THE READER * * * *

Kate Winslet y David Kross en "The Reader".

Luego de leer durante un viaje en tren “The Reader”, y notar que una de sus amistades poseía los derechos de publicación, Stephen Daldry tuvo claro que llevaría a la pantalla el libro, escrito por el alemán Bernhard Schlink. Aunque es una historia ambientada completamente en Alemania, el reparto está formado, principalmente, por dos nombres británicos de peso, Kate Winslet y Ralph Fiennes. El joven, y virtualmente desconocido, actor alemán David Kross, es el toque germano en la película, junto a la gran participación del suizo Bruno Ganz. Totalmente hablada en inglés, The Reader (2008) es un relato romántico tenso, sobre la iniciación sexual de un chico culto e inteligente, Michael (Kross), que pondrá en marcha un “negocio” riesgoso con una atractiva treintañera, Hanna (Kate Winslet) empleada del tranvía, a mediados de los 1950 en la Alemania de la postguerra.

Michael es el “lector” del título, el cual sostendrá un romance con Hanna en su humilde apartamento, a cambio de que este le lea siempre un libro, como “La Odisea”. Hanna es una notable creación de Kate Winslet, actuando con acento alemán, dotada de fuerza y vulnerabilidad al mismo tiempo. Es un personaje intrigante, rodeada de un aura de misterio, y enérgica (nunca llama a Michael por su nombre, simplemente “chico”). El estire y afloja tormentoso de la relación tendrá un giro de 360º, cuando Hanna sea promovida y desaparezca del panorama, sin palabra o nota de por medio. Ralph Fiennes es quien interpreta a Michael de adulto, mientras que el plato fuerte del filme es, de principio a fin, Kate Winslet (ganadora del Globo de Oro y el Oscar a “Mejor Actriz”), ya que seguirá encarnando a Hanna hasta su vejez, cuando el misterio de su pasado sea revelado años después, el por qué nunca lee, cosa que le costará su libertad al ser encarcelada.

Es en este momento cuando “The Reader” cobra vida propia, brilla bajo su propia luz, cuando Hanna y Michael inician una intensa correspondencia, retomando la vieja costumbre de leer libros echando mano de la tecnología. Es una muestra de amor lejos de cualquier cursilería y sentimentalismo. Fiennes y Winslet no nada más tienen el filme en sus manos, sino al espectador, de una forma extremadamente conmovedora.

++ El DVD contiene entrevistas con el reparto y el trailer cinematográfico. 

JOLSON SINGS AGAIN * * *

Larry Parks y Barbara Hale en la secuela "Jolson Sings Again". 

Siempre he sido un gran fan de Al Jolson, uno de los imprescindibles del cancionero norteamericano, y memorable en el filme “The Jazz Singer” (1927). “Jolson Sings Again” (1949), secuela de la biopic “The Jolson Story” (1946), fue sobrevalorada al darle nominaciones al Oscar por “Mejor Guión” y “Mejor Fotografía”. Sin embargo, la nominación a “Mejor Musicalización” fue bien merecida. En esta ocasión, Henry Levin dirige y Larry Parks repite interpretando a Jolson. Fue un total miscast. La verdad sea dicha, no encuentro ninguna justificación para que Parks haya interpretado a Jolson, siendo que ni siquiera se parecía un poco a el cantante. Lo que supo hacer bien Parks, fue mover bien la boca durante los playbacks de canciones clásicas como “Swanee”, “I’m just Wild About Harry” y “California Here I Come”, así como imitar bien los movimientos y coreografías de Jolson. Básicamente, la trama cuenta cómo después de un retiro temporal, Jolson intenta regresar a los escenarios, encontrándose con el mundo del espectáculo totalmente cambiado. Su agente (William Demarest) lo enlista para ir a entretener a las tropas estadounidenses durante la Segunda Guerra Mundial. Ahí se enamora de una bella enfermera (Barbara Hale), quien lo atenderá de una fuerte recaída. En realidad, una biopic en extremo convencional (en estos días diríamos tipo “telefilme”), musicalmente disfrutable para los verdaderos fans de Al Jonson.

Uno de los momentos más bizarros del filme:
Al Jonson (Larry Parks) conoce a quien lo interpretará en "The Jolson Story" y secuela, o sea,...el mismo Larry Parks.
"¡El parecido es impresionante!".

UNSTOPPABLE * * 1/2

Chris Pine y Denzel Washington en "Unstoppable".

Esta es la enésima colaboración de Denzel Washington con Tony Scott. ¿Cuántas quedan por delante? Es un misterio. El caso es que ya empieza a ser predecible y algo fastidioso. “Unstoppable” no es más que un refrito de “Speed”, sólo que trasladado a un ferrocarril desbocado. Washington es un experimentado ferrocarrilero, que deberá usar toda su experiencia y pericia para intentar detener el ferrocarril sin control, que se dirige a una población a una velocidad descomunal. No nada más lidiará con este problema, sino con capacitar a un joven conductor (Chris Pine) y mantenerlo controlado, recordándole que “donde manda capitán no gobierna marinero”. No hay mayor trama. Luego de 20 minutos de planteamiento, la película no será otra cosa que un entretenimiento palomero, predecible hasta morir. Sabemos a dónde va la relación profesional “maestro-alumno” entre Washington y Pine, y que el tren deberá detenerse en algún momento. Lo entretenido es ver la docena de ideas que tendrán para detenerlo, los peligros que implican y apostar si el personaje de Chris Pine será recibido nuevamente por su esposa.

