SE, JIE * * * *

A pesar de la controversia por su contenido erótico, Lust, Caution (2007) es una buena película de espionaje, de un director que lo ha hecho todo... o casi.

Detrás de Se, jie (Lust, Caution, su título en inglés) existió una gran controversia debido a sus escenas de alto contenido erótico. En China, país natal de Ang Lee, su realizador, la película se exhibió con una versión censurada, en la que se cortaron cerca de 10 minutos de metraje, debido a lo explícito de sus escenas sexuales. Esta versión fue seguramente la que vi en DVD (de aproximadamente 148 minutos de duración), aunque no creo que esas escenas recortadas aporten mucho al resultado final. Sin embargo, debo decir que dichas escenas están elegantemente filmadas y fotografiadas por el mexicano Rodrigo Prieto.

Inquieto como siempre, Lee experimenta ahora con el subgénero de las películas de espionaje, y sale bien librado, como siempre (por cierto, a mí me gustó su Hulk). Ambientada en China durante la Segunda Guerra Mundial, invadida por el ejército japonés, la película es un relato contado a través de un largo flash back, que cuenta, en esencia, las aventuras de una chica, Wong Chia Chi (Wei Tang), al unirse a un grupo revolucionario. Este grupo conforma una resistencia contra los colaboracionistas del país invasor.

Nunca quedan muy claras las razones de Wong para haber tomado la decisión de unirse al grupo. No se nota muy patriota al inicio, tampoco muy atraída por el líder moral del grupo, Kuang Yu Min (Lee-Hom Wuang). Conforme veía la transformación de Wong, de una humilde estudiante en Shangai a una espía encubierta, llegué a la conclusión de que, simplemente, haya sido su gusto por la aventura y las emociones fuertes. Wong adoptará la personalidad de una elegante dama de sociedad, aficionada a jugar mahjong, algo parecido a un dominó chino.

¿La misión de Wong? Ayudar a liquidar a un importante jefe de la policia, Mr. Yee (Tony Leung, estupendo), un rígido, seco, y, como el título del filme en inglés indica, cauteloso tipo, que colabora para el gobierno de Japón. No es difícil adivinar lo que irá sucediendo conforme Wong se involucre, cual Matahari china, cada vez más en el círculo de amigas de la esposa de Yee, que se reúnen siempre a jugar mahjong y, por ende, con el mismo Yee.

Pero lo mejor dentro de este melodrama romántico-erótico, a pesar de que a Wong, como personaje, siento que le ha faltado más estructura y definición, es la manera de Lee para contar la historia, además de una sólida producción de época (vestuario y ambientación magníficos) y un reparto sólido. Tony Leung acaba robándose la película.

El par de escenas finales me dejaron intrigado, al no saber con exactitud el verdadero destino de Wong. Al final, hay un par de líneas que dice Yee a su esposa, que hacen que uno conjeture varias conclusiones. Por supuesto, dejo al lector la tarea de ver la película y sacar sus propias conclusiones.

++ Disponible en un modesto DVD, con extras como los documentales "Piezas de decepción" y "Sentimientos escabrosos".

EL CARTEL

FROZEN RIVER * * * 1/2

Es uno de los estrenos de la semana, por lo que vale la pena comentar el cartel de Frozen River. El tema del “río congelado”, se extiende al cartel de una forma original, al dividir el formato en varias partes usando, precisamente, un río congelado, visto desde arriba. El río se utiliza para colocar la información escrita. Sobre uno de ellos está colocado el título, en la parte de arriba, y en el de abajo los créditos. El cartel estuvo a punto de caer en la saturación de textos, con los premios colocados en la parte izquierda y los quotes arriba. Aún así, es un trabajo que vale la pena mirarse. Su idea de transmitir un ambiente frío está conseguido, primero, por la amplia paleta azulada que se utilizó, y segundo, por el retrato de la actriz Melissa Leo. El retrato está colocado en medio de un escenario invernal, helado, retocado con efectos de luz difusa para acentuar más la sensación del clima frío. Es un cartel, en resumen, visualmente rico en texturas (las partes con textura de hielo y nieve), efectos digitales y tonos azules, que al verlo nos lleva a ese lugar recóndito en el que se ambienta la película.

GAMER * * *

De lejos, el cartel de Gamer es lo más atractivo esta semana en cuanto a carteles se refiere. Conformado por el retrato de Gerard Butler en blanco y negro, el cartel es un revelador (en más de un sentido) fotomontaje, realizado con técnicas digitales. La idea es fragmentar este retrato principal, en forma de cuadros que intentan representar unos píxeles (en referencia al tema de los videojuegos y los mundos virtuales), para descubrir otro rostro debajo. Este último retrato es a color, al parecer, la imagen de un chico, simbolizando de alguna manera la relación que tienen en la historia. El efecto, a primera vista, es impresionante, a pesar de su sencillez al estar formado tan sólo por dos imágenes, retocado digitalmente con efectos de luz y sombra, que hacen que luzcan bien acopladas ambas imágenes. El tagline es pequeño, pero ayuda a informar sobre la temática de la película: “Who’s playing you?”, ubicado debajo del título, que tiene un diseño tipográfico interesante, en especial, por ese efecto "digital" y de píxel, al estar fragmentado por la mitad.

FROZEN RIVER * * * 1/2

Seco y frío (en varios sentidos) melodrama familiar, Frozen River (2008) exhibe los prejuicios sociales y raciales de un singular escenario.

Frozen River (2008) es una sencilla pero digna película independiente, que incluye un conjunto de buenos actores no profesionales. La única actriz profesional en su reparto es su protagonista, Melissa Leo, que ha ofrecido pequeñas pero buenas actuaciones en The Three Burials of Melquíades Estrada y en 21 Grams.

