ZELIG * * * * *

Zelig (1983) es uno de los más grandes experimentos fílmicos que Woody Allen ha realizado en su carrera. Si bien no fue el primero en llevar a cabo el ejercicio del falso documental, sí fue el primero en llevarlo a alturas estilísticas insospechadas. Orson Welles lo hizo en su introducción de Citizen Kane (1940), y los monty pythons Eric Idle y Michael Palin lo hicieron también con su falso documental para televisión The Rutles: All You Need is Cash (1978), parodiando la carrera musical de The Beatles.

Lo grandioso de Zelig, es que Allen logra convencernos de que todo lo que estamos viendo en su documental es real. La película le tomó 3 años terminarla, y para su realización tuvo que ver cientos de horas de material de archivo y sintetizarlas en 1 hora y 20 minutos, para narrarnos la asombrosa historia de cómo un hombre común y corriente se convirtió en celebridad de la noche a la mañana, durante los turbulentos años 1920.

Allen toma un caso clínico tan clásico como la “personalidad múltiple”, y lo convierte en una parodia que no conoce descanso. Leonard Zelig (interpretado por el mismo Allen), es un tipo que toma las características físicas y raciales del hombre que tenga junto, sea escocés, un músico negro de jazz, un indio, un obeso, etc. Es un fenómeno que fascina y causa rechazo al mismo tiempo. Su nombre empieza a invadir los principales tabloides, noticiarios de radio y cine; se escriben canciones y surge un baile en su honor (“El baile del Camaleón”), y hasta Al Jonson le dedica una de sus canciones.

Las estrategias de Allen parecen simples, pero son geniales: agregar entrevistas a grandes personalidades e intelectuales, como la crítica Susan Sontag, el psicólogo infantil Bruno Bettelheim, el escritor Irving Howe, etc., que aparecen hablando con solemnidad y seriedad sobre el fenómeno Zelig y las repercusiones que tuvo en los ámbitos sociales y culturales,

El formato es el de un enorme noticiario de cine. El aspecto formal es el más logrado e impresionante. Allen combina material documental real de aquellos tiempos, con otro filmado en el presente, impecablemente ambientado y con una grandiosa edición musical. Merece una ovación el cinefotógrafo Gordon Willis (nominado al Oscar) por su exhaustiva labor de “envejecer” y desgastar esas imágenes para dar con ese efecto antiguo, además de en muchos casos utilizar lentes y cámaras de los 1920.

Al final logramos empatizar con Zelig y su problema psicológico, es decir, la crisis de identidad. Un tipo que, a pesar de codearse con toda la crema y nata de la sociedad, del mundo cultural y político de su tiempo, de estar presente en muchos puntos geográficos, no logra encontrarse a sí mismo. Es infeliz, inseguro e incluso acaba como militante del partido nazi. Gracias a una joven y tímida psiquiatra (Mia Farrow), puede ser que Zelig encuentre una cura a sus males.

++El DVD tan sólo incluye el trailer cinematográfico.

ANOTHER WOMAN * * * 1/2

En Another Woman (1988), Woody Allen fue capaz de ofrecer un sensible melodrama femenino, pequeño pero nunca flojo y siempre interesante. Además, sacrificó de alguna manera a su musa y pareja en aquellos años, Mia Farrow, quien aparece en un papel secundario, para darle el protagónico a Gena Rowlands, convirtiéndola en nuestro principal centro de atención.

No hay más que regocijarse en la manera en que logra introducirnos en la mente y dolor emocional del personaje de la Rowlands, a través de sencillos close-ups. Su torturada y solitaria escritora, está pasando por una profunda crisis existencial. De buenas a primeras decide recluirse en un pequeño apartamento de Nueva York, para sumergirse de lleno en su próximo libro. Sin quererlo, la autora se convierte en la depositaria de todas las confesiones que una joven mujer embarazada (Farrow) le dice a su psicólogo en sus terapias, escuchándolo todo por el ducto de ventilación.

Las confesiones íntimas de la paciente, serán el motor para que Marion, nuestra escritora, traductora y especialista en literatura y filosofía alemana, realice todo un examen de conciencia y se replantee su desencantada vida matrimonial junto a su seco marido (Ian Holm), llevando a cabo episódicos viajes a su pasado.

Por supuesto, con Woody Allen estos viajes al pasado de Marion no serán cualquier cosa. Verá su niñez, su juventud y su pasado más reciente en forma de representaciones teatrales, a través de ilusiones y sueños, en los que alterna unas veces con su otra “yo” joven y otras con su “yo” del presente, usando delicadas transiciones que trazan una fina línea entre ambos tiempos. Se funden y parece no haber diferencia entre ellos. Es uno de esos viajes freudianos al pasado que tanto gustan al realizador neoyorquino.

Gena Rowlands ofrece una magnífica actuación, en todo ese vacío y confusión emocional que logra transmitir, en esa tristeza que lleva atrapada por dentro y no logra dejar salir. Está a punto de romper con esas ataduras y llegar a su liberación, justo cuando se de cuenta que, para la joven de las terapias psicológicas, representa una imagen a la que jamás quisiera llegar.

++El filme fue estrenado en Cataluña el 22 de septiembre de 1989, con el título "Una Altra Dona".
++La edición en DVD es muy austera, con tan sólo el tráiler cinematográfico como extra.