++ El Blu-ray incluye: "La pista más rápida: el estreno de imparable", "Sin control: escenas peligrosas", "Tirarse del tren: especialistas", "En el decorado con el director y el reparto", comentarios del director Tony Scott. El DVD no contiene extras, pero si una copia digital, al igual que el Blu-ray.

JULIA * * * *

Tilda Swinton en "Julia".

Tilda Swinton da vida a Julia, una mujer de cuarenta y tantos años hundida en el alcoholismo. Un momento está en una fiesta, bebiendo incontrolablemente, y al otro despierta dentro de un automóvil junto a un hombre, sin mucha idea de lo que ha pasado. Nosotros podemos imaginarlo. Además de tener problemas con el alcohol, Julia también tiene problemas con el dinero, y topará con pared cuando sea despedida de su trabajo. Estamos en San Diego, muy cerca de la frontera con México. Cuando una perturbada mujer mexicana (Kate del Castillo) le ofrezca a Julia un riesgoso pero bien remunerado “trabajo”, Julia podría ver sus problemas económicos resueltos.

Dirigida por el galo Erick Zonca (La Vida Soñada de los Ángeles), “Julia” nunca se estrenó en México, a pesar de haber sido filmada en locaciones fronterizas mexicanas (como la ciudad de Tijuana), y estar producida en parte por México. Es una película que da cuenta nuevamente del gran talento de Tilda Swinton, cuyo personaje se convierte en una secuestradora enmascarada, para raptar a un niño y recibir una parte del dinero por el rescate. No faltarán las dificultades, y el caso se complicará tremendamente cuando Julia llegue a Tijuana y le diga demasiada información a un extraño, interpretado por el mexicano Bruno Bichir.

Lo mejor de la película es la creación y construcción que Tilda Swinton hace de este personaje, la cual se nos revela como una mujer con temple y rápida a la hora de tomar decisiones. Julia descubre que no necesita exhaustivas reuniones en Alcohólicos Anónimos para recuperarse, sino tener bajo su cuidado a un asustado niño y descubrir sus ocultos instintos maternales. Se nota que la inspiración de Zoncka fue “Man on Fire”, con la diferencia de que “Julia” es un thriller más equilibrado narrativamente, menos estilizado y muy entretenido en el desarrollo del suspenso.

++"Julia" fue estrenada en España, aunque aún no se encuentra editada en DVD en este país. El DVD región 1 incluye escenas eliminadas, trailer, etc.

THE OXFORD MURDERS * * 1/2

Elija Wood y John Hurt harán mancuerna en "The Oxford Murders".

The Oxford Murders (2008) me hizo perder la brújula, por casi 2 horas, respecto al realizador Alex de la Iglesia. ¿Qué es lo que habrá atraído de este proyecto al siempre políticamente incorrecto, divertido e impredecible de la Iglesia? No tiene nada de lo que siempre me ha gusto de su filmografía, como el humor negro, referencias y homenajes a grandes directores (Hitchcock, Buñuel,…), personajes locos y, sobre todo, una historia entretenida. “The Oxford Murders” es un mamotreto pseudomatemático, que acaba hundiéndose en su propia verborrea, desperdiciando la magnética presencia de John Hurt, a un Elija Wood que luce perdido la mayor parte del tiempo y a Leonor Watling, que no es más que un adorno en toda la película.

La película está basada en la novela homónima de Guillermo Martínez, adaptada por el mismo Alex de la Iglesia y, para mi sorpresa, por Jorge Guerricaechevarría. Creo que si me dieran a escoger entre The Da Vinci Code y The Oxford Murders, me quedo con la primera. En The Oxford Murders tenemos también una historia sesuda, con varias pistas (extraños símbolos matemáticos) que nos llevan a otras más, y estás a otras, que ayudarán a nuestro protagonista, Martin (Wood), un estudiante norteamericano a resolver el asesinato de su casera en Londres –y otros más- junto a Arthur Seldom (Hurt), profesor de matemáticas, una eminencia en la universidad de Oxford.

La experiencia es como ver The Name of the Rose, pero con giros abruptos en la historia y sin sentido (chicas enamorándose de Elija Wood a los 3 minutos), teorías matemáticas que se arrojan entre sí Martin y Seldom para ver quién sabe más y que no aportan nada a la historia, la cual es menos entretenida que tratar de resolver un Sudoku dentro de un autobús en medio de un tránsito infernal. Dominique Pinon (actor fetiche de Jean-Pierre Jeunet) y el realizador de culto Alex Cox, tienen pequeñas participaciones, este último como un matemático loco autolobomotizado, que tiene una pequeña pero intrigante secuencia, lo mejor del filme. Esto, más un largo plano secuencia donde vemos hechos clave del relato y una muy sexy imagen de Leonor Watling vistiendo tan sólo…un delantal, es lo más rescatable de la película, con vuelta de tuerca final reveladora.

++El DVD región 1 incluye extras como "The Making of The Oxford Murders", "The Mathematical Criminals of Oxford", "The Oxford Murders: Interviews", "The Oxford Murders at Abbey Road", etc. Aún no se ha editado en DVD en España.

CELDA 211 * * * * *

Alberto "Calzones" Amman y Luis "Malamadre" Tosar en "Celda 211"

El “Malamadre” es otra de esas grandes creaciones de Luis Tosar, especialista en interpretar villanos, al “malo” de la historia. Tosar es la fuerza motriz de Celda 211 (2009), y es quien lleva la batuta como el líder de un motín en una prisión estatal madrileña. Rapado, con barba tupida, mirada que mata enmarcada con sus pobladas cejas y una voz de Popeye, Luis Tosar crea un personaje que, literalmente, pone a temblar. No por nada fue el ganador del Goya a “Mejor Actor” en 2010, mientras que Daniel Monzón, el realizador, el de “Mejor Director”.

