Tilda Swinton (ganadora del Oscar a “Mejor Actriz de Reparto”), la representante de una poderosa compañía productora de pesticidas, uno de los clientes fuertes de la firma.

En tanto, Tom Wilkinson ofrece otra de sus maravillosas actuaciones, como un excelente abogado quien, un buen día, tiene una crisis nerviosa y enloquece. Sidney Pollack redondea el magnífico reparto, en un sólido papel secundario como el jefe de la firma. No es cualquier thriller hollywoodense de acción. De hecho, Steven Soderbergh funge como productor (junto a Clooney), y su toque de cine independiente se deja sentir.

++El DVD incluye fichas técnicas, filmografías, escenas eliminadas y comentario adicional con Tony Gilroy. El Blu-ray extrañamente no incluye estos extras. 

LIMITLESS * * 1/2

Robert De Niro y Bradley Cooper en "Limitless".

En Limitless (2011) una pequeña píldora transparente que parece un botón, es capaz de convertir no nada más en un genio a todo aquel que la toma, sino en algo casi cercano a un superhéroe. Como si se tratara de una reelaboración de Fausto, un tipo por debajo del promedio de inteligencia (Bradley Cooper), con un severo bloqueo mental para empezar su novela y que luce como un vagabundo, tendrá acceso a esta droga a través de su mefistofélico ex cuñado. El resultado: acabará su libro en menos de 4 horas (y escribirá otros más en poco tiempo), se volverá un prodigio de las matemáticas y las finanzas; tendrá las chicas que quiera, se verá beneficiado con una felina visión periférica, fuerza física y poderes psíquicos. En resumen, ciertas regiones del cerebro que usamos poco han sido despertadas gracias a la NZT, como también se le conoce a la droga.

La película, dirigida por Neil Burger (The Illusionist) es un entretenido y caótico amasijo de un montón de otras películas en una sola. Es decir, hay un poco de todo: artes marciales, mafias, toques estilo “dimensión desconocida”, etc. Incluso, la película se llega a convertir en una cruza de algo como “Wall Street”, con Robert De Niro como un poderoso empresario que recluta a nuestro genial amigo como asesor, con “Good Will Hunting”. Tenemos una película con un tema que pretende ser muy “cerebral”, pero que se queda a medias en muchas cosas, como en su guión (adaptación de la novela de Allan Glynn). El final es desilusionante, aunque con la disposición adecuada se puede disfrutar el resto del filme.

AFTER THE WEDDING * * * *

Sidse Babett y Mads Mikkelsen en "After the Wedding".

Existen muchos puntos de correspondencia entre After the Wedding (2006) y Festen (1998), la película más representativa del movimiento Dogma. El más obvio, es un secreto revelado, explosivamente, en medio de una celebración. Tal vez After the Wedding sea una película demasiado melodramática para los estándares de Susanne Bier, su realizadora, pero la historia tiene esa fuerza, tanto en la historia como en los personajes, característica de su filmografía, así como una extraordinaria dirección de actores.

Mads Mikkelsen (actor habitual en los filmes de Bier) es Jacob, un altruista y aventurero que administra un orfanato en la India. Tiene todo el cariño de los niños, en especial de uno, al que promete regresar de un viaje de negocios a Dinamarca, para conseguir financiamiento para el lugar. Justo en la boda de la hija del poderoso patrocinador (Rolf “Under the Sun” Lassgard), Jacob se encontrará con un amor del pasado (Sidse Babett) y con un secreto que sacudirá su vida por completo.

No nada más es un melodrama con mucha fuerza oculta, lista para salir a través de sus personajes (Mikkelsen, contenido y sensible; Rolf Lassgard, por el contrario, incontenible, capitalista y dominante), sino también es una película entrañable. Es cierto, presenta una visión europea indulgente sobre la India, pero que se compensa con un estudio interesante sobre la paternidad. Se anima a mostrar la sensibilidad masculina sin tapujos.

++El DVD incluye el trailer, fichas técnicas y artísticas.