SKY CAPTAIN AND THE WORLD OF TOMORROW * * * *

Gwyneth Paltrow como reportera, con su cámara Leica y elegantemente vestida, luce de lo más guapa como pocas veces. Sky Captain and The World of Tomorrow (2004), es un alucinante filme que constituye todo un homenaje a los seriales de aventuras y films noir de los años 1930 y 1940. Polly (Gwyneth Paltrow) encarna a la emblemática figura de la reportera del crimen, con una imagen entre Katharine Hepburn y Rita Hayworth, enamorada del héroe que tiene como misión salvar al mundo.

Sky Captain tiene los efectos especiales más espectaculares que he visto últimamente, tomando en cuenta que está dirigida por el debutante Kerry Conran. Resulta delirante en cada uno de sus planos, con una marcada referencia a los antiguos seriales, por ejemplo, de Superman, durante la Segunda Guerra Mundial.

Nuestro héroe, el Capitán Sky (Jude Law), cuyo verdadero nombre es Joe Sullivan, es un piloto que forma parte de la Fuerza Áerea de los E.U. El capitán deberá enfrentar la invasión de unos robots gigantes en la ciudad de Nueva York (¿cuál más?), a manos del Dr. Totenkopf, “interpretado” por Lawrence Olivier, apareciendo unos segundos gracias a unas imágenes de archivo de la misma época en que se ambienta el filme, gracias a la magia de los efectos visuales. Totenkopf es un científico berlinés, cuyo plan es secuestrar a varios científicos importantes y ponerlos a su servicio.

Prácticamente todo lo que vemos está fabricado con la tecnología digital del “green screen”, empezando por los escenarios, todos construidos digitalmente. Esto ha permitido dotar a la película de un estilo visual similar al de un film noir, y con un color deslavado para imitar el Technicolor de los años 30. Cada detalle está cuidado minuciosamente, desde una envoltura de chicle hasta los anuncios espectaculares (¡ese anuncio de Coca Cola que esquiva el capitán en su avión!), que le dan a la película un toque nostálgico y una ambientación muy lograda.

El afán nostálgico va más allá, donde cabe un recuerdo al estreno de The Wizard of Oz (1938). Polly observa cómo Dorothy llega al mundo de Oz, justo cuando todo se vuelve de colores, mientras, fuera del cine, empieza el ataque de los robots gigantes.

Aunque el trabajo de Conran (también guionista de la película) es un verdadero espectáculo digital (similar al de la reciente “300”), la presencia del villano acabó siendo demasiado metafórica. Falta el atractivo y carisma que todo villano imprime a este tipo de historias, se hecha de menos la carismática presencia del malvado que siempre termina robándose la película; ese enfrentamiento final entre el malo y los héroes. La conclusión se va más por el camino alegórico, que además de tener que ver con el final de The Wizard of Oz, tiene relación con aspectos bíblicos (el arca de Noe) y ecologistas (el delirio de Totenkopf por no querer acabar con el mundo,... ¡sino de querer salvarlo!).

Angelina Jolie luce una extraña belleza “dominatrix”, como una general del ejercito aliado británico, al mando de un “trasatlántico” que viaja por los cielos, y si bien no hay suficiente chispa romántica entre la pareja protagónica, el gran valor de Sky Captain and.... radica en la manera en cómo rescata por igual la estética del cómic antiguo, con todo y una banda sonora de matices cercanos a las de las películas de aventuras en las matinés de antaño.

++Como podrá imaginarse, la película está disponible en varias ediciones en DVD, desde la austera hasta la edición en HD-DVD. Hay un par de ediciones especiales, una de ellas para coleccionistas, que contiene extras como entrevistas, el "cómo se hizo", "El Mundo de Mañana", "Diseño de El Mundo de Mañana", cortometraje original del director (el corto es estupendo, en blanco y negro y que sirvió para crear la escena inicial de la invasión), escenas eliminadas, tomas falsas, tras la "Animación", Gwyneth Paltrown en Madrid, cuaderno de bitácora, tráiler, álbum especial para coleccionista: postales, póster, pressbook, láminas de producción y el artwork.

PRENDIMI L'ANIMA * * *

“El amor es lo más cercano que existe a una psicosis”, sentenció el famoso
psicoanalista Carl Gustav Jung, fundador precisamente de la “Escuela Junguiana”, siguiendo de cerca los preceptos de su maestro, Sigmund Freud. Prendimi L’Anima (2002), rastrea en torno a la figura de la rusa Sabina Spielrein, la paciente que causó fascinación en Jung, y que siguiendo su pasos cimentó una carrera en el área de la psicología infantil, truncada por la invasión nazi en Rusia.

Sabina Spielrein (interpretada magníficamente por la actriz británica Emilia Fox) era de
origen judío, y luego de su brutal asesinato junto a su hija dentro de una sinagoga, se convirtió en una figura enigmática, ya que su romance con Jung mantiene muchas interrogantes. En una trama paralela, una estudiante francesa (Caroline Ducey) y un historiador inglés (Craig Ferguson), investigan en bibliotecas de Moscú y con gente que haya conocido a Sabina (un anciano que en su niñez fue alumno de ella, por ejemplo), para tratar de llenar los huecos que existen en su trágica historia.

