YOUTH WITHOUT YOUTH * * 1/2

Tim Roth y Alexandra Maria Lara en "Youth Without Youth".

Como película romántica, que mezcla fantasía, budismo, reencarnaciones y lenguas muertas, Youth Without Youth (2007), no funciona del todo. Adaptación de la novela escrita por Mircea Meliade, y dirigida por Francis Ford Coppola, la historia es una narración sobre las obsesiones de un profesor de lenguas, interpretado por Tim Roth con su genialidad acostumbrada, por encontrar los orígenes más primitivos del lenguaje. La vida le queda muy corta para lograr su objetivo, por lo que el destino (y la madre naturaleza) le dan una segunda oportunidad, unos cuantos años antes de la Segunda Guerra Mundial. Cuando un rayo golpea al anciano profesor Dominic, dejándolo casi calcinado a mitad de una calle en Bucarest, este se convertirá en la sensación de los medios y objeto de estudio de médicos. Luego de ser golpeado por el rayo, Dominic empezará a rejuvenecer. Seguro ya empezó a pensar en “The Curious Case of Benjamin Button”, pero este caso es muy diferente.

El amor de la vida de Dominic, Veronica (Alexandra Maria Lara, radiante y bella), ya ha fallecido. Pero cuando el ahora joven Dominic, enfrascado en sus investigaciones bajo el respaldo de su médico (Bruno Ganz), se tope con Laura, la viva imagen de su amada Veronica, su vida tendrá otro giro descomunal. No nada más porque Dominic siente que Veronica ha renacido, sino porque la chica ha sido golpeada por un relámpago en los bosques de Suiza, y ha empezado a hablar lenguas muertas y a creer que fue la asistente de un antiguo filósofo hindú, hace centurias.

En el aspecto visual, la película tiene sus mayores méritos, como la magnífica fotografía y el diseño de producción. Hubo mucho que me recordó a “Bram Stoker’s Dracula”, también de Coppola, no sólo en lo visual sino en los temas que comparten ambas películas. La premisa sobre la inmortalidad es intrigante, las segundas oportunidades en el amor, y es en estos aspectos en los que Coppola sabe cómo desenvolverse. Es evidente que el tema de las reencarnaciones le interesa mucho. El filme es un interesante viaje hacia la mente obsesiva de Dominic, y Coppola sabe cómo sumergirnos en el universo del personaje, involucrarnos en sus tormentos. Incluso, Dominic tiene esquizofrénicas visiones de un “otro yo” maligno, que siempre lo acompaña.

Los problemas de la película son los constantes cambios de tono. Del fascinante rejuvenecimiento de Dominic, la historia se quiere convertir en un thriller de espionaje, con la aparición de una atractiva espía nazi. Luego, empieza el tono filosófico y trascendental con la aparición de Laura, y lo que prometía ser una entrañable historia de amor, acaba siendo una monótona segunda mitad con los trances de Laura. Parece poseída por espíritus del pasado, hablando lenguas antiguas para luego volver a su estado normal. No he leído el libro, por lo que si el filme le hace justicia es otra historia.

++"Youth Without Youth" fue estrenada en salas comerciales de España, aunque no ha sido editada en DVD. Disponible en región 1. 

PEANUTS Y LOS MEDIOS

No culpo a Sally por no creer que realmente existe alguien llamado Walt Disney. Confieso que de niño, al ver los largometrajes y cortos animados de "Disney", nunca imaginé que este era el apellido de Walter Elias Disney, nombre completo de Disney. Daba por sentado que era como la "marca" de Mickey Mouse y el pato Donald, o algo parecido. Aunque también es cierto que el nombre de Disney, con el paso de los años, se convirtió en una marca con la mayor venta de licencias comerciales alrededor del mundo. Es como si ahora los niños pensaran que "Pixar" es el nombre o apellido del creador de "Toy Story", "Cars", "The Incredibles", etc., cuando en realidad es el nombre de la casa productora de estos magníficos largometrajes animados.  

JUNO * * * *

Ellen Page en "Juno".

Aunque me gustó Juno (2007), creo que su guión fue sobrevalorado al darle el Oscar a “Mejor Guión”. Diablo Cody es la autora del guión, quien antes se dedicaba a escribir sobre sexo en un blog y, según tengo entendido, fue también una stripper. Juno (interpretada extraordinariamente por Ellen Page) es una adolescente embarazada, quien como muchas chicas a su edad (unos 16-17 años) en dichas condiciones, se encuentra en el dilema de no saber qué hacer. La película fue nominada también al Oscar por “Mejor Actriz”,” Mejor Película” y “Mejor Director”, esta última nominación para Jason Reitman.

Juno es una comedia sobre el embarazo en la adolescencia, con muchos momentos conmovedores pero también graciosos. Todos ellos gracias a los agudos comentarios de Juno (nombre de la diosa griega de la maternidad), a su relajada manera de ver la vida y su muy desarrollado sentido del humor. Además, Juno es una guitarrista aficionada al rock, casi una enciclopedia sobre el tema. En ocasiones, Juno parece muy adelantada para su edad y, en ese sentido, resulta difícil creer que el padre del bebé es Paulie, un chico tímido, de apariencia tan débil que casi parece deshacerse, interpretado por Michael Cera. Juno es demasiado precoz e inteligente para Paulie.

Jason Reitman, especialista en comedias de corte independiente, con historias inteligentes y lejos del mainstream, como “Thank you for Smoking”, su anterior filme. Luego de enterarse de su embarazo, Juno estará tentada a intentar un aborto, idea que descarta casi de inmediato. Afuera del lugar, tan solo una chica (compañera de escuela de Juno) se encuentra protestando. Su siguiente prueba de fuego será dar la noticia a su familia, formada por su padre (genial J.K. Simmons), su madrastra (Allison Janney) y su pequeña media hermana. Pero Juno es tan hábil, que sabe de antemano cómo calmar el enojo de su padre y la consternación de su madrastra. Su plan: dar el bebé en adopción. “Cuando tenga 30, ya ni nos acordaremos del asunto”, concluye la práctica Juno.