El escenario es, de hecho, bastante inusual, justo en la frontera de Nueva York con Canadá. En este melodrama social, debut en la dirección de Courtney Hunt, el escenario es uno enteramente cubierto de nieve, con un río congelado que está siendo utilizado como “puente” para traficar inmigrantes ilegales. En medio, se encuentra una comuna de indios Mohawk, una pequeña población blanca y una familia con problemas económicos. La historia cuenta las medidas desesperadas que toma una madre, Ray (sorprendente Melissa Leo), con deudas hasta el cuello, para evitar que, por ejemplo, ella y sus hijos pierdan una enorme televisión, un lujo, de lejos, absurdo en circunstancias tan críticas.

La trama es un sincero compendio sobre las contradictorias leyes que rigen este frío universo. No se nos invita a tratar de entender los códigos de conducta de los Mohawk, donde el delito de tráfico de inmigrantes no es castigado por la ley. Tal cosa lleva a una joven mujer Mohawk, Misty (Lila Littlewolf, estupenda), que vive en una vieja casa rodante, a vivir del tráfico de personas e invitar a la desesperada Ray a ganar dinero fácil con este negocio.

Por ello, Frozen River es una lograda metáfora sobre los prejuicios raciales, en donde todo indio Mohawk dentro de un auto es sospechoso de ser traficante y detenido por la policia, a menos, claro, que venga acompañado de un blanco. O detalles como el hecho de que un mismo inmigrante puede estar involucrado dentro de la misma red de tráfico de ilegales. Como sea, los temas están ahí, expuestos con un digno realismo por la realizadora, aunque exhibir la profundidad y complejidad de estos queda, al final, fuera del alcance de lo que pretende el filme. Ganadora en Sundance del Premio del Jurado a la Mejor Directora, y nominada al Oscar a Mejor Guión y Mejor Actriz, Frozen River es un duro y redentor melodrama familiar, protagonizado por personajes que, de todas formas, logran exhibir un sensible toque humano.

+Lo mejor: Su par de actrices protagónicas. Lila Littlewolf es toda una revelación.

+Lo peor: Cierto tono solemne (en especial, hacia el final), que le da a su trama una sequedad algo insoportable.

-Frozen River se exhibió en el Festival de San Sebastián, en donde Courtney Hunt estuvo nominada a la Concha de Oro. Además, la película ganó el premio SIGNIS, su protagonista, Melissa Leo, se llevó la Concha de Plata y la realizadora el premio TVE "Otra Mirada".

QUOTES

¡Oh, por Dios! ¡No es más que un puro tecnicismo!

Esta semana, la sección de "Quotes" tendrá un pequeño giro. En esta ocasión, presentaré algunos "quotes" del mundo del cine equivocados o erróneamente atribuídos.

"Play it again, Sam". Contrario a lo que muchos creen, Humphrey Bogart nunca dijo esta frase en "Casablanca". Lo que dijo fue "Play it once, Sam, for old times' sake." "Play it again, Sam" es el título de la obra teatral de Woody Allen.

"Beam me up, Scotty". Esta frase no apareció en ningún episodio de Star Trek.

"Elementary, my dear Watson". Como ya lo he mencionado en la sección de "Sabias que...", Sherlock Holmes nunca dijo esta frase en los libros originales de Sir. Arthur Conan Doyle.

"Me Tarzan, you Jane". Esta frase tampoco apareció en los libros originales de Tarzan o las películas. Los dos personajes simplemente se señalan diciendo "Tarzan, Jane".

"You dirty rat!" James Cagney nunca dijo esto en ninguna de sus películas.

"En el futuro todos seremos famosos por 15 minutos". Andy Warhol no dijo exactamente así, más bien lo que dijo fue: "En el futuro no habrá más estrellas. La televisión será tan accesible que todos serán una estrella por 15 minutos."

EL CARTEL...CLÁSICO

La fuerza del cartel de Serpico (1973), no radica nada más en su psicodélica propuesta cromática, sino en la elección del retrato de Al Pacino, que refleja seguridad y vulnerabilidad al mismo tiempo.

Diener-Hauser tenía una gran sensibilidad para el color y sabía utilizarlo de una forma muy creativa. Responsable de carteles como el de China Town, Hauser eligió para el cartel de Serpico, de Sidney Lumet, una técnica muy warholiana de colorear por capas un retrato. En este caso, el rostro de Al Pacino está cubierto con cuatro colores: verde, azul, amarillo y blanco, en varias tonalidades cada uno, lo que le da una cualidad psicodélica. Para 1973, año de producción del filme, parecía olvidado este estilo por los artistas gráficos.

La inspiración más directa son los retratos de The Beatles realizados por Richard Avedon en 1967, unas obras maestras del arte gráfico psicodélico. Si bien las pretenciones artísticas de Hauser no llegan a tal grado en este cartel, sí resulta una pieza atraciva en todo su conjunto, en especial, por ser una idea original e inusual para el cartel de un thriller policiaco.

De todas formas, es un cartel arriesgado. No intenta promocionar o vender un thriller policiaco. No hay ningún elemento visual que nos indique que se trate de una película de este tipo, a excepción del tagline “Many of his fellow officers considered him the most dangerous man alive – a honest cop”. Quizás la clave para entender bien la propuesta de Hauser, sea esta última frase, “a honest cop”, un "policia honesto".

El dilema al que se enfrenta Serpico en la película es: enfrentar a la corrupción policiaca. En ese sentido, el retrato de Pacino elegido para el cartel es magnífico. No nada más por la posición y ángulo del rostro, sino por la expresión de fuerza y extrema seguridad que presenta. No es tanto un policia lo que vemos, sino un ciudadano común, quien en un momento de la película deja su uniforme para entrar a juicio.

