LIMITLESS * * 1/2

Robert De Niro y Bradley Cooper en "Limitless".

En Limitless (2011) una pequeña píldora transparente que parece un botón, es capaz de convertir no nada más en un genio a todo aquel que la toma, sino en algo casi cercano a un superhéroe. Como si se tratara de una reelaboración de Fausto, un tipo por debajo del promedio de inteligencia (Bradley Cooper), con un severo bloqueo mental para empezar su novela y que luce como un vagabundo, tendrá acceso a esta droga a través de su mefistofélico ex cuñado. El resultado: acabará su libro en menos de 4 horas (y escribirá otros más en poco tiempo), se volverá un prodigio de las matemáticas y las finanzas; tendrá las chicas que quiera, se verá beneficiado con una felina visión periférica, fuerza física y poderes psíquicos. En resumen, ciertas regiones del cerebro que usamos poco han sido despertadas gracias a la NZT, como también se le conoce a la droga.

La película, dirigida por Neil Burger (The Illusionist) es un entretenido y caótico amasijo de un montón de otras películas en una sola. Es decir, hay un poco de todo: artes marciales, mafias, toques estilo “dimensión desconocida”, etc. Incluso, la película se llega a convertir en una cruza de algo como “Wall Street”, con Robert De Niro como un poderoso empresario que recluta a nuestro genial amigo como asesor, con “Good Will Hunting”. Tenemos una película con un tema que pretende ser muy “cerebral”, pero que se queda a medias en muchas cosas, como en su guión (adaptación de la novela de Allan Glynn). El final es desilusionante, aunque con la disposición adecuada se puede disfrutar el resto del filme.

AFTER THE WEDDING * * * *

Sidse Babett y Mads Mikkelsen en "After the Wedding".

Existen muchos puntos de correspondencia entre After the Wedding (2006) y Festen (1998), la película más representativa del movimiento Dogma. El más obvio, es un secreto revelado, explosivamente, en medio de una celebración. Tal vez After the Wedding sea una película demasiado melodramática para los estándares de Susanne Bier, su realizadora, pero la historia tiene esa fuerza, tanto en la historia como en los personajes, característica de su filmografía, así como una extraordinaria dirección de actores.

Mads Mikkelsen (actor habitual en los filmes de Bier) es Jacob, un altruista y aventurero que administra un orfanato en la India. Tiene todo el cariño de los niños, en especial de uno, al que promete regresar de un viaje de negocios a Dinamarca, para conseguir financiamiento para el lugar. Justo en la boda de la hija del poderoso patrocinador (Rolf “Under the Sun” Lassgard), Jacob se encontrará con un amor del pasado (Sidse Babett) y con un secreto que sacudirá su vida por completo.

No nada más es un melodrama con mucha fuerza oculta, lista para salir a través de sus personajes (Mikkelsen, contenido y sensible; Rolf Lassgard, por el contrario, incontenible, capitalista y dominante), sino también es una película entrañable. Es cierto, presenta una visión europea indulgente sobre la India, pero que se compensa con un estudio interesante sobre la paternidad. Se anima a mostrar la sensibilidad masculina sin tapujos.

++El DVD incluye el trailer, fichas técnicas y artísticas.

MY FRIEND FLICKA * * * 1/2

Rita Johnson, Preston Foster y Roddy McDowall en "My Friend Flicka"

Primera adaptación al cine de la novela infantil escrita por Mary O’Hara. La experiencia de ver My Friend Flicka (1943), es casi como ver Lassie pero en versión equina. Vale decir que Flicka (palabra sueca que significa “niñita”), nombre de la potra que se queda “huérfana” luego de un fatal accidente, no es tan carismática como Lassie, y quizás menos inteligente, pero tiene su encanto propio. La dirección corre a cargo de Harold D. Schuster, y la historia básicamente cuenta cómo un niño, Ken (Roddy McDowall, quien interpreta a Cornelius en todas las películas de “Planet of the Apes”) forma una entrañable amistad con Flicka, regalo de su padre (Preston Foster), un granjero y criador de caballos. La película es muy pintoresca, llena de hermosos paisajes y bellos caballos. El lazo que Ken y Flicka forman es el del chico que tiene plena confianza en que la potra podrá ser domada. Aunque predecible, el fuerte de la historia es la verdadera persistencia de Ken y los obstáculos que deberá vencer para cuidar a Flicka, y así permanecer juntos (con la ayuda de una simpática niña, interpretada por Patti Hale, aquí y en la secuela, “Thunderhead-Son of Flicka”), a pesar del escepticismo de su padre. El final es de esos “rompe-corazones”.