Dirigida por el italiano Roberto Faenza (Sostiene Pereira), el filme es una biopic sobre Sabina Spielrein, mientras Jung (interpretado por Iain Glen) es más una figura secundaria. La película se centra en la perturbada figura de Spielrein, desde su ingreso a la clínica donde trabajaba Jung, cuando sus teorías eran mal vistas por otros colegas. Desde el primer instante, Spielrein se convierte en una obsesión para Jung, así como un perfecto medio para aplicar sus métodos clínicos

La actuación de Emilia Fox es un variado registro de emociones, de estados de ánimo. Dentro de este equilibrio, alcanzado gracias a la afortunada dirección de Faenza, Emilia Fox dota al personaje de Sabina de una verdadera dimensión humana, en balance con la gran inteligencia y talento que poseía.

El tema de la psicología no predomina en el guión, escrito por Gianni Arduini
y Francois Cohen-Séat. Lo que predomina es una historia de amor desgarradora y
enfermiza, con apenas alguna pincelada de las teorías junguianas en su primera parte. Durante la segunda mitad, nos sumergimos en la mente convulsa y frágil de Spielrein.

La pequeña trama de los dos investigadores está bien acoplada con la narración, no se pierde ni se siente inútil, y además le da a la película momentos conmovedores, como cuando el antiguo alumno de Spielrein recuerda la ayuda que le brindó su maestra.

Es pequeña su producción, pero la película es notable en su manera de mostrar, por ejemplo, elementos alusivos a las teorías de Jung, como los famosos “arquetipos” y la fuerte carga que tenían los caballos como seres simbólicos, para explicar diversos procesos mentales del ser humano. Quizás el filme peca de ser demasiado romántico al abordar a estas dos interesantes figuras del universo de la Psicología, pero Faenza rescata dignamente la figura de Spielrein, mostrándola como una mártir de sus propias teorías y estudios.

++ "Prendimi L'anima" no tuvo estreno comercial en España, y tampoco existe editada en DVD.

TRISTANA * * * 1/2

Luis Buñuel retomó Tristana, la gran novela de Benito Pérez Galdós, en una adaptación singular protagonizada nada menos que por su actor fetiche, Fernando Rey (¿quién más?), y por una bella y frágil Catherine Deneuve. El escenario (no podría ser de otra manera) es la provincia campirana de España, y Buñuel lo utiliza para hacer una punzante crítica al puritanismo y conservadurismo pueblerino.

Producida en 1970, en Tristana Fernando Rey hace una interpretación soberbia de Don Lope, el mezquino y dominante viejo “verde” de doble cara, solitario y retrógrado en su moralina. Para aliviar su soledad, Don Lope se lleva a Tristana (Deneuve) a vivir con él al morir la madre de esta. Buñuel, en su narración llena de elipsis y saltos en el tiempo, va dejando de lado datos valiosos sobre los antecedentes de los personajes, para irlos revelando poco a poco. En poco de luz en el obscuro túnel en el que están sumergidos Don Lope, Tristana y su fiel sirvienta, Saturna (Lola Gaos excelente), nada agraciada, pero sensata, precavida y muy sabia en asuntos de la vida, a la hora de aconsejar a Don Lope.

Hay muchos puntos en común entre Tristana y otra gran obra de Buñuel, Viridiana (1961), realizada casi diez años atrás, principalmente por los personajes de Don Lope y Saturna. Sólo que, contrario al Don Jaime de Viridiana, Don Lope ostenta aquí un cinismo más marcado, y el suicidio no será su última salida cuando haga evidente su total deseo y atracción por la bella Tristana.

Tratándose del maestro Buñuel, claro, habrá un poco de surrealismo en las pesadillas de Tristana, también humor irónico y, por momentos, obscuro. Pero ante todo, la película es una minuciosa representación de las costumbres pueblerinas, en un lugar donde el tiempo parece pasar lentamente y, como es habitual en la obra de Galdós, con un gran peso en la crítica política y a la anciana masculinidad, como una representación de los viejos valores (las típicas reuniones de ancianos en algún restaurante), todo contenido en una obra atípica de Buñuel.

BEFORE SUNSET * * * *

Ya no son los mismos jóvenes desde su encuentro en un ferrocarril con dirección a Viena. Los nueve años que han pasado desde entonces se ven reflejados en sus rostros. La experiencia y seguridad es notoria en sus gestos, sus miradas, sus sonrisas. El segundo encuentro de Céline (Julie Delphy) y Jesse (Ethan Hawke) será ahora en otra ciudad europea, París, luego de que en Before Sunrise (1995), primera película que los dio a conocer, prometieran volver a verse dentro de 6 meses en Viena.

Dicha cita nunca tuvo lugar, como confiesan en la secuela, Before Sunset (2004), dirigida también por el texano Richard Linklater. Quizás dicha confesión no sea del todo cierta. En Waking Life (2001), filme experimental del mismo Linklater, donde convirtió a sus actores en personajes animados con la técnica rotoscópica, vimos en un pequeño fragmento a Céline y Jesse inmersos en una de sus largas conversaciones sobre el amor y las relaciones, con una ventana abierta en la que apenas y podía verse la ciudad que tienen de fondo.

En esta secuela vemos, como en su predecesora, largos planos secuencia, en los que las palabras fluyen a través de ambos protagonistas, intercambios verbales tan naturales que parecen producto de la improvisación. El filme está lleno de diálogos que en ningún momento se interrumpen, filmados simplemente con travellings de acompañamiento, teniendo de fondo los suaves sonidos de una París tranquila.