Como el título indica, Celda 211 es un drama carcelario eficiente, llevado con un timing impresionante por Monzón. Prácticamente, toda la historia se desarrolla dentro de la cárcel. El nuevo guardia del lugar, Juan Oliver (el argentino Alberto Amman, magnífico), ha decidido empezar un día antes con un recorrido por el lugar, en donde le es dada importante información por otros dos guardias, como detalles sobre el comportamiento, movimientos y jerarquías de los presos. “Te acostumbrarás. Al final, ellos se irán yendo, pero tú te quedarás aquí toda la vida”, le dice “alentadoramente” uno de los guardias a Juan.

Para su mala suerte, Juan es herido por una roca, justo en el momento en que el motín ha comenzado. El problema es que será abandonado por los guardias al huir, justo en la celda 211, la cual ha estado vacía desde que su último ocupante se suicidó cortándose las venas. Juan es tan listo y hábil, que tendrá una idea: hacerse pasar por un reo. La idea es sobrevivir, o acabar como rehén y, con seguridad, muerto.  Juan sabrá ganarse al “Malamadre”, quien por fortuna le creerá, y será rebautizado como "Calzones". Mientras, los celos de su brazo derecho, “Tachuela” (Vicente Romero), o las sospechas del líder colombiano “Apache” (Carlos Bardem, hermano de Javier Bardem, con un impecable y convincente acento colombiano), pondrán muchas dificultades a Juan.

Afuera, las cosas no están mejor. Las negociaciones no se llevan tan bien como debieran. Unos terroristas etarras son, irónicamente, los rehenes de “Malamadre”. Los guardias tan sólo tienen una cámara para observar los movimientos dentro de la prisión, otras cárceles imitan la proeza de “Malamadre”, protestas de familiares de los reos dan problemas y la esposa de Juan, Elena (Marta Etura, pareja en la vida real de Luis Tosar), está muy preocupada y embarazada, sin saber lo que realmente ha pasado con él.

Lo magistral del guión, escrito por Jorge Guerricaechevarria y el mismo Daniel Monzón, basado en la novela de Francisco Pérez Gandul, es la manera en que invierte los papeles, los roles de sus personajes. Los presos, especialmente su líder, acaban siendo “héroes”, víctimas y mártires de los guardias, de su brutal jefe (Antonio Resines) y de su burocracia. En general, son víctimas del sistema. Juan, testigo por televisión de la brutalidad que ocurre afuera, acaba convertido en un verdadero preso, con toda la violencia que eso implica y, además, en el gran amigo de “Malamadre”. El bestial, explosivo y violento “Malamadre”, acaba de alguna manera tocado por la fragilidad, angustia y sufrimiento de Juan por su esposa. La perfecta combinación, y la más improbable.

La puesta en escena nos hace respirar el ambiente en la prisión. Filmada con cámara digital, no hay rincón en esa cárcel en donde no nos sintamos incómodos, claustrofóbicos y, en muchas partes, presos de la ansiedad, cada vez que el “Malamadre” toma una decisión, reflexiona, o ve su liderazgo amenazado. Aunque tampoco pude dejar de sentirme angustiado por ver en qué momento el plan de Juan se viene abajo. Es decir, Celda 211 es una película que funciona en todos los niveles. En pocas palabras, o como seguramente diría el “Malamadre”, es un filme “acojonante”.

THE CURIOUS CASE OF BENJAMIN BUTTON * * * *

Brad Pitt y Cate Blanchett en el relato fantástico
"The Curious Case of Benjamin Button"

The Curious Case of Benjamin Button (2008) es una adaptación de la novela de F. Scott Fitzgerald, y la película más ambiciosa de David Fincher a la fecha. La historia de un hombre que desafió las leyes de la naturaleza y el tiempo. El Benjamin Button del título (Brad Pitt siendo simplemente…Brad Pitt), abandonado siendo un bebé, calificaría para ser un fenómeno de circo o un objeto de estudio para la ciencia, de no ser porque fue adoptado por una pareja negra. El “curioso caso” de Benjamin, es que nació con el avejentado organismo de un octogenario. Como el fantástico reloj que marca el tiempo a la inversa en ese minirelato que abre la película, Benjamin, como por obra y magia del hechizo obrado por ese misterioso relojero (Elias Koteas, en un minipapel), no envejecerá, sino que crecerá a la inversa. Por fuera rejuvenecerá con el paso de los años, mientras su organismo irá envejeciendo, como el de una persona normal.

No es nada más un caso curioso, sino complejo. Instalada en Nueva Orleans, la historia es el espectacular viaje épico del aventurero Benjamin, el cual tiene referencias en común con “Forrest Gump”, de Robert Zemeckis. “Benjamin Button” es espectacular por su impecable ambientación de época, que arranca a principios de siglo XX y nos lleva hasta finales de los 1990. Conoceremos el mundo y ciertos episodios históricos a través de los ojos de Benjamin. La película es larga (casi 3 horas de duración), pero es entretenida, fascinante y, hacia su resolución, sumamente conmovedora. Su final lo vamos visualizando a lo largo del filme. Está más que claro que veremos llegar a Benjamin a los 80 y tantos años de edad como un reluciente bebé recién nacido.