Los colores juegan un papel simbólico muy importante. El retrato luce más impactante con estos colores, y denotan aspectos psicológicos de suma intensidad, en especial, ese color amarillo dominante. El color amarillo nos habla de un personaje en estado de alerta, de emergencia, pero también de inestabilidad emocional. Intentan reflejar el momento en que la vida de Serpico da un vuelco. El sistema en el que creía se ha caído y sus ideales se ven amenazados.

Tenemos aquí el clásico marco blanco, visto en tantos carteles de cine de los 1970. Un margen creado por el mismo fondo de color sólido (negro en este caso), y que sirve siempre de soporte para la información escrita, diseñada con una tipografía clara y de marcadas líneas curvas.

Y...¿CÓMO LE PONEMOS?

¿De qué te ries?

Si bien no es una semana de escasos estrenos, la mayoría de las películas han quedado con buenos títulos. Comentaré tan sólo un par de títulos, dos casos clásicos de discusión en esta sección, es decir, una película sin título en español y una comedia con título discutible.

En primer lugar, tenemos Gamer, thriller ambientado en el futuro y protagonizado por Gerard Butler, que se ha quedado sin título en español. "El Jugador", que es la traducción del título original, hubiera quedado bien como título para una película de estas características. Como es una historia en el que hay juegos de vídeo, ciencia ficción y personas atrapadas en sus redes cibernéticas, y además, como en este universo electrónico (del cual me declaro ignorante) abundan los anglicismos, la distribuidora quizás pensó que sería un buen gancho comercial dejarlo en inglés. ¿Funcionará? Tal vez para los aficionados a los videojuegos nada más. Grecia y Francia decidieron seguir la misma estrategia, el primero con el mismo título, Gamer, y el segundo, con el título en inglés “Ultimate Game”. A ver cómo les va.

Luego tenemos Funny People, la nueva comedia de Judd Apatow, protagonizada por Adam Sandler, que ha quedado en español como “Hazme Reir”. Creo que cuando hay un verbo de por medio en un título, la forma en la que está conjugado influye mucho en el resultado final. En Run Lola Run, que en español se titula “Corre Lola Corre”, el verbo suena magnífico. Pero en el caso de “Hazme Reir”, suena soso, sin gracia. “Gente Graciosa” o “Gente Divertida", la traducción exacta, no hubiera sido una buena adaptación. Algo como “Los Graciosos", por ejemplo, hubiera funcionado. Como sea, aquí van ejemplos de títulos de otros países.

Приколисты - Rusia
Gente Gira - Portugal
Oi komikoi - Grecia
Wie das Leben so spielt - Alemania

Terminamos, como de costumbre, con los buenos títulos de esta semana. La nueva película de Isabel Coixet, Map of the Sounds of Tokyo, ha quedado bien como “Mapa de los Sonidos de Tokio”, en tanto con Frozen River se utilizaron tanto el título en inglés como la traducción al español “Río Helado”. Por último, la producción francesa “Cliente”, ha quedado bien como “La Clienta”.

SHREK THE THIRD * * *

Aunque entretenida y con personajes nuevos, Shrek The Third (2007) ya exhibe signos de desgaste en su fórmula de parodiar cuentos infantiles y... todo lo posiblemente parodiable.

Shrek the Third (2007), es la inevitable tercera película de las aventuras del ogro verde, que en 2001 causara sensación al debutar con su original propuesta de parodiar los cuentos clásicos infantiles. Dicen las malas lenguas, que Jeffrey Katzenberg, ex presidente de la casa Dreamworks, quiso producir esta clase de parodia como una especie de burla contra la Disney, por haberlo despedido luego de tantos años de trabajo en dicha empresa.

Quedó lejos el éxito de la primera película, que originaría una segunda parte (2004), que si bien no igualó a su predecesora en calidad, se lograba salvar en comicidad por las referencias paródicas a películas famosas. Además, engrosaba la fila de personajes con el Gato con Botas (voz de Antonio Banderas, tanto en versión en inglés como en español), ahora compañero inseparable de Shrek (voz de Mike Miers) y “Burro” (voz de Eddie Murphy).

Esta tercera película no es del todo mala. Hay mucha comicidad y bastantes gags logrados, unos verbales a cargo de Burro y el Gato con Botas. Sin embargo, la fórmula ya se siente desgastada y no tan atractiva como al principio. Hay algunos detalles novedosos, como los inverosímiles hijos burritos-dragones de Burro, o la inclusión de algunos personajes nuevos, como el joven rey Arturo (voz de Justin Timberlake), un hippioso Mago Merlín (voz del ex Monty Python Eric Idle) o Blanca Nieves, Cenicienta y la Bella Durmiente, convertidas en una versión medieval de Charlie’s Angels.

El rey del “Reino Muy, Muy Lejano” ha muerto. Además de ser presionado por Fiona (voz de Cameron Diaz) para que le de unos ogritos, Shrek no querrá ocupar el trono, e irá en búsqueda del primo de ésta, el Rey Arturo. En tanto, el príncipe Encantador (voz de Ruppert Everett), formará una rebelión junto a los más famosos villanos de los cuentos, para atacar el Reino y usurpar el trono.

La realización (ahora sin la habitual dirección de Andrew Adamson y colaboradores) está a cargo de Chris Miller y Raman Hui, sin nada del otro mundo más que el saber mantener un buen ritmo cómico, que en ningún momento decae. Esta tercera entrega de Shrek, no voy a negarlo, es entretenida y mejor que la segunda película, en especial, si se disfruta del humor escatológico. El problema es lo derivativa que se siente, al volver a los mismos escenarios, y sin muchos cambios de por medio, haciendo que todo el asunto no se sienta tanto como una tercera parte, sino como el “siguiente capítulo” de una serie televisiva.