ADAM RESURRECTED * * 1/2

Jeff Goldblum en "Adam Resurrected".

En uno de los planos iniciales de Adam Resurrected (2008), vemos como los ojos de Jeff Goldblum, en un close-up extremo, se mueven camaleónicamente uno independiente del otro. Es una imagen intrigante. Para algunos será divertida, para otros chocante, y para unos más no tendrá sentido. Yo me ubiqué en estos últimos. Honestamente, conforme transcurra la película, un trabajo atípico en la filmografía de Paul Schrader, veremos que no estamos lidiando con un personaje sencillo y accesible. Me refiero al Adam del título, un comediante e ilusionista judío, sobreviviente del Holocausto, que ahora pasa sus días recluído en un asilo junto a otros sobrevivientes en Israel.

Basada en la novela de Yoram Kaniuk, Schrader consigue un filme, que dentro de su monocromática mirada en blanco y negro (estilo “Schindler’s List” y en flash backs) hacia el ascenso del nazismo y el Holocausto, desde el punto de vista de Adam, funciona muy bien. Sin embargo, en su parte actual, con la trama desarrollándose en el asilo, en medio del desierto, a color y con un tratamiento entre lo real y lo fantástico (Schrader lo califica como “realismo mágico”), no me acabó por convencer.

Nunca acabé por sentirme conectado con esa parte del filme, a pesar de estar dirigida con mucha solvencia y estilo por Schrader (la cámara moviéndose, sin cortes, por todo el edificio, arriba y abajo). El sostén de toda la película es la relación que Adam intenta crear con un niño que se cree perro, para salvarlo y volverlo a la normalidad. De alguna manera conecta con su pasado traumático como prisionero del campo de concentración, en donde Adam se convirtió en la mascota de un comandante nazi (Willem Dafoe), y a cambio este le perdonó la vida. Aún así, la película me dejó con la sensación de que tal vez este no era el material adecuado para Schrader.

++ "Adam Resurrected" no ha tenido estreno comercial en España. 

UN PROPHÈTE * * * * *

Tahar Rahim y Niels Arestrup en "Un prophète".

La ganadora del Oscar a Mejor Película Extranjera, Un prophète (2009), el año 2010, trata sobre el descenso al infierno de un joven árabe, Malik (Tahar Rahim, magnífico) dentro de una cárcel francesa, y cómo sobrevivió ese mundo de corrupción, mafias, violencia y traiciones. Malik descubre, desde el momento que pisa la cárcel, que debe conseguir protección, y si no es del más poderoso mafioso corcegano a cargo del lugar, Cesar Luciani (Niels Arestrup, temible) no vivirá para contarlo. Para ello, Malik debe pasar una prueba, realizar un “trabajo” para los corceganos: el asesinato de un árabe. La pesadilla para Malik apenas comienza.

Un prophète (Un profeta), del realizador Jaques Audiard (Lee mis labios) es un thriller carcelario poco común, que se mueve entre lo surreal, la acción trepidante y el melodrama familiar de una manera fenomenal. Es algo así como “The Godfather” dentro de una prisión, con toques delirantes que tienen un giro psicológico interesante, en esas visiones que Malik tiene del fantasma de su víctima, algunas veces en sueños pero otras a plena luz del día. Malik puede tener capacidades psíquicas, ver cosas que sucederán minutos después, como en esa impresionante escena en la carretera y el venado cruzando. Es un detalle pequeño en la configuración del personaje de Malik, tal vez poco importante para la historia, pero que no deja de ser magistral.