Más que ser un filme sobre el embarazo adolescente, Juno se inclina más hacia el tema de la maternidad, la familia y el matrimonio. El joven matrimonio formado por Mark (Jason Bateman), un compositor de jingles y músico de rock frustrado, y Vanessa (Jennifer Garner), quienes ante la imposibilidad de tener hijos deciden adoptar al bebé de Juno. Desde el momento que los conocemos, es evidente que Mark y Vanessa son de carácter y personalidades muy diferentes. Tanto que Mark, de alma adolescente, inmediatamente hace química con Juno, al compartir un gusto por el rock y los filmes de horror.

Ellen Page sabe imprimir a Juno ese aire maduro, inteligente, seguro, pero a la vez cool que sabe darle a sus personajes. Otro de los grandes aciertos de Reitman, es la conmovedora química entre Juno y su padre. Lo mejor, es que la película no es un relato moralizante y aleccionador sobre la responsabilidad en las relaciones sexuales durante la adolescencia. Aunque este es uno de sus logros, el ser una comedia sin alguna intención de ir más lejos o explorar otros terrenos en sus temas, siento que todo es demasiado fácil para Juno. Demasiado sencillo y resuelto. No hay un mensaje final, que sin caer en el adoctrinamiento o el regaño, haga sentir a Juno lo importante que es traer una nueva vida al mundo a tan inocente edad. Al final, sentí que el embarazo de Juno acaba quedando en segundo plano, es casi una excusa para dar paso a otros temas (no menos importantes, claro) como el amor. Juno es una buena película, aunque no el material oscarizable que esperaba.

++El DVD contiene comentarios en audio del director Jason Reitman y de la guionista Diablo Cody, 11 escenas eliminadas con comentarios opcionales, tomas falsas, reparto y equipo, prueba de cámara y 4 documentales. El Blu-ray contiene dichos extras y además "adolescente con madurez de adulto: Juno", Leah, Bleeker, El jefe Diablo Cody, Jason Reitman, Creando Juno, estreno mundial, sesión de casting y el trailer.

THE HUMAN CENTIPEDE (FIRST SEQUENCE) *

El carilindo Dr. Heiter nos explica su enfermizo plan en "The Human Centipede".

La saga de Saw ha ido dejando sus frutos. Ya va en la película 6 o 7 la franquicia, si no me equivoco. Con lo anterior, me refiero a que la influencia temática de Saw se está dejando sentir en películas de terror, como Hostel, no importa lo malas que sean. The Human Centipede (First Sequence - 2009) ha venido a incluirse en la lista, una película enfermiza que, dependiendo el espectador, se puede considerar un insulto.

Hay que advertir que es una película difícil de ver, concebida por la enfermiza mente del holandés Tom Six. Esta es una de esas películas con las que la gente tiende a salirse del cine (no he sabido de casos), una vez que nos enteremos del plan del doctor Heiter (el actor alemán Dieter Laser), uno de los rostros más endemoniadamente feos y tétricos que haya visto en cine. Su premisa es derivativa, el cliché de recientes filmes de horror: el grupo de turistas norteamericanos, que son sorprendidos en Europa por un terror sádico y oculto.

Paseando en Alemania, un par de bellas amigas (Ashley C. Williams y Ashlynn Yennie) acabarán siendo prisioneras y víctimas del demencial Dr. Heiter, un ex cirujano que busca cumplir el sueño-proyecto-experimento de su carrera: crear el primer cienpiés humano del mundo. La mente de este doctor es tan enferma y perversa, que para formar el cienpiés humano pretende unir varias personas, uniendo la boca de una en el ano de la otra. Esto será a través de una complicada y delicada cirujía, que ni el mismo Heiter sabe si funcionará. Su teoría es que este cienpiés humano sobrevivará cuando la persona de adelante se alimente, mientras la persona de atrás irá consumiendo lo que usted ya se imaginará… y así sucesivamente. La “cabeza” del cienpies será un turista japonés (Akihiro Kitamura), otra víctima en poder del lunático Doctor Heiter.

¿Qué tiene que ver Saw con un filme así? Que Six amenaza con fundar una franquicia, basada en ir ampliando lo que considera él una historia fascinante de suspenso y terror. La secuela, “The Human Centipede II (Full Sequence)”, está por estrenarse este año. Tom Six (quien tomó la idea de un comentario que escuchó de un camionero o algo por el estilo), promete que será más perturbadora que su antecesora. Saw (al menos la primera película), con todo y su sadismo gratuito, tenía una premisa original, personajes interesantes y una historia qué seguir. The Human Centipede, con todo y que es una producción más pequeña e independiente, no es más que un espectáculo degradante y cuyo único propósito es buscar la provocación más inmediata y fácil. Es una película que pensaría dos veces en recomendar.

The Human Centipede tiene un climax interesante, y el par de actrices norteamericanas hacen un buen trabajo, debo reconocerlo. Pero cuidado, esto no quiere decir que la película sea rescatable en lo absoluto.

++"The Human Centipede" fue estrenada en el festival de Sitges 2009, en la sección "Midnight X-treme". Hasta ahora, no ha sido estrenada comercialmente en España, ni editada en DVD.  

SUKIYAKI WESTERN DJANGO * *

Ahora resulta que Django no era ni italiano ni americano, sino japonés.
Hideaki Ito en "Sukiyaki Western Django".

¿Qué puede ser más bizarro que un spaguetti western japonés, hablado en inglés, con samurais y Quentin Tarantino en cameos extendidos? Nada que me venga a la mente en este preciso momento. Sukiyaki Western Django (2007) tiene todas estas características, uno más de los delirios concebidos por el realizador Takashi Miike. La película es una caótica mezlca genérica, en donde Miike intenta hacer una parodia de los westerns de Sergio Leone y Sam Peckinpah, pero también de las historias épicas de samurais de Akira Kurosawa.