La historia es contada desde el cuarto de hospital ocupado por la avejentada Daisy (Cate Blanchett), el gran amor de la vida de Benjamin y talentosa bailarina. La hija de Daisy (Julia Ormond) lee el diario de Benjamin, en donde narra sus aventuras. Afuera, el huracán Katrina llegará junto a reveladoras conclusiones entre madre e hija. Las recreaciones de época son, en buena parte, digitales, con muchos episodios rescatables, como el encuentro de Benjamin con la esposa de un diplomático (Tilda Swinton), una mujer con el sueño de nadar de Inglaterra a Francia; la batalla naval durante la Segunda Guerra Mundial, o esa genial mini narración en Paris, con todos los pequeños eventos que conducen a un triste accidente, que me recordó a un relato de Jean-Pierre Jeunet.

La creación digital del Benjamin anciano no me ha convencido del todo, a pesar de los grandes esfuerzos que animadores y creadores de efectos digitales seguro pasaron. El problema es que luce muy digital, muy artificial, y con una voz que suena como la mezcla de la voz de un niño y un anciano. Digitalizar la cara de Brad Pitt, avejentarla, darle movimientos y luego plantarla en el cuerpo de un actor, no deja de ser impresionante, pero al mismo tiempo, algo exhibicionista desde un punto de vista técnico. ¿No era más fácil poner un actor anciano durante los primeros 20 minutos de la película, y luego meter al Brad Pitt con maquillaje? Ver el Benjamin anciano no es tan espectacular como ver, por ejemplo, al Gollum de “Lord of the Rings”.

No es Benjamin el personaje más interesante del filme. Creo que en este aspecto, Daisy es quien robó más mi atención. Cate Blanchett jamás se ha visto más bella en una película, y además, su personaje es una bailarina con ambiciones de triunfar internacionalmente. Benjamin sufre por no vivir una infancia normal, es cierto, pero solamente lo impulsa un deseo de viajar y explorar. Y vaya que viajará mucho.

++Disponible en una edición especial de 2 discos, con extras como: "El curioso nacimiento de Benjamin Button: 14 documentales, Detrás de las escenas: Prefacio, Desarrollo y Pre-producción, "Exploradores de la tecnología", producción 1ª y 2ª parte, diseño de vestuario, captura de las interpretaciones, efectos visuales (Benjamin, rejuvenecer, El Chelsea, El mundo simulado), diseño de sonido, "El compositor Alexandre Desplat" y estreno; 4 galerías y fotografías: storyboard, dirección artística, vestuario y producción. trailers y anuncios de TV.

LADY IN THE WATER * *

Paul Giamatti y Brice Dallas Howard en "Lady in the Water"

En Lady in the Water (2006) M. Night Shyamalan mezcla lo real y lo fantástico, esto último con ciertos toques de cuento infantil. La película tiene como personaje principal al intendente de un edificio, Cleveland Heep (Paul Giamatti), quien, entre otras cosas, se encarga de mantener limpia la piscina. Shyamalan escribió esta historia a partir de un cuento que alguna vez contó a su hijo. Aquí tuvo la oportunidad de ampliarlo, y de alguna manera elaborar la que, podría decirse, es la versión extra oficial que no había escuchado Shyamalan Jr. Una especie de eterea ninfa-sirena llamada Story (irreconocible Brice Dallas Howard), con la apariencia de una semi-diosa griega, encarna lo que Shyamalan describe como una “narf”. Story es encontrada por Cleveland, quien se entera que este misterioso ser habita en el fondo de la piscina, de hecho un portal hacia su mundo, conocido como “El Mundo Azul”, al que esta “narf” busca regresar.

Elementos fantásticos como árboles vivientes, un monstruo lobezno llamado Scrunt, un ser llamado Tartutic, que es una especie de tres simios-dioses que mantienen el equilibrio en “El Mundo Azul”; un pasto mágico que es una arma venenosa, entre otros elementos, forman parte de este universo concebido por Shyamalan. La cosa no suena muy original, ya que todo se siente extraído de “Neverending Story” o incluso “Wizard of Oz”. En este caso, estas criaturas impedirán que Story regrese a su dimensión y permanezca en la triste realidad de los humanos, representado en ese edificio con habitantes variopintos, entre los que se encuentran un crítico de cine (no es broma), una madre asiática y su hija, entre otros.

Ambos mundos estarán irremediablemente relacionados. El destino de cada humano, empezando por Cleveland, estará ligado al de los seres de “El Mundo Azul”. Todo suena muy atractivo, pero si bien la película goza de una soberbia producción y efectos especiales, nada de lo anterior descrito acaba por aterrizar. Por mucho, estamos ante la película menos lograda de Shyamalan, en donde, honestamente, jamás sentí fascinación por ese “Mundo Azul”. Paul Giamatti está magnífico como siempre, y hay personajes por los que me sentí conmovido, aunque el humor que se trata de construir al principio acaba por sentirse bizarro y lejos de ser gracioso. Shyamalan repite al doble los defectos y vicios de sus anteriores películas, además de que la clásica vuelta de tuerca final aquí está ausente

++El DVD y Blu-ray incluyen: "Documental: Reflexiones sobre 'La joven del agua': los personajes, la presentación y el guión", el lugar de rodaje, las criaturas, el aspecto, post-producción y final, tomas falsas, "La joven del agua": un cuento para no dormir, escenas suprimidas, audiciones y tráilers cinematográficos.

CHOKE * * *

Anjelica Huston y Sam Rockwell en "Choke".