La película no tiene un solo minuto flojo. El retrato que hace Audiard de la violencia no tiene concesiones con el espectador, especialmente en la escena del asesinato dentro de la pequeña celda. Para Malik (y para nosotros) es torturante la pura preparación, escondiéndose una navaja de afeitar en la boca. Su sobreviviencia implicará saborear un poco el poder, y lo mejor de Malik como personaje es precisamente su transformación de un joven indefenso en un astuto e inteligente traficante de drogas, capaz de seguir actuando dentro de la prisión.

++Disponible en una edición especial en DVD, que incluye: el tráiler, ficha artística, ficha técnica, filmografías destacadas, making of “Detrás de las rejas”, escenas eliminadas, y ensayos de Tahar Rahim. El Blu-ray, además, incluye escenas eliminadas.

SERENADE * * 1/2

Mario Lanza y Sarita Montiel en "Serenade".

Mario Lanza era dueño de una gran voz, y no cabe duda de su notable talento como tenor. Se decía que era mejor que Caruso. No se puede decir lo mismo sobre su faceta como actor de cine. En Serenade (1956), el tenor originario de Filadelfia, luce sobreactuado y nada convincente interpretando a una joven promesa de la ópera, al cual la fama le llega tan rápido que en poco tiempo echa todo por la borda. Dirigida por Anthony Mann, musicalmente la película te llega a las entrañas. Lanza interpreta el “Ave Maria”, extractos de “La Boheme”, “Don Giovanni”, “Otello” e “Ill Trovatore”, además de canciones originales escritas para el filme por Nicholas Brodzky y Sammy Cahn. Basada en la novela de James M. Cain, la película está filmada casi enteramente en México (específicamente, en San Miguel de Allende), a donde llega nuestro artista luego de la desilusión romántica causada por su descubridora, una atractiva socialité (Joan Fontaine). Vincent Price tiene una estupenda participación como el manager de Lanza. Sin embargo, la película no escapa de la clásica visión folclórica de México, y a partir de aquí Serenade se transforma en una especie de telenovela, con tantos giros argumentales que la supuesta química que debe de haber entre Mario Lanza y la española Sarita Montiel (buen acento mexicano) queda en segundo plano.

THE LAST EXORCISM * * * 1/2

Patrick Fabian y Ashley Bell en "The Last Exorcism".

Antes de empezar, vale advertir que The Last Exorcism (2010) es oootra película del subgénero “falso documental de terror”, o para ser más precisos, el de las “imágenes-de-archivo-rescatadas”. No es la primera vez que su realizador, Daniel Stamm, se adentra en estos terrenos. En “A Necessary Death” (2008), Stamm “documenta” el suicidio de un realizador de documentales. Su más reciente película es otra más de exorcismos, pero el tratamiento del tema es original, bien llevado, con actuaciones sólidas y entretenida.

Su fórmula se puede resumir así: “The Wicker Man” (1973) más “The Exorcism of Emily Rose” (2005), rodado en forma de “mockumentary”. El resultado es la historia de un predicador, exorcista fraudulento e ilusionista aficionado (Patrick Fabian), quien pretende registrar lo que será su retiro, con la ayuda de una documentalista y su camarógrafo. Con su último exorcismo, el predicador probará que los exorcismos no son más que un fraude. Cargado con todos sus artilugios, gadgets y demás equipo de exorcista, viajará a un pacífico pueblo para “exorcisar” a una perturbada chica, Nell (Ashley Bell, magnífica), cuyo padre (Louis Herthum) la cree poseída por el mismo demonio.

El problema con esta película, es que pese a los esfuerzos de Stamm por hacer que todo parezca real, el asunto no se siente tan “real” como quisiera. Al menos, no como “Paranormal Activity” o, la madre de todas estas películas, “Blair Witch Project”. Los actores, si bien tienen un notable desempeño (en especial Ashley Bell), se sienten muy “sobreactuados”, poco naturales para lo que este experimento requiere. Es demasiado evidente que hay una dirección fotográfica (iluminación, etc), y creo que depender nada más de una cámara portátil nerviosa, no ha sido del todo suficiente. Con todo, la película merece la pena verse, por el pathos que mantiene constante: ¿La chica realmente está poseída o tiene problemas psicológicos?