Quentin Tarantino fue invitado por Miike, para ser un simple adorno. Su personaje, Piringo (vestido con honcho, como extraído de The Good, The Bad and the Ugly), es una especie de misterioso mentor de una chica japonesa, que en el futuro acabará siendo una letal experta en el sable y las artes marciales (¿Ya empezó a acordarse de Kill Bill?). Pero esta es sólo una de las varias tramas que se entrecruzan, precisamente, como los sables de los samurais del filme.

La trama principal es sobre el típico forastero (Hideaki Ito) que llega a un pueblo en Japón, en medio de una guerra entre dos clanes, llamados simplemente los Rojos y los Blancos (sí, como en la bandera de Japón). Los líderes de estas tribus son maestros samurais, que eliminan todo lo que se interponga en su camino, incluyendo todo aquel ser inútil del grupo, que no demuestre tener fuerza y habilidad para pelear. Ambos grupos se encuentran buscando un tesoro perdido. El forastero tiene un pasado oculto y tormentoso, que irá develándose poco a poco.

Algo que no puede discutirse, es que la película tiene buenas escenas de acción y peleas. Sin embargo, como parodia apenas y me hizo reír. Ya lo he dicho antes: no soy muy afecto al humor japonés, simplemente me es indigesto. El personaje del sheriff (Teruyuki Kagawa) es insufrible, insoportable, en su fallido intento de ser el tipo más gracioso del pueblo hablando solo. Visualmente, el filme tiene momentos rescatables (la escena de la rosa brotando es de una belleza extraña), pero es una proeza ver una película con todo el reparto japonés intentando hablar inglés esforzadamente. No todos salen bien librados del experimento.

El título está inspirado en Django, aquel famoso forastero de los spaguetti westerns italianos que inmortalizara Franco Nero, quien llevaba consigo un ataúd para que se le diera un cristiano entierro en caso de morir. Esta fantasia descabellada de Miike, nos quiere hacer creer que Django es un niño huérfano japonés, que emigró a Italia en busca de una nueva vida. ¡Sí Takashi-san, claro!

++"Sukiyaki Western Django" fue exhibida en el Festival de Sitges 2007, donde ganó el premio a Mejor Diseño de Producción y Mejor Fotografía. A la fecha, no ha tenido estreno comercial en las salas comerciales españolas ni ha sido editada en DVD.

SUCKER PUNCH * *

Emily Browning y su séquito de chicas mercenarias
en la no tan surreal "Sucker Punch".

El más reciente filme de Zack Snyder, Sucker Punch (2011) es una película que sorprende en ciertos niveles, pero decepciona en otros rotundamente. Por primera vez en su corta filmografía, una de sus películas está basada en una historia que no proviene ni de un cómic, una novela gráfica o que es el remake de una película, como sucedió en “300”, “Watchmen” y el remake de “Dawn of the Dead”, respectivamente. Estos trabajos de Snyder, en general, me gustaron, los considero rescatables. En especial, los dos primeros son estupendos desde un punto de vista visual. Sucker Punch prueba una cosa: Zack Snyder es un pésimo escritor, cuyo guión, descerebrado y estúpido, padece de lagunas y fallas desde el inicio. Es un guión que tal vez escribió en 3 horas.

El paupérrimo guión es una excusa simple para que Snyder despliegue un magnífico espectáculo visual, en cada uno de los episodios imaginados por la protagonista, Baby Doll (Emily Browning, la niña de “Lemony Snicket”). En ocasiones es sorprendente (veremos si Peter Jackson puede superar ese dragón en “The Hobbit”), y en otras, por el contrario, casi parece que estamos dentro de un video juego del Play Station. Estos episodios ocurren cada vez que Baby entra en una especie de trance, antes de verse obligada a bailar. El problema, es que parece que Snyder quiso plagiar pésimamente la idea de Christopher Nolan en “Inception”, ya que la protagonista nos lleva a una especie de “trance”,… dentro de otro “trance”. ¿Y a dónde nos lleva todo esto? A nada. Nada, por que la historia nunca funciona o es interesante en ningún momento.

Una idea aproximada de lo que es Sucker Punch, se puede tener si se mezcla “Moulin Rouge”, “Kill Bill”, “Inglorious Basterds”, “Avatar” y –en serio, créalo- “Lord of the Rings”; con unas gotas de “Shutter Island” y “Girl, Interrupted”. Ah, y agregue un toque gangsteril scorsesiano para darle cuerpo y sabor. Es tan caótico como suena. Al inicio, parece que nos enfrentaremos a un musical, y es que la introducción de Baby Doll no parece otra cosa que un vídeo musical de MTV.

Baby Doll es enviada a un hospital psiquiátrico, luego de que, en su intento de matar a su padrastro, asesina accidentalmente a su hermana menor. Esto con una canción al fondo de Annie Lennox, “Sweet Dreams Are Made of This”, cantada por la misma Emily Browning. En el hospital psiquiátrico, la chica se encuentra con el típico lugar escabroso, gris y terrorífico, en donde el resto de las internas presentan obras de teatro y bailes, a manera de terapia. De hecho, la película es una recopilación musical como la vista en “Watchmen”. En un episodio, en el que Baby Doll se imagina a sí misma como una chica samurai a lo Kill Bill, donde se enfrenta a gigantes y monstruosos samurais, escucharemos el clásico “Army of Me”, de Bjork.

El filme, que Snyder coescribió junto a un tal Steve Shibuya, está lleno de chicas preciosas, todas con nombres como Baby Doll, Sweet Pea (Abbie Cornish), Blondie (Vanessa Hudgens), Rocket (Jena Malone) y Amber (Jamie Chung). Todas formarán un grupo de amigas, quienes guiadas por Baby Doll, planean un escape del hospital, en el que intentarán apoderarse de un mapa, un encendedor, un cuchillo y la llave para salir. Baby imaginará esto como misiones especiales, en el que serán guiadas por un extraño ser imaginario (Scott Glenn), el cual nunca sabemos de dónde diablos ha salido. En tanto, el guardia en turno (Oscar Isaac) se dedica a hacerles la vida imposible a las chicas, el cual es imaginado por Baby como el dueño mafioso de un teatro burdelesco.