El tiempo no ha pasado en vano. Jesse, con algunas arrugas, se ha convertido en un exitoso escritor y se encuentra promoviendo en París su último best seller, basado en su romance con Céline. En tanto, Céline trabaja como activista social y el haber leído el libro de Jesse le ha “movido” muchas cosas por dentro.

Las conversaciones nos mantienen enganchados, escena tras escena (en la calle, sentados en un café, paseando por un parque, recorriendo el río Sena en barco, etc.), mientras el suspenso va creciendo, a pesar del ritmo tranquilo que predomina en todo el filme. ¿Tomará Jesse su avión? ¿Volverán a dejar de verse por un tiempo? ¿Será la última vez que se separan?.

Lo cierto, es que puede verse la promesa de una continuación para esta historia romántica, auténtica, llena de carisma, despojada de cursilerías y sentimentalismos.

++ El filme estaba disponible en un pack junto a Before Sunrise. Ahora sólo Before Sunset puede conseguirse en una discreta edición, que incluye nada más el documental: "On the set of Before Sunset".

BOILER ROOM * * * 1/2

CALOR A LA ALZA. Giovanni Ribisi como Seth Davis. 

Giovanni Ribisi es uno de los actores jóvenes más capaces del cine estadounidense. En Boiler Room (2000), Ribisi lleva a cabo una actuación emocionalmente demandante, en un sencillo filme que narra el difícil ascenso profesional de un inteligente y talentoso joven, para quedar bien con su rígido padre.

Boiler Room fue el atractivo debut del realizador y guionista Ben Younger (su más reciente estreno fue Prime, protagonizada por Uma Thurman y Meryl Streep), en donde deja patente su habilidad para dirigir perfectamente a todo su juvenil reparto. El relato exhala adrenalina, dentro del cerradísimo espacio de unas oficinas de corredores de bolsa, a pesar de ciertos errores en su guión y discrepancias en el tono que quiso darle al filme.

De ganarse la vida sosteniendo un “mini casino” instalado en su apartamento, Seth Davis (Ribisi), tendrá que encontrar una forma decente de sobrevivir, cuando su padre (Ron Rifkin) descubra su “pequeño” negocio. La solución estará en la oferta de uno de sus amigos (Nicky Katt), ejecutivo en la correduría de bolsa que dirige junto a Jim (Ben Affleck) y Michael (Vin Diesel). El lugar está envuelto de un caótico, feroz y competitivo ambiente, donde el objetivo principal será vender y sólo vender, sin importar los métodos poco éticos, como el “arte” de engañar y presionar a potenciales compradores de acciones. Basta gritar “¡Reco!” y ahí estará una venta.

Younger logra extraer a Vin Diesel y a Ben Affleck unas pequeñas pero aceptables actuaciones, y consigue una película con un buen suspenso, logrando notablemente el “depredador” ambiente dentro de la empresa. El problema es un final poco acertado. Además, no ofrece alguna reflexión memorable sobre el tremendo mundo capitalista y competitivo que estamos presenciando, incluyendo además esos detalles racistas entre algunos personajes (la manera en que Michael, ítaloamericano, y Greg, judío, se insultan). Por el contrario, en la segunda mitad, el giro es hacia una “heist movie” policial, optando el realizador seguir así hacia la resolución.

DOT THE I * * 1/2

Los créditos desfilan frente a la pantalla, mientras se escucha de fondo “Perhaps”, canción que hiciera famosa el crooner por excelencia Nat King Coole. Dot the I (2003) juega con el punto de vista subjetivo de una cámara portátil, que toma de manera constante a sus protagonistas. La trama involucra al clásico triángulo amoroso, donde una pareja es amenazada por la sorpresiva aparición de un tercero, que puede amenazar su felicidad.

Carmen (Natalia Verbeke), temperamental chica madrileña y bailaora de flamenco, vive con su novio británico, Barnaby (James D’Arcy). Sus planes de casarse se ven temporalmente estancados cuando aparece en escena un chico brasileño, Kit (Gael García Bernal). Gracias a una costumbre francesa, que obliga a una futura esposa a besar a un hombre que no sea su prometido la noche anterior a la boda, Carmen y Kit quedan “ligados”. Barnaby se inundará de dudas y celos, mientras Carmen empieza a experimentar una creciente paranoia, al constatar que Kit no se conformará con un simple e inocente beso.

Dirigida y escrita por Matthew Parkhill, la película tiene una narración que avanza con precisión cronométrica. La historia inicial de amor y celos, toma un giro en la segunda parte transformándose en un thriller romántico, absorbente hacia la segunda mitad y que evoluciona con dificultades hacia el tercer acto, donde se revelarán no pocas sorpresas.

El problema es que el meloso inicio del filme, plagado de lugares comunes, situaciones que parecen extraídas de cualquier película romántica comercial y diálogos cursis, terminan arruinando ese aire de filme independiente que impera hacia la parte final. Hay una lograda puesta en escena y edición, así como unas buenas actuaciones por parte de los tres protagonistas, en especial de Natalia Verbeke y de Gael García, que sacan adelante sus diálogos con un aceptable inglés.

++El DVD incluye extras como ficha técnica, fichas artísticas, spot, trailer, galería fotográfica y notas de producción.