BRODRE * * * * *

Connie Nielsen y Ulrich Thomsen en "Brothers"

Miembro del movimiento Dogma (fundado por l’enfant terrible Lars Von Trier), la danesa Susanne Bier es una especialista en historias de parejas fragmentadas y sacudidas por tragedias, accidentes y toda clase de sucesos traumáticos. Ahí están, como ejemplos “Open Hearts” (2002) y “Things We Lost in the Fire” (2007), su primer película en Estados Unidos. Brothers  (de la cual Jim Sheridan hizo un remake en 2009), es otra de esas historias en las que Susanne Bier explora la fina línea que sostiene las relaciones familiares y sentimentales, poniendo una dura prueba a un matrimonio,  aparentemente estable, interpretado por Ulrich Thomsen y Connie Nielsen.

Michael, militar de carrera, es enviado a Afganistán en una misión especial. Ahí, su avión se estrella y la noticia de su muerte llega pronto a su esposa, quien cae en un duelo junto a sus dos niñas, sus suegros y cuñado, Jannik (Nikolaj Lie Kaas). En realidad, Michael ha sobrevivido y es hecho prisionero por los talibanes, quienes lo obligarán a realizar una cosa atroz que lo dejará marcado emocionalmente. Mientras, Jannik y su cuñada encontrarán consuelo mutuo de una forma más que amistosa.

Nadie querría estar en el lugar de Michael. Cuando llegue el momento de tomar cierta decisión, la escena nos pone justo en el sitio en donde Michael llevará a cabo, con suma desesperación, horror y crudeza, el acto que le permitirá seguir vivo. Lo compadecemos, no tanto porque su hermano está a punto de sobrepasar ciertos límites en casa, sino porque llegará a Dinamarca convertido en una bomba de tiempo esperando estallar. Siguiendo (casi) a la medida los preceptos Dogma, Susanne Bier logra un melodrama familiar intenso, bien actuado y emocionalmente contenido hasta el último minuto.

FROST/NIXON * * * *

Frank Langella y Michael Sheen en "Frost/Nixon".

La entrevista que llevaron a cabo el presentador de televisión David Frost y el ex presidente norteamericano Richard Nixon, en 1977, fue el duelo mediático de dos figuras dispuestas a no dejarse hundir frente a las cámaras. Un debate en el que un popular anfitrión televisivo tuvo que convertirse en verdadero periodista, teniendo como contendiente al presidente más impopular en la historia de E.U. David Frost (Michael Sheen, genial) trató de sacar a Richard Nixon (Frank Langella, estupendo y nominado al Oscar) una confesión sobre el caso Watergate y una disculpa a la nación, por haber encubierto esta operación de espionaje. Y lo logró.

Basada en la obra teatral homónima escrita por el británico Peter Morgan (quien escribió el guión), Ron Howard recrea en Frost/Nixon (2008) esta entrevista con su acostumbrado cuidado en la ambientación de época, situando a los dos personajes como dos boxeadores antes de salir al ring. En serio, tanto Nixon como Frost, antes de salir al aire, se preparan con sus asesores situados en sus respecivas “esquinas”. Ambos analizan cuidadosamente los puntos débiles del otro, viendo la posibilidad de dar uno que otro golpe bajo.

Como el fallido pero experimentado político que es, Nixon analiza de pies a cabeza a Frost. Sabe cómo manipularlo, acomplejarlo, infundirle miedos y dudas antes de que su bombardeo de preguntas comience. Mientras, Frost debe entender desde el principio, que no tiene enfrente a cualquier celebridad de la farándula; que desde el inicio debe de “atacar” con preguntas fuertes, directas y contundentes. No debe dejar que el expresidente tome el control de la entrevista, gane tiempo y que se salga por la tangente con su demagogia. Como todo buen político.