++Todavía hay Shrek para rato, ya que la cuarta película estará lista en 2010.

RESERVOIR DOGS * * * * 1/2

En Reservoir Dogs (1992), Quentin Tarantino sentó las bases de un nuevo cine de gángsters, uno de historias entrecruzadas, final revelador y violencia sangrienta.

Muchos consideran que es la obra tarantinesca por excelencia, que luego de ver sus últimas películas jamás volverá a repetir un trabajo de este calibre. Aunque para mi gusto Pulp Fiction es la obra maestra de Quentin Tarantino, sin Reservoir Dogs (1992) aquella no hubiera existido. Fue la que sentó las bases narrativas y estilísticas que dieron forma a Pulp Fiction, que dieron origen a ese nuevo cine de gangsters de historias entrecruzadas, con personajes que tenían relación de una u otra forma.

En Reservoir Dogs los personajes ya dialogaban acalorada y largamente, sobre temas de la cultura pop que, a primera vista, parecían intrascendentes, como en esa vulgar pero absorbente conversación que tiene el grupo de ladrones primerizos sobre Madonna y su canción “Like a Virgin”, en un restaurante. Dicha conversación tomaba caminos insospechados, hasta acabar en una pequeña plática sobre los pros y contras de dar propinas.

La película fascinó en Cannes y en el Festival de Sitges, llevándose en este último los premios a Mejor Director y Mejor Guión. Tarantino presentaba un cine de gangsters que, en realidad se nutría de un bagaje inmenso del antiguo film noir, filmes policiacos y, lo más interesante, del cine de la “Nouvelle Vague” Francesa. Esto último en la manera de editar y contra la historia, en cómo acabamos involucrados con los personajes y sus diálogos.

La película abre con una sangrienta y frenética escena, en la que Mr. Orange (Tim Roth) está desangrándose dentro de un coche, a causa de una herida de bala. Mr. White (Harvey Keitel) es quien conduce, pero es imposible llevarlo a un hospital, ya que acaban de robar una joyería. Es poco lo que conocemos de los personajes al inicio, ni siquiera sabemos sus verdaderos nombres. Cada uno será identificado por un color que el jefe (Lawrence Tierney), quien organiza el robo, les asignará.

Será a lo largo de la narración en la que iremos conociendo más de cada uno de ellos, de la planeación del robo y cómo todo salió mal, debido a que entre ellos se encuentra un infiltrado de la policia. ¿Quién es? También Tarantino lo irá revelando conforme avance la historia.

Otra de las cosas que Tarantino dejó sentado en Reservoir Dogs, es que no sería un cineasta fácil de ver o digerir, debido en especial a la violencia extrema que exhibe en sus películas. Es memorable aquella escena en la que Mr. Blonde (Michael Madsen), el más antisocial y psicopático de todos los miembros del grupo, tortura, rocía de gasolina a un policia y le cercena una oreja, al ritmo de “Stuck in the Middle with You”, de Stealers Wheel.

Aunque si hay algo interesante en Reservoir Dogs, es que dentro de todo este sangriento y violento puzzle narrativo, en el fondo se encuentra un complejo entramado de relaciones y emociones paternofiliales entre los personajes. Esto no nada más en la obvia relación entre el jefe y su hijo, Eddie Cabot (el fallecido Chris Penn, hermano de Sean Penn), sino en la que se va formando entre Mr. White y Mr. Orange. Al ingresar a la banda y gracias a su carisma, Mr. Orange pronto se gana el afecto de Harvey Keitel. Y este cuadro es el que, precisamente, se acaba enfrentando en la escena final, cuando Mr. White proteja, casi hasta el último minuto, al moribundo Mr. Orange.

++Disponible en edición DVD común, Blu-Ray y una especial de dos discos. Esta última contiene Trailer, entrevistas con Quentin Tarantino, Tim Roth, Michael Madsen, Chris Penn y Eddie Bunker, "Reservoir Dolls", entrevistas con Quentin Tarantino, Monte Hellman, Jack Hill, Pam Grier y Roger Corman; tributos y dedicaciones, "Caso del ´92", "Playing It Fast and Loose" apreciación historica, "Guía de Estilo", "Reservoir Dogs 1x1", y mucho, mucho más. Existe una edición de región 1 con estuche metálico con forma de tanque de gasolina.

EL CARTEL

MAP OF THE SOUNDS OF TOKYO * * * *

De los mejor esta semana. El cartel de Map of the Sounds of Tokio está dentro de la más conocida tradición japonesa del diseño de carteles: la menor información escrita posible y un diseño que, a primera vista, transmite armonía y equilibrio. La idea es la abstracción del retrato de una geisha, centrándose usando un extreme close-up, en su ojo cerrado. El par de imágenes que se encuentran en la esquina superior derecha (unas ramas de bambú) y la esquina inferior izquierda (un cuerpo femenino recostado), no hacen más que sugerir la idea de ver en el pensamiento lo que se puede escuchar al cerrar los ojos. El maquillaje de la geisha se transforma aquí en un juego de formas cromáticas por demás intersante, y a esto se incluye, con similares fines estéticos, la textura de la piel del párpado y las formas orgánicas de las pestañas. El mérito estético del cartel, es que requiere observarlo por unos segundos para darnos cuenta que no estamos ante una pintura o una ilustración, sino ante la fotografía de un ojo cerrado. Y el maquillaje juega un papel importante al “disfrazar” el ojo. Lo menos destacable del cartel es su tipografía, que se nota muy común y corriente, quizás la menos apropiada para un cartel que, en cuanto a su imagen, resulta magnífico.