Carla Gugino vuelve a aparecer como secundaria (la vimos previamente en “Watchmen”), interpretando a una maestra de baile con acento ruso. La película, aparentemente ambientada en los 1950-1960, pocas veces tiene sentido, con un guión lleno de lagunas. ¿Qué hacen realmente Baby Doll y sus amigas en el mundo real mientras se encuentran actuando en sus delirios mentales? ¿Bailarán o qué? ¿De donde proviene su desbordante imaginación y todas las referencias cinéfilas modernas almacenadas en su mente si viven en los 1960? ¿Quién es el “Wise Man” interpretado por Scott Glenn? Habrá que esperar el DVD y ver si en sus extras encuentra las respuestas a estas preguntas.

++ Lo mejor: los efectos visuales y el diseño conceptual.

++ Lo peor: su pueril y hueco guión. 

THE GIRLFRIEND EXPERIENCE * * 1/2

Sasha Grey en "The Girlfriend Experience".

Steven Soderbergh siempre está trabajando tanto en el mainstream comercial y en cine puramente indie. The Girlfriend Experience (2009) se encuentra en este último rubro de la filmografía de Soderbergh, donde echa mano del mockumentary para narrar la crónica de una escort, Chelsea (la actriz porno Sasha Grey), junto a las altas y bajas en su vida, incluídas las experiencias con sus clientes. La película está instalada durante el mes de octubre del 2008, días antes de las elecciones que le dieron la presidencia a Barack Obama.

El título viene del servicio que ofrece Chelsea a sus clientes: jugar el papel de una novia. Sale al cine con el cliente (previa cita por teléfono), va a cenar con él, escucha sus problemas y luego van a su casa a tener sexo. La chica se cotiza alto, cobrando 2,000 dólares la cita. Busca además superar a la competencia, por ejemplo, adquiriendo el mejor guardarropa, arreglando su imagen y crear su propia página web. En resumen, Chelsea, quien vive en Nueva York, busca profesionalizarse lo más posible.

Chelsea vive con su novio, (Chris Santos), un instructor de gimnasio, al que parece no causarle problema el trabajo que realiza ella. A su vez, los usuarios del gimnasio tienen sus propias historias (uno hasta invita a salir a Chris). En una versión de la película, podemos ver a este grupo de hombres debatir y charlar acaloradamente dentro de un avión, sobre asuntos de política, finanzas y las elecciones. En el DVD se puede ver la versión alterna, sin estas escenas, la cual siento que es mucho mejor al hacer más ágil toda la narración. Dichas escenas se sienten estorbosas.

La historia, como tal, es menos interesante de lo que se lee. Sin embargo, Steven Sodenbergh filma la insípida, grisácea y plana historia de esta, de todas formas, hermosa chica, con suma delicadeza y mucho estilo. La dirección fotográfica es, igualmente, excelente, a cargo del mismo Soderbergh bajo el pseudónimo de “Peter Andrews”. Lo más interesante en la película, es ver cómo la vacía vida de esta chica, parecerá tener un giro con un potencial cliente. Un hecho que encontrará resonancia cuando, durante la entrevista que da a un periodista en un restaurante, este le empieza a preguntar a Chelsea sobre el amor y las emociones.

Al final, lo que queda claro es que Chelsea es algo más que una acompañante. Es una chica que le da a sus clientes lo que estos quieren, el representar el papel que le soliciten. No es una película erótica, contrario a lo que pueda parecer, sino una sobre la soledad y el vacío existencial, muy lejos de ser lo más destacado en la filmografía de Soderbergh.

++"The Girlfriend Experience aún no se ha editado en DVD en España. Disponible en región 1.

PAPRIKA * * * * *

"Paprika", la última obra maestra del fallecido Satoshi Kon.

La última película de uno de los grandes maestros de la animación japonesa, Satoshi Kon, quien falleciera de cáncer el año pasado a los 47 años, es la obra suma de un genio. Paprika (2006) es una película laberíntica, surreal y complicada, con una trama que se mueve entre el mundo real y el mundo de los sueños. Algo parecido a “Inception”, pero en versión animada.

Es habitual en las películas de Satoshi Kon, que el personaje principal siempre sea femenino. Paprika no es la diferencia. La película es la adaptación de la novela de Yasutaka Tsuitsui, en la que el autor concibe una historia de ciencia ficción en donde los científicos de un centro psiquiátrico han inventado un dispositivo, el D.C. MINI, capaz de grabar los sueños y poder verlos. Como suele suceder, el relato plantea lo que pasaría si una tecnología tan innovadora y revolucionaria cayera en las manos equivocadas. Esto pasa cuando uno de los desarrolladores del aparato lo roba, y se encuentra urgando y espiando en los sueños de los demás.

Una guapa doctora, Chiba Atsuko (voz de Megumi Hashibara), es quien se encuentra investigando el caso, acompañada de un detective (voz de Akio Ohtsuka). Son varios los problemas que tienen que resolver nuestros personajes. Primero, rastrear y recuperar el aparato robado por el científico, un tipo desequilibrado que siempre se aparece en un sueño recurrente, el cual se convertirá en el leitmotif visual y musical: un descomunal desfile de juguetes vivientes. Segundo, nuestro detective debe resolver un asesinato, del cual fue testigo, aunque la memoria de dicho evento no está muy clara en su mente.

El mejor instrumento para resolver el caso será el D.C. MINI, del cual existe otro prototipo, que usará el detective para ver en un torturante sueño lo que ocurrió ese día. El problema, es que las constantes fantasias del detective, viéndose a sí mismo como protagonista de varias películas, interfieren con su investigación.

La guía en toda esta aventura sera la Paprika del título, una obicua y extraña chica, que a ratos parece real y en otros imaginaria, capaz de actuar en el mundo real y el de los sueños. Es la representación del subconsciente de uno de los personajes (como lo son, al final, los sueños de cada personaje). Como en Perfect Blue (1998) y en Tokio Godfathers (2003), ambas de Kon, Paprika es un thriller que sirve de excusa para desplegar la fantástica imaginación y arte del fallecido animador. Su diseño es fenomenal, caprichoso, donde cada detalle cuenta y lleva nuestros ojos a deternos en cada rincón de sus escenarios.