La película tiene un gran reparto. Sam Rockwell interpretando al especialista en Nixon y asesor de Frost, quien ve esto como la gran oportunidad de su carrera, algo casi histórico; Oliver Platt y Matthew Macfadyen como los tensos y preocupados productores del programa. Kevin Bacon es el lambiscón brazo derecho de Nixon, leal y dispuesto a darlo todo por él. El formato del filme es el de un mockumentary, en donde cada personaje narra, años después, cómo fue todo el proceso desde la producción del programa, un proyecto en el que David Frost vio la oportunidad de demostrar su credibilidad como periodista. El impacto que tuvo ver a nivel nacional a Nixon, derrotado frente a las cámaras, fue gigantesco. Cuando Nixon pronunció la frase “Si el presidente lo autoriza, entonces es legal”, fue el “derechazo” que lo llevó a la lona y no levantarse a la cuenta de 10.

PARANORMAL ACTIVITY * * *

Una toma repetitiva pero efectiva, la puerta que es el acceso
a los miedos de la pareja protagónica de "Paranormal Activity".

El fenómeno de taquilla que representó Paranormal Activity (2009) fue algo que sobrepasó, incluso, las expectativas de sus realizadores. Una película que costó la cantidad aproximada de 15,000 dólares, acabó recaudando en taquilla 77,873 dólares su primer fin de semana. Y la última cifra conocida el año 2010, fue de 107,917,283 dólares. Un negocio redondo, y las cifras siguen aumentando. Mis reservas para verla fueron muchas, luego de que varios comentarios y críticas, en resumen, la calificaban como “soporífera”. En realidad, me encontré con una película que da un giro al terror psicológico, valiéndose de mínimos recursos para conseguir lo que muy pocas películas: detonar un estado de ansiedad. Al menos en mi caso, lo pudo hacer.

El desconocido realizador Oren Peli, se vale de la estrategia de usar la cámara en mano prácticamente todo el tiempo, para dar la sensación de veracidad a la pequeña historia de una pareja asediada por fenómenos paranormales en su casa. Es la estrategia que empezó “The Blair Witch Project” (1999): filmar como si se tratara del registro de hechos reales; de un material audiovisual rescatado, del cual nosotros estamos siendo testigos en el cine. La pareja es interpretada por Katie y Micah (nombres también de los personajes), ella atormentada desde niña por espíritus y fenómenos de ultratumba, mientras que Micah es la contraparte escéptica, que se dedicará cada noche a registrar con su cámara portátil, fija frente a la cama, todo lo que pasa mientras duermen. La puerta que se mueve sola, ruidos, pisadas, golpes, alaridos, etc., todo en un suspenso que va in crescendo. Ni siquiera un psíquico cobarde los podrá ayudar a pelear con las “fuerzas obscuras” que viven en la casa.

Vi la película dos veces, y debo confesar que la segunda vez los sustos ya no tienen el mismo efecto. Es de esas películas, que al no tener la más mínima complicación, son para verse una vez y nada más. Lo que hace Oren Peli, es recurrir a los miedos más primitivos, el miedo a la obscuridad, a lo que no se ve pero se escucha; a lo que está haciendo ruido bajo las escaleras pero da temor ir a revisar en la obscuridad. Es algo monótono ver las noches en cama grabadas una y otra vez, pero esta toma repetitiva es muy inteligente dentro de su propia simpleza: del lado izquierdo, la cama, del lado derecho, la puerta, y afuera… obscuridad. Esa puerta acaba convertida en un umbral hacia lo que Micah y Katie más temen, de lo cual el espectador puede acabar contagiado.

SLUMDOG MILLIONAIRE * * * *

Dev Patel y Freida Pinto en la oscarizada "Slumdog Millionaire".

Slumdog Millionaire (2008) fue la ganadora al Oscar a “Mejor Película” en 2009. Estaba casi cantado que atraparía a los miembros de la academia. Una “feel good movie” sobre las aventuras de un par de hermanos para sobrevivir la miseria en Bombay. El premio fue bien merecido, ya que Slumdog Millionaire es una buena película, donde Danny Boyle, quien ganó el Oscar a “Mejor Director”, consigue conmover, impresionar y mantenernos en un suspenso constante, sin caer en ningún momento en chantajes sentimentales.