ZAPPA * * * 1/2

El realizador danés Bille August logra en Zappa (1983) el retrato crudo de una juventud frágil y problemática, adaptación de la primera novela de una trilogía escrita por la también danesa Bjarne Reuter. La película narra la conflictiva existencia de un grupo de adolescentes durante la década de los 1960, con los detalles típicos de esta etapa de la vida: el descubrimiento de la sexualidad, el primer gran amor, los juegos escolares, aparentemente, “inocentes”, etc.

De hecho, August dirigió también la secuela, titulada Twist and Shout (1984), adaptación del segundo libro de Reuter, ambientada en la frenética época de la “beatlemanía” que asaltó a Europa en los 1960. Bjorn (Adam Tornsberg) es un joven de carácter frágil, fácilmente manipulable y apasionado. Junto a Steen (Peter Reichhardt), joven problemático y violento, Bjorn se dedica a atormentar a Folke (el ahora director y guionista Jonas Elmer), un chico algo pervertido. Los tres forman una pandilla liderada por Steen, involucrada en actos vandálicos y, por supuesto, en ligues con chicas.

August justifica el comportamiento de Steen por el problemático hogar del que proviene, y su mascota adorada es un pez enorme, cuyo nombre es el que da título a la película. La dirección de August es modesta, con un mínimo de ambientación y su mayor logro es el tratamiento que hace de sus personajes. Chicos de los que, de un momento a otro, brota una violencia contenida. Son impredecibles ante el, en apariencia, amigable entorno que los rodea. Es un relato de jóvenes en busca de su propia identidad, donde los padres toman una incomprensible distancia.

La premisa es clara: la violencia de los hijos se origina desde el hogar, en una deficiente educación impartida por los padres, en la falta de atención de estos hacia sus hijos. Esto es claro en la manera en que August muestra la relación más cercana que Folke lleva con su padre. Sin embargo, Folke apenas sale inmune de las malas amistades que le rodean.

Pero August es optimista, y Bjorn tendrá en su hermano menor una salvación, el único familiar del desorientado adolescente que sabrá darle lo que necesita: un cálido abrazo, comprensión ante la crítica situación en la que se encuentra. Durante la noche de año nuevo, tan sólo les queda observar optimistas los fuegos artificiales. Quizá el próximo año sea mejor.

BATMAN BEGINS * * * * 1/2

El tan acariciado proyecto de hacer una adaptación completamente renovada y moderna de Batman, superhéroe creado por la pluma de Bob Kane, cayó en las manos del británico Christopher Nolan. Mucho se dijo que iba a ser una adaptación del cómic “Batman Year One”, de Frank Miller, para el que se tenía contemplado a Darren Aronofsky como director, capaz, según los fans, de darle un tono más obscuro y violento a Batman, luego de que la franquicia comenzada estupendamente por Tim Burton en 1989, fuera poco a poco decayendo a manos de Joel Schumacher.

Christopher Nolan (Following, Memento, Insomnia) ofrece un Batman con nuevos bríos, empezando desde cero y basándose, no nada más en el cómic “Batman Year One”, sino en “Dark Victory”, de Jeph Loeb. Batman Returns (2005) retoma el camino iniciado por Tim Burton, regresando al “hombre murciélago” esa dimensión sumamente oscura, enigmática y psicológicamente torcida, en un superhéroe que parecía no tener ya nada que ofrecer.

El filme se concentra en los orígenes de Batman partiendo de su niñez, con un guión escrito por David S. Goyer (autor de la trilogía de Blade) y que tiene como tema principal el miedo, una emoción que Bruce Wayne (Christian Bale) debe aprender a dominar para dar origen a su alter ego “Batman”.

Liam Neeson recuerda al maestro Jedi de la nueva trilogía de Starwars, como el maestro de Wayne, quien lo introduce, en las lejanas regiones del Tibet, en los secretos de la secta “La Liga de las Sombras”, liderada por Ra’s Al Ghul (Ken Watanabe).

La corrupta y decadente Ciudad Gótica es, en realidad, la ciudad de Chicago. Nolan aprovecha sus rascacielos en magistrales tomas aéreas, para transformarla en una caótica metrópoli, llena de callejones tétricos que recuerdan a la ciudad de Dark City, cuyo guión estaba escrito también por S. Goyer.

Una red de narcotráfico encabezada por el mafioso Falcone (Tom Wikilson), el villano de rigor en el “Espantapájaros”, encarnado por un soberbio Cillian Murphy y una enardecida “Liga de las Sombras”, serán varios de los obstáculos que Batman tiene que vencer. Por otro lado, Michael Caine encarna al que es, en mi opinión, el mejor y más carismático de todos los “Alfreds”.

El peso dramático de la película no nada más reside en el miedo, sino en el sentimiento de culpa experimentado por Bruce ante la muerte de sus padres, agregando personajes nuevos como Lucius Fox (Morgan Freeman), una especie de adaptación del “Q” de James Bond a la historia de Batman, mientras Gary Oldman interpreta al jefe de policia más racional y de aire intelectual que se haya visto antes. Ni qué decir del “batimóvil”, ahora una especie de vehículo-tanque que arrasa con todo a su paso.

Tenemos una de los mejores películas en la historia fílmica del superhéroe de la DC Comics. Es un Batman más dinámico, más temible y complejo, en una trama que se dedica, la mayor parte del tiempo, a analizar en profundidad al superhéroe en todas sus facetas, junto a unas excelentes escenas de acción.