La escena del climax final, es un homenaje a las monster movies japonesas, pero en sí tiene un trasfondo más alegórico, simbólico y psicológico. Paprika es un filme de animación atípico, dirigido a audiencias más adultas, donde la acción no es lo importante, sino algo más distópico: la invasión de la privacidad a través de lo sueños. El D.C. MINI, supuestamente, debería servir como instrumento terapéutico. Al terminar de ver esta obra maestra de la animación tradicional en 2D, del anime concretamente, uno no puede evitar sentir pena por el prematuro fallecimiento de Kon. El realizador ha dejado una obra póstuma: The Dreaming Machine, que ha concluído Yoshimi Itazu, de hecho uno de los animadores de Paprika.

++"Paprika" fue proyectada en el Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya 2006, en donde fue presentada por Satoshi Kon. Nunca tuvo estreno en salas comerciales de España. El DVD contiene comentarios del cineasta Sathosi Kon y trailers cinematográficos. El Blu-ray (y el DVD región 1) además contiene documentales "Páprika de Tsutsui y Kon", conversación sobre el "Sueño", entrevistas: "El arte de la fantasía", "El sueño del mundo CG", comparación de los Storyboards" y animatic.

THE GHOST WRITER * * * * *

Ewan McGregor es un escritor sin nombre en "The Ghost Writer".

Antes de reseñar una película como The Ghost Writer (2010), quizás convenga explicar a grandes rasgos qué es un “ghost writer” o “escritor fantasma”. Un “escritor fantasma” es alguien que escribe un libro que será firmado por otra persona. Pero es alguien más que un simple redactor o transcriptor de palabras. Una idea completa se puede tener leyendo el libro en el que está basada la película, escrito por Robert Harris (titulado únicamente "The Ghost"), en donde cada capitulo comienza con reglas, descripciones y recomendaciones de esta profesión. Lo esencial y, por ende, más complicado en un “escritor fantasma”, es el de ponerte en la piel del personaje por el cual escribes una autobiografía o memorias. O como algún personaje comenta: “Hacer de una vida caótica algo legible y coherente”.

La adaptación de Roman Polanski de la novela de Harris, con los cambios de rigor que siempre ocurren al trasladar una novela al cine, hace plena justicia a la historia hitchcoquiana concebida por el escritor británico. El mismo Harris colaboró con Polanski en la adaptación, y la primera impresión que tuve, luego de leer el libro el año pasado, es que en su versión cinematográfica la historia es más ágil y con mucho mayor ritmo. El libro en realidad tiene una primera mitad lenta, en la que me costó trabajo engancharme con el relato narrado por nuestro “escritor fantasma”, encarnado aquí por Ewan McGregor.

El primer cambio notorio en la película, es que Harris y Polanski han prescindido de la narración en primera persona que hace el “fantasma”, de quien jamás conocemos su nombre. Luego de escribir la autobiografía de un celebre músico de rock, al “fantasma” le es encargado escribir las memorias del ex primer ministro de Gran Bretaña, Adam Lang (Pierce Brosnan, ad hoc para el personaje). Harris se basó ligeramente en Tony Blair, ex primer ministro británico, y en una acusación que se le hizo de ser culpable de crímenes de guerra.

Una jugosa oferta monetaria convence al escritor fantasma de tomar el trabajo, conseguido por su agente, Rick Ricardelli (John Bernthal). Sin embargo, hay algo que ni al “fantasma” ni a sus editores les gusta en todo esto. Para empezar, el anterior escritor fantasma, Mike Macara, fue encontrado muerto en la playa, arrastrado por el oleaje, en la isla de Martha’s Vineyard. El trabajo lleva al “fantasma” a viajar a la isla, cerca de Nueva York, lugar donde reside Adam Lang junto a la ex primera dama, Ruth (Olivia Williams) y su equipo de trabajo, encabezado por Amelia Bly (Kim Cattrall, con acento inglés). El ambiente no deja de ser grisáceo y tormentoso en la isla.

La historia es el típico relato visto en varias películas de Hitchcock, sobre el tipo inocente que acaba involucrado en un gran lío, con su vida en peligro muy a su pesar. Son historias que van tomando giros inesperados, en donde el protagonista toma decisiones imprevistas. El escritor acaba envuelto en la investigación de lo que pudo haber ocurrido con Mike, y si su muerte realmente fue accidental. Mientras, Adam tiene que lidiar con la acusación de crímenes de guerra, en específico de ordenar la tortura de terroristas, que le ha hecho Richard Rycart (Robert Pugh), su más cercano ex colaborador. ¿Cómo acabar un libro en menos de un mes, cuando el protagonista de dichas memorias se encuentra en medio de un complot político? ¿Cómo hacerlo cuando nada más se cuenta con el “borrador” hecho por Mike, al que se tiene que pulir de pies a cabeza y no puede salir de la residencia de Lang?

Polanski exprime el libro de Harris, y consigue un entretenido thriller político notablemente actuado. Ewan McGregor y Pierce Brosnan no podrían estar mejor en estos personajes. Tanto en la película como en el libro, se rompen las expectativas respecto a una posible amistad entre ellos, conforme Adam confiesa aspectos de su vida personal al escritor.

En ese sentido, el relato escrito por Harris es también una mirada hacia el solitario oficio del escritor. En especial el de un escritor fantasma. En su trabajo se despoja de su propia identidad al asumir la del personaje para el cual escribe. Su talento principal reside en hacer que el libro parezca escrito por la persona que se encuentra entrevistando e investigando. En una escena, mientras Ruth y el “fantasma” cenan, aquella le echa en cara el no ser un escritor propiamente dicho. Es tal su anonimato, que ni siquiera es invitado a la presentación del libro que él mismo ha escrito para otro.