La película es una adaptación de la novela de Vikas Swarup, y aires dickensianos se sienten y respiran a lo largo de la película. Es como llevar a Dickens a la India (Oliver Twist en los barrios pobres de Bombay), pero puede adivinarse -o al menos suponerse- qué atrajo a Boyle de la historia. Ya antes en “Millions” (2004), ofreció una historia con dos hermanos de personalidades diametralmente distintas: uno de ellos noble de corazón, mientras el otro más ambicioso.

Slumdog Millionaire tiene como eje narrativo un concurso de television, “Who wants to be a millionaire?”. En el programa se encuentra concursando nuestro protagonista y héroe, Jamal (el británico de origen hindú Dev Patel), un humilde chico, tratando de contestar difíciles preguntas sobre cultura general frente a miles de televidentes. El escenario es de lo más sencillo: Jamal se encuentra sentado al centro, frente a un insufrible y manipulador anfitrión (Anil Kapoor), cuyo trabajo no nada más es decir las preguntas sino hacer dudar al concursante, provocarlo y ponerlo nervioso.

Alrededor del concurso tendremos dos narraciones: en una vemos los orígenes de Jamal, desde su niñez, junto a su hermano Salim, ambos interpretados por pequeños actores no profesionales. Jamal va recordando episodios clave en su vida, cada vez que da una respuesta correcta en el programa, para explicarnos cómo es capaz de responder, siendo evidente que no ha recibido educación alguna. Al menos educación académica, ya que lo que Jamal sabe se debe a las experiencias que le ha dado la vida, y una buena memoria para recordar. Por ejemplo, ¿Cómo sabe el nombre de un actor de la India famoso? Simplemente, porque es un gran fan de él, y se las ha arreglado para verlo en cine. Lo que hará para conseguir su autógrafo será totalmente asqueroso.

En otra narración vemos el arresto de Jamal en una estación de policia, donde un inspector (Irrfan Khan) se encuentra interrogándolo, al sospechar que ha hecho trampa en el concurso. El inspector cree que Jamal ha recibido las respuestas previamente.

En tres líneas narrativas somos testigos de problemáticas sociales muy comunes en la India, como la explotación infantil. Niños huérfanos y sin hogar son puestos a trabajar por adultos, como cantar y recitar poemas en la calle. Antes les hacen pruebas de voz, y si hay uno desafinado lo torturan, como en una escena de gran crudeza, donde un niño es convertido en ciego al vertirle un líquido caliente en los ojos. Aquí, un pequeño Jamal conoce al amor de su vida, Latika (hermosa Freida Pinto), y luego de que el destino los separe siendo niños, aquel se dedicará a buscarla. Salim tomará también su propio camino, y no será el más recto de todos, cuando acabe involucrado con estas mafias.

Al final, Slumdog Millionaire es un cuento de hadas, es cierto. Sin embargo, es un cuento de hadas narrado con gran brio, fuerza y una obsesión por el realismo hipnotizante. La música es uno de los aspectos más logrados, incluyendo la dirección fotográfica (premiados también con un Oscar). Y hablando de la música, Danny Boyle cierra la película con un homenaje al cine musical de Bollywood, además de una secuencia de créditos increíble, que deja patente la versatilidad de este realizador.

++El DVD incluye el "Cómo se hizo", escenas eliminadas, videoclip "Jai Ho", featurette "Del guión a la pantalla",  y featurette "Bombay Liquid Dance".

THE DOLLY SISTERS * * *

June Haver y Betty Grable en "The Dolly Sisters".