Desde su actuación en The Green Mile, he tratado de seguir lo más cerca posible la carrera de Sam Rockwell. Un actor gracioso, versátil, con mucho talento, capaz de transmitir un rango de emociones y estados mentales variado. Su trabajo en Choke (2008) se añade a su galería de grandes creaciones, en donde, como rara vez ha sucedido, tiene el protagónico. Nadie como Rockwell para interpretar a Victor Mancini, un adicto al sexo en recuperación, quien mientras eso sucede no titubea un solo segundo en pasarla bien con una compañera en “adictos al sexo anónimos” (Paz de la Huerta, sexy como siempre).

Choke es la adaptación de la novela de Chuck Palahniuk (autor de The Fight Club, también adaptada al cine), debut en la dirección del también actor Clark Gregg, quien hace un cameo interpretando al jefe de Victor en un parque temático sobre los tiempos de la Colonia. Además de ser un adicto al sexo, Victor se dedica a estafar a la gente en restaurantes, fingiendo que se ahoga para recibir ayuda de algún comensal que, con un poco de suerte, le dará dinero de por vida. Esta persona se siente responsable por esa vida que ha salvado. Su madre (Anjelica Huston, maravillosa), está internada en una clínica por sufrir Alzheimer. Con el dinero de sus estafas Victor paga la cuenta del lugar, en donde conoce íntimamente a casi todas las enfermeras.

La película está narrada de una forma arriesgada a través de flashbacks, en donde conocemos la infancia de Victor y las aventuras con su madre, quien antes de su Alzhaimer fue una border que puso en peligro a su hijo en muchas ocasiones. Esta parte de la historia es entrañable, dentro del estilo de un autor como Palahniuk. Por otro lado, Choke es un desenfadado estudio sobre un adicto al sexo, y Victor, según se nos permite ver en sus eróticas imágenes mentales, ha tenido muchas “víctimas”. La más difícil de todas será una atractiva enfermera, Paige (Kelly Macdonald), la cual tendrá una provocadora propuesta para Victor. ¿Será esta la primera vez que Victor baje la guardia y sea capaz de sentir algo más allá de un desenfrenado apetito sexual?

El trabajo de Clark Gregg no es muy consistente, ni redondo. Mientras uno ve Choke, la historia recuerda los temas de Wes Anderson. Sería interesante ver qué hubiera logrado Anderson con una historia así, sobre familias disfuncionales. La parte cómica no es tan graciosa, en específico, las escenas del parque temático, fuera de lo ligeramente humorístico que es la forma arcaica que usan para hablar y ambientar el parque. Fuera de eso, la película es rescatable por su humor sexual, que roza lo cáustico y lo políticamente incorrecto (la escena de la lunática sadomasoquista es hilarante). La narración llega a ser un juego mental, entre el pasado y presente. Lo mejor es que no depende enteramente de los flashbacks, sino que en el tiempo presente los personajes acabaron interesándome. Es la búsqueda de Victor en su pasado por su infancia perdida, aunque también su probable recuperación de la adicción al sexo.

En resumen, son notorios los esfuerzos de Gregg por hacer que el filme funcione lo mejor posible, por mantener todas las piezas unidas en su trabajo. Sin embargo, el reparto y sus actuaciones son tan eficaces, y su giro final inesperado, que la película es conmovedora en una forma muy retorcida.

++Disponible únicamente en DVD. Los extras incluyen comentario en audio del director, guionista, y actor Clark Gregg, y del actor Sam Rockwell, 5 escenas eliminadas, tomas falsas y 5 Documentales.

YOUTH WITHOUT YOUTH * * 1/2

Tim Roth y Alexandra Maria Lara en "Youth Without Youth".

Como película romántica, que mezcla fantasía, budismo, reencarnaciones y lenguas muertas, Youth Without Youth (2007), no funciona del todo. Adaptación de la novela escrita por Mircea Meliade, y dirigida por Francis Ford Coppola, la historia es una narración sobre las obsesiones de un profesor de lenguas, interpretado por Tim Roth con su genialidad acostumbrada, por encontrar los orígenes más primitivos del lenguaje. La vida le queda muy corta para lograr su objetivo, por lo que el destino (y la madre naturaleza) le dan una segunda oportunidad, unos cuantos años antes de la Segunda Guerra Mundial. Cuando un rayo golpea al anciano profesor Dominic, dejándolo casi calcinado a mitad de una calle en Bucarest, este se convertirá en la sensación de los medios y objeto de estudio de médicos. Luego de ser golpeado por el rayo, Dominic empezará a rejuvenecer. Seguro ya empezó a pensar en “The Curious Case of Benjamin Button”, pero este caso es muy diferente.

El amor de la vida de Dominic, Veronica (Alexandra Maria Lara, radiante y bella), ya ha fallecido. Pero cuando el ahora joven Dominic, enfrascado en sus investigaciones bajo el respaldo de su médico (Bruno Ganz), se tope con Laura, la viva imagen de su amada Veronica, su vida tendrá otro giro descomunal. No nada más porque Dominic siente que Veronica ha renacido, sino porque la chica ha sido golpeada por un relámpago en los bosques de Suiza, y ha empezado a hablar lenguas muertas y a creer que fue la asistente de un antiguo filósofo hindú, hace centurias.

En el aspecto visual, la película tiene sus mayores méritos, como la magnífica fotografía y el diseño de producción. Hubo mucho que me recordó a “Bram Stoker’s Dracula”, también de Coppola, no sólo en lo visual sino en los temas que comparten ambas películas. La premisa sobre la inmortalidad es intrigante, las segundas oportunidades en el amor, y es en estos aspectos en los que Coppola sabe cómo desenvolverse. Es evidente que el tema de las reencarnaciones le interesa mucho. El filme es un interesante viaje hacia la mente obsesiva de Dominic, y Coppola sabe cómo sumergirnos en el universo del personaje, involucrarnos en sus tormentos. Incluso, Dominic tiene esquizofrénicas visiones de un “otro yo” maligno, que siempre lo acompaña.