En el clímax final, Nolan envuelve al personaje de un aire surreal, de una nueva dimensión fantástica, que ha llevado, según las buenas críticas recibidas hasta ahora, a una gran secuela, The Dark Night, estrenada este viernes 18 de julio.

++The Dark Night se estrena en España el próximo 13 de agosto.
++Batman Begins está disponible en varias ediciones en DVD: Blu-ray, HD-DVD, algunas ediciones de coleccionista, una de ellas de dos discos que incluye:
* Cómic interactivo exclusivo
* "BATMAN - Comienza el viaje": Concepto, diseño y desarrollo de la película y el reparto artístico de BATMAN
* "BATMAN: La reinvención del BATIMOVIL"
* Salvando a GOTHAM: El desarrollo de las maquetas, CGI y los efectos especiales de la escena de la persecución del monorail.
* Formando el Cuerpo y la mente: La transformación de Christian Bale en BATMAN.
* El resurgir de Ciudad Gótica: La creación de la CIUDAD DE GOTHAM, la BATI-CUEVA, WAYNE MANOR y más.
* Génesis del murciélago: Una mirada a la encarnación de BATMAN y la influencia de la película.
* Archivos confidenciales: Ve más allá y descubre aspectos e historias que no encontrarás en la película.
* Galería de fotos.
* Acceso a la Web.

ALPHAVILLE * * * 1/2

La ciudad de Alphaville pertenece a otro mundo, quizás a una realidad alterna. Es un lugar instalado en algún futuro no muy lejano, donde las cosas tienen un caótico orden. Alphaville (1965), filme de Jean-Luc Godard, es un frío relato de ciencia ficción, cuya inspiración más evidente es el libro “1984” de George Orwell, relato sobre un enorme sistema informático que controla y domina la sociedad del futuro.

La acción se desarrolla en un angustiante escenario, poblado por humanos robotizados, a los que se les tiene prohibido expresar cualquier tipo de emoción o sentimiento. Ni siquiera conocen la palabra “amor” y las atractivas empleadas del hotel donde se hospeda Lemmy Caoution (Eddie Constantine), un detective privado norteamericano, son unas autómatas cuyo único objetivo es complacer a los huéspedes en todos los aspectos.

Godard, como máximo representante de la Nouvelle Vague, combina hábil e inteligentemente un clásico relato detectivesco, entre el hard-boiled y el film noir, con la ciencia ficción futurista. Lemmy llega con una misión a la extraña ciudad, que irá más allá de asesinar a un renombrado científico, Von Braun, cuando se vaya sumergiendo en sus rincones y se de cuenta que es la representación de la peor de sus pesadillas.

La cámara en mano en la filmación de ciertas escenas (típica del cinema verité), la edición arbitraria, rítmica y sorpresiva; la importancia del sonido y la improvisación mientras filma a sus actores corriendo por la calle, etc., todo distintivo del estilo de Godard, están presentes. Pero Alphaville será, ante todo, una historia de amor, desde el momento en que Lemmy se imponga, por encima de su deber, la salvación de una bella chica, Natacha Von Braun (Anna Karina), quien como muchos alphavilleanos no conocen nada del “mundo” exterior.

El profesor Von Braun luce, la mayor parte del tiempo, como un antecedente de la HAL-9000 de 2001: Space Odyssey, una luz roja hipnotizante, a través de la cual se comunica por todas las vías posibles y con una respiración que recuerda a la de Darth Vader.

Debido a la extraña fuerza que domina a todos los habitantes de Alphaville, la premisa de la película, escrita por el mismo Godard basándose en un poema de Paul Eluard, tenia que ver con el rompimiento de las ataduras intelectuales, racionales y tecnológicas, que rigen a los habitantes de Alphaville, usando la fuerza del amor y el sentimiento.

NORTHERN LIGHTS * * * 1/2

Música escocesa secuencia tras secuencia, paisajes de la campiña norteamericana que quitan el habla, todo filmado con una bellísima fotografía en blanco y negro, logra el registro de un acontecimiento en apariencia minúsculo e insignificante en Northern Lights (1978), dirigida por John Hanson, Martin Lavut y Rob Nilsson.

Este pequeño pero bello trabajo, empieza con un tono documental ligero y agradable, en el que un anciano, Ray Sorensen, quien murió en 1977, poco después de terminada la producción, empieza su narración en off mientras realiza actividades de lo más cotidianas. Nos contará cómo fue, en su juventud, uno de los acontecimientos más importantes en su vida.

Interpretado en la juventud por un excelente Robert Behling, Sorensen fue un granjero de origen sueco, que en 1915 formaría con otros granjeros vecinos de Dakota del Norte la llamada Liga Independiente (algo así como el antecedente de la “Farm Security Administration” de los años 1930), para defenderse de las limitantes económicas que imponían los comerciantes y de la indiferencia de los bancos, durante una época tan crítica para la economía debido a la Primera Guerra Mundial.

El filme empieza como un documental con la melancólica presencia del anciano Sorensen, que se encuentra escribiendo a máquina sus memorias del acontecimiento. A manera de flash back inicia la dramatización de lo que Sorensen narra. El filme es una suerte de documental que intenta dramatizar, sin efectismos de ningún tipo y un tono sumamente ligero, la vida de Sorensen en Dakota, muy cerca de la frontera con Canadá. Sus vecinos, en su mayoría inmigrantes suecos y noruegos, padecen también la crisis causada por la conflagración mundial.