MY FRIEND FLICKA * * * 1/2

Rita Johnson, Preston Foster y Roddy McDowall en "My Friend Flicka"

Primera adaptación al cine de la novela infantil escrita por Mary O’Hara. La experiencia de ver My Friend Flicka (1943), es casi como ver Lassie pero en versión equina. Vale decir que Flicka (palabra sueca que significa “niñita”), nombre de la potra que se queda “huérfana” luego de un fatal accidente, no es tan carismática como Lassie, y quizás menos inteligente, pero tiene su encanto propio. La dirección corre a cargo de Harold D. Schuster, y la historia básicamente cuenta cómo un niño, Ken (Roddy McDowall, quien interpreta a Cornelius en todas las películas de “Planet of the Apes”) forma una entrañable amistad con Flicka, regalo de su padre (Preston Foster), un granjero y criador de caballos. La película es muy pintoresca, llena de hermosos paisajes y bellos caballos. El lazo que Ken y Flicka forman es el del chico que tiene plena confianza en que la potra podrá ser domada. Aunque predecible, el fuerte de la historia es la verdadera persistencia de Ken y los obstáculos que deberá vencer para cuidar a Flicka, y así permanecer juntos (con la ayuda de una simpática niña, interpretada por Patti Hale, aquí y en la secuela, “Thunderhead-Son of Flicka”), a pesar del escepticismo de su padre. El final es de esos “rompe-corazones”.

ADAM RESURRECTED * * 1/2

Jeff Goldblum en "Adam Resurrected".

En uno de los planos iniciales de Adam Resurrected (2008), vemos como los ojos de Jeff Goldblum, en un close-up extremo, se mueven camaleónicamente uno independiente del otro. Es una imagen intrigante. Para algunos será divertida, para otros chocante, y para unos más no tendrá sentido. Yo me ubiqué en estos últimos. Honestamente, conforme transcurra la película, un trabajo atípico en la filmografía de Paul Schrader, veremos que no estamos lidiando con un personaje sencillo y accesible. Me refiero al Adam del título, un comediante e ilusionista judío, sobreviviente del Holocausto, que ahora pasa sus días recluído en un asilo junto a otros sobrevivientes en Israel.

Basada en la novela de Yoram Kaniuk, Schrader consigue un filme, que dentro de su monocromática mirada en blanco y negro (estilo “Schindler’s List” y en flash backs) hacia el ascenso del nazismo y el Holocausto, desde el punto de vista de Adam, funciona muy bien. Sin embargo, en su parte actual, con la trama desarrollándose en el asilo, en medio del desierto, a color y con un tratamiento entre lo real y lo fantástico (Schrader lo califica como “realismo mágico”), no me acabó por convencer.

Nunca acabé por sentirme conectado con esa parte del filme, a pesar de estar dirigida con mucha solvencia y estilo por Schrader (la cámara moviéndose, sin cortes, por todo el edificio, arriba y abajo). El sostén de toda la película es la relación que Adam intenta crear con un niño que se cree perro, para salvarlo y volverlo a la normalidad. De alguna manera conecta con su pasado traumático como prisionero del campo de concentración, en donde Adam se convirtió en la mascota de un comandante nazi (Willem Dafoe), y a cambio este le perdonó la vida. Aún así, la película me dejó con la sensación de que tal vez este no era el material adecuado para Schrader.

++ "Adam Resurrected" no ha tenido estreno comercial en España. 

UN PROPHÈTE * * * * *

Tahar Rahim y Niels Arestrup en "Un prophète".

La ganadora del Oscar a Mejor Película Extranjera, Un prophète (2009), el año 2010, trata sobre el descenso al infierno de un joven árabe, Malik (Tahar Rahim, magnífico) dentro de una cárcel francesa, y cómo sobrevivió ese mundo de corrupción, mafias, violencia y traiciones. Malik descubre, desde el momento que pisa la cárcel, que debe conseguir protección, y si no es del más poderoso mafioso corcegano a cargo del lugar, Cesar Luciani (Niels Arestrup, temible) no vivirá para contarlo. Para ello, Malik debe pasar una prueba, realizar un “trabajo” para los corceganos: el asesinato de un árabe. La pesadilla para Malik apenas comienza.

Un prophète (Un profeta), del realizador Jaques Audiard (Lee mis labios) es un thriller carcelario poco común, que se mueve entre lo surreal, la acción trepidante y el melodrama familiar de una manera fenomenal. Es algo así como “The Godfather” dentro de una prisión, con toques delirantes que tienen un giro psicológico interesante, en esas visiones que Malik tiene del fantasma de su víctima, algunas veces en sueños pero otras a plena luz del día. Malik puede tener capacidades psíquicas, ver cosas que sucederán minutos después, como en esa impresionante escena en la carretera y el venado cruzando. Es un detalle pequeño en la configuración del personaje de Malik, tal vez poco importante para la historia, pero que no deja de ser magistral.