Los problemas de la película son los constantes cambios de tono. Del fascinante rejuvenecimiento de Dominic, la historia se quiere convertir en un thriller de espionaje, con la aparición de una atractiva espía nazi. Luego, empieza el tono filosófico y trascendental con la aparición de Laura, y lo que prometía ser una entrañable historia de amor, acaba siendo una monótona segunda mitad con los trances de Laura. Parece poseída por espíritus del pasado, hablando lenguas antiguas para luego volver a su estado normal. No he leído el libro, por lo que si el filme le hace justicia es otra historia.

++"Youth Without Youth" fue estrenada en salas comerciales de España, aunque no ha sido editada en DVD. Disponible en región 1. 

PEANUTS Y LOS MEDIOS

No culpo a Sally por no creer que realmente existe alguien llamado Walt Disney. Confieso que de niño, al ver los largometrajes y cortos animados de "Disney", nunca imaginé que este era el apellido de Walter Elias Disney, nombre completo de Disney. Daba por sentado que era como la "marca" de Mickey Mouse y el pato Donald, o algo parecido. Aunque también es cierto que el nombre de Disney, con el paso de los años, se convirtió en una marca con la mayor venta de licencias comerciales alrededor del mundo. Es como si ahora los niños pensaran que "Pixar" es el nombre o apellido del creador de "Toy Story", "Cars", "The Incredibles", etc., cuando en realidad es el nombre de la casa productora de estos magníficos largometrajes animados.  

JUNO * * * *

Ellen Page en "Juno".

Aunque me gustó Juno (2007), creo que su guión fue sobrevalorado al darle el Oscar a “Mejor Guión”. Diablo Cody es la autora del guión, quien antes se dedicaba a escribir sobre sexo en un blog y, según tengo entendido, fue también una stripper. Juno (interpretada extraordinariamente por Ellen Page) es una adolescente embarazada, quien como muchas chicas a su edad (unos 16-17 años) en dichas condiciones, se encuentra en el dilema de no saber qué hacer. La película fue nominada también al Oscar por “Mejor Actriz”,” Mejor Película” y “Mejor Director”, esta última nominación para Jason Reitman.

Juno es una comedia sobre el embarazo en la adolescencia, con muchos momentos conmovedores pero también graciosos. Todos ellos gracias a los agudos comentarios de Juno (nombre de la diosa griega de la maternidad), a su relajada manera de ver la vida y su muy desarrollado sentido del humor. Además, Juno es una guitarrista aficionada al rock, casi una enciclopedia sobre el tema. En ocasiones, Juno parece muy adelantada para su edad y, en ese sentido, resulta difícil creer que el padre del bebé es Paulie, un chico tímido, de apariencia tan débil que casi parece deshacerse, interpretado por Michael Cera. Juno es demasiado precoz e inteligente para Paulie.

Jason Reitman, especialista en comedias de corte independiente, con historias inteligentes y lejos del mainstream, como “Thank you for Smoking”, su anterior filme. Luego de enterarse de su embarazo, Juno estará tentada a intentar un aborto, idea que descarta casi de inmediato. Afuera del lugar, tan solo una chica (compañera de escuela de Juno) se encuentra protestando. Su siguiente prueba de fuego será dar la noticia a su familia, formada por su padre (genial J.K. Simmons), su madrastra (Allison Janney) y su pequeña media hermana. Pero Juno es tan hábil, que sabe de antemano cómo calmar el enojo de su padre y la consternación de su madrastra. Su plan: dar el bebé en adopción. “Cuando tenga 30, ya ni nos acordaremos del asunto”, concluye la práctica Juno.

Más que ser un filme sobre el embarazo adolescente, Juno se inclina más hacia el tema de la maternidad, la familia y el matrimonio. El joven matrimonio formado por Mark (Jason Bateman), un compositor de jingles y músico de rock frustrado, y Vanessa (Jennifer Garner), quienes ante la imposibilidad de tener hijos deciden adoptar al bebé de Juno. Desde el momento que los conocemos, es evidente que Mark y Vanessa son de carácter y personalidades muy diferentes. Tanto que Mark, de alma adolescente, inmediatamente hace química con Juno, al compartir un gusto por el rock y los filmes de horror.

Ellen Page sabe imprimir a Juno ese aire maduro, inteligente, seguro, pero a la vez cool que sabe darle a sus personajes. Otro de los grandes aciertos de Reitman, es la conmovedora química entre Juno y su padre. Lo mejor, es que la película no es un relato moralizante y aleccionador sobre la responsabilidad en las relaciones sexuales durante la adolescencia. Aunque este es uno de sus logros, el ser una comedia sin alguna intención de ir más lejos o explorar otros terrenos en sus temas, siento que todo es demasiado fácil para Juno. Demasiado sencillo y resuelto. No hay un mensaje final, que sin caer en el adoctrinamiento o el regaño, haga sentir a Juno lo importante que es traer una nueva vida al mundo a tan inocente edad. Al final, sentí que el embarazo de Juno acaba quedando en segundo plano, es casi una excusa para dar paso a otros temas (no menos importantes, claro) como el amor. Juno es una buena película, aunque no el material oscarizable que esperaba.