Como musical, “The Dolly Sisters” (1945) es apenas una simple curiosidad. Llena de varias canciones pegajosas y atractivas (como la nominada al Oscar, “I Can’t Begin to Tell You”), lo cierto es que los números musicales no tenían mucho de destacable. Su par de rubias protagonistas, Betty Grable y June Haver, interpretando a las hermanas Jenny y Rosie, respectivamente, destacan como buenas cantantes, aunque los números musicales son tiesos, sin bailes, coreografías o grandes escenarios. Es decir, está lejos de ser un espectacular musical a la altura de las producciones de la MGM. A grandes rasgos, la historia cuenta cómo las hermanas Dolly llegan a los E.U. desde Hungría, siendo unas niñas, a principios del siglo XX. Ambas vienen acompañadas de su gordinflón tío apostador (S.Z. Sakall, auténtico actor de Hungría). Las Dolly demuestran un gran talento para bailar y cantar desde su llegada. Los años pasan, y aunque el tío apenas y muestra algún signo de envejecimiento, las niñas se convierten en unas hermosas artistas de vaudeville, famosas en Europa y América. Todo va bien, hasta que Jenny acaba enamorada y casada con un cantante y compositor (John Payne), situación que amenaza con quebrantar el estrecho lazo artístico del dueto. La historia romántica no es tan predecible como parece. Irving Cummings, el realizador, hace realmente convincente el romance tormentoso de Jenny, así como el sólido lazo entre las hermanas. El mejor número musical está al final, entrañable, pero también reflejando sinceridad.

DEAR MR. WONDERFUL * *

Me costó trabajo entender y sentirme involucrado en esta película. En específico, tuvo que ver con su personaje, Ruby Dennis (Joe Pesci), tan medianamente construído y dibujado, que antes de la primera mitad perdí el interés por él. ¿Qué es lo que realmente quiere Ruby? Triunfar como cantante en Las Vegas -al menos es lo que la sinopsis especifica-, aunque sinceramente, poco es lo que hace para lograrlo. Es evidente que le gusta su compañera cantante del grupo musical, pero poco o nada hace al respecto. Dear Mr. Wonderful (1982) está dirigida por el alemán Peter Lilienthal, aunque desafortunadamente tiene tantos problemas en su guión (firmado por un tal Sam Koperwas, su único guión escrito a la fecha) que, al menos a mí, acabó aburriéndome.

Ruby es un hombre maduro, que vive acomplejado por estar quedándose calvo, y usa un peluquín. Tiene problemas también para aceptar sus orígenes judíos. Como cantante es pésimo, casi tímido, y su audiencia en un club nocturno y boliche, del que es dueño, no parece estar conectado con él. Se niega rotundamente a recibir en su casa a su cuñado, en donde vive con su hermana (Karen Ludwig) y el hijo de esta, un chico callado y que se dedica a robar en las calles. Creo que este ultimo, como personaje, es más interesante que Ruby. Sabemos lo que quiere, comprendemos su problemática y hasta acabé compadeciéndolo. Igualmente, la dirección fotográfica es buena.

++ "Dear Mr. Wonderful" no tuvo estreno comercial en España, ni se encuentra disponible en DVD.

ATONEMENT * * * * *

James McAvoy y Keira Knightley en "Atonement".

En un largo plano secuencia, que enmarca la belleza de Atonement (2007), pasan tantas cosas en una playa de Francia, que es necesario apreciarlo 2, o hasta 3 veces. Definitivamente, Atonement es un filme para verse en cine, y luego volverlo a revisar en DVD. Joe Wright, realizador británico que inició su carrera en televisión para luego dar el salto al cine con una atractiva adaptación de “Pride and Prejudice”, confiesa en el comentario del DVD que se ayudó de la tecnología digital para lograr muchos momentos sublimes de dicho plano. Un segundo estamos viendo un grupo de caballos ser sacrificados -con una música de fondo hipnotizante-, para luego ver un coro de soldados cantar en un quiosco. Al fondo, se nota un ruinoso parque de diversiones. Estamos en la Segunda Guerra Mundial.

Atonement es la adaptación de la novela de Ian McEwan, una historia de amor épica, soberbiamente actuada, diseñada y ambientada, en la que Wright vuelve a dejar patente que el aspecto visual es lo más importante para él. Cada detalle dentro del cuadro es importante, incluyendo la composición, la dirección de fotografía y el diseño de arte. Además, la banda sonora es una caprichosa combinación de música y sonidos de una máquina de escribir (ganadora del Oscar a “Mejor Musica”), en referencia a la afición a escribir de su protagonista, Briony (Saoirse Ronan, excelente con todo y sus fascinantes ojos azules), un niña de 13 años que a tan temprana edad escribe obras teatrales. El personaje será interpretado por 3 actrices distintas.