La película no tiene un solo minuto flojo. El retrato que hace Audiard de la violencia no tiene concesiones con el espectador, especialmente en la escena del asesinato dentro de la pequeña celda. Para Malik (y para nosotros) es torturante la pura preparación, escondiéndose una navaja de afeitar en la boca. Su sobreviviencia implicará saborear un poco el poder, y lo mejor de Malik como personaje es precisamente su transformación de un joven indefenso en un astuto e inteligente traficante de drogas, capaz de seguir actuando dentro de la prisión.

++Disponible en una edición especial en DVD, que incluye: el tráiler, ficha artística, ficha técnica, filmografías destacadas, making of “Detrás de las rejas”, escenas eliminadas, y ensayos de Tahar Rahim. El Blu-ray, además, incluye escenas eliminadas.

SERENADE * * 1/2

Mario Lanza y Sarita Montiel en "Serenade".

Mario Lanza era dueño de una gran voz, y no cabe duda de su notable talento como tenor. Se decía que era mejor que Caruso. No se puede decir lo mismo sobre su faceta como actor de cine. En Serenade (1956), el tenor originario de Filadelfia, luce sobreactuado y nada convincente interpretando a una joven promesa de la ópera, al cual la fama le llega tan rápido que en poco tiempo echa todo por la borda. Dirigida por Anthony Mann, musicalmente la película te llega a las entrañas. Lanza interpreta el “Ave Maria”, extractos de “La Boheme”, “Don Giovanni”, “Otello” e “Ill Trovatore”, además de canciones originales escritas para el filme por Nicholas Brodzky y Sammy Cahn. Basada en la novela de James M. Cain, la película está filmada casi enteramente en México (específicamente, en San Miguel de Allende), a donde llega nuestro artista luego de la desilusión romántica causada por su descubridora, una atractiva socialité (Joan Fontaine). Vincent Price tiene una estupenda participación como el manager de Lanza. Sin embargo, la película no escapa de la clásica visión folclórica de México, y a partir de aquí Serenade se transforma en una especie de telenovela, con tantos giros argumentales que la supuesta química que debe de haber entre Mario Lanza y la española Sarita Montiel (buen acento mexicano) queda en segundo plano.

THE LAST EXORCISM * * * 1/2

Patrick Fabian y Ashley Bell en "The Last Exorcism".

Antes de empezar, vale advertir que The Last Exorcism (2010) es oootra película del subgénero “falso documental de terror”, o para ser más precisos, el de las “imágenes-de-archivo-rescatadas”. No es la primera vez que su realizador, Daniel Stamm, se adentra en estos terrenos. En “A Necessary Death” (2008), Stamm “documenta” el suicidio de un realizador de documentales. Su más reciente película es otra más de exorcismos, pero el tratamiento del tema es original, bien llevado, con actuaciones sólidas y entretenida.

Su fórmula se puede resumir así: “The Wicker Man” (1973) más “The Exorcism of Emily Rose” (2005), rodado en forma de “mockumentary”. El resultado es la historia de un predicador, exorcista fraudulento e ilusionista aficionado (Patrick Fabian), quien pretende registrar lo que será su retiro, con la ayuda de una documentalista y su camarógrafo. Con su último exorcismo, el predicador probará que los exorcismos no son más que un fraude. Cargado con todos sus artilugios, gadgets y demás equipo de exorcista, viajará a un pacífico pueblo para “exorcisar” a una perturbada chica, Nell (Ashley Bell, magnífica), cuyo padre (Louis Herthum) la cree poseída por el mismo demonio.

El problema con esta película, es que pese a los esfuerzos de Stamm por hacer que todo parezca real, el asunto no se siente tan “real” como quisiera. Al menos, no como “Paranormal Activity” o, la madre de todas estas películas, “Blair Witch Project”. Los actores, si bien tienen un notable desempeño (en especial Ashley Bell), se sienten muy “sobreactuados”, poco naturales para lo que este experimento requiere. Es demasiado evidente que hay una dirección fotográfica (iluminación, etc), y creo que depender nada más de una cámara portátil nerviosa, no ha sido del todo suficiente. Con todo, la película merece la pena verse, por el pathos que mantiene constante: ¿La chica realmente está poseída o tiene problemas psicológicos?