GLORY TO THE FILMMAKER * * * * *

Siguiendo con el tema “Japón”, otro cartel destacable es el de “Glory to the Filmmaker”, una excéntrica y muy kitsh propuesta, ad hoc a la personalidad cinematográfica de Takeshi "Beat" Kitano, su realizador. Este es uno de esos carteles que te lleva tiempo observar, y en el que te dejas sumergir en sus detalles. En su elaborado fotomontaje, tiene como centro un retrato del mismo Kitano, rodeado de imágenes de otros personajes y escenas de la película. El cartel transmite una sensación de caótico orden, en donde, dentro de una gran variedad de detalles e imágenes, todo se siente en su lugar justo en la composición. En su combinación de espectacularidad, surrealismo y, en especial, estética retro (recuerda mucho a carteles realizados en los 1960 y 1970), el cartel cumple, con todo y ser una pieza con valores artísticos, su cometido de ser sumamente atractivo comercialmente hablando. Es difícil que pase desapercibido, hasta para el observador más indiferente.

CASE 39 * * *

A primera vista, no parece muy original, pero lo que me gusta del cartel de Case 39 es su inquietante tratamiento visual. Me parece un gran acierto revelar nada más una parte del rostro de Renee Zellweger, entreabriendo una puerta hacia lo que parece un cuarto obscuro. En palabras, la imagen tiene el apoyo de un efectivo tagline “Some cases should never be opened”. Es un cartel que de inmediato te comunica la idea de una película de suspenso. Su punto de vista frontal, es otra de los aspectos notables, que nos enfrenta como observadores al personaje abriendo la puerta. Parece que estamos en esa misma habitación obscura, y que algo se nos revelará pronto. Gracias a ese efecto de luz barrida y borrosa en la parte de arriba, parece que somos nosotros los que hemos estado encerrados en esa habitación obscura y que la luz nos lastima los ojos. Da la impresión de ser una imagen simple, pero tiene un elaborado trabajo de retoque y montaje, incluso con una profundidad de campo, entre el rostro nítido y la mano borrosa. Un buen cartel.

SHORTS * * 1/2

Por último, el cartel de una película infantil. No sé si en realidad sea una película fallida, pero el cartel teaser de Shorts me gustó mucho más que el cartel del estreno. Es un fotomontaje atractivo y con colores que llaman la atención de los observadores infantiles (verdes, purpuras y el naranja del título), incluído ese “fantástico” destello detrás de los personajes. Su punto de vista inestable y el efecto de ver a los personajes como a través de un lente “ojo de pez”, es otro aspecto rescatable, que le imprime mucho movimiento y dinamismo a todo el conjunto. El arcoiris que rodea a los personajes, sirve por igual como base para la composición de las imágenes de los personajes. Su único pero, es que, como casi en todas los carteles de películas infantiles y familiares, la idea principal no es más que la de agrupar lo mejor posible a todos los personajes de la película.

EL CARTEL...CLÁSICO

El cartel de Mon Oncle (1958), clásico de la cinematografía francesa, es una estilizada y conmovedora ilustración, que sugiere eficazmente la personalidad silente de Jacques Tati.

Si hay un cartel de una película de Jacques Tati que me guste más, es el de Mon Oncle, una comedia en la que Monsieur Hulot, personaje emblemático de Tati, padecía con los lujos tecnológicos de la vida moderna y acomodada de finales de los 1950. Lo que llama la atención, es que nada de eso está reflejado en el cartel, sino una estilizada y conmovedora ilustración, que transmite eficazmente la relación entre el tío del título y su sobrino.

El cartel recuerda mucho a la portada de algún libro infantil. Su ilustración tiene ese diseño que abundaba en los libros escolares de aquella época. Su idea es, precisamente, la de anunciar una película familiar. Su economía de líneas y su trazado firme, lo hacen un cartel agradable de ver, fácil de leer y, lo principal, atrayente incluso para los niños. Esto último gracias al dominante color rojo del fondo. He podido ver varias muestras de este mismo cartel, en donde este color de fondo llega a verse naranja. Pero hojeando un libro de carteles de cine, pude comprobar que el cartel que presento aquí, tiene el color más cercano al original. Gracias a este color rojo, el cartel se queda en tu memoria sin muchos problemas.

La delicadeza y minimalismo en el trazado de sus figuras principales, se extiende también a su propuesta cromática. Apenas y unos sombras sugeridas dentro de los personajes, toques de verde en los calcetines del tío Hulot y en la maleta del niño, hacen que el conjunto se vea equilibrado al ser colores complementarios. Lo mejor de su concepto, es el simbolismo de unión que denotan las dos figuras. Ambas figuras parecen unidas y formar un solo conjunto, lo que sugiere la relación que tienen en la película. Esa sombra negra que delinea a los personajes, sirve también para enfatizar esa unión familiar. El perro, ubicado del lado derecho, curiosamente, no es color blanco sino negro.

Es un cartel económico también en su tipografía e información escrita. Ese aire infantil se extiende a la tipografía del título, que parece como escrita a mano, que refleja una sensación visualmente accesible al espectador. Es un cartel con un aire “silente”, tal y como lo es Monsieur Hulot. Los créditos quedan abajo, del lado del perro, en color negro, legibles y de un tamaño adecuado, que no roba protagonismo al resto de los elementos.

QUOTES

"Chicos, la Rowling no lo sabe, pero tengo unos enanitos escondidos detrás de los arbustos, listos para salir a mi señal."

"Dillinger vivió en un infierno durante prisión, alejado del mundo cromático. Tuvo que aprender sobre su mundo contemporáneo a través de las películas. Usaba esas líneas, a veces cursis, que aprendía de las películas. Rodamos en el lugar real donde Dillinger cayó muerto, afuera del cine. De hecho, Johnny Depp mira hacia el muro de ladrillos que Dillinger también observó." Michael Mann, sobre Public Enemies.