++El DVD contiene comentarios en audio del director Jason Reitman y de la guionista Diablo Cody, 11 escenas eliminadas con comentarios opcionales, tomas falsas, reparto y equipo, prueba de cámara y 4 documentales. El Blu-ray contiene dichos extras y además "adolescente con madurez de adulto: Juno", Leah, Bleeker, El jefe Diablo Cody, Jason Reitman, Creando Juno, estreno mundial, sesión de casting y el trailer.

THE HUMAN CENTIPEDE (FIRST SEQUENCE) *

El carilindo Dr. Heiter nos explica su enfermizo plan en "The Human Centipede".

La saga de Saw ha ido dejando sus frutos. Ya va en la película 6 o 7 la franquicia, si no me equivoco. Con lo anterior, me refiero a que la influencia temática de Saw se está dejando sentir en películas de terror, como Hostel, no importa lo malas que sean. The Human Centipede (First Sequence - 2009) ha venido a incluirse en la lista, una película enfermiza que, dependiendo el espectador, se puede considerar un insulto.

Hay que advertir que es una película difícil de ver, concebida por la enfermiza mente del holandés Tom Six. Esta es una de esas películas con las que la gente tiende a salirse del cine (no he sabido de casos), una vez que nos enteremos del plan del doctor Heiter (el actor alemán Dieter Laser), uno de los rostros más endemoniadamente feos y tétricos que haya visto en cine. Su premisa es derivativa, el cliché de recientes filmes de horror: el grupo de turistas norteamericanos, que son sorprendidos en Europa por un terror sádico y oculto.

Paseando en Alemania, un par de bellas amigas (Ashley C. Williams y Ashlynn Yennie) acabarán siendo prisioneras y víctimas del demencial Dr. Heiter, un ex cirujano que busca cumplir el sueño-proyecto-experimento de su carrera: crear el primer cienpiés humano del mundo. La mente de este doctor es tan enferma y perversa, que para formar el cienpiés humano pretende unir varias personas, uniendo la boca de una en el ano de la otra. Esto será a través de una complicada y delicada cirujía, que ni el mismo Heiter sabe si funcionará. Su teoría es que este cienpiés humano sobrevivará cuando la persona de adelante se alimente, mientras la persona de atrás irá consumiendo lo que usted ya se imaginará… y así sucesivamente. La “cabeza” del cienpies será un turista japonés (Akihiro Kitamura), otra víctima en poder del lunático Doctor Heiter.

¿Qué tiene que ver Saw con un filme así? Que Six amenaza con fundar una franquicia, basada en ir ampliando lo que considera él una historia fascinante de suspenso y terror. La secuela, “The Human Centipede II (Full Sequence)”, está por estrenarse este año. Tom Six (quien tomó la idea de un comentario que escuchó de un camionero o algo por el estilo), promete que será más perturbadora que su antecesora. Saw (al menos la primera película), con todo y su sadismo gratuito, tenía una premisa original, personajes interesantes y una historia qué seguir. The Human Centipede, con todo y que es una producción más pequeña e independiente, no es más que un espectáculo degradante y cuyo único propósito es buscar la provocación más inmediata y fácil. Es una película que pensaría dos veces en recomendar.

The Human Centipede tiene un climax interesante, y el par de actrices norteamericanas hacen un buen trabajo, debo reconocerlo. Pero cuidado, esto no quiere decir que la película sea rescatable en lo absoluto.

++"The Human Centipede" fue estrenada en el festival de Sitges 2009, en la sección "Midnight X-treme". Hasta ahora, no ha sido estrenada comercialmente en España, ni editada en DVD.  

SUKIYAKI WESTERN DJANGO * *

Ahora resulta que Django no era ni italiano ni americano, sino japonés.
Hideaki Ito en "Sukiyaki Western Django".

¿Qué puede ser más bizarro que un spaguetti western japonés, hablado en inglés, con samurais y Quentin Tarantino en cameos extendidos? Nada que me venga a la mente en este preciso momento. Sukiyaki Western Django (2007) tiene todas estas características, uno más de los delirios concebidos por el realizador Takashi Miike. La película es una caótica mezlca genérica, en donde Miike intenta hacer una parodia de los westerns de Sergio Leone y Sam Peckinpah, pero también de las historias épicas de samurais de Akira Kurosawa.

Quentin Tarantino fue invitado por Miike, para ser un simple adorno. Su personaje, Piringo (vestido con honcho, como extraído de The Good, The Bad and the Ugly), es una especie de misterioso mentor de una chica japonesa, que en el futuro acabará siendo una letal experta en el sable y las artes marciales (¿Ya empezó a acordarse de Kill Bill?). Pero esta es sólo una de las varias tramas que se entrecruzan, precisamente, como los sables de los samurais del filme.

La trama principal es sobre el típico forastero (Hideaki Ito) que llega a un pueblo en Japón, en medio de una guerra entre dos clanes, llamados simplemente los Rojos y los Blancos (sí, como en la bandera de Japón). Los líderes de estas tribus son maestros samurais, que eliminan todo lo que se interponga en su camino, incluyendo todo aquel ser inútil del grupo, que no demuestre tener fuerza y habilidad para pelear. Ambos grupos se encuentran buscando un tesoro perdido. El forastero tiene un pasado oculto y tormentoso, que irá develándose poco a poco.

Algo que no puede discutirse, es que la película tiene buenas escenas de acción y peleas. Sin embargo, como parodia apenas y me hizo reír. Ya lo he dicho antes: no soy muy afecto al humor japonés, simplemente me es indigesto. El personaje del sheriff (Teruyuki Kagawa) es insufrible, insoportable, en su fallido intento de ser el tipo más gracioso del pueblo hablando solo. Visualmente, el filme tiene momentos rescatables (la escena de la rosa brotando es de una belleza extraña), pero es una proeza ver una película con todo el reparto japonés intentando hablar inglés esforzadamente. No todos salen bien librados del experimento.