Fotografiada magistralmente por Judy Irola, el filme dará cuenta de la vida familiar de Sorensen. La muerte de su padre está filmada con una belleza arrolladora, bajo una cruz, en medio de un vasto campo de trigo.

La formación de la Liga Independiente, complicada y conflictiva por el desánimo y pesimismo de muchos granjeros, trabajosamente pudo lograrse. Toda la película gira casi exclusivamente en torno a la formación de La Liga Independiente, pero las imágenes finales del anciano Sorensen, con su semblante nostálgico, triste, pero haciendo ejercicio en el suelo como alma joven en plena efervescencia, son conmovedoras y ayudan a comprender que el amor hacia su esposa y la formación de la Liga, fueron las dos únicas cosas que dieron sentido a su longeva existencia.

ZABRISKIE POINT * * *

Con Zabriskie Point (1970) Michelangelo Antonioni tuvo su debut en el cine estadounidense, y lo hizo de una forma tan provocadora y crítica, que la película terminó siendo pobremente recibida en su momento por el público norteamericano. El reflejo que hacía de la juventud de los E.U. era desolador. Según el discurso planteado en el filme, la juventud era víctima del sistema y de la brutalidad policiaca, pero también es el retrato de una juventud nihilista, rebelde e impetuosa.

El título alude a una zona del desierto de Arizona, al que llegan Mark (Mark Frechette), joven universitario y Daria (Daria Halprin), una secretaria que labora en el ramo de la construcción. Ambos buscan, de alguna forma, romper con lo establecido, ir en contra del sistema. En Zabriskie Point (zona en la que dicen había varios ríos en la prehistoria) se enamoran en una escena delirante, en la que coinciden con otros seres que parecen producto de algún espejismo o alucinación.

La banda sonora es muy rescatable, con música de Pink Floyd, The Grateful Dead, Kaleidoscope, Rolling Stones, John Fahey, The Youngbloods y Patti Page, todo un banquete musical, que sirve de fondo para una película que adolece el tener una historia demasiado floja para su fuerte tono de denuncia. El debate que sostenía un grupo de universitarios, estaba filmado como si fuera un documental. Éramos testigos de las acaloradas discusiones que sostenían los chicos en torno al racismo, donde se presentaba Mark diciendo: “Moriré, pero no de aburrimiento”, una sencilla frase que definía su actitud rebelde y transgresora, un símbolo de lucha contra los excesos policíacos.

Desafortunadamente, la historia de Mark y Daria acaba disuelta a la mitad del filme, perdiéndose en los desérticos paisajes de Arizona. El filme, escrito también por Antonioni, era el reflejo de la contracultura juvenil de los 1960, en sus menciones a la guerra de Vietnam y la cultura armamentista de los E.U., del racismo, los hippies, etc.

Antonioni concluía su obra con las fantasías violentas y terroristas de Daria, en esa explosión filmada desde distintos ángulos y que parece interminable, para dar lugar a una música tranquila poco después. Zabriskie Point es una obra de transición en la carrera fílmica del fallecido Antonioni, no tanto temáticamente, sino desde un punto de vista formal y crítico a los E.U.

HELLBOY * * * *

Pocas veces un héroe extraído directamente del universo de los cómics resulta ser simpático y poderoso al mismo tiempo. Hellboy (2004), adaptación de la novela gráfica creada por Mike Mignola, es la historia de un demonio que llega desde el infierno a la Tierra por accidente, por un ritual hecho por los nazis durante la Segunda Guerra Mundial. Su adaptación al cine se debe a la iniciativa del realizador mexicano Guillermo Del Toro, confesado fanático del cómic y que fue capaz de imprimirle su fantástica visión, a pesar de que la novela gráfica es de un estilo visual, más bien, minimalista, con apenas y algo de color.

Del Toro gozó de tal libertad creativa para la realización de la película (escrita por él junto a Mike Mignola), que en ella se aprecia una perfecta combinación entre los elementos del cómic original y otros de la imaginería propia del cineasta, como las complejas maquinarias y engranes (trabajadas desde su magnífica Cronos), presentes tanto en ese temible villano nazi mecánico como en muchos escenarios; los arcángeles, insectos, etc. Lo mejor, es que su estilo personal en ningún momento se nota en conflicto con la espectacular y obscura historia original de Hellboy.

Para encarnar al musculoso demonio con alma de adolescente irresponsable, que se pule los cuernos para lucir menos “diabólico”, Del Toro recurrió a su actor fetiche, el cariduro Ron Perlman. Debajo de todo el maquillaje que tuvo encima, Perlman logra una buena actuación y su personalidad no deja de sentirse. Hellboy trabaja para la división de lo Oculto y Paranormal del FBI. Una de sus mayores ilusiones, es reunirse con su antigua compañera, Liz Sherman (Selma Blair), una chica mutante con el poder de generar fuego y grandes explosiones.

Hellboy fue criado desde pequeño por el profesor Trevor Bruttenholm (irreconocible John Hurt), especialista en ocultismo y que trabaja en la división paranormal del FBI, en colaboración directa con un hombre-pez (Doug Jones), aficionado a comer huevos podridos y con capacidades psíquicas. El villano en turno será el mismísimo Rasputín (Karel Roden), quien desea formar un ejército del mal a la hora de que sobrevenga el Apocalipsis,...lo cual ocurrirá muy pronto.