BRODRE * * * * *

Connie Nielsen y Ulrich Thomsen en "Brothers"

Miembro del movimiento Dogma (fundado por l’enfant terrible Lars Von Trier), la danesa Susanne Bier es una especialista en historias de parejas fragmentadas y sacudidas por tragedias, accidentes y toda clase de sucesos traumáticos. Ahí están, como ejemplos “Open Hearts” (2002) y “Things We Lost in the Fire” (2007), su primer película en Estados Unidos. Brothers  (de la cual Jim Sheridan hizo un remake en 2009), es otra de esas historias en las que Susanne Bier explora la fina línea que sostiene las relaciones familiares y sentimentales, poniendo una dura prueba a un matrimonio,  aparentemente estable, interpretado por Ulrich Thomsen y Connie Nielsen.

Michael, militar de carrera, es enviado a Afganistán en una misión especial. Ahí, su avión se estrella y la noticia de su muerte llega pronto a su esposa, quien cae en un duelo junto a sus dos niñas, sus suegros y cuñado, Jannik (Nikolaj Lie Kaas). En realidad, Michael ha sobrevivido y es hecho prisionero por los talibanes, quienes lo obligarán a realizar una cosa atroz que lo dejará marcado emocionalmente. Mientras, Jannik y su cuñada encontrarán consuelo mutuo de una forma más que amistosa.

Nadie querría estar en el lugar de Michael. Cuando llegue el momento de tomar cierta decisión, la escena nos pone justo en el sitio en donde Michael llevará a cabo, con suma desesperación, horror y crudeza, el acto que le permitirá seguir vivo. Lo compadecemos, no tanto porque su hermano está a punto de sobrepasar ciertos límites en casa, sino porque llegará a Dinamarca convertido en una bomba de tiempo esperando estallar. Siguiendo (casi) a la medida los preceptos Dogma, Susanne Bier logra un melodrama familiar intenso, bien actuado y emocionalmente contenido hasta el último minuto.

FROST/NIXON * * * *

Frank Langella y Michael Sheen en "Frost/Nixon".

La entrevista que llevaron a cabo el presentador de televisión David Frost y el ex presidente norteamericano Richard Nixon, en 1977, fue el duelo mediático de dos figuras dispuestas a no dejarse hundir frente a las cámaras. Un debate en el que un popular anfitrión televisivo tuvo que convertirse en verdadero periodista, teniendo como contendiente al presidente más impopular en la historia de E.U. David Frost (Michael Sheen, genial) trató de sacar a Richard Nixon (Frank Langella, estupendo y nominado al Oscar) una confesión sobre el caso Watergate y una disculpa a la nación, por haber encubierto esta operación de espionaje. Y lo logró.

Basada en la obra teatral homónima escrita por el británico Peter Morgan (quien escribió el guión), Ron Howard recrea en Frost/Nixon (2008) esta entrevista con su acostumbrado cuidado en la ambientación de época, situando a los dos personajes como dos boxeadores antes de salir al ring. En serio, tanto Nixon como Frost, antes de salir al aire, se preparan con sus asesores situados en sus respecivas “esquinas”. Ambos analizan cuidadosamente los puntos débiles del otro, viendo la posibilidad de dar uno que otro golpe bajo.

Como el fallido pero experimentado político que es, Nixon analiza de pies a cabeza a Frost. Sabe cómo manipularlo, acomplejarlo, infundirle miedos y dudas antes de que su bombardeo de preguntas comience. Mientras, Frost debe entender desde el principio, que no tiene enfrente a cualquier celebridad de la farándula; que desde el inicio debe de “atacar” con preguntas fuertes, directas y contundentes. No debe dejar que el expresidente tome el control de la entrevista, gane tiempo y que se salga por la tangente con su demagogia. Como todo buen político.

La película tiene un gran reparto. Sam Rockwell interpretando al especialista en Nixon y asesor de Frost, quien ve esto como la gran oportunidad de su carrera, algo casi histórico; Oliver Platt y Matthew Macfadyen como los tensos y preocupados productores del programa. Kevin Bacon es el lambiscón brazo derecho de Nixon, leal y dispuesto a darlo todo por él. El formato del filme es el de un mockumentary, en donde cada personaje narra, años después, cómo fue todo el proceso desde la producción del programa, un proyecto en el que David Frost vio la oportunidad de demostrar su credibilidad como periodista. El impacto que tuvo ver a nivel nacional a Nixon, derrotado frente a las cámaras, fue gigantesco. Cuando Nixon pronunció la frase “Si el presidente lo autoriza, entonces es legal”, fue el “derechazo” que lo llevó a la lona y no levantarse a la cuenta de 10.