"Sí, enanitos, sólo cómo extras. Los quería agregar en una escena del Gran Salón. Estarían tocando un gran órgano y saltando en el teclado. J.K. Rowling me lo negó, porque decía que los enanitos no existían en este universo. Ella es tan elocuente sobre su universo, que te llegas a sentir realmente estúpido." Alfonso Cuarón, sobre la realización de Harry Potter and the Prisoner of Azkaban.

"Todos saben que Luis Buñuel existió, pero saben poca cosa. La gente conoce sus películas, pero no lo conocen a él." Juan Luis Buñuel, sobre su padre, Luis Buñuel.

"Una película puede ser buena o mala, pero nunca la puedes hacer si va en contra de tu consciencia", Luis Buñuel, en una entrevista que se puede ver en el documental "El Último Guión".

"¿Qué es lo que más odio de este negocio?...¡Esto!" Paul Newman, durante una conferencia de prensa.

Y...¿CÓMO LE PONEMOS?

"¡Woooowwww! Apuesto a que Richard Gere no tuvo esta clase de privilegios."

Empezamos esta semana con un caso bizarro, que no por ello deja de ser interesante: una comedia norteamericana, a la que se le ha puesto no un título en español, sino en inglés. Se trata de Spread, protagonizada por Ashton Kutcher, a la que se le ha puesto el título (nada original por cierto), de "American Playboy". La película trata de un tipo que busca acostarse con adineradas mujeres maduras, para así llevar una vida llena de lujos. El “muy inspirado” título español, con seguridad ha tomado como principal referencia American Gigolo, de Paul Schrader. Spread, como palabra, podría tener muchos sentidos, por ejemplo, la manera en cómo su personaje principal, Nikki, va “expandiendo” su lista de conquistas, hasta formar una “bola de nieve” incontenible, que pronto le dará un golpe emocional. También, como su cartel lo sugiere, puede dar a entender, físicamente, la posición extendida, cómoda y relajada del tipo, de una vida sin preocupaciones y lujos. Es un título interesante, de esos que invita un poco a la reflexión. En muchos países de Europa se tituló "L.A. Gigolo", mientra"s que en Francia creo que tenemos el peor título, "Toy Boy".

Seguimos con otra comedia, He’s just not that into you, protagonizada por un ecléctico reparto, que incluye a la bellísima Jennifer Connelly y a otra Jennifer, no menos guapa, de apellido Aniston. En España se ha titulado fallída y confúsamente “Qué les pasa a los hombres”. ¿Es una pregunta? ¿Una afirmación? Quiero imaginar que es una pregunta, pero la verdad, no está bien definido. La traducción exacta suena mucho mejor como título, “No le gustas tanto” o “A él no le gustas tanto” (de hecho, este fue el titulo usado en México). Es verdad que eso de “Qué les pasa a los hombres”, es el dilema de la protagonista, quien busca a su hombre perfecto, pero yo me quedo con una traducción más directa. Suena más simpático. Si los distribuidores realmente quisieron usar un título así, yo lo hubiera usado de otra forma, como “Lo que sucede con los hombres” o algo así. A continuación, algunos ejemplos de otros títulos:

Simplemente no te quiere - Argentina y Perú
Aplos den se goustarei – Grecia
Az tak moc te nezere – República Checa
Ce que pensent les hommes - Francia
Despre barbati si nu numai - Rumania
Dumpa honom! – Suecia
Ele Não Está Assim Tão Interessado - Portugal
Ele Não Esta Tão a Fim De Você - Brasil
Er steht einfach nicht auf Dich! – Alemania
Erkekler Ne Söyler Kadinlar Ne Anlar – Turquía
Han er bare ikke vild med dig – Dinamarca
Han er faktisk ikke interessert – Noruega
Jätä se! - Finlandia
Kobiety pragna bardziej - Polonia
La verità è che non gli piaci abbastanza - Italia
Laisse tomber, il te mérite pas! - Canadá
Nem kellesz eléggé - Hungría
Njemu bas i nije stalo – Croacia
Ta pole sinust eriti huvitatud - Estonia

Vamos con otra comedia, en este caso infantil y de corte fantástica, Shorts, la más reciente y, aparentemente, fallida película de Robert Rodríguez. En España se titulará “Shorts-La Piedra Mágica”. Aunque está de más el "Shorts", no está del todo mal el título en español. Comprensiblemente, es mucho más comercial que titularla “Cortos”, como sería la traducción del título original. Muchos países, como México, optaron por titularla también “La Piedra Mágica”. Su título original se refiere, precisamente, a que la película está estructurada en forma de relatos “cortos”, que tienen en común a la famosa “piedra mágica”. Aunque, buscando otros sentidos al título, también puede referirse a los niños “bajitos”, que sufren los maltratos y abusos de chicos mayores, como sucede con el personaje principal de la película.

Esta semana es de comedias, y seguimos con una titulada pésimamente, Motherhood, protagonizada por Uma Thurman. Por lo visto, tenemos aquí otra película perteneciente al subgénero de las comedias “de apuros”, porque en España, en un “derroche” de originalidad y creatividad, su distribuidora decidió titularla “Una Mamá en Apuros”. Con esto, puedo concluir que al mencionado subgénero de la comedia “de apuros”, debe modificársele el nombre a comedias “de mujeres en apuros”. ¿Por qué las mujeres están más en “apuros” que los hombres? ¿Son más graciosas las mujeres en apuros? Entiendo que es un riesgo comercial titularla “Maternidad”, pero yo lo tomaría, ya que si bien suena muy serio el término, seria interesante ver el contraste entre un título así y una trama cómica en países de habla hispana. En Italia se tituló “Il bello di essere mamma”, es decir, “Lo bello de ser mamá”. Podría funcionar, al menos es mejor que “Mamá en apuros”.