Como sucede en todas las adaptaciones de libros a películas, el final fue cambiado substancialmente. Por supuesto, no lo revelaré, pero me tiene intrigado el por qué Harris, en su guión, opta por ese final. Es uno que en el libro apenas y es sugerido. De todas formas, en esa escena vemos una de las cosas más notables que Polanski ha filmado en su carrera, en toda su simpleza en el uso del encuadre, en medio de una grisácea calle londinense.

++El DVD y el Blu-ray incluyen entrevista a Roman Polanski, "El Escritor: ¿Ficción o realidad?", el reparto de "El Escritor" y el trailer.

BIG MAN JAPAN * *

El realizador Hitoshi Matsumoto dirige, escribe y protagoniza
la fallida parodia "Big Man Japan".

El cine japonés siempre se ha caracterizado como el mayor productor de “monster movies”. Fueron los creadores de Godzilla (o Gojira, en japonés), ese inmenso reptil dinosáurico, que a veces se comporta como enemigo destructor, y otras como amigo y héroe. Ha sido enfrentado con innumerables criaturas gigantes, incluído King Kong, el gorila gigante de Hollywood, en “Kingu Kongu tai Gojira” (1962). Big Man Japan (Dai-Nihonjin, 2007) es un homenaje paródico a esas películas de antaño serie B, que sigue tan vigente en aquel país como hace 50 años. Su problema, es que el homenaje no funciona como tal la mayoría del tiempo.

El Big Man Japan del título, es en realidad Masaru Daisato (Hitoshi Matsumoto, también realizador del filme) un tipo pobrediablezco, white trash, a quien casi todo Japón odia por el daño que causa al medio ambiente. El motivo, es la enorme cantidad de energía eléctrica que usa para transformarse, precisamente, en el gigantesco “Big Man Japan”. Masaru proviene de un antiguo linaje de hombres capaces de convertirse en gigantes. Sólo que él no es tan popular como sus abuelos.

Nuestro antihéroe, en su faceta de Big Man Japan, se dedica a defender Tokio de monstruos gigantes, cuyo origen jamás nos es explicado. Las peleas son televisadas como si fueran peleas de box o lucha libre, y la gente hace apuestas. La rutinaria estructura de la película, un “mockumentary” sobre la vida de Masaru, nos presenta unas 4 o 5 peleas, precedidas de una inútil explicación sobre el monstruo que estamos por ver, sus poderes y puntos débiles. Cuando estos mueren, su espíritu sube al cielo. ¿Por qué? Sólo Matsumoto, guionista del filme, lo sabe.

Nunca he digerido mucho el humor japonés. Big Man Japan tiene mucho de ese humor “indigesto” para mí. Las criaturas y el mismo Big Man, están impresionantemente animados. Este ultimo luce increíblemente realista, casi humano. Sin embargo, las criaturas parecen sacadas de la peor serie animada “manga”, diseñadas como por un niño (creo que esa cruza de humano con iguana australiana y pollo, es el peor). Las peleas son aburridas, algo lentas, nada emocionantes y lo más extraño es que nunca vemos gente alarmada correr, el ejército, la policia,… nada. Son escenarios urbanos práticamente desérticos.

¿Hay algo que valga la pena en este bodrio? Si, la última parte, una graciosa parodia de las películas de Godzilla y mega robots. Aquellas en donde tipos disfrazados caminaban sobre maquetas, luchando en medio de edificios de cartón, todo ensalzado con efectos especiales realizados con 3 yenes. Como corto funcionaría estupendamente.

++ "Big Man Japan" tuvo su premiere en el Festival de Cannes 2007. No tiene aún estreno programado en España.

SURVIVAL OF THE DEAD * *

Kenneth Welsh tiene una sorpresa a los zombies de "Survival of the Dead".

En una entrevista, George A. Romero confesó que, francamente, ya no sabía cómo titular a su más reciente película de zombies, Survival of the Dead (2009). “Nada más sabía que tenía que ser algo ‘of the dead’”, dijo Romero. Al final, se le ocurrió agregar “survival”, luego de un proceso reflexivo que está de más mencionar en esta reseña. Lo cierto, es que ese mismo sentimiento de incertidumbre y vaguedad prevalece en la película. El de pensar “Romero ya no sabe qué más hacer con sus zombies”. ¿Se ha agotado por fin la saga de zombies contada por Romero? Viendo los resultados de esta película, creo que sí.

No he visto el filme anterior, “Diary of the dead” (2007), pero al parecer “Survival…” es como una secuela de aquel. En esta ocasión, Romero toma prestado del western todo lo que puede, ambientando la historia en una isla del norte de los E.U. En ella tenemos a dos grupos en conflicto, uno liderado por Seamus Muldoon (Richard Fitzpatrick), que busca, no exterminar, sino proteger a los zombies que han llegado a la isla. ¿La razón? Tiene la esperanza de encontrar una cura para los seres queridos que han sido convertidos en zombies. Su hermano, Patrick O’Flynn (el canadiense Kenneth Welsh con acento escocés), es expulsado de la isla por Seamus, al mostrar aquel sus intenciones de matar zombies.

Por supuesto, la aventura comienza cuando O’Flynn pretenda regresar a la isla, junto a un pequeño grupo de militares encabezado por el Sargento Nicottine Crokett (James Van Sprang, quien también aparece en “Land of the Dead” y “Diary of the Dead”), una chica a la que llaman “Tomboy” (Athena Karkanis), el latino de rigor, Francisco (Stephano Di Matteo), la hija de O’Flynn (Kathleen Munroe) y un chico que se agrega al último (Devon Bostick).

En esta película no se siente tanto esa característica “orgánica” de los zombies de Romero. El maquillaje sigue siendo bueno, pero la tecnología digital en algunas escenas es demasiado evidente, al grado que hace lucir ciertas escenas más bien acartonadas y falsas. La trama es cansada, avanza a tropiezos y sin rumbo. En mucho se debe a la total falta de química entre los personajes. Lo peor, es que la mayoría de los personajes son un total cliché, empezando por O’Flynn (el cliché del marino-viejo-lobo-de-mar) y el mismo Seamus (el cliché del marshall autoritario y radical de antiguo western de matiné).