A pesar de su angelical apariencia, Briony es un personaje por el que no podrá evitarse sentir odio, luego de su “pequeña” venganza contra su amor platónico, Robbie (James McAvoy), empleado en la residencia que ocupa con su hermana, Cecilia (Keira Knightley), y su madre (Harriet Walter).

Robbie es acusado por Briony de haber violado a una chica en el bosque, durante la noche. La misma Briony atestigua el hecho, sin ver realmente quién es el verdadero violador. Sólo alcanza a observar una figura huyendo del lugar. No será lo único que atestigüe. Horas antes, Briony sorprende a Robbie y a Cecilia teniendo relaciones, por lo que los celos, la ira y el despecho la llevarán a acusarlo de algo que no cometió y a arruinar su vida por completo. Robbie tendrá dos opciones: la prisión o enlistarse en el ejército. La segunda opción parecería la mejor, aunque los tiempos de guerra que corren pintan otro panorama para el joven.

Nada se puede revelar o insinuar de la resolución de esta historia de amor tormentoso. Lo que sí se puede adelantar, es que Atonement está lejos de ser la convencional y hollywoodense historia épica romántica, en tiempos bélicos. La fenomenal Vanessa Redgrave tiene una pequeña participación al final, interpretando a una anciana Briony. La secuencia es estrujante e intensamente reveladora, mientras narra su profunda y triste confesión a un presentador de televisión (del cual nunca vemos la cara, pero es Anthony Minghella). El rostro de Vanessa Redgrave llena la pantalla, con su mirada triste y semblante cansado.

Por su parte, James McAvoy y Keira Knightley, tienen magníficas actuaciones. McAvoy como un joven desgastado prematuramente por su aventura en el ejército, lleno de furia y con ganas casi de matar a Briony, en cierta escena (Romola Garai, interpretándola a los 18 años), que demuestra cómo Atonement fue de las mejores películas del 2007.

++El DVD y el Blu-ray contienen: escenas inéditas, "Así se hizo Expiación", "De la novela a la pantalla" y comentario de la película con el director Joe Wright

LAST DAYS * 1/2

Michael Pitt en la fallida "Last Days".

Gus Van Sant explora en la decepcionante y soporífera Last Days (2005), cómo pudieron haber sido las últimas horas de Kurt Cobain, músico y compositor representante del grunge, quien se quitó la vida en su casa disparándose con un rifle, en 1994. Van Sant lo hace “disfrazando” nombres reales. Michael Pitt es quien interpreta al músico, quien aquí simplemente se llama Blake. Parte de los personajes llevan los nombres de sus actores, como “Asia” (Asia Argento), “Luke” (Lukas Hass), “Nicole” (Nicole Vicious), entre otros. Sinceramente, poco importa, ya que no cumplen otra función dramática que dedicarse a perseguir durante toda la película a Blake, dentro de su residencia y alrededores. Poniéndolo de una manera franca, el tipo no hace más que actuar como idiota sin justificación, haciendo cosas sin sentido, como esconderse en el bosque, hacer “travesuras” como niño, y de vez en cuando, lucir como un catatónico. Contadas veces le dará por ponerse a tocar algo en su guitarra. Creo que las últimas horas del verdadero Cobain debieron ser más interesantes que esta tomadura de pelo, que de todas formas está filmada con estilo (ese tracking shot lento mientras escuchamos a Blake tocar) y con el toque gay que caracteriza el cine de Van Sant. Soy admirador del cine de Gus Van Sant, pero esta vez me ha hecho dudar.

++ "Last Days" no está disponible en DVD en España, o se encuentra descatalogada. El DVD región 1 tiene el "making of", "On the set of Gus Van Sant's Last Days: The Long Dolly Shot", en donde vemos el exhaustivo proceso para conseguir el mentado dolly shot, y atestiguamos cómo después de varios intentos Van Sant consiguió la toma. Además, un pésimo vídeo musical, "Happy Song", por el grupo Pagoda.