Terminamos con los títulos menos conflictivos de esta semana, que, por increíble que parezca, los hay. La nueva película de la directora catalana Isabel Coixet, Map of the Sounds of Tokio, ha quedado como “Mapa de los Sonidos de Tokio”, mientras Case 39, se ha titulado aceptablemente “Expediente 39”. La comedia Year One, con Jack Black, ha quedado titulada “Año Uno”, en tanto, la nueva película de Takeshi Kitano, Kantoku-Banzai!, ha quedado con el título internacional en inglés, “Glory to the Filmmaker!”. Es verdad que pudo haber quedado como “¡Gloria al Director!”, pero créame, pudo haber sido peor.

G.I. JOE: THE RISE OF COBRA * *

Una ruidosa pirotecnia visual, mediocres efectos especiales y un guión basado en monótonos flashbacks, son algunas de las características de "G.I. Joe: The Rise of Cobra".

Nunca tuve un juguete o algún muñeco de G.I. Joe. Nunca llamaron mi atención. Lo que sí pude ver algunas veces, fueron algunos episodios de la serie animada en los 1980, y debo confesar que era algo entretenida. Apenas y puedo recordar que el nombre del villano era Cobra y nada más. Viendo ahora la primera adaptación al cine de esta línea de juguetes, creada por Hasbro en los 1960, debo confesar que lo único que consiguió esta pésima película, fue hacerme recordar lo mejor que era la serie animada.

Aunque me declaro un ignorante del universo G.I. Joe, creo que estos juguetes merecían una mejor adaptación al cine. Una adaptación con efectos especiales más creíbles y mejor acabado, y lo principal, un guión que no pareciera la fantasia mariguana de un adolescente fanático de los juguetes.

Sinceramente, G.I. Joe no es una decepción del calibre de The Spirit. Después de todo, uno entra al cine sabiendo a lo que se enfrenta: una estúpida película veraniega, plagada de situaciones inverosímiles, ruidosas escenas de acción donde todo acaba destruido y casi todos muertos (la larga secuencia de persecución en París, por ejemplo), y con un reparto femenino despampanante, físicamente hablando.

Estamos en un universo con mujeres militares hermosas, en el que incluso la rubia y escotada secretaria de un comandante (Dennis Quaid), luce más como una top model que otra cosa. O también, en el que la más bella de todas (al menos para mi gusto), Rachel Nichols, en un momento muy crítico durante el clímax del filme, de pronto saca a relucir un poco creíble conocimiento de la lengua gaélica. Además, Stephen Sommers, realizador de la película, quien ha metido a la mitad del reparto principal de The Mummy (que también dirigió) en forma de cameos inútiles de Brendan Fraser y Arnold Vosloo, nos querrá hacer creer el forzoso y predecible enamoramiento de Shana Scarlett (Rachel Nichols) con el personaje que interpreta Marlon Wayans.

Apenas y vale la pena hablar de la trama, tan esquemática como sus mismos personajes. Ya mencioné a Cobra (Grégory Fitoussi), el villano en cuestión, que tiene intención de apoderarse del mundo. Su plan es hacer uso de la nanotecnología, desarrollada por un escocés (Christoher ”Doctor Who” Eccleston), que consiste en millones y millones de micro robots, altamente destructivos, capaces incluso de viajar por el torrente sanguíneo. Incluso, esta tecnología hará que caiga un icono arquitectónico, pero no será esta vez de Estados Unidos.

La película estará llena de esta clase de gadgets, por demás inverosímiles, como unos trajes sofisticados que convierten a los G.I. Joe en una suerte de máquinas, capaces de correr a gran velocidad y saltar grandes distancias, como se puede ver en la persecución de París, la única secuencia por la que vale la pena la entrada.

Hay una secuencia al inicio que parece no tener nada que ver con la trama, que nos remonta al siglo XVI en Escocia, donde un personaje es torturado al colocarle una máscara ardiendo. En realidad, sí tiene que ver con algo, y es con el hecho de que al final tendremos material para una secuela. No creo que esta primera película, armada como un melodrama predecible a base de flashbacks, de aquellos en donde un triángulo emocional está involucrado, sea un buen comienzo.

++Lo mejor: su bello reparto femenino, Christopher Eccleston (a pesar de su criticado acento escocés), ah, y Snake Eyes, el personaje enmascarado (afortunadamente no dice nada en toda la película).

++Lo peor: Los efectos especiales (el avión de los G.I. Joe parecía de videojuego) y que el final anuncia una secuela.

SABIAS QUE...

(Esta semana, dedico el "Sabias que..." a una de mis series animadas preferidas, "The Simpsons".)

La sala donde se reúnen los guionistas (20 en total) para planear nuevos argumentos y discutir ideas para la serie, simplemente se conoce como "The Room".

Cada episodio tarda aproximadamente 9 meses en producirse, desde la escritura del guión hasta la animación final. El costo de cada episodio es de cerca de 2 millones de dólares.

Matt Groening, creador de los personajes, los dibujó, en 1986, en un pedazo de papel 15 minutos antes de proponer la idea al productor James L. Brooks. Sin saber que era tan sólo un boceto, productores y animadores se quedaron con las imperfecciones en los dibujos. La serie empezó en forma de cortos que se emitían en el programa "The Tracy Ullman Show".

Los nombres de los miembros de la familia son los mismos de la familia de Matt Groening: su padre se llama Homer, su madre Marge y sus hermanas Lisa y Maggie. El nombre de Bart, se le ocurrió cambiando el orden de las letras de "brat", que en español significa niño "malcriado" o "travieso".