Los zombies se llegan a percibir más como meros adornos en toda la película. No son tan terroríficos ni temibles, como lo que acostumbra ofrecernos Romero. La pequeña parte instalada en Delaware, al inicio, tiene una secuencia buena, intensa y terrorífica, la única que vale la pena. Nuestros protagonistas buscan abordar el barco de O’Flynn, con la amenaza de tener zombies incluso dentro del agua. En la isla, Romero pierde fuerza y la película peligra al centrar todo en el conflicto entre los hermanos. Los zombies lucen tan simples, perdidos en un escenario como sacado del “mundo Marlboro”, que llegan a dar pena. La escena de la chica zombie (no diré su identidad, por supuesto) a caballo, es algo de lo peor (¿Autoparódico? No creo), en lo que puede ser la más floja de las películas de Romero.

++ "Survival of the Dead" fue proyectada en el "Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya" 2009. A la fecha no ha tenido estreno en las salas comerciales de España. 

PREMIOS IMPAWARDS 2010.

"Rabbit Hole", ganador del premio al "Mejor Poster"
en los IMPAWARDS 2010.

Como cada año, doy a conocer los ganadores de los IMPAWARDS (Internet Movie Poster Awards), página especializada en posters de películas. El premio al "Mejor Poster" se lo ha llevado el cartel de "Rabbit Hole", protagonizada por Nicole Kidman y Aaron Eckhart. El poster recurre a la estrategia de fragmentar el espacio, para dar la impresión de un espejo fragmentado. En cada espacio vemos una progresión gradual, que van de imágenes de tristeza hasta que, en la parte media, vemos imágenes emocionalmente más cálidas y románticas. La progresión es igualmente tonal, donde la tristeza es azulada, mientras que la felicidad es de una paleta más cálida. El rostro de Nicole Kidman se forma, en la  mitad del cartel, con otras tres imágenes, pero coinciden para expresar una emoción, digamos, "climática". Es un magnífico poster, con impacto y atractivo visual. Su trabajo tipográfico es sutil y no compite en lo absoluto con el resto del cartel. Sus fuertes competidores -al menos para mi gusto-,  fueron los carteles de "127 Hours" y el de "I'm Still Here", este último con el retrato de un barbado e irreconocible Joaquin Phoenix, con el título de la película con el efecto de estar saliendo de su rostro. 

El resto de los nominados se puede ver aquí.

A continuación, el resto de los premios:

+"Mejor Cartel Teaser (Anticipatorio)": "Harry Potter and the Deathyl Hallows. Part 1" Nominados.
+"El Peor Cartel": "Takers". Nominados.
+"Mejor Poster de un Blockbuster": "Inception". Nominados.
+"El Poster Más Gracioso": "Despicable Me". Nominados. 
+"El Poster Más Valiente": "Buried" (teaser). Nominados.
+"El Poster Más De Miedo": "The Human Centipede". Nominados. 
+"Mejor Serie de Posters de Personajes": "Kick Ass". Nominados. 
+"Tagline Más Gracioso": "I can't see through walls but I can kick your ass", de "Kick Ass". Nominados.
+"Tagline Más Serio": "You don't get to 500 million friends without making a few enemies", de "The Social Network". Nominados.
+"El Peor Tagline": "The truth is not what you know. It's what you believe", de "Ondine". Nominados.
+"Mejor Poster para TV": "House". Nominados.
+"Mejor Poster con Movimiento" (en realidad son anuncios en formato de cartel): "The Other Guys". Nominados.
+"Mejores Posters Internacionales". Ver la selección aquí.
+"Premios No tan Serios". Ver la lista de premiados aquí.

PEANUTS, EL CINE Y LOS MEDIOS

Tira publicada originalmente en marzo de 1964.

El cine es a veces uno de esos placeres culpables que no se pueden evitar. En esta tira, Charlie Brown pasa por un torturante sentimiento de culpa, justo antes de comprar su entrada para el cine. Algunos piensan en qué película verán mientras hacen fila, otros en qué comprarán en la tienda para comer y algunos en qué lugar les gustaría sentarse. Charlie Brown piensa en todo lo que debería estar haciendo, en vez de ir al cine. Al menos ahí estará Linus para tranquilizarlo. 

AN EDUCATION * * * 1/2

Carey Mulligan y Peter Sarsgaard en "An Education".

En el estreno de An Education (2008), mucho se comentó que Carey Mulligan era una especie de nueva Audrey Hepburn. La época en la que está ambientada la película, es decir, los 1960, tal vez propiciaron estos comentarios que algunos críticos empezaron a esparcir. Me gustó la actuación de Carey Mulligan en la película, saca adelante su papel con mucho brío y carácter. Aunque tampoco me pareció para una nominación al Oscar por “Mejor Actriz”. De hecho, tal vez fue exagerado nominar a la película en la categoría de “Mejor Película”.

No quiero decir que “An Education” sea una mala película. Al contrario, es un trabajo que vale mucho la pena apreciarse. Su cuadro de actores es atractivo, en especial, Alfred Molina, como el contradictorio, escandaloso y dominante padre de nuestra protagonista, Jenny (Mulligan). Luego, tenemos al misterioso bon vivant David, interpretado, igualmente con suma eficacia, por Peter Sarsgaard, con todo y acento londinense. David hechiza con su encanto y carisma no nada más a Jenny, sino a toda su familia, formada también por su tranquila y sonriente madre (Cara Seymour).

Desde que aparece David, sabemos que hay algo “malo” en él. Jenny lo conoce en un día lluvioso, mientras carga su cello al salir de la escuela. Olvidando el viejo consejo de “nunca hables con extraños”, y menos aceptar subirse a su auto, Jenny accede que David la lleve a su casa. Jenny es una chica preparatoriana, excelente estudiante, de los que siempre están dispuestos a contestar todas las preguntas del maestro. Su mayor sueño –y el de su padre- es ir a estudiar inglés en la Universidad de Oxford. Ah, y además viajar a Francia.