Puede verse a Hellboy como una reelaboración de la historia de La Bella y la Bestia, pero inmerso en el universo de seres infernales y mutantes. Hellboy es un superhéroe al que le pesa muchísimo serlo, cada vez que tiene que asumir sus responsabilidades. Su guapa chica no sufre menos, ya que vive torturada por unos superpoderes que también le pesan mucho. Nuestro héroe es como un conflictivo adolescente, peleado con la disciplina de su padre-adoptivo, aficionado a los gatos y a los puros.

Divertida y con excelentes efectos especiales, Hellboy tiene una gran virtud en su historia de superhéroes: su capacidad de no tomarse muy en serio. El demonio rojo es capaz de burlarse de sí mismo cada vez que abre la boca, de tomarse con humor lo poco agraciado que es al verse al espejo.

Y al haber visto la excelente secuela recientemente estrenada, a Del Toro puede tenérsele una fe ciega en que los próximos filmes de Hellboy irán siendo mejores.

++ Fue tal el éxito de Hellboy, que puede conseguirse en varias ediciones en DVD, como la especial en UMD, la versión del director, la edición en Blu-ray, edición especial en Cinemascode, y una edición especial con 2 discos. Está última, por ejemplo, tiene extras como: Vídeo de introducción por Selma Blair, Hellboy: “La Semilla de la Creación (aprox. 2 horas), Un detallado reportaje sobre la creación de la película. Incluye el origen del cómic, prótesis, efectos visuales, diseño de decorados, especialistas, y mucho más..., escenas eliminadas, con el comentario opcional de Guillermo del Toro, biografías de los personajes escritas por el director, Motion Board-a-matics, animatics, comparaciones multi-ángulo con el storyboard, maquetas en 3-D, trailers y anuncios de TV, filmografías, documentales, vídeo de introducción por Guillermo del Toro, comentario de audio de los creadores: Guillermo del Toro (Director) y Mike Mignola (coproductor ejecutivo),comentario de audio del reparto: Ron Perlman, Selma Blair, Jeffrey Tambor y Rupert Evans, branching DVD - Comics dibujados por Mike Mignola, “La Mano Derecha del Destino”; visitas al plató, “Desde el Estudio” Hellboy recomienda... cortos animados de Gerald McBoing Boing, DVD-ROM, guión original para imprimir, libro del supervisor del guión, cuaderno de notas del director y un gran etcétera.

++ Hellboy 2: The Golden Army se estrena en España el 29 de agosto.

THE WEATHER MAN * * * 1/2

En The Weather Man (2005), realizada por Gore Verbinsky, vemos a Nicolas Cage en un papel hecho a su medida, interpretando a David Spritz, un sujeto dedicado a dar el pronóstico del clima en uno de los noticiarios matutinos más populares en Chicago, presentando frente a la cámara el mejor de sus rostros y sonrisas.

Detrás de esa facha prefabricada, existe un hombre lleno de problemas, está separado de su esposa (Hope Davis), su hijo mayor apenas tiene contacto con él y su tímida hija sufre burlas y apodos en la escuela. A su padre (Michael Caine, espléndido), escritor exitoso y ganador del premio Pulitzer, le han diagnosticado cáncer, y David quiere seguir su ejemplo intentando escribir una novela. Pero lo más duro que tiene que aguantar, es el desprecio de su “respetable” público, que al menor descuido le arrojan cualquier tipo de bebida y comida chatarra en la calle, o lo critican al verlo en televisión.

El filme de Verbinski (escrito por Steve Conrad), es una mezcla de comedia urbana y melodrama familiar, cercana a las historias existenciales de Alexander Payne (About Schmidt, Sideways), que en su parte cómica (la comida que le arrojan a David en la calle, las discusiones con su esposa, las sesiones de terapia matrimonial, etc) no llega a ser tan buena como en su parte melodramática.

Por debajo de sus destellos humorísticos, se encuentra una película profundamente honesta con todos sus personajes. The Weather Man es la crónica existencial de un ser que antes de superarse, de dar el gran paso en su carrera, deberá arreglar asuntos pendientes en su vida. A pesar de lo patético que pueda ser, David intenta ser un mejor padre y un mejor hijo.

Para Verbinski resulta un giro en su filmografía, un especialista en divertimentos comerciales como Mousehunt, The Ring, la franquicia de Pirates of the Caribbean. En The Weather Man, por el contrario, hay una realización más mesurada, en esos planos fijos que abundan en la primera parte, en la tranquila e inocente actuación de Michael Caine o en la fría fotografía de Phedon Papamichael.

Sin embargo, lo notable de Verbinski es haber conseguido algo que sólo los hermanos Coen (Raising Arizona), Mike Figgis (Leaving Las Vegas) o Spike Jonze (Adaptation) han logrado: sacarle a Nicolas Cage una destacada actuación.

++Los extras del DVD incluyen "Una perspectiva ampliada: el Guión", "Previsión: Convertirse en Hombre del Tiempo", "Presión Atmosférica: el Estilo y la Gama", "Humedad Relativa: los Personajes", "Vientos de Cambio: la Colaboración" y tráiler de cine