La animación final de la serie se hace en Corea del Sur, debido a que así se reducen costos de producción.

Técnicamente (y en lenguaje de artista o diseñador gráfico), los personajes no son color amarillo sino...Pantone 116, RGB/255/216/55. Esta "sutileza" cromática se especifica incluso en los storyboards enviados a Corea.

La única celebridad que ha rehusado a participar en la serie hasta la fecha es el músico y cantante Bruce Springsteen.

Cada episodio está formado por entre 20,000 y 30,000 dibujos.

A Groening se le ocurrió el nombre de Springfield para la ciudad donde viven los Simpson, porque, según él, hay como 121 ciudades en E.U. con ese nombre. Para él, es una buena forma de hacer a los Simpson una familia estadounidense "promedio".

La queja más dura que ha recibido el programa por sus ácidas críticas, vino del presidente de Brasil Fernando Enrique Cardoso, por la mala imagen que se hizo del país en el episodio "Blame it on Lisa", cuando la familia completa viaja a Río de Janeiro.

El actor Carlos Revilla (fallecido en el año 2000), fue el director de doblaje de la serie en España, y quien dió voz a Homer. De hecho, Revilla inventó palabras propias de Homer en la versión española como "multiplícate x 0" o "mosquis". La actriz Sara Vivas, es quien da voz a Bart.

El debut de The Simpsons en cine fue el año 2007 con "The Simpsons Movie", en donde se combinaron técnicas digitales con la animación tradicional en 2D.

EL CARTEL (VARIOS)

PUBLIC ENEMIES * * *

Luego de revisar algunos de las carteles más famosos de películas sobre John Dillinger, llega el momento de reseñar brevemente el más reciente, Public Enemies. Me limitaré a revisar el que se usó para el estreno, diseñado por el despacho Cold Open, una neutra y fría propuesta cromática que muestra a Johnny Depp como John Dillinger en primer plano. El retrato está montado sobre una fotografía que muestra una calle, algunos coches y edificios. La idea es hacer una equiparación entre la verticalidad de los edificios y la figura de Dillinger, y darle a este último la misma monumentalidad. El efecto está conseguido, a pesar de no ser un cartel que roce lo magnífico. Lo que me gusta del cartel, es que intenta sostenerse sobre una idea de elegancia y urbanidad, no nada más en este cartel, sino en los de personajes. Curiosamente, los diseñadores se decantaron por una propuesta estática, que no transmite tanto el sentido de urgencia que caracteriza al personaje, a pesar de que la metralleta a la izquierda lo hace ver en estado de alerta. Otro de los aspectos que llama la atención, es el diseño y composición de la tipografía, siguiendo la posición de las piernas de Depp. Me gustó la textura metálica en la tipografía del título, como una referencia simbólica a la personalidad del personaje.

LAND OF THE LOST * * *

Otro cartel con una propuesta sencilla es el de Land of the Lost, con cierta gracia y originalidad, que no se popularizó mucho. El cartel muestra a un tiranosaurio rex simulando que atravieza el papel, y abajo, a Will Ferrel corriendo. Por supuesto, esto no tiene otro propósito que dejar un poco en suspenso al espectador con lo que verá en la película, contrario al cartel teaser, que muestra a Ferrel navegando por un río en una balsa, de nuevo siendo perseguido por el tiranosaurio. Me inclino más por el primer cartel y su estrategia comercial de mostrar a medias al dinosaurio, con el fondo blanco sugiriendo el misterio de lo que contiene la película. A pesar de todo, me agrada también el cartel teaser. Su fotomontaje está estupendamente realizado, y lo mejor es su escenario fantástico, atractivo para un potencial espectador, con esas tres lunas, pterodáctilos volando y mucha neblina. Por último, mencionar el toque retro del diseño tipográfico, similar al de los antiguos carteles de películas de dinosaurios, en la línea de The Mysterious Island y similares.

THE LIFE BEFORE HER EYES * * * 1/2

Lo atractivo del cartel de The Life Before her Eyes, es cierto toque fantástico y delirante que contiene. Su efecto psicológico también tiene un peso importante. La idea principal, es contrastar dos figuras, la de Uma Thurman y la de Evan Rachel Wood, a través de un reflejo en el agua, que las hace ver muy similares. El cartel no deja de transmitir también un aura de misterio, gracias al fondo negro. En ese sentido, también son interesantes los efectos cromáticos en el area de la superficie del agua. A pesar del fondo negro, el agua refleja una cantidad considerable luz. Justo en la parte del título en color azul (The Life), el agua precisamente refleja un color azul, mientras que en la parte blanca (before her eyes), el agua refleja una serie de tonalidades blancas interesante, que se funde con el reflejo del vestido. El fondo negro permite una buena legibilidad en la información, incluyendo los créditos. Me gusta el tagline “Your life can change in an instant, that instant can last forever”.

ONG BAK 2 * * *

Hay varios carteles producidos para Ong Bak 2, y todos ellos están caracterizados por imágenes espectaculares. El cartel más popular es el que muestra al protagonista montado sobre la trompa de un elefante, enfrentándose con un guerrero, vestido de negro y montado en la cabeza del elefante. La composición de la fotografía hace sentir al espectador a la altura de la acción mostrada en el cartel, que tiene lugar en un escenario nocturno y con una batalla en el fondo, que se alcanza a ver en la parte de abajo. El cartel tiene un aire épico discreto, pero impactante. No siempre se muestra en un cartel de cine un punto de vista como este. Lo interesante, además de las elaboradas poses de los personajes, es también cómo el elefante pelea protagonismo visual con estos, todos iluminados por un destello de luz blanca en los bordes. Quizás lo más convencional es su diseño tipográfico, muy estilo Lord of the Rings.