Jenny adora el francés, la música francesa y casi todo lo que tenga que ver con Francia. Para ella, París es el lugar más excitante, divertido, vibrante y romántico que exista en el mundo. Jenny anhela dejar atrás la aburrida y gris Inglaterra. En el momento en que Jenny accede subir al auto de David, mientras observa a una madre cruzar la calle con una carreola bajo la torrencial lluvia, su verdadera aventura comenzará.

La aventura romántica de Jenny la llevará a plantearse sus prioridades en la vida, a vivir emociones que nunca había sentido antes. Junto al grupo de amigos de David (Dominic Cooper y Rosamund Pike), Jenny tomará unas cuantas lecciones en lo que David llama la “escuela de la vida”.

An Education está dirigida por la danesa Lone Scherfig, de cuya filmografía nada más conozco “Wilbur wants to kill himself” (2002), un buen melodrama con toques de humor negro. La dirección de Scherfig en An Education es cuidada, solvente y muy correcta. El guión es del británico Nick Hornby (autor de la entretenida “About a Boy”), basado en las memorias de Lynn Barber. Sherfig ofrece un relato sobre la maduración de una chica, que se desvía temporalmente del camino para vivir una experiencia que le abrirá los ojos.

Lo mejor en la actuación de Carey Mulligan es toda la inocencia que transmite sin mucho esfuerzo. La visión de Francia de Jenny es idealizada, como la de una imagen de postal. Una en la que Jenny se ve a sí misma paseando cerca de la torre Eiffel, mirando el río Sena desde la ventana, andar en bicicleta y escuchar jazz.

La experiencia de ver “An Education” es el de una “bomba de tiempo” a punto de explotar. Hay algo “sospechoso” en David, se siente desde el inicio, el tipo es demasiado perfecto. Afortunadamente, esto no hace a la película tan predecible como uno se imaginaría. Lo mejor, es la manera en cómo Schefig nos muestra esa bomba detonar, enfrente de todos. El tercer acto es edificante, y en el mismo las pequeñas pero estupendas actuaciones de Emma Thompson, como la directora del colegio de Jenny, y de Olivia Williams, como su maestra, son decisivas.

++ El DVD y el Blu-ray incluyen escenas eliminadas, comentarios del director (Lone Schertig) y de los actores (Carey Mulligan y Peter Sargaardd), "Así se hizo 'An Education'", El estreno de "An Education": Sobre la alfombra roja.

BRONSON * * * 1/2

Tom Hardy es el desquiciado Michael Peterson en "Bronson".

Por algún medio escuché el comentario de que Bronson (2008) era el “A Clockwork Orange” del nuevo milenio, o algo parecido. Quien asegura esto tal vez se ha dejado llevar por muchas comparaciones sin mucho sentido. Pudo haber sido el uso de la música clásica que hace su realizador, el danés Nicolas Winding Refn, en varias escenas; que su personaje principal, el “Bronson” del título, sobrenombre de Michael Peterson (enérgica interpretación de Tom Hardy), regresa a prisión una y otra vez. “Soy incapaz de permanecer fuera de la cárcel”, confiesa en su narración en off.

La película está basada en la vida de Michael Peterson, quien en 1974 fue a dar a prisión, por primera vez, por haber robado una oficina de correos. Esa sería la primera de tantas reincidencias de Peterson. Como el Alex de “A Clockwork Orange”, Michael Peterson provenía de un núcleo familiar promedio en los suburbios de Londres. Un buen día se descarriló y empezó una vida delictiva que parecía no tener fin. El problema, al menos el mayor de todos , es que “Bronson” no es cualquier presidiario, sino uno en extremo violento y difícil, al grado que se le tiene que encerrar en una jaula y aislarlo. Es como una bestia sin control.

Al salir de prisión, Michael entra al mundo de las peleas callejeras. Por consejo de su “manager”, toma un nombre artístico, uno “vendible”, “Bronson”. El tipo se enfrenta con todo, incluso dos hombres al mismo tiempo, y a veces, con perros rottweillers. Queda claro que Michael “Bronson” Peterson es una fiera, sin total control de sí mismo, y pasó a la historia como el presidiario más costoso en la historia del Reino Unido. Michael fue considerado un problema social, que el gobierno prefirió echarlo a la calle que seguirlo manteniendo dentro de prisión.

La extravagancia de Winding Refn, es que Michael nos cuenta la historia desde un escenario teatral, como si fuera un comediante y maquillado como un mimo, frente a un público que ocasionalmente le aplaude. Calvo y con su gran bigote, Michael habla directamente a la cámara, sarcásticamente, sobre su vida.

No considero que la película sea exactamente fallida, pero si creo que a Refn le ha faltado un poco de disciplina a la hora de armar la película. Como película, “Bronson” tiende al caos. Es un filme experimental muy interesante, pero su estudio del personaje se queda a medias. No he logrado entender del todo a Michael como personaje, de dónde proviene tanta ira y violencia, y es porque Refn no le brinda esa oportunidad.

Hay un momento en que Bronson inicia un taller de arte, a manera de terapia. Parece que en ese momento empezaremos a compenetrar más en él como personaje. Incluso, la secuencia animada es lograda, con música de Léo Delibes de fondo. Desafortunadamente, no es suficiente, acaba muy pronto y nuevamente vemos a Bronson como un toro desbocado. Creo que el problema principal, es que Refn prefiere quedarse más en los desplantes de locura de Bronson, que en otra cosa.

Por su parte, la actuación de Tom “Inception” Hardy es poderosa, sencillamente fenomenal, de sus mejores trabajos. Su transformación física incluyó un fuerte entrenamiento y ejercicio en el gimnasio. Visualmente, la película tiene muchos momentos atractivos, no nada más por los fotomontajes sino por la atmosférica iluminación, lograda por el director de fotografía Larry Smith.

++ "Bronson" fue proyectada en el "Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya" en 2009. A la fecha no ha tenido estreno comercial en las salas españolas, ni ha sido editada en DVD.