El título está inspirado en Django, aquel famoso forastero de los spaguetti westerns italianos que inmortalizara Franco Nero, quien llevaba consigo un ataúd para que se le diera un cristiano entierro en caso de morir. Esta fantasia descabellada de Miike, nos quiere hacer creer que Django es un niño huérfano japonés, que emigró a Italia en busca de una nueva vida. ¡Sí Takashi-san, claro!

++"Sukiyaki Western Django" fue exhibida en el Festival de Sitges 2007, donde ganó el premio a Mejor Diseño de Producción y Mejor Fotografía. A la fecha, no ha tenido estreno comercial en las salas comerciales españolas ni ha sido editada en DVD.

SUCKER PUNCH * *

Emily Browning y su séquito de chicas mercenarias
en la no tan surreal "Sucker Punch".

El más reciente filme de Zack Snyder, Sucker Punch (2011) es una película que sorprende en ciertos niveles, pero decepciona en otros rotundamente. Por primera vez en su corta filmografía, una de sus películas está basada en una historia que no proviene ni de un cómic, una novela gráfica o que es el remake de una película, como sucedió en “300”, “Watchmen” y el remake de “Dawn of the Dead”, respectivamente. Estos trabajos de Snyder, en general, me gustaron, los considero rescatables. En especial, los dos primeros son estupendos desde un punto de vista visual. Sucker Punch prueba una cosa: Zack Snyder es un pésimo escritor, cuyo guión, descerebrado y estúpido, padece de lagunas y fallas desde el inicio. Es un guión que tal vez escribió en 3 horas.

El paupérrimo guión es una excusa simple para que Snyder despliegue un magnífico espectáculo visual, en cada uno de los episodios imaginados por la protagonista, Baby Doll (Emily Browning, la niña de “Lemony Snicket”). En ocasiones es sorprendente (veremos si Peter Jackson puede superar ese dragón en “The Hobbit”), y en otras, por el contrario, casi parece que estamos dentro de un video juego del Play Station. Estos episodios ocurren cada vez que Baby entra en una especie de trance, antes de verse obligada a bailar. El problema, es que parece que Snyder quiso plagiar pésimamente la idea de Christopher Nolan en “Inception”, ya que la protagonista nos lleva a una especie de “trance”,… dentro de otro “trance”. ¿Y a dónde nos lleva todo esto? A nada. Nada, por que la historia nunca funciona o es interesante en ningún momento.

Una idea aproximada de lo que es Sucker Punch, se puede tener si se mezcla “Moulin Rouge”, “Kill Bill”, “Inglorious Basterds”, “Avatar” y –en serio, créalo- “Lord of the Rings”; con unas gotas de “Shutter Island” y “Girl, Interrupted”. Ah, y agregue un toque gangsteril scorsesiano para darle cuerpo y sabor. Es tan caótico como suena. Al inicio, parece que nos enfrentaremos a un musical, y es que la introducción de Baby Doll no parece otra cosa que un vídeo musical de MTV.

Baby Doll es enviada a un hospital psiquiátrico, luego de que, en su intento de matar a su padrastro, asesina accidentalmente a su hermana menor. Esto con una canción al fondo de Annie Lennox, “Sweet Dreams Are Made of This”, cantada por la misma Emily Browning. En el hospital psiquiátrico, la chica se encuentra con el típico lugar escabroso, gris y terrorífico, en donde el resto de las internas presentan obras de teatro y bailes, a manera de terapia. De hecho, la película es una recopilación musical como la vista en “Watchmen”. En un episodio, en el que Baby Doll se imagina a sí misma como una chica samurai a lo Kill Bill, donde se enfrenta a gigantes y monstruosos samurais, escucharemos el clásico “Army of Me”, de Bjork.

El filme, que Snyder coescribió junto a un tal Steve Shibuya, está lleno de chicas preciosas, todas con nombres como Baby Doll, Sweet Pea (Abbie Cornish), Blondie (Vanessa Hudgens), Rocket (Jena Malone) y Amber (Jamie Chung). Todas formarán un grupo de amigas, quienes guiadas por Baby Doll, planean un escape del hospital, en el que intentarán apoderarse de un mapa, un encendedor, un cuchillo y la llave para salir. Baby imaginará esto como misiones especiales, en el que serán guiadas por un extraño ser imaginario (Scott Glenn), el cual nunca sabemos de dónde diablos ha salido. En tanto, el guardia en turno (Oscar Isaac) se dedica a hacerles la vida imposible a las chicas, el cual es imaginado por Baby como el dueño mafioso de un teatro burdelesco.

Carla Gugino vuelve a aparecer como secundaria (la vimos previamente en “Watchmen”), interpretando a una maestra de baile con acento ruso. La película, aparentemente ambientada en los 1950-1960, pocas veces tiene sentido, con un guión lleno de lagunas. ¿Qué hacen realmente Baby Doll y sus amigas en el mundo real mientras se encuentran actuando en sus delirios mentales? ¿Bailarán o qué? ¿De donde proviene su desbordante imaginación y todas las referencias cinéfilas modernas almacenadas en su mente si viven en los 1960? ¿Quién es el “Wise Man” interpretado por Scott Glenn? Habrá que esperar el DVD y ver si en sus extras encuentra las respuestas a estas preguntas.

++ Lo mejor: los efectos visuales y el diseño conceptual.

++ Lo peor: su pueril y hueco guión.